In Ciliegine Amanda è una donna che ha una particolare intolleranza  per le disattenzioni maschili: non sopporta infatti che il suo compagno dopo un anno di vita insieme ancora non si ricordi che lei non ama lo champagne, né la gazzosa, né nulla che contenga gas, o che abbia una vitale importanza per lei la delicatezza di condividere le cose, come l’unica ciliegina su di una fetta di torta. Dopo che Amanda ha lasciato l’ultimo compagno, la sua amica Florence la invita a passare il capodanno insieme. Lì la donna conosce Antoine, con il quale scatta un’intesa immediata, dovuta però al fatto che lei è convinta che l’uomo sia gay. Ne nascono una serie di equivoci, inizialmente involontari poi condizionati dagli amici e conoscenti dei due, che proveranno a far superare ad Amanda la sua “androfobia” e a far convolare i due in una giusta relazione.

Laura Morante è un’icona  del nostro cinema recente, sia per bravura che per bellezza. Un’altra emigrata adorata dai “cugini” francesi, con meno glitter della première dame “Carlà”, ma di sicuro con uno spessore tale che le ha permesso di realizzare lì il suo primo film da regista. La storia che anima il film è molto semplice, si giostra sulla struttura della commedia degli equivoci che trova le origini ancestrali in Shakespeare e quelle francesi in Marivaux, dove però di solito l’equivoco non riguardava l’orientamento sessuale di uno dei protagonisti, ma piuttosto si trattava di  uno dei personaggi principali che era il desiderante o il desiderato e che si travestiva da sesso opposto. Il riferimento a Marivaux è quello alla sua operetta “Il gioco delle parti” in cui appunto la commedia e i personaggi volteggiano attorno ad un argomento leggero come l’amore e la seduzione, così come fa in questo suo film la Morante.

La leggerezza non appartiene però al personaggio di Amanda, la protagonista interpretata dalla stessa attrice, ma a tutti i suoi coprotagonisti, a partire da Florence, già vista in Emotivi anonimi, che ha un ruolo principale nell’ordire l’equivoco per il bene della sua amica, e Frèderic Pierrot che interpreta il collega di Florence che è veramente gay e con il quale Amanda confonde Antoine, e che diventerà il motore che farà scattare  la gelosia nella donna.

Un discorso a parte va fatto per il coprotagonista, Antoine, un affascinante Pascal Elbè, che però non ha veramente molta voce in capitolo nella storia: dipinto come un timido uomo che sta vivendo, lacerato dalla sofferenza, la separazione dalla moglie, evento che viene messo in scena con le luci di un dramma intimista anni 60, ha pochissime battute ed in effetti è la stessa Amanda a definirlo un uomo che ascolta più che raccontare i suoi fatti privati. La recitazione è quindi spostata tutta sulla mimica, del corpo e facciale, che raccontano il disagio dell’uomo nel vivere due relazioni, la separazione e la conoscenza di Amanda, di polarità completamente opposta.

L’altro punto di riferimento di Laura Morante è sicuramente anche la commedia di Woody Allen, di cui però manca la ferocia ironia, mentre non mancano le soluzioni registiche da lui utilizzate: una descrizione esaustiva della città in cui si svolge l’azione, in questo caso Parigi, la continua diserzione di uno dei personaggi su di un argomento in modalità ossessiva, e l’uso dei terapisti come confessori e complici e del cinema come unico rifugio.

Il risultato finale di Ciliegine è una commedia piacevole un buon ibrido di cultura francese e italiana, ma anche di una certa cura e riconoscenza verso altri autori, un buon prodotto in cui il cast tecnico, quasi interamente italiano; Maurizio Calvesi direttore della fotografia, Esmeralda Calabria al montaggio, Daniele Costantini alla sceneggiatura, q sottolinea ancora una volta come un film semplice possa essere comunque un buon prodotto commerciale, ed una storia non limitata ai confini di un paese.

 

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Il genere sportivo ricorre a temi e schemi narrativi che sviluppano spesso in maniera potente ed efficace parabole di vittoria e sconfitta, fallimento e risalita, percorsi in cui i protagonisti sono chiamati a confrontarsi non solo con sé stessi ma soprattutto con i propri limiti e le proprie debolezze. Simone Manetti, già fotoreporter e montatore per Paolo Virzì ed Edoardo De Angelis, elabora in modo personale le strutture del filone sportivo nel documentario Goodbye Darling, i’m off to fight – Ciao amore vado a combattere, suo primo lungometraggio, che dopo il Newport Beach Film Festival ha fatto tappa al Biografilm Festival di Bologna, dove ha vinto la sezione Biografilm Italia, ottenendo inoltre una menzione nella gara per la migliore opera prima.

