Non capita spesso che un’opera prima centri così chiaramente il bersaglio, tanto meno che riesca a parlare di un tema caldo – e tragico – come quello della pedofilia e degli abusi familiari, come fa L’amore secondo Dalva di Emmanuelle Nicot. Una storia nata dall’osservazione del reale, che dopo aver vinto due premi alla Semaine de la Critique del Festival di Cannes 2022, arriva in sala l’11 maggio distribuito da Teodora, conquistata dal talento, l’ironia e la sensibilità rivelati dalla regista esordiente e della giovanissima Zelda Samson, protagonista di una incredibile rinascita.

Dalva, donna bambina

Siamo con lei dall’inizio alla fine. Sin dal turbolento incipit, nel quale la vediamo strappata con violenza al suo focolare domestico, è la sua Dalva ad accompagnarci mentre gradualmente il film ci chiarisce la situazione. Di una ragazzina di dodici anni abituata a vivere con il padre, separato dalla moglie e accusato di rapimento e abusi sessuali sulla figlia, che improvvisamente si ritrova sola in un centro di accoglienza.

Abituata a modi e abiti non propri della sua età, la ragazza continua a spiegare l’amore che la lega al genitore e a ripetere a educatori e assistenti sociali di essere una donna, e non una bambina, comportandosi come tale, senza riuscire a uscire da un trauma vissuto come normalità troppo a lungo. Un percorso nel quale la aiuteranno la casa famiglia e il paziente Jayden, ma soprattutto l’amicizia con Samia, una coetanea attraverso la quale inizierà a vedere il mondo da una prospettiva diversa riappropriandosi della propria infanzia.

Tante famiglie, amori diversi, maestri sbagliati

E’ brava Emmanuelle Nicot a trasmetterci lo stravolgimento vissuto dalla sua piccola protagonista, sin dalla prima scena di L’amore secondo Dalva, travolgente e caotica, realizzata con la camera a mano. La sicurezza che dovrebbero dare una casa, un genitore, è rapidamente sostituita dal disagio nell’apprendere di più sul rapporto tra la ragazza e il padre. Nel sentire descritto sul piano fisico un “amore” tra i più belli e naturali e nel vedere Dalva continuare a difendere il suo aguzzino e seguirne gli insegnamenti distorti in cerca di una accettazione.

Una delle tante drammatiche conseguenze degli abusi subiti da Dalva, d’altronde, è proprio quello di cercare l’approvazione altrui attraverso modelli adulti che non dovrebbero appartenere a un’età di tutt’altre scoperte e di crescita. Come le tecniche seduttive che la piccola mette in atto per la paura di restare sola e che evidenziano lo straniamento scelto come chiave per raccontare in modo diverso un orrore che troppo spesso popola le nostre cronache.

La denuncia è implicita nella messa in scena delle difficoltà che attraversa la ragazza nel suo lento scoprire la vita che avrebbe dovuto vivere e i segnali del proprio corpo, comuni alle vittime di abusi e indicativi di una (si spera) propedeutica fase di rifiuto. Un coming-of-age che passa dalla scelta di nuovi modelli prima di immaginare di poter avere un proprio colore preferito, di trovare una propria voce, di imparare a rispettarsi e farsi rispettare, anche con qualche eccesso. Come nella scena nella quale è la cattiveria di un’altra bambina a rendere reale l’orrore vissuto e a spazzare via illusioni e idealizzazioni con una semplice, cruda, domanda.

Adriana è una donna di quasi 60 anni: francese di nascita, vive da molto tempo in Italia, in Puglia per la precisione, ha una figlia grande, un nipote e un lavoro da infermiera all’ospedale della sua città. Un giorno in corsia conosce Mohamed, un giovane uomo di Tangeri, di circa 30 anni. Tra i due nasce una storia destinata a dare scandalo.

Il melodramma è insito nella natura umana, su questo si basa quasi tutta la tradizione scritta e orale dei racconti da Omero a Shakespeare e oltre. In tutti questi racconti (prima di arrivare ad Harold e Maude) i protagonisti sono giovani e prestanti, a cui il destino avverso impedisce di essere felici.

