Arriva in sala Sonic 2, il secondo capitolo della serie Sonic, anche stavolta diretto da Jeff Fowler, tratto dall’omonimo videogame uscito dal grande ventre della multinazionale giapponese Sega nel 1991, e diventato nel corso di questi decenni un vero e proprio impero, sia dal punto di vista del contributo nel gigantesco immaginario del mondo video ludico, che di quello economico, considerando il merchandise che ne è venuto fuori.

Valutato per lungo tempo come uno dei personaggi in lizza per lo scettro dei migliori della storia dei videogame, in particolare a confronto con Super Mario, è infatti ad oggi tra i primi sette più venduti di sempre. Il piccolo Sonic è un riccio di colore blu, proveniente dal pianeta Mondian, vivace e pieno di vita, dallo spirito frizzantino, propositivo ed entusiasta all’idea di nuove missioni da compiere.

Sonic 2, la trama del film

Appena due anni fa era uscita la prima trasposizione cinematografica, con quel mattatore di Jim Carrey nei panni del Dottor Ivo “Eggman” Robotnik, malefico cattivone dai lunghi baffi e la testa pelata, che anche questa volta ne ricalca gioiosamente i panni.

Il compito di Sonic è quello di arginare le male intenzioni del dottore, mentre tenta la scalata nel mondo delle responsabilità, sperando, nel frattempo, di aggiudicarsi l’approvazione affettiva dei suoi amici dal piglio genitoriale Tom e Maddie Wachowski (James Marsden e Tika Sumpter). Ad unirsi inaspettatamente alla nuova avventura, due vecchie conoscenze del gioco: Tails, una volpina dalla coda doppia, e Knuckles, un’echidna rossa. Il primo si alleerà con il protagonista e lo supporterà con la sua infinità di gadget, mentre il secondo inizialmente partirà dal suo pianeta con il proposito di far fuori Sonic, e saranno i nostri piccoli eroi a mostrarci la via per lo svelamento di cosa voglia dire essere amici, nemici e in tutto ciò lottare forte.

Sonic 2 è decisamente quel che si può definire un prodotto per famiglie, al netto di una probabile carenza (se non totale assenza) di preparazione dello spettatore riguardo al videogioco. Il film di Jeff Fowler nasce da un terreno già molto fertile  e riesce ad ottenere un ottimo successo con la prima uscita appena prima dell’inizio del lockdown. Con questo sequel mantiene lo stesso ritmo, aggiungendone altro, anche con l’ausilio di molti rimandi al gioco, ma non solo.

Il piglio da giullare compiaciuto e narcisista

A tenere alto il tenore della storia è sicuramente la cattiveria ricalcata dall’interpretazione di Jim Carrey, che forse a tratti ricorda quell’Enigmista che fu in Batman Forever di Joel Schumacher nel ’95. E il motivo è che è estremamente evidente quanto ci sia sempre del suo personale divertimento nel fare tutto quel che fa: il piglio da giullare compiaciuto e narcisista, ma con quella vena malinconica e bonaria che spesso gli scappa, senza che forse nemmeno se ne accorga. Tant’è che quando esce di scena, oppure le sequenze prevedono tutt’altre ambientazioni, ecco che la tenuta dell’andamento narrativo cala.

Ma, dopotutto, poco importa. Gli sketch strappano qualche sorriso e i personaggi restituiscono quella placida sicurezza ovattata che tutto andrà per il meglio. E ad eseguire ogni cosa secondo programma sono soprattutto i dialoghi e il rendimento del resto del cast, che è inevitabilmente didascalico, ma tutto sommato credibile.

A fare la parte degli eroi che riflettono e cambiano le proprie posizioni dopo un attento esame della realtà circostante, sono i più insospettabili, specialmente utilizzando uno sguardo bambino, che in questi casi è senz’altro il migliore da tenere. Infine, a corona di tutto, una decisa nota di merito alle scene d’azione. Quelle, sì, danno qualche piccola emozione da top player.

Con Songbird di Adam Mason, protagonisti KJ Apa e Sofia Carson, siamo alle prese con la produzione cinematografica dell’era Covid. Si tratta infatti di un film girato a Los Angeles durante la pandemia di Covid-19. Il regista e sceneggiatore Adam Mason promette di tuffarsi nel lato più inquietante della pandemia, proiettando lo spettatore in un futuro prossimo orwelliano di controllo e confinamento polizieschi, dove la speranza di un mondo diverso è nelle mani di due giovani innamorati.

