La moglie di Frankenstein è il film horror cult del 1935 diretto da James Whale e con protagonisti nel cast Boris Karloff, Elsa Lanchester, Colin Clive, Valerie Hobson, Ernest Thesiger

Il prologo del film immagina che, come in occasione dell’invenzione del Mostro di Frankenstein, Mary Shelly, il marito Percy Bysse e Lord Byron si ritrovino nella villa ginevrina dove era stato ideato il romanzo originale,  con la scrittrice a narrarne l’ipotetico seguito.

Scampato all’incendio che concludeva il primo film, il mostro (Boris Karloff)  vaga per la campagna, salvando una ragazza dall’annegamento, unendosi brevemente ad un gruppo di zingari e infine, attirato dal suono del suo violino,  imbattendosi in un povero cieco che, ignaro delle sue fattezze, riconosce nella creatura un proprio simile e lo ospita nella sua baracca, accendendo in lui un barlume di umanità e cercando di fargli comprendere i concetti di ‘bene’ e ‘male’.

La moglie di Frankenstein – recensione del film di James Whale 

Nel frattempo, il professor Frankenstein (Colin Clive)ha giurato alla moglie (Valerie Hobson) di non riprendere più le ricerche che portarono alla creazione del mostro. Tuttavia l’incontro con un suo vecchio insegnante, il dottor Pretorius (Ernest Thesiger), cambia le cose:  questi, dopo avergli mostrato delle creature umane in miniatura (in una delle scene più suggestive e ancora oggi anche un filo disturbanti del film) frutto dei suoi esperimenti, gli propone di unire le forze per dare vita ad una nuova razza di superuomini. Frankenstein inizialmente rifiuta, ma quando Pretorius gli fa rapire la moglie, proprio dal mostro (i due nel frattempo si erano casualmente incontrati, e Pretorius aveva promesso alla creatura di dargli una compagna) è costretto a collaborare.  I due creano così la ‘moglie di Frankenstein’ la quale però, appena conosciuto il suo ‘promesso’ ha una reazione di totale ripulsa. Il mostro dà allora sfogo alla sua rabbia e, dopo aver permesso al professore e alla moglie di scappare,  distrugge il castello, sotto le cui rovine rimangono lui, la sua ‘sposa’ e lo stesso Pretorius.

Secondo film della trilogia che si concluderà con Il figlio di Frankenstein, La moglie di Frankenstein è probabilmente anche migliore del primo film: ormai quasi del tutto svincolato dal riferimento letterario originale, James Whale assembla un film che, nato per ripetere il successo commerciale del primo, finisce per superarlo in profondità. Il ‘mostro’ intraprende un’evoluzione psicologica che gli farà prendere coscienza di sé, degli altri e del suo ‘posto nel mondo’; tutto questo grazie agli incontri (gli zingari, il vecchio vagabondo cieco) con altri appartenenti a categorie ‘reiette’, e utilizzando come strumento la musica (il violino del vagabondo), linguaggio ‘dell’anima’ che va oltre le apparenze.

La moglie di Frankenstein si fa dunque apprezzare sotto il profilo narrativo e, se vogliamo ‘ideale’, tuttavia allo stesso tempo soddisfa i palati degli appassionati dell’horror: Elsa Lanchester (una carriera lunghissima, cominciata negli anni ’20 e conclusasi all’alba degli ’80) è passata alla storia, ed entrata nell’immaginario collettivo dei cultori del genere – e non solo – con la sua chioma ‘sparata’ verso il cielo con le due candide striature saettanti ai lati, che per certi versi ha anticipato di quarant’anni e passa certe mode punk, è diventata un’icona, un’immagine poi riutilizzata dozzine di volte negli ambiti più disparati, specie in ambito musicale, con la sua immagine più volte usata per copertine di dischi, ma si può ricordare in proposito anche l’acconciatura di Marge Simpson, che ad essa pare in parte ispirata.

Nè,  si può dimenticare l’eccezionale parodia dell’incontro col violinista vagabondo utilizzata da Mel Brooks in Frankenstein Jr,  che ha contribuito ancora maggiormente a rendere l’originale un caposaldo.

A quasi 80 anni di distanza, La moglie di Frankenstein, ha forse perso un po’ di smalto, ma continua a rimanere un punto di riferimento essenziale del genere e uno dei punti più alti della felice stagione dell’horror anni ’30.