Nel 2015, Mohamed e Adriana non possono essere felici perchè la società lo impedisce loro, per il “buon gusto” e per l’idea che una donna, dopo una certa età non posso più provare un sentimento passionale ed erotico, soprattutto se rivolto verso un uomo di 30 anni più giovane.

Insieme a Gloria, la cui attrice protagonista vinse un premio al Festival di Berlino 2013 e Party girl, questa è un’altra pellicola che parla della forza e della voglia di vita delle donne che già hanno attaversato buona parte dell’esistenza, ma che non sono ancora morte.

Adriana, interpretata dall’attrice Ariane Ascaride, che abbiamo visto in molti film del regista Robert Guédiguian, autore impegnato soprattutto sul fronte umano dei diritti sociali, ricorda per espressioni, movimenti, libertà di interpretazione, le attrici della Nouvelle vague di Godard e Truffaut, i primi che descrissero donne libere, indipendenti e in pieno possesso di se stesse e della propria sessualità.

Il mondo che circonda Mohamed e Adriana è squallido e grigio, sono i palazzoni di periferia, in cui le persone abitano e vivono tutte allo stesso modo, e una variazione a questa norma autoimposta è vista come scandalosa.

Come avveniva nelle storie del passato, tutto gioca a sfavore dell’amore, che però è inevitabile, e, come rivela lo stesso titolo, non perdona.

L’amore non perdona esce in sala il 9 Aprile.

Tratto dal best-seller “Catholique Anonyme” di Thierry Bizot, marito della regista nonché autore del soggetto autobiografico del film, l’opera prima di Anne Giafferi osserva con leggerezza il rapporto tra credenti e scettici, ridendo garbatamente dei clichè della Chiesa Cattolica, ma anche dei facili pregiudizi nei confronti della religione. L’amore inatteso si pone dunque come un discreto elogio della spiritualità, intesa anzitutto come apertura alla riflessione, come capacità di porsi domande e di aprirsi al prossimo.

In L’amore inatteso la vita di Antoine (Eric Caravaca), brillante avvocato francese sulla quarantina, sembra essere perfetta: sposato con l’affascinante Claire (Arly Jover) e padre di due figli, conduce una vita agiata circondato dall’élite intellettuale di Parigi.

In seguito ad un colloquio con un insegnante del figlio maggiore Arthur (Quentin Grosset), adolescente sensibile e introverso, viene invitato a frequentare un corso di catechesi per adulti. Dopo il primo incontro, deriso scetticamente insieme a moglie e amici, Antoine inizia a non poter fare a meno degli appuntamenti bisettimanali in parrocchia.

Il percorso intrapreso segretamente dal protagonista, che “confessa” il nuovo interesse solo alla sorella Hortense (Valérie Bonneton), lo aiuterà nel mettere a fuoco quelle fragilità che per troppo tempo la routine quotidiana era riuscita a nascondere. Tramite la fede raggiungerà una nuova consapevolezza di sé, punto di partenza per ricucire i difficili rapporti con Arthur e con il burbero padre (Jean-Luc Bideau), da sempre teso a favorire il figlio nullafacente Alain.

L’amore inatteso, il film

A tal proposito, i meccanismi famigliari sono analizzati nella loro complessità, senza alcun giudizio: la volontà della regista è infatti quella di sviscerare le motivazioni alla base dei conflitti, più che di trovare un vero e proprio “colpevole”.

L’amore per il dettaglio, tipica dei film francesi, va di pari passo all’utilizzo dei silenzi, qui sempre giustificati nonché veicolatori di messaggi precisi. Il tutto, supportato da un ottimo cast e da una sceneggiatura forte ed equilibrata, in cui spicca – tra tutti – il discorso finale di Antoine, una sorta di confessione/auto-analisi in cui si racchiude l’intero percorso di crescita personale seguito dal protagonista.

