Arriva al cinema L’arrivo di Wang, il film diretto da Marco Manetti, Antonio Manetti, con Ennio Fantastichini e Francesca Cuttica.

Ne L’arrivo di Wang una giovane donna è alle prese con il suo lavoro: dai video che guarda e dal fatto che scrive le battute di un copione capiamo che fa la traduttrice. Una telefonata improvvisa la interrompe: è un uomo con il quale ha collaborato in passato, che vuole di nuovo il suo aiuto per un incarico misterioso, super pagato e decisamente sospetto.

La ragazza viene così bendata e condotta da un poliziotto in un bunker nel cuore di Roma. Di lì a poco si troverà di fronte al Signor Wang, singolare essere che parla solo cinese. L’arrivo di Wang è l’ultimo film dei Manetti Bros, singolari esponenti del cinema di genere in Italia, dove la fantascienza non è esattamente padrona di casa. In questo film i due fratelli registi ci hanno voluto illuminare su quello che potrebbe accedere se un alieno, il signor Wang appunto, decidesse di atterrare su Roma, che non ha nulla da invidiare a tutte le grandi città che nella storia del cinema sono state attaccate, infestate o in vario modo sono venute in contatto con gli E.T.

L’arrivo di Wang si concentra dall’inizio su un’idea geniale di plot, tuttavia sembra che tutto l’apparato scenico non vada molto oltre questa intuizione pur molto valida. Il peggiore difetto del film si rivela essere proprio la regia, un po’ troppo televisiva che non è assolutamente aiutata da una sceneggiatura che, ripetiamo, pur partendo da un’intuizione geniale, rimane ferma, risultando prolissa e ridondante con molti momenti di ripetizione che non portano alcun beneficio allo svolgersi della storia.

Il punto vincente del film però è la realizzazione dell’alieno. Il signor Wang è completamente realizzato in computer grafica dai tecnici della Palantir, che hanno fatto un ottimo lavoro sia da un punto di vista del concept, sia da un punto di vista dell’animazione vera e propria, realizzando un mostriciattolo che per metà ricalca la fisionomia aliena così come siamo abituati a pensarla, con sembianze da pesce viscido, mentre dall’altra mescola a quella acquatica una natura volatile, realizzando una parte inferiore del corpo dell’alieno simile ad un pollo che però cammina seguendo una traiettoria laterale. Un vero e proprio colpo di genio nato dalla mente di specialisti, tutti giovani e tutti italiani. La stessa cura però non è stata applicata per la scena finale, che qui non sveliamo, ma nella quale l’impiego di computer grafica è massiccio e purtroppo un po’ sommario.

Una sufficienza stentata per la recitazione perché se da un lato splende Ennio Fantastichini con la sua ottima interpretazione dall’altro lato abbiamo una giovane Francesca Cuttica che sembra più portata per il teatro che per il cinema, dal momento che la sua recitazione è troppo marcata sia per l’uso delle espressioni facciali che per il timbro di voce.

L’arrivo di Wang è un film tuttavia coraggioso, che nonostante i suoi limiti, svetta nel nostro panorama produttivo perché riesce ancora a parlare di attualità attraverso metafore fantascientifiche.

L’Arminuta, ovvero, “la ritornata”. Questo il titolo del film di Giuseppe Bonito, unico italiano nella Selezione ufficiale della Festa del Cinema di Roma. Tratto dall’omonimo romanzo di Donatella di Pietrantonio, Premio Campiello 2017, il film, prodotto da Lucky Red,  indaga la condizione di un’adolescente divisa tra due famiglie e due modi di vita radicalmente diversi. Terza regia di Giuseppe Bonito, arriva dopo Figli.

La trama de L’Arminuta 

E’ il 1975 quando una ragazzina tredicenne, Sofia Fiore, è costretta a lasciare quelli che pensa siano i suoi genitori – ma sono in realtà gli zii – per tornare dalla sua famiglia di origine. Non ne conosce il motivo. Si trova così catapultata dalla vita che ama, agiata, fatta di studio, giornate al mare e amicizie borghesi, a una vita per lei inimmaginabile, semplice e frugale nelle campagne abbruzzesi. È costretta a rimboccarsi le maniche e non tutti i suoi cinque fratelli prendono bene il suo arrivo. Con la piccola Adriana, Carlotta De Leonardis, però, instaura un buon rapporto. Sarà lei a spiegarle pian piano le regole di quella nuova vita. La ragazza però non si dà pace, lacerata tra l’amore della sua madre adottiva, la zia Adalgisa, Elena Lietti, che sente di aver perso, e quello della sua madre naturale, Vanessa Scalera, che ancora deve scoprire, mentre gli adulti decidono per lei del suo presente e del futuro. Grazie a un’insegnante scoprirà il suo talento. Solo quando inizierà a chiedere, e a ricevere spiegazioni, riuscirà a capire meglio quanto è successo e le scelte degli adulti.