La trama di Songbird

Los Angeles, 2024. Dopo quattro anni di lockdown, un virus mortale continua a mutare e ora la viariante Covid-23 fa il cinquanta per cento dei morti. Gli infetti vengono confinati in appositi dipartimenti senza contatto con l’esterno. Da qui difficilmente si esce vivi. Per tutti gli altri c’è il confinamento nelle proprie case, dalle quali non uscire per nessun motivo, in uno stato di polizia che non lascia scampo. Gli unici liberi di circolare sono gli immuni al Covid-23, muniti di braccialetti gialli di riconoscimento. Nico, KJ Apa, è uno di loro. Fa consegne in tutta la città in sella alla sua bicicletta ed è innamorato di Sara, Sofia Carson, che vive con la nonna, Elpidia Carrillo. I ragazzi sognano di poter fuggire lontano. Mentre Nico cerca un modo per pocurare i laciapassare per immuni alle due donne, la situazione precipita. Sara rischia di essere portata nella zona di quarantena e di non fare più ritorno. In una corsa contro il tempo, Nico cerca di impedirlo, chiedendo aiuto a Piper e William Griffin, Demi Moore e Bradley Whitford. Ci riuscirà?

Adam Mason e il suo cast

Adam AJ Mason, inglese di Cambridge, classe 1975, frequenta da un po’ i territori del thriller. Nel 2015 ha diretto Hangman, mentre è stato sceneggiatore di lavori come Conspiracy – La cospirazione di Shintaro Shimosawa con Al Pacino e Anthony Hopkins. È però anche un videomaker musicale. Ha lavorato con band come Alice in Chains e Korn. Per questo suo ritorno dietro la macchina da presa si avvale della produzione di Michael Bay – già regista a sua volta di film come Armageddon e Pearl Harbor –  che lo affianca con la sua Platinum Dunes.

Per interpretare i due protagonisti, Mason sceglie KJ Apa – l’Archie Andrews della serie tv Riverdale – e Sofia Carson – attrice e cantante che ha interpretato il ruolo di Evie nel film Disney per la tv Descendants ed è stata protagonista del musical Cinderella story: Se la scarpetta calza di Michelle Johnstone. Accanto a loro Bradley Whitford, Alexandra Daddario, Demi Moore e Peter Stormare.

Un film sul Covid oggi

Oggi si capisce fin troppo, dopo aver vissuto un anno e mezzo di pandemia, lo scenario dipinto da Mason. Esasperato e distopico sì, ma che adesso potrebbe apparire perfino realistico. Songbird ben descrive le paure, prima tra tutte quella del contatto umano, che porta l’uomo lontano dalla propria natura; il senso di costrizione e privazione cui conduce una pandemia. Questi sono poi accentuati dal tipo di gestione militare che viene messa in atto nel film. La legge marziale è in vigore e l’esercito spara a chi viola il coprifuoco. Uno scenario senz’altro per nulla rassicurante. C’era da aspettarsi che molti registi avrebbero attinto all’esperienza della pandemia per fare cinema. Un’esperienza globale e una sorta di “esperimento di massa” che non si poteva pensare sarebbe rimasto fuori dalla settima arte. Stigmatizzarli per questo o giudicare il loro lavoro perciò inopportuno, appare inutile. Semmai, quello che c’è da chiedere a un regista che si avvicina a una tale delicata materia, è cercare di non volare troppo basso. In questo periodo, infatti, con un tema così, Mason ha gioco facile ad accaparrarsi l’attenzione dello spettatore, che in parte si immedesima nella vicenda per forza di cose. Come ha gioco facile a immortalare una metropoli scenograficamente deserta. Sarebbe un vero peccato disperdere questo potenziale.