Il valore storico del film è stato ufficialmente riconosciuto nel 1998, quando la pellicola è stata inserita nel Registro dei Film della Libreria del Congresso Americano, diventando quindi un patrimonio nazionale.

Siamo nei primi anni sessanta. La morte dell’anziano marito, rinomato sarto di un piccolo borgo nel meridione d’Italia, trascina nell’incubo della violenza e del pregiudizio la moglie Rosetta (Maria Grazia Cucinotta) e la giovane figlia Sofia (Marta Gastini). L’avidità di un sordido assessore comunale (Ninni Bruschetta) che vuole portare facili guadagni al piccolo centro distruggendone la storia ed il territorio, scatenerà contro le due donne tutta la perfidia degli abitanti del paese corrotti, anche loro, dalle promesse dell’assessore.

Dopo due anni di difficile lavorazione, La moglie del sarto di Massimo Scaglione, esce finalmente nelle sale italiane. La data da tenere a mente per il debutto di questa fiaba agrodolce è il 15 Maggio 2014. Una fiaba perché la storia che Scaglione ci propone pare sospesa in una dimensione senza tempo, come senza tempo è purtroppo uno dei temi centrali del film: la violenza ed il pregiudizio nei confronti delle donne, a maggior ragione se giovani, belle e con l’ambizione di rendersi indipendenti anche lavorando in professioni un tempo appannaggio maschile (in questo caso la sartoria per soli uomini). Il film è stato girato in Calabria tra Praia a Mare, Fiumefreddo Bruzio, Scalea, Limbadi e Cosenza ma all’interno della storia non vi sono riferimenti ad un luogo specifico e questo è un altro elemento che la pone in una dimensione quasi leggendaria. I personaggi dei pupari, inoltre, sono caratterizzati anch’essi come personaggi fantastici, una via di mezzo tra zingari e briganti, detentori di un’arte che ha quasi a che vedere con la magia e che viene tramandata esotericamente (il maestro di Salvatore è interpretato da Tony Sperandeo in una scena breve ma molto suggestiva). Un’altra tematica importante del film è l’amore della madre per la figlia interpretato in modo toccante da Maria Grazia Cucinotta che da vita ad un personaggio femminile con un’indomabile forza interiore, capace di portare a compimento un estremo sacrificio per la felicità della figlia. Scaglione afferma che La moglie del sarto vuole essere il suo inno alla vita, alla procreazione e alla ricchezza umana, alle lotte e alla speranza. Egli ha voluto dare voce agli offesi, che il più delle volte sono donne, umiliate da un cinismo mortale ma anche un appello agli uomini, affinché non si smarrisca e non dimentichi se stesso.

Purtroppo le scelte stilistiche adottate da Scaglione si rivelano incongruenti con il tono del racconto perché troppo televisive e con elementi quasi documentaristici soprattutto nell’uso frequente di zoom, telecamera e mano e fermo immagine. Ciò va a discapito dell’atmosfera fiabesca che aleggia nella storia e non rende giustizia ai meravigliosi panorami che fanno da sfondo alla vicenda.

La misura del dubbio, thriller psicologico diretto e interpretato dal celebre attore francese Daniel Auteuil, arriva nelle sale italiane giovedì 19 settembre. Distribuito da Bim Distribuzione, il film promette di tenere gli spettatori con il fiato sospeso, catapultandoli nel mondo dei legal drama, dove un avvocato cinico e disilluso si trova a difendere un uomo accusato di omicidio.

L’opera, tratta dalla raccolta Au Guet-Apens, chroniques de la justice pénale ordinaire scritta dall’avvocato francese Jean-Yves Moyart (sotto lo pseudonimo di Maître Mô) è già stata presentata al Festival di Cannes 2024, e, oltre a Daniel Auteuil nei panni del protagonista, può vantare un cast di tutto rispetto, nel quale troviamo Sidse Babett Knudsen, Isabelle Candelier, Suliane Brahim, Grégory Gadebois, Florence Janas, Gaëtan Roussel e Aurore Auteuil.