Prodotto dalla Elephant Story e distribuito dalla Microcinema, L’amore inatteso sarà nelle nostre sale dal 21 marzo, con tre anni di ritardo rispetto all’uscita francese.

In L’amore fa male Germana è un’aspirante attrice 40enne, bella e vivace, impegnata in una relazione fedifraga con un uomo sposato. Gianmarco è felicemente sposato con Antonia, ma non riesce a fare più l’amore con lei. Gianmarco e Germana si incontrano. Elisabetta è un’affascinante medico sposata con Aldo, che però è un po’ freddo, ha bisogno di tempo per pensare al suo matrimonio. Ha un segreto. Elisabetta e Germana diventano amiche e si confidano e confortano a vicenda. Amori si intrecciano, tradimenti si consumano e dolori si susseguono. L’amore fa male, il primo film di Mirka Viola, primo da regista e sceneggiatrice, si presenta come un interessante affresco dei rapporti amorosi tra gli adulti di oggi, rapporti che in un modo abbastanza lineare cercano di comprendere ogni tipo di relazione, cercando di passare per le diverse età della vita e riuscendo, anche se in maniera pallida, a mostrare una fetta di umanità alle prese con questo strano e complesso sentimento.

Stefania Rocca, il film

L’amore fa male però da subito rivela i suoi limiti, su tutti una sceneggiatura poco equilibrata che divide i buoni (le donne) dai cattivi (gli uomini) in maniera così netta e cieca da risultare inevitabilmente fittizia. La stessa regia, per quanto non presenti particolarità che la possano definire cattiva, non mostra nemmeno grande personalità, ma almeno diamo atto alla Viola di essere in grado di raccontare in maniera sufficientemente coerente una storia che in questo caso si complica per l’alto numero di personaggi coinvolti. Il cast di L’amore fa male è composto da volti abbastanza noti del nostro panorama televisivo e cinematografico: Stefania Rocca è Germana, svampita ma forse un po’ troppo sopra le righe; Nicole Grimaudo è la rigida Elisabetta, a sorpresa la migliore dell’insieme, davvero molto convincente, Paolo Briguglia è il giovane Gianmarco, fedifrago incosciente. Fa storcere un po’ il naso la presenza di due grossi nomi come Claudio Bigagli e Stefano Dionisi, qui non proprio nel loro film migliore.Nel cast anche la italo francese nel ruolo di Antonia.

Le musiche, ben fatte dall’ormai affermato Andrea Guerra, sembrano sempre sull’orlo di annunciare un disastro che non avviene, uno sconvolgimento radicale degli equilibri che però non sbocca nel gran finale, dal ritmo piuttosto blando. L’amore fa male, che sia giovane o di mezza età, lo sanno bene i protagonisti del film, peccato che in questo caso oltre a far male è anche fatto piuttosto male. Rimaniamo però con il beneficio del dubbio, aspettando magari una seconda prova da parte della Viola, che dimostracomunque una grande energia.

Primo lungometraggio di finzione di Francesca Muci, documentarista e scrittrice – da un suo testo è tratto il film – L’amore è imperfetto è la storia di una donna, Elena/Anna Foglietta, che dopo la cocente delusione d’amore avuta da Marco/Giulio Berruti,  si chiude a questo sentimento per diversi anni – il film alterna i due piani temporali: il 2005 e l’oggi – finché un imprevisto le fa conoscere due nuove persone ed esplorare nuove frontiere dell’eros e dell’amore.

Con Ettore/Bruno Wolkowitch, affascinante cinquantenne francese, limpido e rassicurante, e Adriana/Lorena Cacciatori, diciottenne impulsiva e travolgente, Elena vive una sessualità nuova e sembra rinunciare per sempre al sogno dell’amore perfetto, riuscendo anche a riconciliarsi col suo doloroso passato.