Due mondi a confronto ne L’Arminuta

L’Arminuta è un film di contrasti. Innanzitutto quello fra la città e la campagna, che negli anni Settanta era ancora forte. Si trattava di due modi di vita diametralmente opposti e la protagonista si trova a viverli entrambi, a passare dall’uno all’altro improvvisamente, senza che nessuno le chieda se è d’accordo. Miseria e ricchezza in senso economico, certo, ma anche in senso lato, povertà culturale, semianalfabetismo, da un parte, libri, arte, dall’altra. Una visione che fa tornare indietro a quell’Italia, apparentemente così lontana.

Adolescenti mal amati e animi induriti in un film minimale

Per quel che riguarda il privato e la sfera degli affetti, che è il cuore del film, la giovane protagonista de L’Arminuta deve fare i conti col fatto di essere male amata. Non si può dire, infatti, che nelle due famiglie non vi sia amore per lei. Vi è però l’incapacità di dimostrarlo, soprattutto nella famiglia biologica della ragazza. Lo si vede anche per ciò che riguarda gli altri figli della coppia. Tuttavia, man mano che l’azione procede, ci si rende conto di quanto anche Adalgisa sia una donna debole e una madre non adeguata. Nella casa di campagna dei genitori biologici della protagonista, l’atmosfera è cupa. I volti sono attoniti, tristi, sfatti. Moglie e marito, interpretati da Vanessa Scalera e Fabrizio Ferracane, sembrano quasi fantasmi che si aggirano per casa, tanto le loro facce sono livide. Le parole sono estremamente rare. Ci si affida invece a sguardi e gesti per comunicare un’emozione. Vi è proprio una difficoltà, un’abitudine a tenere tutto per sé. Dinanzi a ciò ci si domanda: è questo il volto della miseria? Non solo. È anche il volto di chi ha l’animo indurito dalla vita, dalle sofferenze, dai lutti, dalle fatiche, non ultima quella di tenere ogni sentimento per sè.

Stilisticamente il film è molto scarno e minimale, parco di parole e di colori. Unica eccezione sono, nella prima parte della narrazione, i flash della vita passata con la zia, idealizzata dalla protagonista, contraddistinti da colori sgargianti e ampi sorrisi, che fanno da contraltare alla vita di campagna, cui la ragazza non riesce ad abituarsi. Il tempo è lento e dilatato. In questo lungo arco il regista delinea con piccoli tasselli che si aggiungono lentamente il costruirsi di nuove relazioni familiari. L’Arminuta rende bene la sensazione di spaesamento e sconforto della protagonista, ma al contempo, fa perno sul forte legame che ella instaura con la sorella minore, Adriana. Le due giovani attrici sono entrambe in parte, ma la piccola Carlotta De Leonardis è una vera forza della natura, portatrice di un impulso vitalistico che riesce solo in parte a risollevare il film dalla sua generale cupezza.  Elemento quest’ultimo che, assieme al ritmo lento, penalizza un po’ il lavoro.

L’Arminuta è ben interpretato – una menzione va fatta per Vanessa Scalera in un ruolo intenso e difficile – acuto e sentito. Non si limita a ricordare il Paese che eravamo, ma è anche un invito ad ascoltare i ragazzi, i figli, i loro bisogni, ad esprimere le emozioni e frle esprimere, a spiegare, a cercare con loro un dialogo.

Ampliamento di un cortometraggio del 2009, L’Arbitro di Paolo Zucca si snoda attraverso due storie parallele che si intersecano tra loro solo nel finale.