La trama di La misura del dubbio

Jean Monier, un avvocato navigato e cinico, ha deciso di abbandonare il mondo della giustizia penale dopo un caso eclatante in cui è riuscito a far assolvere un assassino recidivo. La sua fiducia nella giustizia è stata profondamente scossa e ha scelto di isolarsi. La sua tranquilla esistenza viene sconvolta dall’incontro con Nicolas Milik, un padre di famiglia accusato dell’omicidio della moglie. A malincuore, Jean accetta di difenderlo, spinto dalla moglie-collega e da una sottile curiosità che lo riporta verso il mondo che aveva abbandonato.

Il rapporto tra Jean e Nicolas si evolve così in un duetto intenso e complesso e l’avvocato, inizialmente scettico, inizia a dubitare della colpevolezza del suo cliente. Via via che l’indagine procede, inoltre, emergono nuovi elementi che mettono in discussione le prove a carico di Nicolas. E Jean, scavando sempre più a fondo, si ritrova a confrontarsi con un labirinto di indizi contraddittori e testimonianze poco chiare.

La misura del dubbio: depistaggi

È un’opera di continui depistaggi La misura del dubbio di Daniel Auteuil. Un film che procede per sussurri, per suggestioni, che accompagna il pubblico e in qualche modo lo distrae, quasi come durante il trucco di un abile prestigiatore. Un film che ragiona sullo scarto tra percezione e reale, lavorando sulla dimensione psicologica del suo protagonista per tradire l’orizzonte d’attesa spettatoriale. Un legal drama che molto attinge dalla grande tradizione cinematografica del genere, per poi trovare un degno compromesso tra aderenza alla formula e ricerca identitaria. E che di fatto colpisce, pur senza probabilmente imprimersi nell’immaginario, per la cruda concretezza con cui, progressivamente, ci priva di redenzione e appigli morali – scardinando speranze e riconoscibilità narrativa a favore di uno spiazzante colpo di scena finale.

Daniel Auteuil, qui in veste di regista, co-sceneggiatore e principale interprete del racconto, sembra a più riprese appoggiarsi alla più recente deriva “processuale” francese – che ampio spazio ha trovato nella produzione transalpina degli scorsi anni, venendo probabilmente consacrata dal successo ottenuto da Anatomia di una caduta (con cui Justine Triet ha parzialmente ridefinito le regole del genere). E si dimostra al contempo capace di intercettare la solidità strutturale dei riferimenti, per usufruirne nella costruzione di un’architettura concettuale differente. In grado di tessere una rete di mezze verità atte a imprigionare occhio e mente di protagonista e spettatore e rivelare maglie strette quanto i primi piani dedicati all’avvocato Monier e al suo assistito. In un perpetuo e cadenzato gioco di ribaltamenti, che – prima di lasciare la parola ai giurati – confonde realtà e racconto in un groviglio mentale inestricabile e in un labirinto senza apparenti vie d’uscita.

La misura del dubbio: spostare il focus

Rinchiuso tra le pareti del tribunale e una piccola selezione d’interni (casa e carcere), dai quali troviamo respiro quasi esclusivamente attraverso i flashback tramite cui il regista ripercorre lo svolgersi delle potenziali tappe del caso giudiziario raccontato dal film, La misura del dubbio procede così passo dopo passo nel suo “inganno”; svelando poco a poco i dettagli e i risvolti di trama che sembrano poter fare luce sulle atrocità prese in esame, ma erodendo invece le possibilità di risolvere il rompicapo presentatoci dal regista.

Purtroppo, la scelta di spostare focus e macchina da presa dall’imputato al suo difensore – con l’intento di lavorare anche sul senso di colpa che affligge l’avvocato di Auteuil per via di un vecchio caso risalente a quindici anni prima – finisce per impantanarsi nel poco spazio che, in modo paradossale, lo stesso regista dedica al passato del suo personaggio. Paradosso che confina il protagonista solo in una delle due dimensioni temporali tra cui avrebbe dovuto “fare da spola” e che dunque, inevitabilmente, toglie parte della forza espressiva del film. Disperdendo uno degli ingredienti della storia ed evocandolo solo in un paio di frasi che, sebbene inserite ad hoc, non bastano a bilanciare l’attenzione posta sul delitto che funge da fil rouge.