Esordio per certi versi lodevole, per altri incerto. Scritto da una donna su una donna, ha la sua forza nel punto di vista diverso e coraggioso, che pone al centro la vita sessuale di un personaggio femminile, esplorando l’eros nelle sue “mille sfumature” con leggerezza e ironia, senza morbosità, senza alcun cenno di pornografia (poco il ricorso al nudo), unendolo al sentimento, con un intento liberatorio. E’ attraverso questo aspetto della sua vita che conosciamo Elena e non per il ruolo che il contesto sociale le ha assegnato, come spesso accade ai personaggi femminili. In questo senso il film è senza dubbio un’affermazione di libertà.

L’Amore è Imperfetto, il film

Riguardo le prove attoriali del cast, alle prese con diverse scene “hot”, le più convincenti sono le interpretazioni di Anna Foglietta e Lorena Cacciatori. Nel cast anche Camilla Filippi nel ruolo della migliore amica di Elena.

Altro elemento interessante di L’Amore è Imperfetto (forse quello svolto maggiormente) è la rinuncia alla perfezione. Elena rinuncia al sogno (o al bisogno?) dell’amore perfetto, quello che credeva di aver trovato in Marco, dopo il quale aveva come congelato sé stessa, incapace di accettare una realtà “imperfetta”. Realtà con cui Ettore e Adriana l’aiutano a venire a patti. Con loro cambia radicalmente approccio: prima timida e schiva, dà poi sfogo al suo lato spregiudicato, decidendo di non chiedersi più nulla e prendere ciò che viene dalla vita.

In L’Amore è Imperfetto quel che manca è lo sviluppo di molte questioni come il tradimento, la scelta se nascondere o vivere apertamente la propria sessualità (di qualunque orientamento sia), il desiderio di avere un figlio da una parte, e di contro, una maternità vissuta ma rifiutata al tempo stesso, l’altruismo e l’egoismo, che non vediamo svolgersi. Assistiamo solo, alla fine, ad una soluzione complessiva e collettiva in chiave sentimental-romantica. Dice la regista, “alla fine si risolvono un po’ tutti”, aggiungiamo, senza compiere un vero percorso.

Così come poco chiaro resta il ricorso alle sfere religiosa e psicanalitica. Poco comprensibile, se non come elemento legato agli usi locali, il riferimento al sacro. Esso è presente accanto alla psicologia e alla psicanalisi (cui si rimanda spesso, ma esclusivamente per dichiararne l’inutilità, riducendola a luogo comune) e si collega, secondo la regista, ad un’esplorazione dell’“io profondo”, che in realtà però non si attua, si dichiara anzi apertamente la volontà di “non farsi troppe domande”.

Efficace la scelta dell’ambientazione a Bari, col suo suggestivo lungomare, a rappresentare l’apertura all’altro e la voglia di libertà. Prodotto da R&C Produzioni e Rai Cinema e distribuito da 01 Distribution, il film sarà nelle sale dal 29 novembre.

Marc Marronier (Gaspard Proust) è un trentenne che fa il critico letterario di giorno e il giornalista nei locali di notte. Per lui non è molto difficile essere circondato da ragazze disponibili, ma il suo matrimonio fallito, gli amici donnaioli e i suoi stessi genitori lo portano a formulare una teoria sull’amore. Una teoria che prevede che questo sentimento abbia, per tutti, una data di scadenza: dopo 3 anni l’amore è destinato prima ad ammuffire e poi a disintegrarsi del tutto.

Tale certezza, che diventa la base del libro d’esordio di Marc, comincia però a vacillare quando Alice (Louise Bourgoin) entra nella vita del ragazzo, sconvolgendola. La naturalezza della giovane donna, la sua avvenenza e i suoi modi fuori dall’ordinario iniziano infatti a minare le convinzioni di Marc che, istantaneamente, si innamora di lei e rivede mentalmente tutte le sue tesi precedenti sui limiti temporali dell’amore.