In una Sardegna rurale dal sapore western, la squadra dell’Atletico Pabarile, la più scarsa della terza categoria sarda, viene vessata dall’acerrima rivale del Montecrastu, squadra guidata dall’arrogante e violento fazendero Brai (Alessio di Clemente); l’allenatore cieco del Pabarile, Prospero, (Benito Urgu) non sa più cosa fare, ma sulla sua strada arriva l’immigrato redivivo Matzutzi (Jacopo Cullin). Il ragazzo si rivela un vero goleador: il Pabarile rimonta in classifica e arriva al secondo posto, pronto a sfidare la squadra di Brai. Contemporaneamente, l’arbitro europeo Cruciani (Stefano Accorsi) tenta la sua scalata al successo fino ad una finale internazionale di coppa, spalleggiato dal preparatore Candido (Marco Messeri).

La pellicola gioca con i generi e li mescola sapientemente creando un divertente pastiche grottesco, un divertissement irriverente al quale lo spettatore è invitato a partecipare durante la visione: i registri si alternano passando rapidamente dalla tradizionale commedia all’italiana al grottesco, dallo spaghetti western al thriller teso e adrenalinico; anche la regia si piega alle diverse esigenze e sfodera un impeccabile bianco e nero degno del miglior Nastro Bianco di Haneke (senza essere blasfemi), primissimi piani stretti e serrati alla Sergio Leone e bruschi movimenti di macchina in avanti caratterizzano la narrazione contribuendo a produrre un’opera elegante e particolare incentrata su un tema molto caro a noi italiani: il calcio, lo sfavillante scintillio delle luci della ribalta internazionali e il clima grottesco e spiantato delle squadre d’infimo ordine che però hanno ancora la vera passione del gioco.

Il paesaggio che fa da sfondo alla pellicola è fondamentale, oltre ad essere un protagonista indiscusso: una Sardegna poco conosciuta, selvaggia e arida che segna indelebilmente i volti dei suoi abitanti, creando uno straniamento felliniano attraverso le inquadratura ricercate, i primi piani e i rallenty.

Ottima anche la scelta del cast, con attori che si calano perfettamente nei loro ruoli: un mefistofelico Messeri, il sardo DOC Benito Urgu esilarante allenatore a metà strada tra l’Al Pacino di Ogni Maledetta Domenica e il Lino Banfi de L’Allenatore nel pallone, un Francesco Pannofino gigione nei panni dell’arbitro corrotto Mureno (riferimento a Byron Moreno?), una Geppi Cucciari sorprendente, con la solita vena comica pungente ma stavolta in grado di tirare fuori anche un lato sensuale che riporta alla memoria le attrici italiane che popolavano le commedie degli anni 50’-60’; la sorpresa di Jacopo Cullin, nei panni del bomber “oriundo” Matzutzi e infine un sorprendente Stefano Accorsi con tanto di vena ballerina.

Una comicità “semplice”, quella de L’Arbitro, che si avvicina, forse, all’irriverenza dell’allenatore nel pallone Oronzo Canà con i suoi strampalati metodi e le sue tattiche bislacche, si unisce al virtuosismo tecnico e al piacere di spaziare tra i generi creando questo gioiellino che, si spera, possa distinguersi nel mare cinefilo della rassegna veneziana.

Secondo capitolo di una trilogia sull’adolescenza iniziata nel 2014 con Frastuono, L’Apprendistato di Davide Maldi – Gran premio della giuria al Torino Film Festival nella sezione Italiana.doc – è un film documentario che racconta la formazione di un gruppo di quattordicenni presso un prestigioso collegio alberghiero. Il protagonista Luca Tufano e i suoi compagni Mario Burlone, Lorenzo Campani, Enrico Colombini e Christian Dellamora, interpretano sé stessi nelle loro attività quotidiane e si muovono nel contesto della scuola, in cui si svolge tutta la loro esistenza, in una vera e propria full immersion.