Tra gli esordi più interessanti visionati ad Un Certain Regard, sezione parallela del concorso principale di Cannes 78, c’è sicuramente La misteriosa mirada del flamenco del cileno Diego Cèsped. Un western queer che straborda di amore per i personaggi rappresentati e per gli ambienti inquadrati; un inno a una terra “di nessuno”, che vive di chi la abita e in cui la famiglia che ci scegliamo può salvarci dall’imperversare di un’epidemia inarrestabile.

Bendatevi gli occhi

La misteriosa mirada del flamenco racconta la storia di Lidia, una bambina di undici anni che cresce in una comunità queer ai margini di un ostile villaggio minerario del nord del Cile negli anni ’80. Quella a cui la dolce Lidia fa affidamento è a tutti gli effetti una famiglia elettiva, che prova a sopravvivere in un contesto profondamente segnato dall’emarginazione e dalla violenza. Le tante mamme e sorelle di Lidia, tutte transessuali, sono relegate in una casa/taverna isolata e temute dai minatori locali, convinti che un loro sguardo sia sufficiente a favorire il contagio di una misteriosa malattia (una sorta di rielaborazione onirica dell’AIDS).

Il punto di vista infantile di Lidia, interpretata con intensità da Tamara Cortés, guida lo spettatore tra le pieghe di un microcosmo che vorrebbe denigrare queste personalità non etichettabili ma che, al contrario, le fa sbocciare ancora di più. Il composito parterre attoriale assemblato da Cèsped è semplicemente strepitoso: dalla ragazzina protagonista a tutte le anime che abitano questo colorito punto di ritrovo in mezzo al nulla. Le protagoniste sprigionano tutta la grinta e la passione degli animali da cui prendono il nome e, paradossalmente, anche se affette da questa malattia innominabile, sono l’unica cosa che anima un paesaggio mortifero. Tra loro spiccano Flamenco (Matías Catalán), figura quasi mitologica, e Mama Boa (Paula Dinamarca), la matriarca della casa. La convivenza tra questi due mondi esplode inevitabilmente in uno scontro violento, che obbliga Lidia a una scelta dolorosa: vendetta o redenzione?

Un cast esplosivo e un microcosmo vibrante

Curiosamente, La misteriosa mirada del flamenco si apre a un dialogo diretto con diversi altri titoli del concorso principale di Cannes 78, soprattutto per quanto riguarda alcune tematiche trasversali che li attraversano: prime fra tutte, la famiglia che ci si sceglie e l’idea della tossicità che va a rovinare i corpi ma non non inasprisce mai il nostro desiderio di contatto l’uno con l’altro. In particolare, il film di Diego Cèsped è molto vicino ad Alpha di Julia Ducournau, pur inquadrando il contagio e l’epidemia da una lente completamente diversa.

La misteriosa mirada del flamenco oscilla tra le fantasie oniriche di una ragazzina divisa tra il cedere alle dicerie paesane e il seguire la voce di chi l’ha protetta e cresciuta, cercando di farsi trattare “da grande”, per poter conoscere il segreto di qualcosa che nessuno ha mai voluto rivelarle davvero. Tamara Cortés restituisce con grande accortezza questo dilemma interiore e il modo in cui si rapporta con le figure adulte è intriso di una tenerezza disarmante, a metà tra l’innocenza infantile e i sospetti dell’adolescenza.

Il conflitto tra innocenza e consapevolezza

Cèsped dipinge la malattia con grande dignità, associandola all’idea di un amore incessante a cui, per quanto si possa cercare di resistere, bisogna per forza arrendersi. La forza femminile nulla può di fronte all’ignoranza dei minatori che, in uno dei frangenti più comici del film, diventeranno anche alleati di Mama Boa e compagnia. Perché sì, in questo film si ride e si piange: il giovane regista cileno gioca con grande intelligenza tra toni e generi, senza mai perdere il focus. Anche se lo scenario è decisamente atipico, Cèsped riesce a parlare in ogni momento di vita vera (e quantomai al nostro presente). Lo sguardo dell’amore non può mai uccidere e famiglia non significa condividere legami di sangue, ma non avere mai paura di guardarsi intensamente negli occhi.

Abbiamo rivisto La mia vita è uno zoo, il film diretto da Cameron Crowe tratto dal romanzo autobiografico di Benjamin Mee, e possiamo dire che rappresenta uno dei lavori più sinceri e sottovalutati del regista premio Oscar. Un’opera che parla di perdita, di ricostruzione e di quel piccolo miracolo quotidiano che chiamiamo “ricominciare”. Con un cast d’eccezione – Matt Damon, Scarlet Johansson, Elle Fenning e Thomas Haden Church – La mia vita è uno zoo fonde dramma familiare, commedia e racconto di formazione con la delicatezza e la sensibilità tipiche di Crowe.