Purtroppo per lui, però, le sue vecchie idee sono ormai nero su bianco e il libro di cui è autore ha un enorme successo. Così Alice, che aveva deciso di stare con lui, scopre il suo passato di immaturo misogino e decide di lasciarlo…

L’amore dura tre anni

Ed ecco servita l’ennesima produzione, rigorosamente francese, carina ma assolutamente non incisiva, né convincente. La commedia, che scorre senza intoppi né picchi, presenta battute vivaci ed éscamotage registici degni di nota per la loro originalità, come i titoli di testa o di coda, ma sostanzialmente non parla di nulla. Tutto il progetto sembra mancare di spina dorsale: dalla nullità della storia, alla pochezza dei dialoghi, all’assenza di ogni parvenza di sentimento (si sta parlando d’amore, giusto?).

Gli interpreti, forse complice come al solito un doppiaggio approssimativo, non sembrano né talentuosi, né convincenti e in certi passaggi alcuni cliché noiosi sfumano impercettibilmente fino a diventare addirittura fastidiosi.

Il tono che si avverte in generale sembra scaturire direttamente da qualche trasmissione televisiva di basso livello ed è decisamente perdente l’idea di far girare un film (tra l’altro tratto dall’omonimo libro scritto dal regista stesso) intorno ad una domanda degna di una rivista per teenagers: “L’amore è eterno o ha una data di scadenza?”.

Il personaggio migliore? L’editrice cinica.

Il peggiore? Il protagonista.

E il fatto che il contorno sia meglio della portata basta per rendere il tutto poco godibile. Forse sulla scia di The Artist o di Quasi Amici la cinematografia francese sta conoscendo un boom (almeno per quanto riguarda la distribuzione in Italia), ma quantità non vuol dire qualità e di questi filmetti di secondo ordine ci bastano i nostri.

L’amore dura tre anni? Beh, il film dura solo 98 minuti…e sembrano comunque troppi!

Nel suo ultimo lavoro L’Amore che Resta, Gus Van Sant torna a soffermarsi sui giovani e sulle loro problematiche. La trama non è nuova al grande schermo, incentrata sulla coesistenza di amore e morte. Ma il regista ha uno sguardo originale ed è coadiuvato da un buon soggetto e da un’altrettanto valida sceneggiatura, firmata da Jason Lew e inizialmente destinata al teatro.

In L’Amore che Resta i protagonisti sono due adolescenti le cui vite sono precocemente segnate dalla morte, per motivi diversi: lui ha perso i genitori in un incidente, lei è gravemente malata. È sulla base di questa similitudine che avviene il loro incontro. Ciascuno di loro si confronta con la morte ogni giorno, a modo suo, cercando di trovare un sistema per affrontarla e continuare a vivere.

Il protagonista maschile – Enoch/Henry Hopper, figlio del celebre Dennis cui il film è dedicato – è un giovane isolato, senza amici, che “si allena” alla morte imbucandosi ai funerali altrui, sperando così forse di abituarvisi, o di imparare dall’osservazione del dolore degli altri come affrontare il proprio. È alto, magro, veste sempre di nero, vive in una casa scura, con una zia che veste anche lei di nero. Forse, vorrebbe essere morto lui stesso. L’unica relazione che Enoch coltiva è quella con il fantasma di un kamikaze giapponese della seconda guerra mondiale, che lo segue ovunque.

L’Amore che Resta, il film

La protagonista femminile, Annabel (Mia Wasikowska), all’opposto di Enoch, ha una grande gioia di vivere, veste con abiti colorati e dalle fantasie particolari, non si vuole deprimere, non vuole lasciarsi abbattere, nonostante la morte le sia già vicina. I due s’incontrano e insieme, aiutandosi l’un l’altro, cercano e in qualche modo riescono ad affrontare qualcosa di difficile ed estremo, come può essere la morte per due adolescenti. Per Enoch la storia d’amore con Annabel sarà occasione di crescita: capirà che non ci si abitua mai, che non esistono antidoti, scorciatoie o soluzioni di comodo alla morte, che non si può non soffrirne, si può solo accettarla come parte della vita. E poiché non siamo comunque al riparo dalla sofferenza, anziché isolarsi, è comunque meglio vivere con gli altri la propria esperienza.