La strada più facile, meno originale e poco stimolante

 Quello che il film non fa è proprio approfittare di questo clima e dell’attenzione dello spettatore per raccontare una storia davvero interessante, o ripagare chi guarda con spunti di riflessione stimolanti. Inserisce dei cenni che potrebbe sviluppare meglio e che avrebbero meritato più attenzione: sulla gestione della pandemia, sugli oscuri traffici di chi vi lucra, ad esempio, ma poi banalizza. Il personaggio del capo dipartimento interpretato da Peter Stormare appare solo come un pazzo esaltato, un caso isolato, più che parte di un sistema. Così come la diabolica coppia Moore – Whitford gode almeno in parte di una inopinata quanto poco credibile conversione. Tutti e tre sono personaggi dal buon potenziale, interessanti da approfondire, interpretati dalla parte più succulenta e abile del cast, e avrebbero meritato uno sviluppo maggiore, insieme anche alla figura di Alexandra Daddario.

Un teen drama romantico con contorno di pandemia

Tutta questa parte, che poteva essere sostanziosa, è invece sacrificata in favore di una trama action e romantica prevedibile, che scorre senza guizzi, infilandosi a pieno nel cliché del cavaliere senza macchia che sfida mille pericoli per salvare la sua bella rinchiusa nella casa-fortezza. Un romanticismo smielato e retorico condisce il tutto, mentre KJ Apa e Sofia Carson fanno ciò che possono, anche loro senza guizzi. Infine, da notare la pretesa di infilare nel discorso narrativo anche il tema dell’Afghanistan e dei suoi reduci. La sceneggiatura di Mason assieme a Simon Boyes poteva essere pensata e gestita meglio. Il montaggio di Geoffrey O’Brien dà il giusto ritmo.

Mentre le musiche di Lorne Balfe sono adatte alla chiave romantico-adolescenziale scelta dal regista, ma tradiscono le aspettative di quanti speravano in qualcosa di più incisivo da chi frequenta Alice in Chains e Korn.

Dove e quando vederlo

L’uscita in sala di Songbird, prodotto da Platinum Dunes e STX Films, distribuito da Notorious Pictures, è prevista per il prossimo 30 giugno.

E’ stato presentato Fuori Concorso al Festival Internazionale del Film di Roma l’ultima impresa dei Manetti Bros , Song’e Napule. Tra il comico, il noir e il poliziesco, il film è un cocktail di generi a cui i registi romani si sono affezionati particolarmente con la serie tv L’Ispettore Coliandro interpretato da Giampaolo Morelli. Il loro attore-feticcio torna protagonista di questa storia, riunendo le forze con i fratelli Antonio e Marco per raccontare una Napoli diversa, diversa anche da quella raccontata da Gomorra e co. senza troppa angoscia e rifiuti, ma con un film rilassato e positivo.

Song’e Napule segue le vicende di Paco Spillo (Alessandro Roja), un pianista diplomato in conservatorio che si ritrova a fare il poliziotto per sfuggire alla disoccupazione. La sua dote musicale tornerà utile quando all’Ispettore Cammarota (Paolo Sassanelli) dell’anticrimine serve un infiltrato al matrimonio della figlia del boss di Somma Vesuviana per acchiappare il famoso latitante O’ Fantasma. Paco, non con poca riluttanza ,si trasformerà da signorino del conservatorio a tamarro cafone per entrare a far parte della band di Lollo Love (Giampaolo Morelli), un famoso cantante neo melodico ben inserito nel giro delle feste. Suo malgrado, Paco in arte Pino Dynamite, si troverà a rischiare la sua vita incappando in piacevoli rapporti di amore e amicizia.

Song’e Napule, il film

Con un cast costellato di tanti amici , oltre che a Roja, Morelli e Sassanelli troviamo Serena Rossi, Carlo Buccirosso, Antonio Pennarella e un cammeo di Peppe Servillo, sempre centratissimo nel personaggio. I Manetti Bros realizzano quasi una serenata a Napoli con le canzoni di Lollo Love interpretate da Morelli, arrangiamenti di musiche degli Avion Travel e tanti altri omaggi alla canzone napoletana grazie a Franco Ricciardi, Ivan Granatino, Antonio Buonomo, Serena Rossi, Pino Moccia e Rosario Miraggio.

Raccontato in modo semplice e vero, Song’e Napule regala risate dall’inizio alla fine, senza mai scadere nella comicità demenziale ma facendo affidamento a gli unici tempi comici della “lingua napoletana”. Un bell’affresco di Napoli che mostra non solo la parte brutta “della fogna dell’Italia” ma anche la parte onesta senza troppo buonismo del , sempre più generalizzato , Napoletano medio.