Prodotto dall’indipendente Alfredo Covelli, Ciao amore vado a combattere rivela la lotta – interiore e sportiva – di Chantal Ughi, ex modella e attrice che da Roma si trasferisce a New York, dove si inserisce nella scena musicale underground, e infine in Thailandia dopo la fine di una complicata storia d’amore con un sassofonista tedesco.

A Bangkok Chantal si avvicina definitivamente al Muay Thai, la tradizionale arte marziale del popolo thailandese scoperta a New York, e capisce che sul ring può ritrovare se stessa. Per una una donna, oltretutto occidentale, gli ostacoli non mancano, ma la donna diventa sempre più competitiva, fino a conquistare il titolo mondiale. Le motivazioni a un certo punto vengono però meno e, dopo 5 anni in Thailandia, fa ritorno in Italia.

Il richiamo del Muay Thai si rivela comunque troppo forte. L’atleta si ripresenta a Bangkok decisa a riprendersi il titolo dei super leggeri di fronte alla regina nel giorno del suo compleanno, festa nazionale del paese. Il documentario parte formalmente da qui. Simone Manetti pedina con la giusta dose di distacco ed empatia la sua protagonista, impegnata in allenamenti massacranti e nelle meditazioni per recuperare la migliore condizione fisica e mentale. Non si tratta semplicemente di rivalsa, ma di affermazione di se stessi. Imponendo sacrifici, solitudine e uno stile di vita che non contempla distrazioni o mondanità, la Muay Thai è il mezzo grazie al quale Chantal ha imparato ad affrontare a viso aperto i demoni del passato e del presente, dai ricordi dolorosi dell’infanzia alle storie d’amore con uomini sbagliati.

Lo sguardo occidentale non può che restare affascinato dalla rappresentazione di questa disciplina sportiva e spirituale, vista attraverso i personaggi e i luoghi in cui si muove la protagonista, che ha contribuito al film anche con i suoi diari e le riprese da lei effettuate a New York e Bangkok. Sono soprattutto il viso e il corpo di Chantal Ughi, trasfigurati ora dalla fatica, dallo sforzo o dal dolore, a costituire le fondamenta del documentario, storia intensa e straniante di combattimento e salvezza.

 

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In Ci Vuole un Gran Fisico Eva (Angela Finocchiaro) è una donna come tante, sempre di corsa, con mille cose da fare e tante persone a cui pensare: la figlia ribelle (Antonella Lo Coco, che dal palcoscenico di X Factor approda per la prima volta sul grande schermo), la madre troppo arzilla per la sua età (Rosalina Neri), l’ex-marito scroccone (Elio), il capo misogino e spietato (Raul Cremona), l’amica coetanea che non si cura del passare degli anni (Laura Marinoni) e  un collega che la corteggia forse troppo timidamente (Jurij Ferrini). In più il giorno dei suoi 50 anni si avvicina e gli effetti della menopausa non le danno tregua. Sopraffatta dallo stress ma incapace di chiedere aiuto, solo con l’intervento di un angelo molto particolare (Giovanni Storti) potrà vedere la luce alla fine del tunnel.

Ci vuole un gran fisico affronta in modo coraggioso un tema fin troppo ignorato dal cinema italiano: gli alti e bassi della mezz’età e la menopausa. Essendo rappresentata solitamente da personaggi di contorno o da macchiette, questa fascia d’età con i suoi problemi e le sue contraddizioni, ma anche con i suoi lati comici, non è quasi mai riuscita a conquistarsi il centro della scena. Restano così punti interrogativi nell’immaginario collettivo, che, troppo spesso e troppo facilmente, trovano risposta negli stereotipi, non colmando le lacune e non sfruttando nemmeno le ampie potenzialità narrative di quest’argomento. Sebbene tratti diversi aspetti della menopausa considerati tabù, esorcizzandoli attraverso gag divertenti, la sceneggiatura pecca nell’assenza di fluidità e di coerenza narrativa. Scene di vita quotidiana della protagonista si alternano ai bizzarri sogni che ne affollano la mente fino al punto di svolta, troppo rimandato, cui seguono poi in maniera frettolosa e superficiale gli eventi che porteranno alla fine del film.