La forza del film però, al contrario di quanto si potrebbe pensare, è quella di non essere didascalico o patetico, di non puntare sul melodramma. Gus Van Sant tratta il tema in modo intelligente, riuscendo a tenersi quasi sempre lontano dalla retorica, anche grazie a un uso consistente dell’ironia, come quella che esercita con tutta evidenza in un paio di sequenze (molto divertente quella delle “death scenes”), ironizzando sull’approccio melodrammatico a questo tipo di storie. I dialoghi sono asciutti ed essenziali e al posto di frasi retoriche si preferiscono allusioni e silenzi.

L’interpretazione dei due protagonisti in L’Amore che Resta è misurata ed efficace. Hopper ci regala a volte uno sguardo assente, perso nel vuoto del suo isolamento, ma più spesso rende con spontaneità, assieme alla Wasikowska, quella voglia di normalità che li caratterizza entrambi. Wasikowska, col suo volto angelico e sbarazzino al tempo stesso, incarna in modo convincente un’apparente ingenuità, estrema difesa nei confronti di ciò che l’attende.

Gus Van Sant non cerca ciò che potrebbe facilmente colpire lo spettatore, per tenerlo avvinto alla storia, come l’esibizione della sofferenza o della malattia, ma punta proprio sulla ricerca della normalità. Ne risulta un racconto che si muove sul filo della leggerezza, su un argomento “pesante”. Il regista riesce così a far rimettere in tasca fazzoletti intonsi a chi si era preparato “al peggio”.

Particolarmente efficaci in questo senso alcuni espedienti di sceneggiatura, come la figura del fantasma Hiroshi: una sorta di saggio venuto dall’al di là, che accompagna Enoch e lo consiglia, ma allo stesso tempo, suo amico, complice e sodale. Nel film c’è, sì, una storia d’amore, c’è una riflessione profonda sul tema della morte, il tutto però filtrato da un’ottica disincantata ed ironica. Il regista si muove abilmente tra questi due poli, come tra una matrice americana e un “mood britannico”, che può ricordare pellicole come Another Year di Mike Leigh. Lo stesso fa con la scelta della colonna sonora, che si apre coi Beatles e si chiude con la voce di Nico. La pellicola è prodotta da Ron Howard e da sua figlia Bryce.

Tratta temi a lui cari Antonio Capuano nella sua ultima fatica cinematografica: L’amore buio, presentato alle Giornate degli Autori del Festival del Cinema di Venezia, tuttora in corso. Al centro, il rapporto genitori-figli e la condizione esistenziale degli adolescenti. La sfera privata, inserita in un contesto sociale che il regista conosce bene: quello napoletano, adatto forse più di altri a far emergere contraddizioni e complessità.

Insomma, gli ingredienti sono quelli che lo hanno reso noto a pubblico e critica, fin dall’esordio nel 1991 con Vito e gli altri, passando per Pianese Nunzio, 14 anni a maggio (1996), fino al recente La guerra di Mario (2005).

Si parte da una violenza. Un gruppo di quindicenni della Napoli popolare, dopo una giornata come tante, “pensa bene” di fare un giro nei quartieri “alti” e violentare una ragazza che rientra a casa. L’indomani, uno dei quattro, Ciro Fossa (Gabriele Agrio), denuncia sé stesso e gli altri alla polizia. Per i ragazzi inizia così l’esperienza del carcere, a Nisida; mentre, per la vittima della violenza, la diciottenne Irene (Irene De Angelis), comincia un percorso per elaborare quanto è successo. Così, Ciro riflette su di sé, su ciò che ha fatto, e comincia a scrivere lettere a Irene. La ragazza cerca in sé la forza per reagire e, pian piano, trova anche il coraggio di rispondere alle lettere di Ciro, in un confronto che si rivelerà proficuo per entrambi e aprirà loro la possibilità di un nuovo inizio.

L’Amore Buio

Il film racconta la contrapposizione tra due realtà che convivono nello stesso spazio, ma che sembrano non avere niente in comune: quella di Ciro e dei suoi amici, che a stento frequentano la scuola e girano Napoli in motorino tutto il giorno, con genitori che lavorano da mattina a sera per pochi soldi, vessati dalla camorra che controlla il territorio.

