Arriva al cinema la nuova commedia sentimentale Ci vediamo a Casa, diretta da Maurizio Ponzi e con protagonisti Ambra Angiolini e Edoardo Leo. 

In Ci vediamo a Casa Tre coppie molto diverse tra loro. Tre modi di pensare e di affrontare la vita a due. Tre microcosmi abbastanza riconoscibili della realtà odierna. Un unico, debole, filo rosso ad unire questi tre mondi: la ricerca della casa perfetta dove coronare un sogno d’amore e di convivenza.

Questa, in breve, la trama di Ci vediamo a casa, film che segue tre storie distinte, tutte egualmente poco interessanti, con l’apparente obiettivo di offrire uno spaccato dell’Italia di oggi.

Ci vediamo a Casa: il film

Inizialmente viene mostrata la vita di Vilma (Ambra Angiolini) e Franco (Edoardo Leo), bibliotecaria lei, ex-galeotto lui, che, per convivere, si trovano costretti ad accettare l’ospitalità di un amico pensionato con problemi di solitudine e di salute. Poi si segue con scarsa trepidazione il caso di Andrea (Primo Reggiani) ed Enzo (Nicolas Vaporidis), che vorrebbero andare a vivere insieme scappando rispettivamente dalla caserma e dai tentacoli di una madre soffocante, ma che sono frenati da problemi di ordine sentimentale. Infine si viene trasportati nel mondo del denaro e dell’ipertrofia dell’ego di Gaia (Myriam Catania) e Stefano (Giulio Forges Davanzati), due giovani che hanno una casa a testa e che, dopo una prova di coabitazione, decidono di mantenere i propri sacrosanti spazi vitali.

Il film di Maurizio Ponzi, regista con una lunga carriera alle spalle di cui però si ricordano più i prodotti televisivi come Il Bello delle Donne che le fatiche registiche al fianco di Pasolini negli anni ’60, mostra, con un linguaggio diretto e piuttosto povero, due tipi di mediocrità. Il primo è quello di cui sono pregni i suoi personaggi: esseri umani quasi mostruosi, persone brutte in senso etico che si comportano in modo gretto ed egoista nel quotidiano. Il secondo tipo di mediocrità, non meno evidente, riguarda invece la maniera in cui gli attori vengono mostrati: inquadrature prevedibili, uso del taglio e del montaggio veloce di un’unica inquadratura totalmente ingiustificato per il tipo di film, inserimento di sequenze di flash-back accompagnate da canzoni strappalacrime.

L’impressione generale è di aver assistito a delle avventure piuttosto sconclusionate, storie montate ad arte ma prive di senso in sé e per sé, ambientate in un’Italietta abitata dai peggiori individui e indirizzate, apparentemente, ad una platea considerata alla medesima stregua.

Questa povertà d’idee porta davvero a pensare che alcuni tipi di film andrebbero lasciati alla tv. Ciliegina sulla torta: la canzone del film è firmata Dolce Nera ed è stata presentata al Festival di  Sanremo 2012.

Arriva al cinema Di nuovo in Gioco, il film diretto da Robert Lorenz con protagonisti nel cast Clint Eastwood, Amy Adams, Justin Timberlake.

In Di nuovo in Gioco Gus Lobel (Clint Eastwood) è uno scout degli Atlanta Braves, squadra professionistica di baseball della Major League Baseball, nonché uno dei migliori scout di sempre. L’avanzare dell’età e dei problemi alla vista lo costringono però a farsi aiutare dalla figlia Mickey (Amy Adams), con la quale non è mai stato in buoni rapporti, per andare in Nord Carolina ad esaminare una nuova promessa. A complicare la situazione ci sarà Johnny Flanagan (Justin Timberlake), scout di una squadra avversaria che si innamora di Mickey. Il viaggio insieme permetterà a padre e figlia, nonostante le differenze, di comprendere reciproche verità rimaste nascoste per troppo tempo.

Fedelissimo collaboratore del grande Clint, Robert Lorenz ha finalmente portato sullo schermo il suo primo film da regista, dopo anni di seconda unità per l’autore di Million Dollar Baby e Mystic River. Per Lorenz, Clint ha addirittura infranto la sua promessa che lo voleva “finito” come attore dopo Gran Torino, ed è tornato a recitare per un amico che lo ha trasformato in un insopportabile vecchio bisbetico patito di baseball e incapace di accettare la vecchiaia che avanza.

