Con Anime Nere, Francesco Munzi adatta per il grande schermo l’omonimo romanzo di Gioacchino Criaco, portando sullo schermo una Calabria sospesa tra realismo e tragedia familiare. Presentato in concorso alla Mostra del Cinema di Venezia nel 2014, il film si inserisce nel solco del cinema italiano contemporaneo che tenta di affrontare la criminalità organizzata con uno sguardo più intimo e antropologico, lontano dalle mitologie di genere. Munzi sceglie di raccontare la violenza non attraverso la spettacolarità, ma attraverso la quotidianità, la lentezza, i silenzi e i volti di un Sud che sembra immobile da sempre.

Ambientato tra Milano e l’Aspromonte, Anime Nere segue la storia di tre fratelli – Luciano, Luigi e Rocco – uniti dal sangue ma separati da tutto il resto: dal modo di vivere, dalle scelte morali, dal rapporto con le proprie radici. Il ritorno del più giovane, Leo, nel paese d’origine accende una scintilla che riporta in superficie vecchi rancori, ferite mai chiuse e un destino che sembra già scritto. La faida che ne scaturisce, nata da una banale lite tra ragazzi, diventa il detonatore di un dramma più grande, dove la famiglia e la criminalità si confondono in un intreccio indissolubile.

Tra realismo e costruzione filmica: la Calabria come personaggio

La regia di Munzi è sobria, quasi ascetica. La macchina da presa resta vicina ai volti, indugia sui gesti e sulle pause, senza cercare virtuosismi. La fotografia livida, curata da Vladan Radovic, restituisce un’idea di Sud lontana dai cliché turistici: le montagne dell’Aspromonte diventano un luogo dell’anima, una prigione naturale che inghiotte i personaggi nel silenzio e nella polvere. Questo approccio quasi documentaristico dà al film un tono neorealista, in cui la “verità” visiva e linguistica è la priorità assoluta.

Gli attori – Marco Leonardi, Peppino Mazzotta, Fabrizio Ferracane e Barbora Bobulova – contribuiscono in modo decisivo alla credibilità del racconto. Le loro interpretazioni si muovono tra naturalezza e disperazione, restituendo l’autenticità di un’umanità ferita, intrappolata tra senso dell’onore e condanna sociale. È un cinema che vuole “osservare” più che spiegare, e che fa del dialetto, dei silenzi e delle espressioni dei volti il suo linguaggio principale.

Tuttavia, questa ricerca di verismo finisce per diventare anche il limite dell’opera. Munzi sembra rinunciare alla costruzione drammatica per privilegiare l’osservazione, ma così facendo priva il film di un vero arco narrativo. Il risultato è un racconto che procede per quadri, suggestioni e momenti isolati, più vicino alla cronaca che alla tragedia cinematografica.

Una famiglia come metafora del Sud

Al centro di Anime Nere c’è una famiglia, ma non nel senso classico. È una famiglia frammentata, lacerata dall’appartenenza, in cui la criminalità non è solo un contesto ma una condizione ereditaria. Munzi e Criaco costruiscono una metafora della Calabria contemporanea, dove la colpa e il destino si tramandano come un patrimonio oscuro, e dove la “famiglia” è al tempo stesso rifugio e condanna. Il tema della trasmissione del male – dal padre ai figli, dai fratelli ai nipoti – è trattato con una certa efficacia, ma senza la profondità psicologica necessaria per farlo esplodere davvero sullo schermo.

L’evento scatenante – la lite fra ragazzi che degenera in una faida – appare più come un pretesto narrativo che come un momento di reale tensione drammatica. Il film sembra più interessato a mostrare le conseguenze della violenza che le sue cause. Il risultato è una rappresentazione credibile sul piano estetico, ma meno incisiva su quello emotivo. Manca la costruzione del mito tragico, quella forza epica che ha reso grandi altre opere dello stesso filone, da Gomorra a Il traditore.

Munzi evita accuratamente ogni spettacolarizzazione, ma nel farlo rischia di spogliare la storia di potenza simbolica. Il suo sguardo, rigoroso e freddo, restituisce una Calabria reale ma priva di respiro narrativo. Il film diventa così una fotografia perfetta ma immobile, un quadro che non riesce a farsi carne e sangue.

Tra ambizione e limite: un film riuscito a metà

Nonostante i limiti di scrittura, Anime Nere resta un progetto importante nel panorama del cinema italiano degli ultimi anni. La sua forza risiede nel tono autentico, nella capacità di restituire una lingua e una geografia morale. La sua debolezza, invece, è tutta nella mancanza di evoluzione: i personaggi restano prigionieri di se stessi, senza che lo spettatore riesca a trovare in loro un vero rispecchiamento o una catarsi.

