Tradito dalla sua stessa specie e lasciato a morire su un pianeta desolato, Riddick lotta per la sopravvivenza contro i predatori alieni e diventa più potente e pericoloso che mai. Dopo aver fatto dei cacciatori di taglie delle pedine per il suo piano di vendetta, scatena una feroce rappresaglia prima di tornare al suo pianeta natale di Furya e salvarlo dalla distruzione.

Nove anni fa abbiamo lasciato Riddick a capo dell’impero Necromonger e scoprire di appartenere alla razza Furiana, dopo un breve prologo della sua giunta in questo pianeta alieno, vediamo una piccola parentesi di quel mondo personificato dal Vakoo di Karl Urban. Inseguito la sceneggiatura anziché riprendere le trame della storia dei Furiani, preferisce ritornare a una struttura più simile a Pitch Black che richiama le atmosfere di film quali Dune.

Riddick, il film

I primi minuti del film procedono con estrema lentezza all’esplorazione di questo mondo alieno ed estremamente ostile in cui il ricercato più spietato del cosmo cerca di sopravvivere con il suo innato spirito da predatore e che pian piano riesce a conquistare grazie all’addestramento che si impone per ritornare ad essere “l’animale” delle origini. Quindi vediamo un Riddick vicino alla sua natura selvaggia e mostrando così nella prima mezz’ora le forti doti visive del regista e produttore David Twohy, che predilige primi piani e dettagli ma anche vari tipi di angolazioni e rallenty per catturare l’attenzione dello spettatore e seguire i perfetti movimenti del cacciatore. Ma anche all’impiego di numerosi effetti visivi ed una fotografia satura, che ci fornisce anche una forte caratterizzazione geografica.

Superata la mezz’ora del film si assiste all’azione che contraddistingue la serie di Vin Diesel, la sceneggiatura punterà alla lotta del nemico comune e alla caratterizzazione dei personaggi nei vari ruoli. Le scene splatter così come il taglio veloce e le atmosfere di tensione faranno da registro per il resto del film. I momenti di forte azione saranno alternati dalle battute esilaranti agli atteggiamenti spavaldi in cui Vin Diesel ormai è completamente a suo agio, conquistando così la simpatia del pubblico, che con il suo tono sbruffone e sopra le righe ribadisce il marchio della serie. Difatti sarà l’unico a spiccare per interpretazione all’interno del cast che nonostante tutto fornisce una buona recitazione. Brava Katee Sackhoff, l’unico personaggio femminile, nella veste di un freddo mercenario dal pungo facile e oggetto di numerose battute da “caserma”, ma anche Jordi Mollà nel ruolo del mercenario attaccabrighe che trova il suo esatto opposto nel metodico Matt Nable, che sin dai primi minuti in scena porterà il suo contribuito di collegamento agli altri film della serie.

Riddick chiude alcune parentesi a cui era legato il protagonista per dedicarsi ai probabili sequel che avrà il killer dello spazio. Ma il film manca l’appuntamento con una sceneggiatura sviluppata e costruita, lasciando che l’azione sia riversata solo alle ben orchestrate scene di lotta e alle battute; facendo apparire così, l’intero film come una parentesi tra il secondo e un eventuale quarto film della saga e non contribuendo allo sviluppo del personaggio Riddick e i suoi viaggi tra pianeti.

«Il nostro non è un Paese attrezzato per il futuro» a sentir parlare il professore di Stella (Alba Rohrwacher) sembra non sia passato neanche un giorno da quella Meglio Gioventù raccontata da Marco Tullio Giordana proprio dieci anni fa. E infatti le cose sono rimaste immutate. O se possibile, sono peggiorate. Con il fiato sospeso è un pugno allo stomaco che mette k.O. e che segue le vicende di una giovane laureata in Farmacia, Stella, che decide di dedicare la propria vita al suo unico grande amore: la ricerca.

