Heat – La Sfida è il film cult del 1995 diretto da Michael Mann e con protagonista nel cast Al Pacino (Vincent Hanna), Robert De Niro (Neil McCauley), Val Kilmer (Chris Shiherlis), Jon Voight (Nate), Diane Venora (Justine Hanna) e Natalie Portman (Lauren).

La trama di Heat – La Sfida

Neil McCauley (Robert De Niro) e la sua banda mettono a segno una sanguinosa rapina a un portavalori. Il Tenente Vincent Hanna (Al Pacino) si mette sulle tracce dei criminali, intenzionato ad andare fino in fondo. Tra pallottole, indagini e affanni individuali, la caccia diventerà una faccenda a due tra McCauley e Hanna.

Analisi: Prendi gli Oceans di Soderbergh, ma togli tutte le spiritosaggini e le fiches. Aggiungi I Soliti Sospetti, con tutto il suo fascino corale, ma senza il puzzle e tutta quella fatica cervellotica. Dopo un’ora e venti, a metà film, mettila sul personale: Robert De Niro contro Al Pacino. Ecco Heat – La Sfida, thriller del maestro Michael Mann, ispirato al noir francese Tutte le ore feriscono… l’ultima uccide (1966) di Jean Pierre Melville.

Non una sbavatura, non un personaggio che somigli a una figurina di carta, né una parola fuori posto. Quasi tre ore che filano dritte e maestose, con scariche di adrenalina che hanno fatto scuola – la rapina finita in macelleria urbana ha ispirato Christopher Nolan ne Il Cavaliere Oscuro – e che costellano quella che è (anche) una grande dissertazione audiovisiva sull’Amore nelle vite degli stakanovisti del crimine e della giustizia: un sentimento tutto sommato impossibile per uomini che vivono soltanto nella propria e per la propria vocazione, non importa da quale lato della barricata. Non per quanto riguarda i sentimenti.

Heat – La Sfida fim

Per il resto, naturalmente, non c’è storia: un Al Pacino/Vincent Hanna magnificamente gualcito e sopra le righe è l’eroe positivo, il migliore che uno spettatore attento possa desiderare. Un duro, sì, ma non con quel solito vizio di prendere strade brevi e ruvide in barba a qualche carrierista. Un duro con mente da accademico, un fuoriclasse. Il suo glaciale avversario Bob De Niro/Neil McCauley, rapinatore dalla vita disadorna che si fa strappare un pezzetto di cuore metallico da una bella grafica, è tagliente e quadrato tanto quanto il piedipiatti che gli dà la caccia è scapigliato e travolgente.

Ma se i due compari sono un sicuro portento, è grande merito del film occuparsi anche di altro e non accontentarsi di divertire il pubblico – chissà fino a che punto – con un lungo O.K. Corral tra assolute rockstar della settima arte.

Le donne dei duellanti sono ben più che comparse, ed è incisiva la figura di Lauren, figliastra disturbata del tenente Hanna interpretata da una Natalie Portman poco più che bambina, ma già bravissima; lascia il segno il personaggio del fragile rapinatore Chris (Val Kilmer), la sua storia nella storia, ed è indimenticabile il vecchio, affidabile e squallido Nate (John Voight). Ulteriore nota di merito per la colonna sonora, capace di accompagnare scorribande e proiettili con sonorità ai limiti del videogame o di scavare le giuste profondità, quando il film si prende una meritata pausa, e riflette. Imperdibile.

 

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American Zero – South African Hero con questa frase può essere riassunta la vicenda di Sixto Rodriguez, cantante folk di Detroit, ma originario del Messico, che all’inizio degli anni70 provò a sfondare nel mondo della canzone d’autore ma senza risultati, almeno negli Stati Uniti. Perché, mentre i produttori americani pur impressionati dal suo talento lasciavano perdere l’ardua impresa di farlo piacere al pubblico yankee, in Sud Africa Rodriguez guidava con le sue canzoni (e a sua insaputa) il vivace movimento giovanile che in quel periodo lottava contro l’apartheid. Canzoni come Estabilishing Blues o I Wonder diventarono manifesto di un intera generazione senza però che i fan sapessero nulla del loro cantante preferito e viceversa. La storia raccontata dal documentario Searching for Sugarman di Malik Bendjelloul parte da questo mistero. I due album registrati da Rodriguez infatti diventarono con gli anni patrimonio di ogni Sudafricano: “In ogni casa c’era una disco dei Beatles, uno degli Stones e poi Rodriguez. Ma nessuno di noi sapeva davvero chi lui fosse”. Questo il racconto di Stephen Segermen, fan e proprietario di uno dei negozi di dischi di Cape Town che contribuì alla diffusione di quelle canzoni così ispiranti per lui e i suoi coetanei. E da questi misteri inizia la sua ricerca sulle tracce dello sconosciuto Sugarman. Studiando i testi delle canzoni, osservando minuziosamente le copertine dei dischi, inondando di lettere e telefonate redazioni di giornali, case di produzione e tv americane.