L’apprendistato come rito di passaggio

Davide Maldi – fumettista, illustratore e storyboard artist per il cinema, regista dal 2007 – guarda all’adolescenza e ai suoi cambiamenti con un approccio antropologico. L’apprendistato è per il regista la versione moderna degli antichi riti di passaggio, un’iniziazione che traghetta l’adolescente verso l’età adulta, fatta di regole e responsabilità. L’apprendistato rappresenta il primo vero confronto dell’adolescente con il mondo adulto in una fase molto delicata della vita, in cui la personalità e il carattere si stanno ancora forgiando ed egli sta prendendo pian piano coscienza di ciò che è e che vorrà essere. Il film è scritto a quattro mani con Micol Roubini. L’intento del regista è duplice: da una parte l’osservazione della realtà, filmare la quotidianità dei ragazzi all’interno della scuola, il rapporto tra loro e quello coi docenti. Dall’altra, la narrazione dal proprio punto di vista. E’ questa la parte più interessante del lavoro. Il parallelismo apprendistato-rito di passaggio è reso attraverso i suoni – le musiche sono di Freddie Murphy e Chiara Lee, mentre il suono è curato dallo stesso regista, come la fotografia. Un ritmo incalzante di percussioni accompagna il protagonista nei momenti più significativi del suo percorso all’interno della scuola, evocando i riti tribali.

La contrapposizione natura – società ne L’apprendistato

Allo stesso modo, sono i suoni a sottolineare lo stretto legame del ragazzo con la natura, unica dimensione nella quale è vissuto fino a quel momento: il verso di mucche e capre che abitualmente accudisce, il loro respiro, come il suo, simbolo dei ritmi naturali, sono protagonisti della sequenza iniziale, nel buio della notte. A tutto ciò si contrappone l’ambiente razionalmente regolato e austero della scuola. Qui i suoni sono quelli della voce dell’insegnante che impartisce regole e insegna i princìpi guida della ristorazione, da imparare a memoria; del vetro che tintinna, dei bicchieri da pulire, o da tenere in equilibrio su un vassoio, delle formule di cortesia da rivolgere ai clienti. Gli animali sono morti, pronti per essere cucinati, ad uso e consumo dell’uomo, o impagliati in una stanza della scuola, dove Luca Tufano – sguardo indomito o svagato, mente rivolta al mondo che ha lasciato, ciuffo ribelle, buon interprete delle inquietudini adolescenziali – va spesso a contemplarli. L’opposto della la natura viva e pulsante che il ragazzo conosce e sperimenta nei boschi, di quella fusione con essa che gli dà piacere e gioia.  È proprio questo ad innescare il conflitto con la scuola e le sue regole, ma pian piano Luca cercherà e troverà una mediazione che gli consenta di diventare un bravo cameriere, conservando la propria indole e la propria passione per la natura.

Peccato che il ritmo del film sia davvero molto lento. L’approccio registico basato su lunghi silenzi, immagini e suoni, se da una parte trova alcune soluzioni felici, come quando il regista si concentra sullo sguardo assente del protagonista, sulla sua figura scomposta, o ad esempio nella scena della caccia, dall’altra rende a tratti faticosa la visione. Inoltre, la nuova veste del racconto di formazione e della dicotomia natura-società, che  Maldi propone in chiave socio-antropologica ne L’apprendistato, non basta a ravvivare tematiche ampiamente trattate sul grande schermo e a rendere coinvolgente la ripetitiva routine della vita scolastica.

Prodotto da Invisibile Film, L’Altauro di Davide Maldi e Micol Roubini, Red House, distribuito da Movieday e Slingshot Films, L’apprendistato arriva in sala dall’8 marzo.

L’apprendista stregone (The Sorcerer’s Apprentice) è  il film del 2010 diretto da Jon Turteltaub e con protagonisti Nicolas Cage e Jay Baruchel.

Di fronte ad un Jerry Bruckheimer sempre meno re Mida di Hollywood arriva nelle sale anche quest’ultima fatica del produttore, che nonostante le speranzose premesse non riesce nemmeno con questo titolo a guadagnarsi lo scettro di migliore incasso dell’estate, e si aggiunge alla delusione di inizio stagione Prince of Percia.

La storia: una vicenda a metà strada tra il cinema di supereroi e il gusto per il mistico della saga di Harry Potter; destinato a essere l’erede di Mago Merlino, l’adolescente Nerd (Jay Baruchel) viene contattato dallo stregone Nicolas Cage, che lo addestra alle arti magiche (non senza qualche dejavù che ricorda molto il Sam di Transformers) per difendere il mondo dalla minaccia di un’antica strega e dallo stregone traditore che la vuole risvegliare, un simpaticamente crudele e bravo Alfred Molina.