Accanto a Eastwood, Lorenz ha raccolto due dei giovani attori più talentuosi della loro generazione: la rossa Amy Adams, già balzata agli occhi dell’Academy e in continuo miglioramento anche in ruolo non troppo impegnati; e Justin Timberlake, l’ex cantante che sta collezionando sempre più ruoli di vario genere, con costante bravura. E’ certo che Eastwood sia rientrato, letteralmente, in campo solo per far felice ed aiutare il fedele assistente, ma è pur vero che come interpreta il vecchio burbero lui, non ci riesce nessuno, soprattutto se affiancato da un giocondo John Goodman sempre in vena di sorrisi e pacche sulle spalle.

La storia, che mescola film sportivo a dramma familiare con tanto di appendice romantica, è ben raccontata, con personaggi adeguati e attori in parte. Di nuovo in Gioco, come al solito assurdo titolo italiano di Trouble with the Courve, è un film che procede senza grosse emozioni, un po’ sonnolento nella parte iniziale, che ricorda per tema e ambientazione il recente, e di tutt’altro livello, L’arte di Vincere – Moneyball con Brad Pitt, e che porta di nuovo sullo schermo uno sport amatissimo oltreoceano ma che da noi fatica ad affermarsi contro le tarature calcistiche dell’italiano medio.

Il plot principale relativo al baseball e al rapporto padre/figlia, viene messo da parte per poco tempo a favore di quello romantico, gestito dalla coppia Timberlake/Adams,. Ma quello che si evidenzia, soprattutto nel finale, è che la storia, costruita sul personaggio di Gus, e sul suo rapporto con il baseball e con Mickey, poteva rimanere in piedi anche senza il belloccio di turno. Di nuovo in gioco è una commedia a sfondo sportivo/sentimentale che intrattiene senza emozionare. Non il miglior film dell’Eastwood attore, ma nemmeno il peggiore.

Dune è un film del 1984 diretto da David Lynch e con protagonisti un cast composto da Kyle MacLachlan, Freddie Jones, Max von Sydow, Josè Ferrer, Sean Young, Francesca Annis, Patrick Stewart, Virginia Madsen, Sting e Silvana Mangano.

Trama: In un futuro remoto (siamo oltre l’anno 10.000), l’umanità si è diffusa in lungo e in largo per il cosmo: a contendersi il potere, con dinamiche che ricordano quelle dell’età degli imperi, a cavallo tra il Medioevo e l’età moderna, sono una serie di ‘casate’ ognuna delle quali insediata su un proprio pianeta.

Gli equilibri di potere si giocano sul controllo di una sostanza particolare, la Spezia, in grado di conferire poteri straordinari a chi la assume, come l’ampliamento della propria coscienza o la capacità di trasferire intere flotte da una parte all’altra dell’universo. La Spezia,  può essere estratta solo nel pianeta Dune, un luogo arido e inospitale, abitato dai misteriosi Fremen, capaci di cavalcare i giganteschi vermi della sabbia che popolano il luogo, che sono in attesa di una sorta di ‘messia’ che dovrebbe guidarli alla conquista del pianeta. Sullo sfondo della lotta per il controllo della spezia, si dipanano in varie sottotrame che finiscono per incrociarci tra di loro, intrighi di palazzo, tradimenti, antiche profezie…

Analisi: Nel 1984 i De Laurentiis, Dino e Raffaella, si imbarcano in una delle imprese più titaniche della storia del cinema: portare sul grande schermo il mondo creato da Fran Herbert nella saga di Dune, uno dei cicli più duraturi e celebrati della storia della letteratura di fantascienza: un romanzo che dai più era considerato del tutto adattabile nelle sale cinematografiche, non solo per la complessità della messa in scena, che avrebbe richiesto effetti speciali all’avanguardia, ma anche per il gran numero di personaggi, la complessità delle trame, fino al tipo di narrazione, spesso affidata a monologhi interiori.

Una sfida che qualche anno prima era stata lanciata da Alejandro Jodorowsky, coinvolgendo personalità del calibro di Moebius ed HR Giger, con l’idea di coinvolgere nel cast perfino Salvador Dalì; tuttavia la spugna venne gettata ben presto di fronte alle dimensioni dell’impresa.

Il guanto di sfida venne allora raccolto dai De Laurentiis che affidarono la regia ad un giovane David Lynch, reduce dal successo di The Elephant Man, anche se apparentemente diffidente nei confronti del cinema fantascientifico (aveva infatti precedentemente rifiutato di dirigere Il ritorno dello Jedi, a causa dell’impossibilità di dare al film una propria personale impronta).

David Lynch accetta tuttavia l’incarico, e il risultato è un film che si ricorda soprattutto per la ricchezza visiva.

Il lato più arduo dell’impresa stava infatti nel dover costruire ambienti, scenografie, costumi diversificati per ognuno dei pianeti su cui è ambientato il film e delle casate che ne animano la trama, dando il senso per ognuna di esse di un radicato background storico-sociologico e culturale.