L’opera si chiude così come si apre, con lo stesso senso di condanna e impotenza.
L’aspirazione di Munzi a raccontare “la verità” del Sud si traduce in una compostezza formale che, pur suggestiva, finisce per anestetizzare l’emozione. Ne emerge un film sospeso tra cinema d’autore e realismo televisivo, bello da vedere ma difficile da amare.

Eppure, Anime Nere rimane un tassello significativo nel racconto cinematografico della Calabria: un tentativo sincero di restituire dignità a un territorio troppo spesso frainteso o ridotto a stereotipo. Il film non riesce a essere la grande epopea criminale che prometteva, ma resta un documento di verità e una testimonianza di coraggio autoriale.

Arriva in Concorso alla 71esima edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia l’ultimo film di Ramin Bahrani, 99 Homes, che vede protagonisti Andrew Garfield e Michael Shannon. Un padre (Andrew Garfield) lotta per riavere indietro la casa da cui la sua famiglia è stata sfrattata, lavorando per l’agente immobiliare (Michael Shannon) causa di ogni sua frustrazione. Il film è ambientato in Florida, ad Orlando, patria per eccellenza dei vacanzieri e del divertimento per tutta la famiglia. Anche qui è arrivata la crisi che si manifesta sotto forma di crollo dei mutui e di conseguente sfratto di moltissime abitazioni nella zona residenziale di Orlando.

In un universo cinematografico popolato da supereroi e super cattivi, sia Shannon che Garfield hanno trovato il loro posto, eppure per la fortuna della settima arte i due si spendono anche in ruoli impegnati, altri progetti e storie differenti, come 99 Homes. Nel film Michael Shannon presta il suo volto particolare ad un villain di lusso, un uomo che non fa mai il lavoro sporco ma che è dietro alla sofferenza di molte vittime, tra le quali Garfield stesso, che prova a risollevarsi passando dal lato dei carnefici. Bahrani racconta con occhi attenti le dinamiche personali e imprenditoriali che muovono i personaggi e soprattutto si sofferma, trovando grande supporto nella performance di Andrew Garfield, sul tormento interiore del giovane protagonista intrappolato tra il desiderio di fare la cosa giusta e l’esigenza di essere all’altezza del compito di capo famiglia per il figlio e la madre.

Bahrani assume uno sguardo curioso, che investiga le vite coinvolte nella vicenda e che ci mette di fronte alla totale impotenza delle persone doppiamente vittime, di un sistema e di squali senza scrupoli. 99 Homes tratteggia un quadro tragico della vita quotidiana dopo il crollo finanziario degli anni passati, una vita che, a quanto pare, soprattutto negli USA, rivela i profondi contrasti di una nazione fondata “dai potenti per i potenti”.

La ragazza del dipinto – Un dipinto del 1779 ritrae una ragazza bianca e una nera. Quest’ultima è Dido, nobildonna mulatta che ai tempi della schiavitù riesce a reclamare un’inedita posizione tra i privilegi del rango e la diversità della sua condizione.

Tratto da una storia vera, La ragazza del dipinto – Belle in originale – racconta una pagina storica poco nota e davvero affascinante, quella di Dido Elizabeth Belle Lindsay, figlia mulatta di un ammiraglio della marina britannica e di una schiava. Dopo la morte della madre della bambina, l’ufficiale riconosce legalmente la figlia e la affida alle cure dello zio, il Conte di Mansfield, giudice supremo della corte britannica.

Dido cresce come una ragazza aristocratica con la cugina Elizabeth, ma dovrà confrontarsi con le discriminazioni inevitabili a causa del colore della sua pelle.

La ragazza del dipinto, un film sofisticato

Nell’anno della consacrazione di 12 anni schiavo, il tema della schiavitù viene declinato in maniera sofisticata nella pellicola diretta da Amma Asante senza cedere alla retorica dietro l’angolo. Se infatti non mancano elementi del repertorio austeniano come matrimoni combinati, gentiluomini dalla cospicua rendita e nobildonne in cerca di marito, il contesto sociale si arricchisce di temi drammatici e toccanti.

La posizione della giovane Dido è ambigua: non può cenare con la famiglia, ma il suo rango è troppo elevato per la servitù; è altamente istruita, suscita curiosità e disprezzo, eppure diventa oggetto di interesse per via della sua condizione di ereditiera.