Stella passa tutte le sue giornate rinchiusa nei laboratori di chimica dell’università di Catania fieramente convinta di perseguire chissà quale alto ideale. A farle da contro altare c’è la coinquilina Anna che, disillusa nei confronti dell’amore per la ricerca che le procurava solo ansia e frustrazione, ha deciso di lasciarsi alle spalle quel tipo di carriera per godersi un po’ la vita suonando in un gruppo indie rock.

Voce narrante (Michele Riondino) di questo diario a cuore aperto è un altro ragazzo, sempre ricercatore, che ripercorre entusiasmi, facili scoramenti e drammi di una gioventù distrutta dalle istituzioni, quelle stesse istituzioni su cui aveva fatto affidamento per garantirsi un futuro. Il ritmo è quello serrato del thriller in cui si viene a scoprire che un Paese padre e padrone ha rubato il futuro ai propri figli. A rendere ancor più drammatica una verità già di per sé amara c’è il fatto che gli eventi narrati nel documentario (in perfetto stile mokumentary americano, a metà tra la finzione cinematografica e la verità documentaristica) sono realmente accaduti: Costanza Quartiglio, già vista dietro la macchina da presa con ottime prove come Terramatta e Il mio cuore umano decide infatti di raccontare i fatti della Facoltà di Farmacia dell’ateneo di Catania il cui laboratorio, nel 2008, fu messo sotto sigilli in seguito a procedimenti giudiziari avviati dopo le denunce seguite a decessi per tumori e malattie contratte dai ricercatori.

Tuttavia quello che ci si trova di fronte non è uno j’accuse in pieno stile: alla Quartiglio infatti, più che scendere nel merito delle vicende giudiziarie legate all’inchiesta e alla cronaca interessa andare oltre e portare su schermo un messaggio chiaro e forte: di sogni (e di futuro) si muore.

In trentacinque minuti la Quatriglio, che nonostante l’ottima filmografia alle spalle ha incontrato talmente tante problematiche da decidere di autoprodursi (in corso d’opera sono subentrate Jolefilm e Istituto Luce) volge lo sguardo verso un Paese, un tempo grande, che non riesce più a dare una risposta di speranza ai propri figli ma che anzi rischia di fagocitarli. La storia, raccontata nel diario del ricercatore malato di tumore che prima di morire decide di denunciare l’insalubrità del luogo di ricerca, è metafora della condizione di una generazione intera, tumore interna a un corpo, l’Italia, che se continua a ignorare la malattia finirà per morire.

Con il fiato sospeso partecipa il 31 agosto fuori concorso alla sezione Orizzonti della settantesima Mostra di Venezia.

Dopo lo spinoso e attuale tema della violenza domestica sulle donne, il Festival di Venezia propone, in concorso, Night Moves, un altro film dal tema universale e attuale: la difesa dell’ambiente.

Protagonisti di Night Moves,  questa storia dai risvolti thriller sono tre ragazzi, con storie molto diverse alle spalle ma con in comune la grande passione per la difesa dell’ambiente e del Pianeta Terra. Harmon è un ex marine, che ha sviluppato, nella sua esperienza bellica, un particolare astio verso l’istituzione. Suo amico di vecchia data, Josh appartiene al ceto medio, lavora in una fattori biologica e il suo impegno sociale e ambientale è innato nella sua persona tanto da renderlo disposto a fare qualunque cosa. Ai due si unisce Dena, giovanissima signorina altolocata che si è allontanata dall’alta società in cui è cresciuta per cercare uno stile di vita più genuino e per perseguire le proprio cause.

Night Moves, il film

Nella storia, raccontataci dalla regista Kelly Reichardt, lo spettatore è catapultato in un racconto che fatica ad ingranare, rivelandosi solo a mezz’ora dall’inizio con maggiore chiarezza. I due protagonisti, imprigionati in ruoli così diversi dai loro consueti personaggi, faticano un poco ad entrare in parte, e se Dakota Fanning fa un po’ meglio di Jesse Eisenberg, quest’ultimo si limita a mettere su un’espressione spigolosa e un atteggiamento taciturno che disegna bene la personalità del personaggio ma non lo rappresenta.