La sfida, su questo piano, è ampiamente vinta, anche grazie alla collaborazione con una serie di esperti di prim’ordine, tra cui anche il nostro Carlo Rambaldi, creatore dei vermi meccanici che popolano il pianeta Dune. Completa il cast tecnico anche Brian Eno, autore delle musiche originali, cui collaborarono anche i Toto in quello che probabilmente è l’episodio più inusuale della loro carriera.

La colonna sonora di Dune è completata da una selezione di brani di musica classica, con autori che vanno da Beethoven a Shostakovich.

Trattandosi di un colossal, si puntò ovviamente su un cast di prim’ordine, dando ampia discrezionalità allo stesso Lynch, che vi inserì Freddie Jones (col quale già lavorato in  The Elephant Man) e l’esordiente Kyle MacLachlan, poi destinato a diventare suo attore – feticcio. Tra gli altri fanno parte della partita Sean Young, un giovane Patrick Stewart che con la fantascienza sarebbe tornato a fare i conti a lungo nel ruolo del capitano Piccard in Star Trek: The Next Generation, fino a Sting. Assieme a loro, nomi ‘pesanti’ come Mx von Sydow, Jose Ferrer e Silvana Mangano, qui al suo penultimo ruolo cinematografico.

L’esito del film è tuttavia contrastato: in effetti l’impresa di portare sullo schermo in un solo film il complesso mondo creato da Herbert non appare del tutto riuscita: fossimo stati ai giorni nostri, il tutto sarebbe stato articolato in una trilogia, che avrebbe dato al pubblico di entrare maggiormente in confidenza con le ‘casate’ e le loro dinamiche. Concentrare tutto in un solo film, Dune finì almeno in parte per creare delle lacune e delle incomprensioni che, dai conoscitori della fonte letteraria, lasciarono interdetto il pubblico più ampio. In effetti il film, non riesce a offrire molto allo spettatore, oltre alla sua affascinante visionarietà: la trama e le motivazioni dei personaggi non sembrano mai del tutto comprensibili, la storia procede all’insegna di una lentezza a tratti esasperante, la scelta di affidare a una voce fuori campo i frequenti soliloqui dei protagonisti finisce per essere un ulteriore appesantimento. A questo si aggiungono i proverbiali ‘tagli apportati in fase di montaggio’ che avrebbero ridotto il film ai minimi termini (si favoleggia in proposito di una versione integrale di circa sei ore, ma si tratta di una ‘leggenda’ che non ha mai trovato conferme), che hanno forse reso ancora più criptica una trama già di per sé intricata.

Dune il film culto di David Lynch

La critica stroncò il film quasi unanimemente: il film venne addirittura accusato di omofobia, per il modo in cui era stato reso un personaggio che nel romanzo era esplicitamente gay; negli anni è stata addirittura lanciata l’accusa di aver contribuito a diffondere tra gli spettatori la falsa  convinzione che l’AIDS (che proprio in quegli anni stava assumendo i connotati di una malattia di vasta diffusione) riguardasse solo gli omosessuali.

Al botteghino le cose non andarono meglio: Dune fu sostanzialmente un flop negli Stati Uniti; migliore  l’accoglienza in Europa: l’opera ha avuto però maggiore successo col passare degli anni, ottenendo buoni riscontri nel mercato dell’home video e assurgendo allo stato di film – culto: il suo essere stato comunque un coraggioso tentativo di affrontare un’impresa improba col tempo sembra aver superato la sua scarsa riuscita. Frank Herbert, che collaborò attivamente al progetto, pur riconoscendone i limiti tuttavia ha sempre difeso il lavoro di Lynch.

Nei primi anni 2000 a Dune venne dedicata una miniserie televisiva, apparsa come un sostanziale remake del film, del quale riprendeva molte scene e situazioni.

Metropolis è un film del 1927 diretto da Fritz Lang e con protagonisti Alfred Abel (Johann Fredersen), Gustav Frohlich (Freder Fredersen), Brigitte Helm (Maria) e Rudolf Klein-Rogge (Rotwang).

Trama: 2026. La città di Metropolis è divisa in due: ai piani alti, negli imponenti grattacieli, vivono i ricchi ei dirigenti; in basso, negl’inferi della città industriale, intere masse di individui ridotti quasi ad automi e costretti a lavorare senza requie né speranza. Al vertice di Metropolis c’è Johann Fredersen, magnate e austero padrone della città. Suo figlio Freder vive una spensierata giovinezza tra le morbide anse di lussuosi giardini, ignaro della logica rigidamente e violentemente classista che governa la società in cui vive; una realtà che il giovane comincia a scoprire dopo l’incontro con Maria, una splendida ragazza proveniente dalle profondità operaie convinta che le condizioni delle masse sfruttate possano essere risollevate soltanto grazie all’intervento di un salvifico mediatore. Un ruolo nel quale, passando per una violenta rivolta – ad accendere la miccia, un automa identico a Maria, veicolo delle vendicative mire del suo inventore Rotwang – sarà possibile riconoscere Freder, giunto a una decisiva maturazione.