Una figura di donna complessa, indipendente e moderna, che rivendica la propria libertà e cerca di dare una voce a chi non la possiede con l’aiuto di un giovane avvocato idealista. Al centro della vicenda è il caso della nave negriera Zong, che gettò in mare 142 schiavi incatenati per ottenere l’assicurazione sulle perdite subite. Un caso che spalancò le porte dell’abolizione della schiavitù nel Regno Unito.

La ragazza del dipinto recensione, il cast

La ragazza del dipinto si avvale di uno splendido cast. Gugu Mbatha-Raw è la perfetta protagonista di questo film, affiancata da solidi veterani (Tom Wilkinson, Emily Watson, Penelope Wilton e Miranda Richardson) e da talentuosi coetanei: da Sarah Gadon che interpreta l’ingenua cugina, a Sam Reid, che veste i panni dell’appassionato avvocato John Davinier. L’alchimia tra i due protagonisti è notevole, offrendo non solo la parentesi romantica della vicenda ma ritraendo due anime affini anche sul piano intellettuale.

Con le incantevoli scenografie e i meravigliosi costumi, la pellicola di Amma Asante poggia su una ricostruzione storica impeccabile ed è accompagnata dalle straordinarie musiche del premio Oscar Rachel Portman.

Nella sua cornice romantica e avvincente La ragazza del dipinto tocca con profondità il contrasto di classe, il dramma della donna in un tempo in cui poteva solo diventare proprietà di un uomo, nonché nobili ideali rivendicati contro il potere, riuscendo a intrattenere e informare lo spettatore con un ammaliante tocco poetico.

Renato De Maria porta sullo schermo il romanzo autobiografico di Aldo Nove, che dice averlo così colpito da esserne rimasto ossessionato per le immagini evocate da quella storia drammatica ma incredibilmente visionaria. E le immagini, anche se alla lunga divengono reiterate e a tratti auto-manieriste, sono l’unica cosa che sembra funzionare nel film. Ma non bastano buone intuizioni visive, o espedienti che rimandano alla video-arte e al teatro, a tenere in piedi una non-storia, fatta di riflessioni intime, di fragilità emotiva, di pulsioni incontenibili.

Ne La vita oscena Andrea, ragazzo fragile, sensibile e legatissimo alla madre, vive una vita tranquilla, cullato in un’adolescenza che sembra non voler finire. Ma la morte della donna a seguito di una malattia incurabile e quella improvvisa del padre, lo gettano in una situazione nuova e in un dolore incolmabile. E’ l’inizio di un viaggio verso il basso, fatto di droghe, sesso e di una ricerca ossessiva della morte. Solo il suo amore per la poesia e la scrittura potrà forse salvarlo.

La vita oscena, il film

Sono lontane le felici intuizioni vicine alla grafica e al fumetto che De Maria aveva saputo dosare nel lontano 2001 in Paz e, nonostante la dichiarazione d’intenti, il mondo pop di Andrea, onirico, distorto, colorato, fatto di skateboard, graffiti e pornografia, diviene un qualcosa da esibire in maniera pretenziosa, elitaria, sciorinata. La voce fuori campo del protagonista incombe sulla totalità della narrazione, annientando la spontaneità delle situazioni e divenendo in alcuni momenti pericolosamente didascalica, se non inutile. Le battute pronunciate dagli attori sono ridotte all’osso e fanno da scarna punteggiatura alla voce pensiero di Andrea, sminuendo ulteriormente interpretazioni scialbe e prive di carattere.

La storia de La vita oscena è un filo sottilissimo, quasi inesistente, che certamente non aiuta i tanti personaggi, così esili da essere trasparenti, insignificanti, quando non si riducono in macchiette, come le numerose prostitute con le quali Andrea si intrattiene. Durante la narrazione ci si chiede continuamente quando arriverà una svolta, un qualcosa di significativo, un episodio che finalmente possa dar vita al film; si spera questo nei primi dieci minuti, si continua a farlo per altrettanti e infine si rimane amareggiati nel rendersi conto che tutta la storia, se di storia si può parlare, sarà portata avanti in questo modo, senza più sorprese. Così la noia sopraggiunge e ci accompagna sferzante e beffarda fino a un finale che definire banale è dir poco.

Si respira poi una straniante e fastidiosa sensazione di già visto, forse dovuta anche alla presenza di Isabella Ferrari e all’uso di sequenze amatoriali in super8 e di vecchie fotografie, che riporta la mente ad altri film italiani che seguono la stessa codifica, per non dire la stessa deriva, come E la chiamano estate di Paolo Franchi. Che sia una nuova preoccupante tendenza del nostro cinema?