Night Moves, caratterizzato appunto prevalentemente da movimenti e azioni notturne, è un film difficile da seguire, più per l’estrema lentezza del racconto che per una vera è propria bruttezza insita nella storia. L’elemento thrriller del film viene sacrificato nella ricerca di una suspance che è estenuante più che avvincente, penalizzando così tutta la storia.

Persentato in concorso alla 70esima edizione del Festival di Venezia, Night Moves annoia per i tempi del racconto rinunciando alla ghiotta possibilità di fare deuncia e sprecando così una preziosa occasione.

Il mondo di Arthur Newman l’esordio alla regia del giovane Dante Ariola, apprezzato autore di spot pubblicitari, si presenta come una più che ordinaria commedia romantica, condita di tutti i crismi del genere, senza lesinare in fatto di luoghi comuni e di situazioni da puro manuale rosa.

In Il mondo di Arthur Newman insoddisfatto della propria vita, del proprio lavoro e con alle spalle un divorzio e un difficile rapporto col figlio, Wallace Avery decide di dare un taglio col passato. Dopo aver inscenato la propria scomparsa, acquista la nuova identità di Arthur Newman, brillante golfista che incarna il suo alter ego ideale. Ma l’incontro fortuito con la giovane tossica Michaela Fitzerland, anche lei sotto falsa identità, farà nascere nell’uomo l’impulso di ritornare sulla propria strada per affrontare le proprie responsabilità.

Il mondo di Arthur Newman, il film

Affidandosi totalmente ad una sceneggiatura scritta più di vent’anni fa da Becky Johston, qui lontana anni luce dalla purezza di Sette anni in Tibet, che risente indubbiamente del peso del tempo, Ariola confeziona un prodotto che, seppur godibile a livello di intrattenimento, non può nascondere alcune gravissime pecche di forma e di stile, confermando come il regista risenta della fantomatica crisi da opera prima. Innanzitutto non vi è un sufficiente approfondimento psicologico dei due personaggi principali, i quali vengono presentati come semplici manichini mossi da motivazioni posticce, all’interno di un quadro narrativo in cui i fatti e gli avvenimenti semplicemente accadono senza dare il tempo allo spettatore di digerirli e di capirne a fondo le dinamiche.

Come se non bastasse poi, il film si presenta pieno zeppo di riferimenti metacinematografici e narrativi più che evidenti, occhieggiando più volte senza vergogna a Il fu Mattia Pascal di Pirandello e citando in maniera inquietante Ferro 3, proponendo la figura dei due protagonisti impegnati ad intrufolarsi nelle abitazioni altrui. A salvare il tutto ci pensano fortunatamente le interpretazioni più che soddisfacenti dei due protagonisti, a cominciare da sir Colin Firth, che riesce a dar vita in maniera perfetta alla personalità semplice, pura e sincera di Arthur / Wallace, ponendo l’accento sulla riflessione riguardo al tema dell’identità (peraltro già affrontata in L’importanza di chiamarsi Ernest). Ciò che salta però all’occhio è il fatto che ultimamente l’attore appare sclerotizzato, sia fisicamente che a livello prestazionale, all’interno di un modello di personaggio che, dopo A Single Man, pare averlo ingabbiato definitivamente. Allo stesso modo risulta ammirabile e genuina l’interpretazione di Emily Blunt, bravissima nel conferire al personaggio di Michaela / Charlotte una gustosa vena di follia e di erotismo (peraltro in alcune scene abbastanza spinto).

Di sicuro ammirabile l’intento di Ariola, ma ciò non toglie il fatto che il tutto, nelle mani forse di un regista più esperto e con una sceneggiatura di maggiore freschezza, avrebbe potuto dar vita ad un universo del tutto differente. Rimane comunque innegabile come il tema predominate, ovvero l’identità morale e fisica di un individuo, divenga la struttura portante del mondo del protagonista, ovvero Il mondo di Arthur Newman, e che esso venga qui affrontato con intelligenza e profondità.