Superman IV è il film del 1987 diretto da Sidney J. Furie e con protagonisti nel cast Christopher Reeve, Margot Kidder, Gene Hackman e Mariel Hemingway.

Trama: Quando la crescente tensione tra Stati Uniti e Unione Sovietica sembra vicina ad rendere reale l’incubo di una guerra nucleare, Superman si rende conto che l’umanità va salvata prima di tutto da se stessa e dopo un accorato intervento alle Nazioni Unite, prende la situazione di petto e si incarica di smantellare gli arsenali nucleari mondiali. A mettergli i bastoni tra le ruote ci penserà una  vecchia conoscenza, Lex Luthor, che nel frattempo ha creato un proprio clone dell’eroe, con l’obbiettivo di toglierlo di mezzo una volta per tutte;  ne seguiranno le proverbiali botte da orbi, caduta e ritorno del protagonista,  al termine delle quali Superman si congederà per lungo tempo dagli spettatori.

Analisi: Il quarto capitolo delle avventure di Superman col volto di Christopher Reeve rappresenta il tentativo estremo di rilanciare il personaggio, dopo i disastri combinati col precedente lungometraggio: una sfida già in partenza circondata da un’aura di scetticismo, a partire da quello dello stesso Reeve, che ormai ‘ingabbiato’ nel personaggio, fatica a costruirsi una carriera al di fuori di esso e accetta, con poca convinzione, di tornarne a indossare il costume; con lui tornano i sodali Margot Kidder – Lois Lane e Gene Hackman – Lex Luthor, assenti nel precedente lavoro.

A dirigere il progetto viene chiamato Sidney J. Furie, noto in precedenza per Ipcress ed Entity. L’obbiettivo è quello di restituire al personaggio l’aura epica del primo e in parte del secondo lungometraggio, senza dimenticare la componente ironica, ma evitando di scadere nell’ossessione per la gag che aveva caratterizzato il terzo capitolo. Non manca nemmeno la componente sentimentale, stavolta in forma di un triangolo appena accennato, quando Clark Kent attira le attenzioni della rampante figlia del nuovo proprietario del Daily Planet, interpretata da Mariel Hemingway.

Il risultato è però modesto, il film si trascina all’insegna di una stucchevole prevedibilità, gli attori prestano nuovamente, ma senza crederci troppo il loro volto ai personaggi e il film risulta un’operazione fuori tempo massimo, in un anno che vede l’uscita di Robocop e Predator, prodotti molto più duri e violenti, lontani anni luce dalle gesta del boy scout in costume rosso e blu: non è più tempo per Superman, si avvicina l’ora di Batman, che infatti sarebbe approdato sugli schermi di lì ad un paio d’anni. 

Dopo alcune disastrose visioni di prova, il film ampiamente tagliato e rimaneggiato, ma ciò non basta a salvarlo:  critica impietosa, disinteresse del pubblico, incassi che non coprono i costi e film finito nel dimenticatoio, condannando il personaggio ad un esilio ventennale dalle sale,  interrotto solo dal poco riuscito Superman Returns e più recentemente col definitivo rilancio di Man of Steel.

Superman III è il film del 1983, terzo capitolo della trilogia su Superman, diretto da Richard Lester e con protagonisti Christopher Reeve, Richard Pryor, Robert Vaughn, Annette O’Toole.

Superman III, la trama: Accettato pienamente il proprio ruolo di protettore dell’umanità, Superman si trova a contrastare il delirio di onnipotenza di un magnate dell’economia, affiancato da un genio dei computer, più ingenuo che cattivo. Lungo la strada, complice una versione da laboratorio della famigerata kryptonite, Superman finirà per dover affrontare – in un vero e proprio scontro fisico – il suo lato oscuro.

Superman III, l’analisi

Terzo capitolo della saga cinematografica di Superman: idee promettenti, ma  tradotte in modo poco riuscito. Richard Lester, dopo aver sostituito Richard Donner in corso d’opera in occasione del precedente capitolo, si occupa del progetto dall’inizio alla fine; alla sceneggiatura i coniugi Newman, stavolta senza Mario Puzo ad affiancarli.

Indisponibilità e controversie produttive portano ad un ampio rinnovo del cast, con alterni esiti: il ritorno di Kal / Clark nella natia Smallville è il pretesto per accantonare, per una volta,  Lois Lane e portare sullo schermo Lana Lang, col volto di Annette o’Toole (che avrebbe poi interpretato la madre terrestre di Clark in Smallville); pausa anche per Lex Luthor – Gene Hackman, sostituito da un cattivo creato per l’occasione, affidato a Robert Vaughn, volto noto di cinema e tv, ma privo di analogo carisma. Oltre che sulle spalle larghe di Christopher Reeve, il film è in gran parte affidato all’istrionica interpretazione di Richard Pryor, comico e monologhista di razza che sul grande schermo fu sempre usato sfruttandone le capacità camaleontiche più che la vena corrosiva.

Superman III ha quanto meno il merito di affrontare il tema del lato oscuro del protagonista: la sua dedizione al pianeta che l’ha adottato si scontra con l’inevitabile volontà di potenza, con la possibilità, conferitagli dai suoi eccezionali poteri, di poter dominare il mondo e disporne a proprio piacimento, pur riducendo tutto quasi in farsa, mostrandoci  un Superman ubriaco, che si diverte a usare i suoi poteri per compiere atti di vandalismo gratuito o per far colpo sulle donne… le due personalità entreranno in conflitto in uno scontro che costituisce la sequenza più riuscita dell’intero film. Se il precedente capitolo risentiva ancora dell’impronta di Donner e Puzo aveva limitato i danni, qui si cambia decisamente registro:  comicità e gag assortite prendono spesso il sopravvento, rendendo siderale la distanza dai toni a tratti epici dei primi due capitoli.