Il problema è che il succo regge ben poco e con un finale privo di attrattiva il film a stento decolla. Senza nominare anche la pessima Bellucci che come presenza è sempre un bel vedere ma quando inizia a parlare in sala suscita soltanto molte risate e non dovute a qualche battuta esilarante ma bensì alla sua voce che è poco affascinante rispetto al resto.

Al film non basta il riferimento esplicito al classico della Disney, Fantasia, che pur presta il titolo originale al film, e a parte una citazione del cortometraggio in una scena dove (Nerd Jay Baruchel attendendo l’arrivo della sua bella, decide di lanciare un incantesimo su scope e ramazze per pulire il suo laboratorio senza faticare) il non male Baruchel si sostituisce al Topolino disneyano, rimane solo un breve tratto che inevitabilmente ribadisce un concetto chiaro che a Hollywood ormai sembra quasi religione: il rifarsi a un marchio per ragioni dettate dal sostegno di un marketing preesistente e a buon mercato (che nasce dal ricordo degli originali), che consente a registi, attori e sceneggiatori di mandare avanti la macchina cinema in tempi di crisi economica (e creativa).

Tutto sommato il film comunque non è del tutto disastroso, e a dirla tutta Nicolas Cage non è poi così male, c’è di peggio. Ormai il povero Nicolas è caduto in un uragano pregiudiziale della critica americana che non manca occasione per distruggere quel poco che riesce a combinare. Anche la regia di Jon Turteltaub sembra abbastanza onesta e servizievole. I due giovani sembrano abbastanza buoni e sicuramente (non me ne vogliano male i fan di Twiligth) la Kirsten Stewart in versione bionda la rivedremo molto presto.

L’appartamento è il film cult del 1960 di Billy Wilder con protagonisti nel cast Shirley MacLaine, Jack Lemmon, Fred MacMurray, Ray Walston e Jack Kruschen.

Trama del film L’appartamento:

C. C. Baxter, detto Ciccibello, impiegato in una grossa compagnia d’assicurazioni americana, con una vita solitaria e tutta lavoro, fa carriera in fretta grazie al fatto che presta il suo appartamento ai dirigenti dell’azienda per le loro avventure extraconiugali.

Del “servizio” usufruisce anche il capo del personale, Sheldrake, che porta nell’appartamento Miss Fran Kubelik, una delle addette agli ascensori dell’azienda, sua ennesima amante. In uno di questi incontri, Fran si rende conto che Sheldrake non ha nessuna intenzione di divorziare come le ha promesso, e tenta il suicidio a casa di Baxter. Questi interviene in tempo a salvarla, i due hanno occasione di conoscersi meglio. Baxter è un uomo in fondo buono e gentile, molto solo. La stessa solitudine caratterizza Fran, cui Sheldrake non dedica mai tutte le attenzioni che meriterebbe, dimostrandosi a volte del tutto insensibile ed egoista.

Baxter s’innamora pian piano di Fran. Ciò lo porterà a inevitabili frizioni con Sheldrake. Prenderà decisioni impegnative, comportandosi finalmente da uomo, anche a costo di mettere a repentaglio la propria carriera.

L’appartamento, il fil culto con Shirley MacLaine e Jack Lemmon

Questa commedia del 1960 diretta da Billy Wilder, riconosciuto maestro statunitense del genere brillante, è considerata a buon diritto tra i suoi lavori più riusciti. Non accusa infatti per nulla il trascorrere del tempo. Il merito va senza dubbio a una serie di fattori: l’abilità di Wilder regista, ma anche sceneggiatore accanto ad A. L. Diamond, che riesce a tenere insieme l’anima più comica del film (la comicità di situazione in cui il talento di Lemmon regala momenti assai spassosi) con una riflessione acuta sulla società americana, chiusa nell’individualismo e arrivismo, quasi contro la sua stessa volontà, come accade a Baxter/Lemmon. L’impiegato sfrutta il proprio appartamento e le debolezze dei superiori per far carriera, loro sfruttano lui per le loro scappatelle col ricatto-promessa della promozione, il capo del personale tiene legata a sé l’amante (Fran/Shirley MacLaine)  con la fantomatica promessa del divorzio.