Analisi: Pellicola costosissima e tanto amata da Hitler, Metropolis ci traghetta in futuro che Lang dipinge guardando cent’anni avanti. Un 2026 per noi dietro l’angolo e nel quale sarà difficile – come e più di oggi – guardare un’opera come Metropolis senza la minaccia costante dello sbadiglio. Non ce ne vogliano Fritz e la sua signora, Thea von Harbou, le pregevoli menti che stanno dietro al film: la colpa non è loro, ma i tempi cambiano, e il mondo a portata di click non ha abbastanza pazienza per sopportare intertitoli e muto (poco cambia scegliendo una delle tante sonorizzazioni).

Metropolis – il film capolavoro di Fritz Lang

Detto questo, Metropolis è un indiscusso gioiello espressionista e un’opera d’arte che respira a pieni polmoni aria di Novecento. Trionfo di geometrie imprendibili, creatura stillante vapori industriali, sinfonia cittadina che si concede una trama e che non smette per un attimo – come darle torto – di amare il nuovo, pericoloso e affascinante mondo della tecnica e dell’automazione.

Metropolis non è così manicheo e retorico come a volte è stato detto, e come si potrebbe pensare dalle prime battute; anzi, soprattutto per quanto concerne la rappresentazione delle masse, del “popolo”, la coppia Lang/von Harbou evita bagni di candore e, pur portando sullo schermo una situazione di sfruttamento ben riscontrabile nel mondo d’allora (magari anche nel nostro, purché ci si allontani un po’ da casa), non ci consegna una creatura costruttrice del suo bene e di quello della società, ma un soggetto tumultuoso, pigro, capace di ciechi spasmi. E, soprattutto, bisognoso di un mediatore, una figura che ne indirizzi e controlli l’azione e i sentimenti.

Memorabile e testimone dell’arte di Lang la breve sequenza dello spogliarello del robot-Maria in un bordello d’elìte; con notevole perizia tecnica, in questo frangente s’intrecciano l’ardito strip dell’automa, le sofferenze del povero Freder costretto a letto e preda di allucinazioni e gli occhi bramosi dei ricchi avventori, le cui pupille invadono e tappezzano lo schermo grazie a un certosino lavoro in stop-motion.

Metropolis: un film da vedere. Una volta, una sola, prima che sia fisiologicamente troppo tardi.

Metropolis al cinema fu proiettato per la prima volta il 10 gennaio 1927 all’Ufa-Palast am Zoo di Berlino.

Note. film muto del 1927 diretto da Fritz Lang, considerato il capolavoro del regista austriaco. È tra le opere simbolo del cinema espressionista ed è universalmente riconosciuto come modello di gran parte del cinema di fantascienza moderno, avendo ispirato pellicole quali Blade Runner e Guerre stellari.

10 Curiosità sul film Metropolis

• La produzione impegnò la troupe per diciannove mesi: trecentodieci giorni di riprese.
• Sessanta notti furono necessarie per produrre 600.000 metri di pellicola.
• Erich Pommer e la casa di produzione UFA non badarono a spese per la lavorazione, assoldando 36.000 comparse.
• La lavorazione si protrasse dal 22 maggio 1925 al 30 ottobre 1926.
• I Numeri: Vennero girati 620.000 metri di negativo, e impiegati (secondo la pubblicità) 8 attori di primo piano, 25.000 uomini, 11.000 donne, 1.100 calvi, 750 bambini, 100 uomini di colore, 3.500 paia di scarpe speciali, 50 automobili.
• L’investimento superò i 5 milioni di marchi tedeschi di allora.
• Queste spese non vennero coperte dagli introiti della distribuzione, tanto che la UFA andò in bancarotta
• Alfred Hugenberg, editore e membro del Partito Nazista, comprò la casa di produzione trasformandola in parte nella macchina propagandistica del nazismo.

Moonrise Kingdom – una fuga d’amore è l’ultimo lavoro del regista texano Wes Anderson il quale riesce a coinvolgere per questa commedia un cast assolutamente eccezionale e di prim’ordine.