Ci Vuole un Gran Fisico, il film

L’insufficienza del prodotto può dipendere dal grande numero di mani dietro la sceneggiatura, ben quattro persone (Valerio Bariletti, Walter Fontana, Pasquale Plastino e Angela Finocchiaro), che forse la regista Sophie Chiarello, alla sua opera prima, non ha saputo gestire al meglio, seppur affiancata in post-produzione dal noto ed esperto montatore Marco Spoletini.

I simpatici camei di Aldo/tassista, Giacomo/cliente e Paolo Hendel/uomo ‘manomorta’, insieme ad alcune situazioni fastidiosamente surreali, tolgono altra sostanza ad un film che perde per strada i suoi punti forti senza accorgersene.

Prodotto da Medusa Film e realizzato da Paolo Guerra per AGIDI srl, Ci vuole un grand fisico arriverà nella sale Italia il 7 Marzo, pronto a sfidare validissimi concorrenti, tra cui un’altra opera prima italiana, un film candidato a ben 8 Oscar e un fantasy di casa Disney.

 

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Marcello Santilli (Enrico Brignano) un quarantenne irrequieto attratto dalla facile ricchezza, ma ridotto sul lastrico, scopre che in Puglia c’è un paese abitato da tantissimi vecchi. Ecco l’affare: aprirrà un’agenzia di pompe funebri. Ma i giorni passano e nemmeno un decesso, non una malattia, nè un piccolo malore. Sembra impossibile: in quel paese non si muore!

 

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Arriva al cinema la nuova commedia sentimentale Ci vediamo a Casa, diretta da Maurizio Ponzi e con protagonisti Ambra Angiolini e Edoardo Leo. 

In Ci vediamo a Casa Tre coppie molto diverse tra loro. Tre modi di pensare e di affrontare la vita a due. Tre microcosmi abbastanza riconoscibili della realtà odierna. Un unico, debole, filo rosso ad unire questi tre mondi: la ricerca della casa perfetta dove coronare un sogno d’amore e di convivenza.

Questa, in breve, la trama di Ci vediamo a casa, film che segue tre storie distinte, tutte egualmente poco interessanti, con l’apparente obiettivo di offrire uno spaccato dell’Italia di oggi.

Ci vediamo a Casa: il film

Inizialmente viene mostrata la vita di Vilma (Ambra Angiolini) e Franco (Edoardo Leo), bibliotecaria lei, ex-galeotto lui, che, per convivere, si trovano costretti ad accettare l’ospitalità di un amico pensionato con problemi di solitudine e di salute. Poi si segue con scarsa trepidazione il caso di Andrea (Primo Reggiani) ed Enzo (Nicolas Vaporidis), che vorrebbero andare a vivere insieme scappando rispettivamente dalla caserma e dai tentacoli di una madre soffocante, ma che sono frenati da problemi di ordine sentimentale. Infine si viene trasportati nel mondo del denaro e dell’ipertrofia dell’ego di Gaia (Myriam Catania) e Stefano (Giulio Forges Davanzati), due giovani che hanno una casa a testa e che, dopo una prova di coabitazione, decidono di mantenere i propri sacrosanti spazi vitali.

Il film di Maurizio Ponzi, regista con una lunga carriera alle spalle di cui però si ricordano più i prodotti televisivi come Il Bello delle Donne che le fatiche registiche al fianco di Pasolini negli anni ’60, mostra, con un linguaggio diretto e piuttosto povero, due tipi di mediocrità. Il primo è quello di cui sono pregni i suoi personaggi: esseri umani quasi mostruosi, persone brutte in senso etico che si comportano in modo gretto ed egoista nel quotidiano. Il secondo tipo di mediocrità, non meno evidente, riguarda invece la maniera in cui gli attori vengono mostrati: inquadrature prevedibili, uso del taglio e del montaggio veloce di un’unica inquadratura totalmente ingiustificato per il tipo di film, inserimento di sequenze di flash-back accompagnate da canzoni strappalacrime.

L’impressione generale è di aver assistito a delle avventure piuttosto sconclusionate, storie montate ad arte ma prive di senso in sé e per sé, ambientate in un’Italietta abitata dai peggiori individui e indirizzate, apparentemente, ad una platea considerata alla medesima stregua.

Questa povertà d’idee porta davvero a pensare che alcuni tipi di film andrebbero lasciati alla tv. Ciliegina sulla torta: la canzone del film è firmata Dolce Nera ed è stata presentata al Festival di  Sanremo 2012.

 

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