Alcune donne dipendenti dell’azienda, sfruttano la loro relazione coi dirigenti a fini economici e di carriera (Fran invece sembra davvero innamorata di Sheldrake). Tutto ciò pare normale amministrazione, quasi inevitabile, mentre invece basterebbe, come accade al protagonista, trovare il coraggio di essere “uomini” per sottrarsi a questa logica e riscoprire valori autentici, oltre che una vita forse meno agiata, ma più soddisfacente. Quanto poi sia universale e “sempreverde” il tema del tradimento e tutto ciò che ruota attorno ad esso, è inutile dire.

Ne L’appartamento l’azione si sviluppa in modo vivace, il tono generale è leggero e l’happy end è garantito. Lo spettatore, però, non ha fretta di giungervi, perché coinvolto dal ritmo del racconto e da dialoghi arguti. La scelta di Lemmon e MacLaine è poi più che appropriata: i due attori mostrano qui al meglio le loro doti interpretative rivelandosi capaci di estrema leggerezza, autentica comicità (specie Lemmon), ma caratterizzando con la stessa efficacia i tratti più sconsolati e malinconici dei loro personaggi.

Il regista, che aveva già lavorato con Lemmon in A qualcuno piace caldo, li rivorrà con sé entrambi nel ’63 per Irma la dolce, mentre sarà sempre Wilder ad inaugurare il fortunatissimo sodalizio artistico tra Lemmon e Matthau nel ’66.

L’appartamento si aggiudicò diversi Oscar: miglior film, regia, sceneggiatura, scenografia e montaggio. Shirley MacLaine fu premiata a Venezia per la sua interpretazione, ma ricevette anche il Golden Globe e il BAFTA. Gli ultimi due premi furono assegnati anche a Lemmon.

Ha avuto un interessante percorso, attraverso festival come l’IFFI Goa in India, quello del Cinema Italiano a Tolosa e quelli di Fano, Foggia e Napoli (dove ha vinto i premi come Miglior Film e per la Miglior Attrice a Livia Antonelli), il film che arriva in sala il 18 gennaio distribuito da Farocinema. Sostenuto dall’azienda Latte Sano, il film L’anima in pace diretto dal vincitore del Globo D’Oro Ciro Formisano (L’Esodo, L’altro buio in sala) conta sulla partecipazione di Donatella Finocchiaro e Daniela Poggi – accanto a Lorenzo Adorni (Un passo dal cielo, Maschile singolare, Adagio), Antonio Di Girolamo, Cinzia Susino e la protagonista Livia Antonelli, debuttante formatasi alla scuola Volonté – per raccontare una storia ambientata entro le barriere invisibili e invalicabili dei sobborghi.

L’anima in pace, la trama

Dora è una giovane di 25 anni con un carattere all’apparenza ruvido ed impenetrabile che lavora portando la spesa a domicilio, un lavoro molto pesante. Non l’unica difficoltà delle sue giornate, che ogni sera si concludono a casa della zia, dove vive con la madre Lia. Questa è una donna instabile ed inaffidabile, da poco uscita di prigione, la cui inadeguatezza ha fatto sì che i gemelli Massimo e Nunzio siano stati affidati a un’altra famiglia. Dora cerca di guadagnare soldi sia attraverso il suo lavoro sia tramite una seconda attività, illegale, consegnando le dosi che il pusher con cui ha una relazione le passa. Soldi che spera le serviranno per costruire una nuova vita, per potersi permettere il ritorno dei suo fratellini, augurandosi che la sentenza imminente possa restituirglieli, che inizia a sembrare possibile con l’arrivo di Andrea, un giovane specializzando in medicina che cerca di aiutarla e spronarla, almeno fino a quando Yuri non scopre il rapporto pulito e sincero dei due giovani, per altro osteggiato dalla madre di lui.

Le fatiche di Dora

Il sostegno dell’azienda casearia Latte Sano alla realizzazione del film è evidente (a partire dalla presenza dei locali dell’Azienda in alcune riprese), e fondante, nel bene e nel male, con il rischio che il risultato appaia quasi prodotto su committenza. Definizione che non sarebbe la più adatta a un film dal forte realismo che si potrebbe descrivere invece come ‘a tesi’, viste le implicazioni e i messaggi che la storia di crescita ed emancipazione della giovane protagonista suggerisce.