In Moonrise Kingdom – Una fuga d’amore in una piccola isoletta al largo delle coste del New England, la tranquillità che solitamente regna sovrana viene turbata e stravolta da un fatto tanto insolito quanto imprevisto: il giovane Sam (Jared Gilman) uno scout del campo 55, capitanato dal Capo Scout Ward (Edward Norton), è misteriosamente scomparso.

Vengono immediatamente avvisate le autorità, che nella fattispecie sono impersonate e rappresentate dal triste e spaesato comandante Sharp (Bruce Willis) il quale non fa in tempo ad iniziare le ricerche che gli si presenta un’altra gatta da pelare: anche Suzy (Kara Hayward) ,la figlia dodicenne  dei coniugi Bishop (Bill Murray e Frances Mc Dormand), è inspiegabilmente sparita di casa. Non sarà difficile capire che i due ragazzi hanno organizzato insieme una fuga nella foresta. Tutta la comunità, giovani scout compresi, sarà coinvolta nelle operazioni di ritrovamento e sarà solo l’inizio di una serie di incredibili eventi.

Moonrise Kingdom – Una fuga d’amore: il film

Il film narra la storia di un amore giovanile, di una magica estate americana in cui due ragazzi di dodici anni capiscono per la prima volta cosa voglia dire amare qualcuno;  un amore romantico, elegante e semplice. È la storia della loro fuga, una fuga da vite solo apparentemente normali ma che in realtà nascondono solitudine, tristezza e incomprensione. Il giovane Sam è un orfano affidato ad una coppia che non si cura di lui mentre Suzy è un’introversa adolescente senza amici e che odia la sua famiglia.

I due protagonisti, al debutto sul grande schermo, non sembra abbiano pagato lo scotto dell’emozione dell’esordio e sopratutto di trovarsi circondati da tanti mostri sacri del cinema più o meno recente. Intorno ai due giovani innamorati possiamo ammirare le divertenti quanto mirabili interpretazioni di un Bruce Willis, insolitamente dimesso e arrendevole, così come di un Edward Norton in divisa di scout, molto diverso e lontano dal muscoloso e accigliato protagonista di American History X. Quindi la solita eccellente Frances McDormand moglie disillusa di un eccentrico quanto depresso Bill Murray.

Il giovane Jared Gilman e la già intrigante Kara Hayward mostrano personalità e talento interpretando con originalità ed efficacia personaggi non propriamente comuni. E qui il merito va essenzialmente ad Anderson regista eccentrico e versatile che disegna, con la sua solita maestria, una schiera di personaggi assolutamente non convenzionali e fuori dagli schemi o, in alcuni casi, anche troppo normali. Uno dei punti di forza del film risiede proprio nella nitidezza e nella particolarità con cui sono presentati i vari personaggi, una peculiarità che non può non riportare alla mente a I Tenenbaum altra bellissima commedia firmata da Wes Anderson.

La sceneggiatura, scritta a quattro mani tra il regista e Roman Coppola ( con cui Anderson aveva già collaborato in Un treno per Darjeeling) spinge il film in un continuo susseguirsi e alternarsi di dramma e commedia, situazioni farsesche e di grande riflessione. Questo eclettismo fa del film una storia completa, che soddisfa i gusti più vari anche se nel finale forse si allontana troppo dalla logica a favore dell’assurdo. Assolutamente da sottolineare il meraviglioso lavoro scenografico necessario per ricostruire la tipica provincia americana di metà anni ’60 riproposta fedelmente in ogni minino e più microscopico dettaglio. Un’ambientazione riuscitissima e determinante per conferire al film, in particolar modo alla fotografia, una patina realmente datata e verosimile.

Moonrise Kingdom – una fuga d’amore è una commedia divertente e al contempo profonda che merita indubbiamente di essere vista e che potrete vedere nei cinema italiani a partire dal prossimo 5 dicembre grazie alla Lucky Red distribuzione.

Akira è il film culto d’animazione del 1988 diretto da Katsuhiro Otomoe con le voci di Mitsuo Iwata, Nozomu Sasaki, Mami Koyama.

Anno: 1988

Regia: Katsuhiro Otomo

Cast: Mitsuo Iwata/Angelo Maggi: Kaneda; Nozomu Sasaki/Alessandro Quarta: Tetsuo; Mami Koyama/Antonella Baldini: Kay; Tessho Genda/Fabrizio Pucci: Ryu; Tarô Ishida/Paolo Buglioni: colonnello Shikishima