Un padre, due figli e un sogno impossibile

Benjamin Mee (Matt Damon) è un padre rimasto vedovo dopo la morte prematura della moglie Katherine. Disorientato e incapace di trovare un senso alla vita, decide di lasciare la città e trasferirsi in campagna insieme ai suoi due figli, il ribelle adolescente Dylan e la piccola Rosie, per ricominciare altrove. Il luogo scelto per il nuovo inizio è un vecchio zoo in disuso, circondato dalla natura ma ormai in rovina. Nonostante l’apparente follia dell’impresa, Benjamin decide di acquistarlo, convinto che la rinascita di quel posto possa coincidere con la rinascita della propria famiglia.

Accanto a lui c’è Kelly (Scarlett Johansson), la determinata responsabile dello zoo, che crede ancora nella possibilità di restituire vita agli animali e speranza alle persone. Tra loro nasce un legame profondo, fatto di rispetto reciproco e di una dolcezza mai forzata, che diventa il cuore emotivo del film.

Il cinema empatico di Cameron Crowe

Con La mia vita è uno zoo, Crowe torna a esplorare uno dei suoi temi più cari: la resilienza di fronte al dolore. Già in Jerry Maguire e Elizabethtown aveva raccontato protagonisti alle prese con crisi personali e professionali, ma qui la riflessione si fa più intima e universale.
La perdita della moglie non è solo il punto di partenza della storia, ma il prisma attraverso cui il regista indaga il rapporto tra dolore e speranza. Benjamin non cerca di dimenticare, ma di trasformare il lutto in un atto d’amore verso la vita stessa.

L’approccio di Crowe è empatico e mai retorico: il dolore non viene spettacolarizzato, bensì interiorizzato, restituito attraverso gesti quotidiani, sguardi, silenzi e piccoli progressi. La sceneggiatura alterna con equilibrio momenti comici e malinconici, riuscendo a fondere leggerezza e profondità in un racconto che scorre con naturalezza.

Un film sul coraggio di rischiare

La vera chiave di lettura del film è il concetto di coraggio. “A volte bastano venti secondi di coraggio folle” dice Benjamin in una delle frasi più celebri del film. È una sintesi perfetta dello spirito croweiano: affrontare la vita anche quando non ci sono certezze, lanciarsi nel vuoto per scoprire che, forse, si può ancora volare.

Il regista costruisce attorno a questa idea un racconto di rinascita che vale tanto per il protagonista quanto per i personaggi secondari. Kelly, ad esempio, è una donna che ha sacrificato tutto per il suo lavoro; Dylan è un adolescente che, dopo la perdita della madre, deve imparare a gestire la rabbia e a riconnettersi con il padre. Tutti cercano un modo per riappropriarsi della propria vita, e lo zoo diventa la metafora perfetta di quel processo: uno spazio ferito ma vivo, che può tornare a brillare se qualcuno ha il coraggio di crederci.

La regia e la scrittura: equilibrio tra emozione e misura

Crowe riesce a evitare le trappole del sentimentalismo, mantenendo il tono sempre misurato e realistico. Il merito è di una scrittura intelligente, che non forza mai la commozione ma la lascia emergere spontaneamente dai personaggi. I dialoghi, asciutti e pieni di ironia, restituiscono la complessità dei rapporti familiari senza mai scadere nel cliché. Allo stesso modo, la regia predilige inquadrature ampie e luminose, che amplificano la sensazione di libertà e rinascita.

La colonna sonora, come in ogni film di Crowe, gioca un ruolo centrale. Le musiche originali di Jónsi (frontman dei Sigur Rós) accompagnano il racconto con una poesia sonora che amplifica i momenti di malinconia e di gioia, rendendo l’esperienza emotiva ancora più completa.