E, dall’altra parte, la città di Irene: quella alto-borghese, totalmente autoreferenziale, chiusa in sé stessa, fatta di case signorili, servitù, famiglie che offrono tutto il necessario al mantenimento materiale dei propri figli e alla loro formazione culturale. Due mondi opposti, che non dialogano, ma accomunati dalla stessa incapacità di gestire la relazione con gli altri, da un contesto affettivo carente.

È proprio in questo contesto che cresce quella percezione distorta per cui violenza e amore possono coesistere e, magari, coincidere, come pensano Ciro e i suoi amici. Come una percezione distorta è quella che porta Irene a scambiare per amore il rapporto col suo ragazzo, pieno di silenzi, distanze, incomprensioni, e in cui il corpo, anziché rispettato e amato, sembra usato per soddisfare bisogni. Capuano rintraccia le radici di questa aridità nei rapporti familiari: nella famiglia popolare, come in quella borghese, per motivi diversi, i genitori non sanno comunicare coi figli.

L’Amore Buio, personaggi e storie

La madre di Irene (Luisa Ranieri), che pure si preoccupa di quanto sta accadendo alla figlia, non sa stabilire un vero rapporto con lei. Men che meno, sa sostenerla in un momento così difficile. Preferisce non chiedere, non dire, non nominare mai la violenza subita da Irene. Così fa il padre (Corso Salani, nella sua ultima interpretazione), spesso assente e comunque del tutto incapace di comunicare. Lo stesso vale per la famiglia di Ciro: stretta nella morsa dei problemi quotidiani, non è in grado di aiutare il figlio.

 Anzi, che Ciro sia in carcere, dice il padre, è un bene perché, dopo tutto, “il vero carcere è fuori”. Dunque, adolescenti soli, che devono fare i conti con la vita senza una guida e spesso sbagliano, come Ciro, dovendo poi affrontare le conseguenze dei propri errori. Oppure,  non sapendo come gestirle, mettono a tacere sensazioni ed emozioni e si lasciano scivolare tutto addosso, come accade a Irene, che accetta senza convinzione la presenza e i comportamenti del fidanzato e acconsente passivamente alle sue decisioni. In questo scenario, àncora di salvezza è l’arte, che aiuta i protagonisti a crescere, a trovare una via per comprendere sé stessi e comunicare col mondo esterno: i laboratori creativi e la scrittura per Ciro; il teatro per Irene.

Il primo farà un vero percorso di crescita; la seconda riuscirà almeno a superare il trauma subìto. Quindi, l’arte è vista come un valido aiuto, là dove famiglia e società sono carenti, come dimostrano le varie figure di psicologi presenti, nessuno dei quali sembra realmente in grado di offrire il sostegno cui è deputato. Fa eccezione lo psicoterapeuta/organizzatore del laboratorio teatrale, che aiuta Irene a trovare “il suo bandolo”.

Dunque, una società che offre poco o niente, e spesso troppo tardi, come canta Ciro in un rap composto in carcere. Una società che non sa sostenere i giovani e quindi non sa pensare il proprio futuro. Al regista il merito di aver evidenziato come questo problema, che coinvolge soprattutto le presenti generazioni, sia assolutamente trasversale, e non riguardi solo realtà marginali, da relegare comodamente in luoghi lontani da sé.

Un apprezzabile tentativo di analisi, che va al di là dei manicheismi e delle facili semplificazioni. Nel cast, oltre ai noti Gifuni, Golino, Ranieri, che non deludono le aspettative, i due esordienti protagonisti: Gabriele Agrio e Irene De Angelis. Più convincente il primo, mentre appare piuttosto monocorde l’interpretazione della seconda. Sceneggiatura dello stesso Capuano che, per rappresentare l’incomunicabilità, affidata molto ai silenzi e agli sguardi, più che al discorso verbale. Il ciclo comincerà a spezzarsi grazie alla parola scritta.