La Passione di Carlo Mazzacurati arriva nelle sale italiane dopo la partecipazione in Concorso alla 67° Mostra del Cinema di Venezia. Si tratta di una commedia dal buon ritmo, protagonista Silvio Orlando nei panni di Gianni Dubois: un regista di mezza età in crisi creativa, alle prese con due problemi: deve trovare in fretta un’idea per un film da girare con una giovane attrice di fiction (Cristiana Capotondi) – potrebbe rappresentare la svolta della sua carriera, mai decollata.

A ciò si aggiunge un increscioso inconveniente nella sua casa in Toscana: una perdita nel bagno danneggia un affresco del ‘500 nell’attigua chiesa del paese. Dubois è costretto quindi a lasciare Roma per recarsi in Toscana, dove il sindaco (Stefania Sandrelli) e l’assessore (Marco Messeri) minacciano di denunciarlo ai Beni Culturali, a meno che non accetti di dirigere la Sacra Rappresentazione del Venerdì Santo, da organizzare in pochi giorni. Gli verrà in soccorso un ex carcerato di nome Ramiro (Giuseppe Battiston), estimatore di Dubois e con una grande passione per il teatro. Nonostante un susseguirsi di imprevisti dai risvolti comici, che li vedranno alle prese, tra l’altro, con un attore di pessima qualità ma di buona memoria (Corrado Guzzanti), cui affideranno il ruolo del Messia, la Sacra Rappresentazione andrà in scena e otterrà un buon successo. In più, qui Dubois incontrerà una giovane barista polacca (Kasia Smutniak), attorno alla quale costruirà la trama del suo nuovo film.

La Passione, il film

Dunque un nuovo inizio, una sorta di resurrezione anche per Dubois, che arriva proprio quando il destino sembrava accanirsi contro di lui e contro l’altro personaggio che vorrebbe risorgere dalle ceneri del proprio passato: Ramiro. La vita sembra infatti riportare l’ex ladro sul binario che voleva abbandonare, ma avrà il suo riscatto. Dunque, gli ingredienti paiono essere quelli che avevamo già trovato e apprezzato dieci anni fa in “La lingua del Santo” – anche lì seguivamo la tragicommedia dei due protagonisti, ladri improvvisati che la ricca società padovana aveva relegato ai margini. Tutto avrebbe potuto funzionare alla perfezione, sennonché  qui ci si muove spesso su un registro parodistico-caricaturale. L’attore Manlio Abbruscati, interpretato da Corrado Guzzanti,  ne è l’emblema: è un personaggio dai toni macchiettistici, lo stesso tipo di macchietta che Guzzanti ottimamente interpreta in teatro ma che, trasposta al cinema, non ha la stessa efficacia. Alcune situazioni appaiono forzate, ai limiti del surreale, senza però che si faccia una scelta chiara in questa direzione.

Al contrario, ai toni da parodia in La Passione si mescola la mimesi realistica, generando nello spettatore un senso di straniamento. I meccanismi comici, poi, sono spesso reiterati e ciò li rende poco incisivi. In questa chiave parodistica, l’analisi sociale è più suggerita che approfondita. Bersaglio di Mazzacurati sono i mali italiani: le istituzioni, che per prime utilizzano la logica del favore e del ricatto, i servizi al cittadino che non funzionano, e soprattutto, il mondo del cinema, che appare imbrigliato in logiche commerciali, senza spazio per la creatività; un cinema che vuole competere col successo di massa delle fiction televisive e non lo fa mantenendo la sua specificità, ma conformandosi al modello proposto dalla TV. Il risultato è, però, meno efficace che in “La lingua del Santo”, in cui ironia e leggerezza accompagnavano, senza banalizzarla né sovrastarla, una riflessione sulla dimensione sociale ed esistenziale, conferendo levitas alla materia trattata. Il regista sceglie qui un registro più spiccatamente comico, a tratti farsesco, nel quale però non sembra trovarsi molto a suo agio.

Ricco il cast di La Passione: accanto a Silvio Orlando, già scelto da  Mazzacurati nel ’92 per “Un’altra vita”, Giuseppe Battiston, che ben interpreta il personaggio forse più complesso del film, confermandosi come una sicurezza del nostro cinema. E poi Stefania Sandrelli, di nuovo in coppia con Marco Messeri, dopo La prima cosa bella di Virzì. Produzione affidata a Domenico Procacci e Fandango, in collaborazione con Rai Cinema.