L’onda lunga dei precedenti film garantisce a Superman III  buoni risultato albotteghini, anche se molto inferiore alle aspettative e lontano dalle cifre dei precedenti; la critica sancisce il fallimento di un progetto che punta decisamente troppo sul registro comico, dando alla saga un colpo di grazia cui nemmeno l’inversione di rotta del successivo ed ultimo capitolo riuscirà a riparare.

In Prince Avalanche Due operai si trovano soli e isolati a dipingere linee stradali lungo una foresta texana appena devastata da un incendio. Alvin il più maturo dei due, è un uomo che tiene uno stile di vita preciso e rigoroso, ama la solitudine e il silenzio, ma soprattutto ama Madison, sorella di Lance, il compagno di lavoro, ragazzo assai più svogliato a cui interessa solo divertirsi durante i weekend. Tra i due inizialmente l’alchimia non è al massimo, ma una serie di vicende (e un simpatico vecchietto) evolveranno il loro rapporto in una sincera amicizia.

Dopo due film di rara bruttezza (Sua Maestà e Lo Spaventapassere) David Gordon Green decide di tornare a uno stile più contenuto e drammatico con questo Prince Avalanche. Il regista ci parla di solitudine, disperazione e rinascita attraverso le bellezze naturali e le ceneri della foreste texana.

Il misto tra questi due elementi è il culmine della rappresentazione simbolica che Gordon Green vuole mostrare; con i  fiori divisi a metà tra petali rigogliosi e steli bruciati fino agli animali, primaria forma di vita della natura incontaminata, che si trovano mezzi bruciacchiati ma ugualmente vivi. Ed è questo che sono anche i due protagonisti, scottati dalla vita, ma ugualmente capaci di reagire (faticosamente) a quello che accade nelle loro esistenze.

Tra i due Emile Hirsch è colui che meglio interpreta il ruolo tragicomico (mettendoci anche la componente fisica oltre a quella mimica) della situazione e rende ogni battuta degna di un sorriso, più fiacco Paul Rudd che non sembra avere il carisma adatto a trasportare questo genere di film e sono i momenti in cui è solo in scena ad essere la parte più debole del lungometraggio.

Il tutto è raccontato da una colonna sonora fiabesca di David Wingo e da una regia che riesce ad accompagnare lo spettatore delicatamente nelle emozioni dei protagonisti e soprattutto non si fa mai né invasiva né protagonista, e le sequenze nelle case bruciate ne sono la prova.

La sceneggiatura, scritta dallo stesso Gordon Green, è frutto di un adattamento del film islandese originale (Either Way)  e caratterizza bene i personaggi, ma non ha il mordente adatto a rendere il film memorabile  e risulta la parte più debole dell’intero lavoro. Prince Avalanche  riesce a soddisfare (e talvolta emozionare) ogni tipo di spettatore e a riscattare gli ultimi fallimenti del regista americano.

È una sorta di rituale obbligato e irrinunciabile, quello che Ila (Nimrat Kaur) mette in atto quotidianamente per far sì che il marito – lavoratore – riceva tutti i giorni il pranzo. Una preparazione meticolosa  di differenti e saporite pietanze, poi sistemate con cura e amore nel cosiddetto “lunchbox”: una tradizione che accomuna le donne e mogli indiane e che trova nel gesto ripetitivo e familiare del cucinare, una dimostrazione di affetto e di attenzione verso il proprio compagno. Ma per la protagonista femminile non si tratta soltanto di questo: è un modo per comunicare, a distanza, i suoi pensieri, i suoi stati d’animo; per raccontarsi all’altro ed esprimere se stessa. È per questa ragione che allega puntualmente una lettera al pacchetto alimentare, che spetterà al fattorino di turno dover ricapitare. Ma cosa succede se, per uno scambio di “missive”, sarà l’ impiegato sbagliato a riceverle? È così che ha inizio una privata e romantica corrispondenza tra Ila e Saajan (Irrfan Khan): quest’ultimo un uomo malinconico e che, ormai, pare aver smesso di cercare qualsiasi gioia della vita, qualsiasi cambiamento. Una condizione che in parte li avvicina, rendendoli fidati confidenti, l’uno dell’altra e viceversa.

È un film sobrio, delicato e originale, Lunchbox, diretto dall’esordiente Ritesh Batra: una regia che prende immediatamente le distanze dalla commedia tipica della Bollywood, scartando alla radice eccessi, ridondanze e fatuità. L’autore sceglie infatti di concentrarsi sugli aspetti più dimessi e profondi della narrazione, privilegiando l’interiorità dei personaggi, il loro bisogno di comunicare e, soprattutto di sentirsi meno soli. Quello che più conta restituire e riportare, anche attraverso la costruzione della messa in scena, è il loro più intimo sentire, il loro disagio di fronte a un’esistenza vuota e sempre uguale. Così il loro agire minimale – per lo più costituito dalle abitudini culinarie di lei, e da quelle professionali di lui-  si coniuga con il peso e il significato della parola scritta e della riflessione; e, parallelamente, si alterna, nel montaggio, alle riprese della vita cittadina, caotica e opprimente: quella delle piazze, quella delle strade e dei mezzi di trasporto. La macchina da presa interviene dunque nel sottolineare ed isolare l’unicità della loro relazione epistolare,  offrendo loro uno spessore, umano e spirituale, che risalta dallo sfondo metropolitano, freddo e indifferente. Un distacco che si esprime anche nei colori: tonalità di grigio e di colori scuri caratterizzano le immagini d’ambiente; mentre sfumature più calde, accoglienti e vivaci pertengono il cibo, nelle sue varie articolazioni.