Il cast e le interpretazioni

Matt Damon offre una delle sue interpretazioni più toccanti e contenute. Il suo Benjamin è un uomo comune che affronta un dolore straordinario, e Damon riesce a trasmettere ogni sfumatura di smarrimento e forza interiore. Accanto a lui, Scarlett Johansson interpreta Kelly con autenticità e naturalezza: non una figura salvifica, ma una donna concreta, fragile e determinata. Elle Fanning porta sullo schermo una dolce energia, mentre Thomas Haden Church aggiunge leggerezza e ironia nel ruolo del fratello di Benjamin. Ma è la piccola Maggie Elizabeth Jones, nel ruolo della figlia Rosie, a conquistare il pubblico con la sua spontaneità e dolcezza disarmanti.

Tra realismo e fiaba contemporanea

La mia vita è uno zoo è una fiaba moderna, ma radicata nella realtà. La presenza degli animali e la cura con cui Crowe li filma non sono mai decorativi: rappresentano la connessione dell’uomo con la natura e la possibilità di guarire attraverso la cura dell’altro. Il film, pur non nascondendo le sue venature melodrammatiche, riesce a costruire una narrazione sincera e luminosa che parla di ricostruzione, empatia e fiducia.

C’è una purezza nello sguardo di Crowe che lo distingue da molti altri registi contemporanei. Non è un film per cinici: La mia vita è uno zoo è un inno alla vulnerabilità come forma di forza, alla gentilezza come atto rivoluzionario.

Cameron Crowe firma un film semplice ma profondamente umano, capace di toccare corde universali. La mia vita è uno zoo racconta che la felicità non è l’assenza del dolore, ma la capacità di trovare bellezza anche dopo una perdita. È un film per chi cerca nella vita – e nel cinema – la possibilità di ricominciare.

Arriva al cinema il primo dicembre La mia vita da Zucchina, film d’animzione in stop-motion diretto da Claude Barras.

Icare è un bambino di nove anni che preferisce essere chiamato Zucchina. Dopo la morte della madre alcolizzata, che lui è convinto di aver provocato, viene mandato a soggiornare in una casa famiglia. Tra diffilcoltà di ambientamento, problemi con un bambino irruento, prepotente e più grande di lui, Zucchina cercherà di adattarsi a una normalità completamente diversa e a integrarsi con i piccoli ospiti della comunità. Con i suoi nuovi problematici amici e soprattutto  con la dolcissima Camille, della quale si innamora perdutamente al primo sguardo, riuscirà a superare ogni difficoltà, incamminandosi verso una nuova, quanto inaspettata, dimensione di vita.

La mia vita da Zucchina è un piccolo, variopinto e tenero capolavoro, di rara sensibilità e infinita poesia, interamente realizzato in animazione stop-motion. E’ interpretato da burattini meravigliosi dalle grandi teste, gli occhi enormi, con i capelli di colori sgargianti. Sono pupattoli che ispirano simpatia e tenerezza in ogni fotogramma, così espressivi da riuscire a superare in bravura i migliori attori in carne e ossa.

Il film è una coproduzione franco-svizzera tratta dal fortunato libro di Gilles Paris Autobiografia di una Zucchina (pubblicato in Italia da Piemme – Mondadori), un racconto di formazione tenero e poetico di cui il regista Claude Barras si è innamorato perdutamente e ha deciso di farne una trasposizione animata, avvalendosi della collaborazione di Céline Sciamma (regista di TomBoy) per creare una sceneggiatura semplice, lineare, quanto perfetta e struggente.

Claude Barras afferma: “La vicenda e il modo in cui è raccontata mi hanno riportato alla mia infanzia e ricordato le mie prime emozioni da spettatore, grazie a film come I 400 colpi o Bambi e a serie animate come Remi, Belle e Sébastien o Heidi. Ho voluto condividere con il pubblico di oggi quelle emozioni, meravigliose e formative, ma soprattutto rendere omaggio a quei bambini, trascurati e maltrattati, che fanno del loro meglio per andare avanti e convivere con le loro ferite.”

E Céline Sciamma aggiunge: “Non mi ci è voluto molto per gettarmi nell’avventura , è bastato il disegno di un personaggio fatto da Claude Barras. L’originalità e la sensibilità del suo tratto non solo rifletteva l’amore per la sua creatura, ma riusciva a trasmetterlo, facendomi subito innamorare del progetto.”