Trama: Nel 2019, in una Tokyo che ancora risente della Terza Guerra Mondiale, in una società sull’orlo dell’anarchia, in cui l’esercito è diventato l’unico potere veramente stabile, si muovono bande di motociclisti imberbi in perenne lotta tra di loro:

una di queste è cappeggiata da Kaneda e vede trai suoi componenti Tetsuo, che nei confronti del capobanda nutre un misto di ammirazione e di invidia, per non riuscire ad essere bravo quanto lui.  A seguito ad uno strano incidente, Tetsuo sembra scomparire, portato via dall’esercito; mentre Kaneda, accompagnato da Kai, una ragazza conosciuta nel frattempo, si mette alla ricerca dell’amico, quest’ultimo, sottoposto a vari esperimenti, si scopre in possesso di poteri straordinari, perdendone rapidamente il controllo e mettendosi alla sua volta alla ricerca di Akira, un individuo del quale ha sentito parlare durante gli esperimenti, e che ritiene in grado di fornirgli risposte sulle sue capacità: lo stesso Akira che, secondo alcune voci  ha scatenato la guerra e che altri da viene considerato una sorta di messia, destinato a tornare per purificare il mondo dall’ingiustizia…

Akira, l’analisi

Analisi: Nel 1998, Katsuhiro Otomo porta sugli schermi il suo opus magnum, precedentemente uscito come manga, dopo il successo senza precedenti ottenuto non solo in Giappone, ma anche in Europa e negli Stati Uniti, dove venne distribuito dalla Marvel. Akira, è per innumerevoli motivi, una pietra miliare del cinema di animazione, riuscendo a sfondare, come nessun film aveva fatto fino ad allora l’ideale ‘muro’ che (con le eccezioni delle serie a episodi) aveva diviso i mondi dell’animazione giapponese e americana.

Traendo linfa dal successo della versione cartacea, Otomo schiude davanti allo sguardo degli spettatori occidentali un tipo di animazione nuova per gran parte del pubblico delle sale cinematografiche, non solo per la prodigiosa veste grafica ed il realismo dei personaggi ma anche per i temi trattati: in una storia con protagonisti degli adolescenti, vengono affrontati i temi dei limiti della scienza, dell’abuso di potere da parte dei militari, tra ansie millenariste (siamo nell’88, alle soglie del nuovo millennio) e fanatismo religioso, assieme a interrogativi filosofici sull’origine della vita, e al consueto tema dell’orrore della guerra saldato a quello dell’incubo nucleare, vissuto dai giapponesi sulla propria pelle, e vero filo conduttore di tutta la fantascienza – animata e non – del Sol Levante.

Akira sancisce dunque lo sdoganamento dell’animazione come cinema non più per ‘adulti che accompagnano i figli’, ma che proprio al pubblico adulto, per temi e situazioni finisce per essere destinato, oltre a riportar, per certi aspetti, delle atmosfere  cyberpunk nelle sale, qualche anno dopo Blade Runner. Un film la cui fantasmagoria visiva riempe gli occhi, e che è puntualmente inserito nelle classifiche all-time, oltre ad essere considerato un capolavoro, oltre che del cinema di animazione, anche di quello di fantascienza ampiamente inteso. Da ricordare anche l’efficacissima ed evocativa colonna sonora, scritta da Shoji Yamashiro ed eseguita dal collettivo Geinoh Yamashirogumi.

Rappresenta inoltre una sorta di ‘salto evolutivo’, per le soluzioni tecniche adottate, per l’epoca all’avanguardia: in esso e stata sperimentata per la prima volta su larga scala la CGI, cui si aggiunge la cura maniacale per le scenografie, le ambientazioni, la resa incredibilmente ‘naturalistica’ dei personaggi; riguardo a questi ultimi, altra importante innovazione, poi adottata in seguito anche dalla Disney, è quella di registrare il doppiaggio prima della realizzazione delle animazioni, in modo da poter sincronizzare il movimento labiale dei personaggi alle loro voci.  Un film ‘storico’ anche per le risorse economiche impiegate: frutto della collaborazione di alcune più importanti case cinematografiche giapponesi, costò all’incirca un miliardo di yen contro una media che a quei tempi si aggirava attorno ai due-trecento milioni.

Da qualche anno si torna periodicamente a parlare di un eventuale remake in live-action del film; tuttavia il progetto non è mai decollato: l’idea si è infatti più volte arenata nel momento in cui, volendone fare un colossal con il proverbiale cast stellare, sono state puntualmente sollevate perplessità che ciò includerebbe di dare ai personaggi un’età molto superiore a quella dei protagonisti originali, finendo per snaturare la stessa essenza della storia.