Una ragazza problematica, costretta a occuparsi del sostentamento proprio e della famiglia – disfunzionale e divisa, dai traumi passati e dalla giustizia – senza poter contare sulla madre e con tutti i mezzi. Leciti e non. Questa la premessa, sviluppata con forza quasi documentaristica nel pieno della pandemia di Covid-19, fotografata nel momento del lockdown dal quale tutti speravamo di uscire migliorati da una esperienza che oggi risulta più anacronistica di quanto sia in realtà. In parte anche per le scelte fatte nel rappresentarla.

Pregi e difetti del realismo popolare

Intorno il Quarticciolo, un contesto popolare e periferico, quello delle moderne borgate romane, delle quali si sceglie di mettere in luce con onestà gli aspetti più positivi (da solidarietà e dignità all’etica del lavoro) senza nasconderne i peggiori (microcriminalità e diverse forme di abusi e violenza, domestica primis). Peccato che le emblematiche e coinvolgenti sfide che Dora affronta e supera siano accompagnate da qualche disattenzione, figlia evidente di limiti di budget – contrastati anche con l’aiuto delle stesse comparse (scelte tra gli abitanti del quartiere, che hanno messo addirittura a disposizione la propria abitazione per le riprese) – e da una evitabile ricerca del gesto simbolico, come nell’insistenza finale sulla borsa della madre.

Personaggio a suo modo chiave, affidato alla presenza scenica e all’esperienza di Donatella Finocchiaro, cui fa da contraltare l’altrettanto speciale partecipazione di Daniela Poggi, madre borghese e diffidente del ragazzo che Dora inizia a frequentare. Figura alla quale  istintivamente verrebbe da assegnare una funzione liberatoria che nella didascalica conclusione la protagonista reclama giustamente per sé, giovane consapevole e decisa a rompere un circolo vizioso che le impedisce di – anche solo sognare – essere più di quel che è.

La definizione di “favola nera” rischia di essere troppo vaga e fuorviante per L’angelo dei muri con cui Lorenzo Bianchini raggiunge finalmente il grande pubblico. Grazie all’impegno produttivo di Rai Cinema, MYmovies e per la prima volta della distribuzione Tucker Film, in molti potranno vedere sul grande schermo (a partire dal 9 giugno) il film di Lorenzo Bianchini presentato al Torino Film Festival 39. Non a caso nella serata di chiusura della sezione Le stanze di Roi, caratterizzata da “mistero e inspiegabile” e composta da storie meno omologate e classificabili.

Chi è L’angelo dei muri?

Come quella drammatica dell’anziano Pietro, raggiunto da un’ordinanza di sfratto dal suo vecchio appartamento e costretto a trovare una soluzione per sopravvivere. La sua solitaria quotidianità cambia, ma non troppo, nascosto nella stanzetta segreta che realizza a tempo di record nella stessa casa nella quale vive. E dove ora verranno a vivere altri.

Il via vai di operai guidati dal padrone di casa è infatti interrotto dalle scene di vita familiare di una giovane madre, preoccupata dalla malattia della figlia, cieca e spesso lasciata sola nell’appartamento. Per lei Pietro diventa una presenza abituale, senza esser fisica, e crea un legame quasi soprannaturale, in una realtà parallela fatta di suoni più che di parole.

Un dramma moderno e antico insieme

Ci si muove nelle crepe, delle vecchie pareti e dei nuovi tramezzi, ma soprattutto quelle esistenziali, di una serie di personaggi rotti dalla vita e a un passo dallo sbriciolarsi. Su tutti l’incredibile protagonista – interpretato dall’ottantasettenne Pierre Richard – scelto dal regista, che dopo Oltre il guado e le sue precedenti esperienze torna a occuparsi di solitudine. E a farlo in prima persona, come sceneggiatore, montatore e scenografo, oltre che regista.

Il controllo su tempi, rumori (dagli scricchiolii al sibilare del vento o le musiche scelte per rompere il silenzio) e spazi è totale da parte del direttore italiano, che usa al meglio tutti gli elementi in suo possesso e in un contesto claustrofobico e ossessivo costruisce una storia d’amore e disperazione non banale, dai risvolti sociali, e su più livelli. Nella quale la chiave potrà pure essere prevedibile, ma il “gioco di immedesimazione” cercato compensa con un’empatia particolare la mancanza della carica che ci si aspetterebbe in quello che viene presentato come un “thriller psicologico”, ma che potrebbe rispondere ai canoni meno frequenti dell’horror emotivo.