A pochi registi capita di vedere realizzato un proprio lavoro post mortem. E’ questo quello che è capitato con una sceneggiatura sepolta di Jacques Tati, L’Illusionista, disegnata e portata sullo schermo da Sylvain Chomet il regista nominato agli Oscar per Appuntamento a Belville.

L’Illusionista, il film

La storia è quella di un vecchio Illusionista che asta perdendo il suo pubblico a causa delle nuove generazioni che scoprono il rock e perdono la fascinazione per i trucchi di magia In un mondo in cui anche i bambini vogliono che il trucco sia svelato, l’illusionista incontra Alice, una ragazzina che lo seguirà e che crederà sempre, fino alla fine, che la sua magia è vera. Si tratta di un cartone animato old-fashion per una generazione abituato alla perfezione dell’animazione digitalizzata e ai colori sgargianti, ma il regista vuole dare esattamente l’effetto di animazione anni ’60, imperfetta e imprecisa ma per questo poetica.

Tuttavia il film scivola nella banalità e per quanto le premesse fossero nobili (si tratta infatti di una sceneggiatura che Tati scrisse pensando al difficile rapporto con la figlia) la storia non decolla, trasmettendo solo una profonda tristezza per le sorti del vecchio illusionista e un astio non troppo velato verso la ragazza che si dimostra ingrata e stupida. Unica cifra distintiva in un film noioso sono i personaggi di contorno, nostalgici clown reduci da un mondo che ha smesso di esistere.

L’Illusionista uscirà nei cinema italiani il 29 ottobre distribuito dalla Sacher Distribution.

Arriva al cinema anche in Italia, il “caso” Buried – Sepolto, il thriller che sta facendo discutere la critica di mezzo mondo e con protagonista l’attore Ryan Reynolds.

In Buried – Sepolto Paul (Ryan Reynolds) si ritrova rinchiuso in una cassa di legno tre metri sottoterra con in tasca un cellulare, una matita e un accendino Zippo. Grazie a questi tre elementi, deve capire come è finito in quella cassa, per quale motivo e come fare a guidare i soccorritori fino a lui per poterlo liberare. Mentre i 90 minuti di aria a disposizione scorrono, mantenere la calma è sempre più difficile…

Questo è Buried – Sepolto, un film ansiogeno, angosciante, pieno di terrore, sofferenza e speranza che riesce per ben 94 minuti a tenere alta l’attenzione dello spettatore nonostante sia interamente girato dentro una cassa da morto con un solo attore….Beh sicuramente non è stato semplice per il regista Rodrigo Cortés girare il film in quelle condizioni, per le luci, per il posizionamento delle telecamere, ecc… ma di sicuro è stato molto più difficile per l’attore Ryan Reynolds che ha affermato che non si lamenterà più di un set dopo aver girato Buried….e c’è da crederci!!! Diciassette giorni di riprese, 25 scene al giorno chiuso in una bara sono cose che lasciano il segno!

Partendo dal presupposto che la grandezza di una storia non dipende dalla vastità di un paesaggio, dal numero di personaggi o dai production values, Cortés è riuscito a creare una storia davvero incredibile dove il senso di claustrofobia, la paura e l’ansia del protagonista vengono sin da subito mostrate e sentite. I primi cinque minuti di buio completo dove si sente solamente il respiro affannato di Paul danno inizio ad un crescendo di sensazioni che fino alla fine portano lo spettatore ad identificarsi totalmente con il protagonista….proprio per questo lo sconsiglierei a chi soffre di claustrofobia!!

La fotografia e il montaggio di Buried – Sepolto sono eccezionali, per non parlare della sceneggiatura scritta da Chris Sparling che, nonostante a volte tenda un po’ a dilungarsi in alcune telefonate, sicuramente farà del film un cult.

Ovviamente principale è l’attore Ryan Reynolds che, dopo aver recitato accanto alla bella Sandra Bullock in Ricatto d’Amore e in X-Men Le origini: Wolverine, ha raggiunto il suo massimo livello di espressività e bravura. In ogni singola scena riesce ad esprimere con impressionante realismo le emozioni che può provare un uomo sotterrato vivo. I movimenti della torcia, la voce modellata perfettamente, ogni movimento è stato ben studiato e Reynolds è riuscito nell’impresa.

Tutte le sue espressioni facciali, i suoi scatti d’ira e di paura, quell’ansia che nasce e cresce ad ogni telefonata e dalle varie sorprese disseminate lungo il film, il suo respiro sempre più pesante segnale della mancanza d’aria sono tutte ottimamente rappresentate da Reynolds.
Insomma un film che tiene svegli, sicuramente da vedere ma non da persone troppo sensibili né troppo ansiose. Tutto questo grazie al regista Cortés che con un budget praticamente pari a zero e con una sola location è riuscito a costruire un film che molti affermano sarà un cult, ma sopratutto grazie al fantastico Reynolds che riesce a coinvolgere lo spettatore per 94 minuti completamente solo dentro una cassa di legno!