Viaggio nella Luna è il film culto del 1902 di Georges Méliès con Georges Méliès, Henri Delannoy, Victor André e Bleuette Bernon 

• Anno: 1902
• Regia: Georges Méliès
• Cast: Georges Méliès, Henri Delannoy, Victor André, Bleuette Bernon

Trama: Un gruppo di scienziati si riunisce per discutere del progetto di mandare un’astronave sulla Luna; dopo aver dato il via libera (quasi) all’unanimità, l’impresa prende il via. Una volta costruita la navicella, e dopo averla letteralmente sparata in orbita con un cannone, l’equipaggio atterra sul satellite e si addentra nelle sue profondità, solo per scontrarsi coi suoi abitanti, i Seleniti, venendone catturato, ma riuscendo prontamente a fuggire, dopo averne eliminato il re. L’equipaggio riesce a tornare sano e salvo sulla Terra, assieme a un selenita che si era aggrappato alla navicella, venendo portato in trionfo, e l’impresa celebrata con la realizzazione di una statua a futura memoria.

Viaggio nella Luna

Analisi: Quindici minuti circa (dipende dalle versione, alcune delle quali prive delle scene finali) per fondare un genere e lasciare un’impronta indelebile nella storia del cinema: nel 1902 agli albori o quasi della storia della settima arte, Georges Méliès è il primo a imprimere sulla pellicola il sogno che per millenni è stato solo narrato a voce o sulla carta, da La storia vera di Luciano di Samosata a Dalla Terra alla Luna di Verne, cui il Viaggio è liberamente ispirato. Un quarto d’ora, muto e in bianco e nero (anche se ne esiste una copia a colori – ovviamente colorata a mano – oggetto di un minuzioso durato oltre un decennio e portato a termine solo nel 2011), nel corso del quale vengono ‘fissati’, a livello embrionale, tanti ‘luoghi comuni’ del cinema di fantascienza: dal gruppo di scienziati che si riunisce per un’impresa apparentemente impossibile, all’incontro con le razze aliene, fino al trionfale ritorno a casa.

Come il suo predecessore Verne,  anche Méliès riesce in una qualche misura a precorrere i tempi: la navicella spaziale assomiglia in effetti alla capsula di salvataggio con la quale i Armstrong e soci ammararono al ritorno della prima, vera missione lunare, mentre la sfilata trionfale lunare lascia presagire quella realmente avvenuta sessantasette anni dopo.

Articolato in diciassette ‘quadri’, ossia in scene a sè stante, autoconclusive,  girate con inquadratura ‘fissa’ usando una cinepresa Lumière priva di mirino, e quindi cercando di ‘centrare’ la ripresa grazie usando solo l’esperienza e un pò affidandosi al caso, Viaggio nella Luna è anche il primo esempio di uso massiccio di effetti speciali, per l’epoca all’avanguardia.

Visto oggi, certo l’impatto iniziale è di assistere quasi con tenerezza alla artigianalità degli effetti speciali e alla ingenuità di certe situazioni (una Luna sulla quale ad esempio si cammina e si respira come se fossimo sulla Terra), frutto anche della ancora scarsa conoscenza dello spazio, ma prima della fine del film non si può non farvisi affascinare, consapevoli di trovarsi davanti a un pezzo di storia, specie davanti ad alcune sequenze che in oltre un secolo di arte cinematografica sono ormai assurte a uno status quasi mitologico, a cominciare da quella, ultracelebre, del ‘faccione’ della Luna sfigurato dall’arrivo della navicella spaziale.

Viaggio nella Luna è d’altra parte entrato nel nostro immaginario, al punto da essere ciclicamente citato non solo nel cinema (buon ultimo Martin Scorsese nel suo Hugo Cabret ha raccontato proprio la genesi di quel film e dalle nostre parti, seppur in una situazione volta in farsa, non si può non pensare che nel suo Fascisti su Marte, Corrado Guzzanti non abbia pensato almeno una volta all’illustre capostipite), ma anche nella musica: da ricordare come gli Smashing Pumpkins abbiano omaggiato il film nel video della loro Tonight Tonight e la colonna sonora che i francesi Air hanno composto ex novo in occasione della presentazione della versione restaurata al Festival di Cannes del 2011.

Per finire, Viaggio nella Luna rappresenta uno dei primi, se non il primo, caso di ‘violazione del copyright’ nel mondo del cinema: fu infatti Thomas Edison a trarne una copia illegale, distribuendolo poi negli Stati Uniti: insomma, dai tempi di Méliès a quelli del filesharing le cose sono in fondo cambiate meno di quanto si pensi…

Dredd – La Legge sono io è un film di fantascienza del 1995 diretto da Danny Cannon e nel cast protagonisti Sylvester Stallone, Armand Assante, Rob Schneider, Diane Lane, Max Von Sydow, Joanna Myles

Trama: Nel classico futuro lontano-ma-non-troppo, la Terra è ridotta a un deserto nucleare nel quale sopravvivono poche megalopoli, in cui i superstiti vivono ammassati e sottoposti al dominio della casta dei Giudici, che assommano in sè  le prerogative di poliziotto, giuria e boia, eseguendo le pene – spesso capitali – sul posto, in genere in modo sommario e sbrigativo.