Il documentario, uscito negli Stati Uniti nel 2012 e vincitore dell’Academy Award nell’anno successivo, è in Italia solo da pochi mesi e resiste imperterrito in poche ma tenaci sale cinematografiche che ogni sera si riempiono di curiosi, attratti dall’enorme passaparola che è circolato intorno a questo piccolo gioiello del cinema documentario. Trasmesso qualche settimana fa dalla piattaforma satellitare Sky (non a caso sul canale Sky Arte) ha registrato un ottimo seguito. Ciò che forse attrae di più di questa storia, oltre alla colonna sonora stupefacente e al mistero che per la maggior parte del film aleggia intorno alla figura di Rodriguez, è la visione nuova e controcorrente che l’autore riesce a dare dell’artista. Molte infatti erano le leggende che circolavano su di lui, che in quanto artista doveva necessariamente essere problematico, e per questo irraggiungibile. “Si è ucciso con un colpo di pistola” oppure “Si è dato fuoco durante un concerto, ed è morto di fronte al pubblico. Per questo non fa più dischi”. L’immagine collettiva lo voleva “pazzo come tutti i geni” e invece questa storia (e soprattutto il suo finale, che non sveleremo) ridà una nuova dignità alla figura dell’artista: sereno, impegnato, intelligente soprattutto quando sicuro di sé e del proprio valore.

 

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Blue Jasmine di Woody Allen non aveva vita facile. Di fronte al più che parziale fallimento di To Rome with love, le aspettative erano basse. In parte è riuscito a risollevarsi tornando nella sua America, cambiando però costa e trasferendosi per buona percentuale a San Francisco e non in quella New York che gli ha sempre consentito di dare il meglio di sé.

In Blue Jasmine, Jasmine (Cate Blanchett) è una donna ricca e con stile: non viaggia se non in prima classe, in compagnia delle sue valigie Louis Vuitton e a tracolla una borsa firmata Fendi. Ma il matrimonio con Hal, (Alec Baldwin) che tanto le permetteva di vivere in questo lusso, è finito. Da qui la vita di Jasmine subirà un micidiale cambiamento che, tra antidepressivi e pillole per l’ansia, la porterà a trasferirsi dalla Park Avenue di New York, a casa della sorella (Sally Hawkins) che abita in un povero sobborgo di San Francisco.

Blue Jasmine non aggiunge o toglie nulla di nuovo rispetto a tematiche già affrontate in passato nella lunga filmografia alleniana: sotto l’occhio dell’obiettivo abbiamo ancora la borghesia di New York, colpita e criticata, anzi stavolta sfociamo addirittura nell’ambiente multi-milionario. E la storia è condita da elementi di casualità (o causalità), quel senso di trovarsi al posto giusto nel momento giusto, per toccare con mano che la vita può ancora regalare un’occasione.

Woody Allen ha creato una pellicola che ruota tutta intorno al personaggio di Jasmine, interpretata da una meravigliosa Cate Blanchett. Le contraddizioni della protagonista, la sua superficialità, il suo voler essere a tutti i costi una persona ricca dentro e fuori, come lo è stata per anni non per suoi meriti, sprofonda in una crisi di nervi incontrollabile, dove l’unico obiettivo è ripiombare di nuovo in quella condizione di ricchezza. Un personaggio debole, ma forte nel rimanere aggrappato all’obiettivo e un’aurea di superiorità che scarica sugli esser inferiori, come fosse un Dio in collera con un comune mortale.

Il cinismo di Allen come al solito è spietato. Pur di avere una sicurezza, pur di soddisfare il bisogno di ciò che si è o si vuole essere, è lecito accettare qualunque compromesso, anche inconscio, altrimenti inammissibile.

Woody Allen ha vinto nel riuscire a gestire un personaggio, quello di Jasmine, a suo piacimento. Lo sa far amare, odiare, detestare; sa far provare pena al suo spettatore, arrivando persino ad accostare la parola “vittima” vicino alla protagonista. Ma il suo punto di forza è anche la sua parziale sconfitta: ha perso nel contorno, in una giostra di personaggi subalterni caratterizzati, ma troppo stereotipati. E quella brillantezza nei dialoghi, unita ad un’ armonia dell’immagine che non potremmo definire in altro modo se non “alleniana”, sembra persa per sempre.

 

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