Avatar – L’ultimo dominatore dell’Aria: La leggenda di Aang, questo è il titolo completo dell’anime dal quale è tratto l’ultimo film di M. Night Shyamalan. Si tratta di un anime curiosamente ideato da due occidentali, Brian Konietzko-Michael Dante DiMartino, che racconta la storia di Aang, giovane appartenente alla tribù dell’Aria e dominatore del proprio elemento naturale, che scopre di essere l’Avatar, un prescelto che ha la capacità di dominare tutti e quattro gli elementi e di portare la pace nel cuore degli uomini.

Il film di Shyamalan parte da questo punto: due ragazzi, Katara (dominatrice dell’Acqua) e il fratello Sokka, abitanti del paese dell’Acqua del Sud, scoprono in una bolla d’aria nell’acqua glaciale il fuggiasco Aang. Il giovane tornato al mondo dovrà decidere se abbracciare o no il suo destino di Avatar, riportando la pace e contrastando la nazione del fuoco. L’ultimo dominatore dell’Aria è un’anomalia nella filmografia del regista, prima di tutto perché l’autore non si è trovato a lavorare su una sceneggiatura originale, e infatti si nota in questo caso qualche pecca che altrove nel suo lavoro era assente; in secondo luogo la tecnica usata, la riconversione in 3D, era estranea ad oggi al suo lavoro, anche se si tratta appunto di riconversione per cui il lavoro materiale non è cambiato affatto.

Tuttavia questo è forse il primo punto debole del film, un 3D superfluo che si evidenzia solo nei titoli di testa e coda, senza aggiungere nulla durante tutta la visione del film se non un grosso fastidio agli occhi. Per quanto anche il tema possa sembrare distante dalla poetica di Shyamalan, in realtà ci sono molti più punti in comune di quelli che si possano immaginare, soprattutto con il capolavoro Unbreakable – Il Prescelto, dove un super eroe (Bruce Willis) deve prendere coscienza delle sue doti straordinarie e decidere se schierarsi o meno per rendere il mondo un posto migliore; inoltre si ricorda che il misticismo che pervade il film, e che tanto aveva penalizzato a torto lo Shyamalan di Lady in the Water, è qui un filo rosso che si tende tra i vari personaggi e contribuisce a dare coesione alla trama, costituendo a prescindere un elemento tematico che Shyamalan predilige.

Il giovane cast del film si dimostra all’altezza della prova, tanto più difficile quanto associata in post produzione da una massiccia dose di effetti digitali che rendono la recitazione forse più complicata, per non parlare po degli sforzi fisici che i giovani hanno sostenuto, dopo molte sedute di allenamento precedenti alle riprese. Su tutti ha convinto Dev Patel, lo The Millionaire di Danny Boyle, al quale è affidato forse il ruolo più interessante e che probabilmente rappresenta la nemesi di Aang, interpretato discretamente da Noah Ringer.

Il limite di questo film, che è il primo episodio di una trilogia, è quello di dover dare una serie di informazioni di servizio che risultano nel loro contesto fantastico credibili e coerenti, ma che appesantiscono un po’ la narrazione. Come al solito il lavoro di Shyamalan si distingue per due cifre stilistiche predominanti: la regia inattaccabile, farcita di quegli espedienti tipici del suo cinema come i piani sequenza, le messe a fuoco esasperate ad evitare il campo-controcampo, i movimenti fluidi e immersivi, e la colonna sonora, ancora una volta affidata a James Newton Howard e ancora una volta un capolavoro, che accompagna il film con enfasi e discrezione a seconda dei casi, aiutando sempre lo spettatore a immergersi nell’atmosfera.

Con un finale epico e poetico Shyamalan riesce a sbalordire e affascinare i suoi spettatori, gli effetti speciali della Industrial Light & Magic (Avatar) sono spettacolari e sicuramente attrarranno al cinema molti fan del genere, oltre che gli appassionati della serie animata e i fedelissimi del regista. L’Ultimo Dominatore dell’Aria è un buon film, che forse non rientra nel catalogo dei migliori di Shyamalan, ma che serve a confermare come un grande autore riesca a modellare sulla sua poetica anche storie che apparentemente ne sono lontane. Peccato per il 3D, una mossa commerciale che speriamo premierà la produzione, ma che sicuramente non aggiunge nulla.