In questo scenario si muove il Giudice Joseph Dredd, vittima di una serie di macchinazioni, che lo porteranno prima a essere accusato di un crimine non commesso e successivamente a scoprire una sconvolgente verità sulla sua stessa esistenza, per poi tornare alla riscossa, riabilitarsi e mettere in luce le crepe di un sistema che, nato per impedire a quel poco di società ‘civile’ rimasto di cadere nell’anarchia, si è rapidamente trasformato in un regime dittatoriale.

Analisi – Dredd – La Legge sono io uscito in Italia col solito, discutibile sottotitolo (La legge sono io appare citare il titolo del quasi omonimo western con protagonista Burt Lancaster) appartiene alla categoria dei film ispirati a fumetti usciti prima dell’esplosione del genere tra la fine degli anni ’90 e l’inizio del decennio successivo.

Poco conosciuto qui da noi, Judge Dredd è in effetti un personaggio dall’importanza  capitale nella storia del fumetto pseudo-supereroistico. Nato alla fine degli anni ’70 sulle pagine della rivista britannica 2000 AD (che nel corso degli anni ha tenuto a battesimo autori del calibro di Alan Moore, Neil Gaiman, Garth Ennis  e Grant Morrison), Judge Dredd è un personaggio che viola molti dei principi del supereroe ‘senza macchia e senza paura’: un uomo violento adatto a tempi violenti, al servizio di un regime autoritario e dittatoriale, ma non per questo privo di propri principi morali che lo portano talvolta  a scontrarsi col sistema di cui fa parte.

Dredd – La Legge sono io

I creatori del personaggio,  lo scrittore John Wagner e il disegnatore Carlos Ezquerra, prendono spunto dal futuro distopico in cui sono ambientate le gesta del loro ‘antieroe’ per riflettere  sulle storture e sui rischi di deriva autoritaria delle democrazie occidentali: una visione che si sarebbe ulteriormente accentuata con l’avvento al potere della Thatcher e che per certi versi rende Judge Dredd un antesignano di capolavori come Watchmen e V for Vendetta di Alan Moore, o Il Ritorno del Cavaliere Oscuro di Frank Miller.

Un personaggio con una storia di tutto rispetto, e soprattutto con un posto ben preciso nella storia dei ‘comics’ : alla luce di tutto ciò, il trattamento riservatogli nel film appare abbastanza misero, riducendosi a poco più dell’ennesima occasione offerta a Sylvester Stallone per gonfiare i muscoli e recitare la parte dell’eroe senza paura,che vive il classico percorso di caduta e rinascita.

La regia di Dredd – La Legge sono io è affidata a Danny Cannon, per il quale Dredd, assieme A Young Americans, resta il titolo più significativo di un curriculum piuttosto scarno.

Il cast assembla volti più o meno noti: Armand Assante nel ruolo del cattivo di turno, in quello degli alleati del protagonista Rob Schneider e Diane Lane (quest’ultima coi tipici risvolti sentimentali)

senza negarsi il ‘pezzo da 90’ tipico di queste occasioni, stavolta nelle fattezze di Max Von Sydow.  Il tutto all’insegna di caratteri stereotipati e di uno svolgimento consunto e prevedibile, nel quale poco o nulla è rimasto dello spirito dell’originale cartaceo.

Non a caso, del resto, il  Judge Dredd presentato nel film è stato totalmente  disconosciuto dal creatore del personaggio John Wagner, e naturalmente anche dei lettori, rendendo il film uno dei peggiori adattamenti da fumetto che si ricordino.  Non migliore è stata l’accoglienza al botteghino (113,5 milioni di dollari l’incasso complessivo a livello mondiale), anche nei confronti di Stallone, che per l’interpretazione ha ricevuto una nomination al Golden Rabsperry Awards per la peggiore interpretazione.

Dredd, nel 2012 arriva il remake

Nel settembre 2012 , puntando sull’attuale successo del genere,  è uscita nelle sale americane una nuova versione cinematografica del personaggio, per la regia di Pete Travis e l’interpretazione di Keith Urban. L’accoglienza è stata decisamente migliore rispetto al suo predecessore, sebbene l’essere vietato ai minori di 18 anni negli USA ne ha limitato le potenzialità commerciali; tuttavia ciò ha permesso di rendere il personaggio molto più vicino all’originale rispetto al predecessore, conquistandogli giudizi molto più positiva sia dalla critica che degli appassionati.