Questo è stato l’ultimo film prodotto da Luciano Martino, fermo sostenitore dell’idea di Morelli.

In piena logorrea senile, Terrence Malick arriva al cinema con Song to Song, il quarto film in appena cinque anni, una media impressionante per l’uomo che aveva fatto della parsimonia la sua cifra produttiva. Arrivato a questo punto della sua carriera, il regista cresciuto a Austin (dove è ambientato il film) ha affollato e sfumato i temi e la sostanza del suo cinema realizzando quelli che possiamo definire i prodotti minori della sua filmografia proprio nell’ultimo lustro.

Song to Song torna alla narrazione

Con Song to Song però assistiamo a una stabilizzazione del linguaggio e della forma, un impercettibile ritorno alla narrazione canonica e uno sforzo a spingersi oltre i propri limiti, parlando dell’universale tema dell’amore, con inflessioni di un realismo tale da essere sopportabile soltanto grazie alla forma frammentata ed eterea che sceglie per metterlo in scena.

Formalmente Malick inforca quella che sembra una parabola discendente da un punto di vista della rarefazione del racconto. Per la prima volta, da The New World, il regista torna a una storia quasi lineare, che non rinuncia all’estetica delle impressioni e degli accavallamenti temporali, con tanto di voce fuori campo a commento, ma segue una linea narrativa che si ancora prevalentemente al personaggio di Rooney Mara, vera protagonista del storia.

I quattro volti dell’amore

Sebbene il film esordisca con un argomento carnale, Song to Song non diventa mai (o quasi) sessuale, pur giocando tantissimo con la sensualità dei suoi protagonisti, in primis una Natalie Portman mai così “terrena” e un Michael Fassbender che esprime tutta la sua carica erotica abbracciato dall’occhio di Malick. Il fuoco più delicato rimane su Ryan Gosling, tuffato di nuovo nei panni del musicista, alle prese con tasti bianchi e neri e un sogno dopo La la Land. Il suo BV è una specie di puro e innocente alter ego del regista, un poeta della musica che mira alla sostanza dell’arte, allontanandosi dal sogno effimero della fama, altro elemento toccato appena in Knight of Cups e qui ripreso e approfondito. Il mondo della musica, preannunciato già dal titolo come ambiente privilegiato in cui si svolge il racconto, diventa un pretesto per raccontare non solo l’amore ma la complessità stessa dei rapporti che mai sono univoci e leggibili da una sola parte.

Malick sembra ricordarci che, dove ci sono due o più anime che tendono l’una verso l’altra, ci sono più versioni dei fatti, più desideri e bisogni, insomma ci mette di fronte all’impossibilità di quantificare, imbrigliare, ammansire o addomesticare l’amore.

L’amore è capacità di perdonarsi

Il suo racconto si sviluppa come una commedia, dantescamente intesa, che passa dall’Inferno per poi raggiungere a un Paradiso atipico. Non c’è la gloria e la felicità luminosa di un lietofine, ma una mansueta serenità, costruita sugli errori degli esseri umani, che in quanto tali devono imparare a perdonarsi.

A nulla giova sottolineare la sapienza con cui Malick intreccia luci, immagini e musica, si tratta di un’abitudine per chi, con The Tree of Life nel 2011, ha introdotto una maniera nuova di raccontare i sentimenti al cinema. Quello che fa di Song to Song un film rilevante è la sua riduzione alla piccolezza dell’essenziale. Alla tenerezza che prima di arrivare agli altri, deve passare per noi stessi e per un atto di perdono verso gli sbagli che, in quanto essere imperfetti, facciamo nel corso del nostro cammino.

Il regalo di Malick

Faye, Cook, Rondha, BV, i personaggio di Terrece Malick si fanno spettatore e raccontano la storia di ognuno di noi. Il regista si conferma non solo maestro di immagini, ma per la prima volta dopo anni riempie queste immagini di senso, insegnandoci l’indulgenza, la pazienza, la capacità di accontentarci con serenità.

Figlio minore di un regista ambizioso, nonostante la lunghezza, nonostante la ripetitività visiva, Song to Song si fa dono per lo spettatore, per chiunque riesca a imparare a perdonarsi.