La mia vita da Zucchina: la recensione

Tutto questo entusiasmo si avverte in ogni singola immagine, facendo apparire un lavoro lungo e faticoso come quello dell’animazione a passo uno, un gioco delicato e leggero, in grado di trasmettere emozioni, delicatezza e poesia, semplicemente con un piccolo battito di palpebre, con il tremolio di una mano, con un sorriso stentato. La durata di appena sessantasei minuti è perfetta, la storia vola leggera senza mai incepparsi o appesantirsi. Non c’è nulla di superfluo e non manca nulla. Ci sono tante invenzioni preziose, come la festicciola nella baita sulla neve, dove i bambini ballano felici al ritmo di Eisbaer dei Gruezone, o la continua preoccupazione di uno dei bambini per l’esplosione del pisellino quando si è con una ragazza.

Il film è stato accolto trionfalmente all’ultimo festival di Cannes ed è stato premiato ad Annecy come miglior lungometraggio d’animazione. È considerato tra le possibili sorprese agli Oscar 2017.

Nel commentare La mia vita da Zucchina c’è chi ha parlato di strambi punti d’incontro tra Tim Burton e Ken Loach o c’è anche chi ha scomodato Truffaut e la Nouvelle Vague. Ma una cosa è sicura, questo piccolo film è la prova che si può ancora fare un cinema diverso, con il cuore, utilizzando una tecnica che era stata a lungo dimenticata e sostituendo strapagati attori famosi con dei dolcissimi pupazzi dai colori sgargianti, che chiedono solamente di essere compresi e amati.

Leggi anche – Kubo e Zucchina, così lontani, così vicini

Arriva nelle sale italiane, distribuito da Lucky Red, La mia vita con John F. Donovan, il film che segna l’esordio in lingua inglese di Xavier Dolan, tanto caro ai festival di cinema e ad appassionati della settima arte.

Classe 1989, ad appena 30 anni, Dolan ha già diretto e scritto otto film, costruendosi a ragione la fama di ragazzo prodigioso, che anche nelle prime forme rozze e abbozzate, riusciva a comunicare una profondità e un’attenzione alla storia e ai personaggi che raramente si riscontrano, anche in autori più esperti e navigati. È risultato quindi strano quando, già durante la produzione de La mia vita con John F. Donovan, si è cominciato a parlare di problemi di sceneggiatura, poi di montaggio, creando intorno al film un alone di mistero, tanto che dopo la presentazione a Toronto 2018, il film è stato accolto malissimo dalla critica, trovando distribuzione soltanto in Francia, e ora in Italia.

Ma è davvero andato qualcosa storto nell’esordio di Dolan con l’inglese? Cosa è capitato alla sua limpida visione della storia, dei personaggi e dell’intreccio di identità che da sempre rendono forte il suo cinema?

La storia del film ruota intorno alla corrispondenza epistolare tra Rupert e John Donovan. Il primo è un ragazzino che sogna di fare l’attore, il secondo è la star più in vista del momento, il giovane attore di bell’aspetto e di dubbio talento che però è all’apice del successo grazie ad uno show tv, pronto a fare il grande salto sullo schermo d’argento.

La storia si sviluppa su due piani temporali, il presente in cui un adulto Rupert (Ben Schnetzer), scrittore ed attore lui stesso, racconta della sua amicizia epistolare con John, e il passato, in cui seguiamo il giovane Rupert (Jacob Tremblay) e parallelamente i tormenti di John (Kit Harington), dalla pasticciata e timorosa gestione della sua identità sessuale, fino ai dubbi sulla sua vita e la sua carriera. Lo stato di torpore in cui si immerge questa seconda linea temporale, esplode nel momento in cui lo scambio epistolare trai due viene reso pubblico e del quale viene messa in discussione l’esistenza stessa.

Dolan riversa tutta la sua vita nel film e, sebbene si sia trovato spesso a raccontarsi, nei suoi film, questa volta solleva lo sguardo dal suo ombelico e prova a raccontare quella che è la sua vita di artista, di persona che si mette in gioco davanti ad un pubblico. Così, Xavier è tutti i personaggi e nessuno di loro fino in fondo: è il giovane Rupert che scrive al suo beniamino e a lui si ispira (come Dolan stesso fece con Leonardo DiCaprio all’epoca di Titanic), è Rupert adulto, che nonostante abbia una storia autoreferenziale e poco importante nel grande ordine del mondo, vuole raccontarla per provare a dare voce a persone e ad emozioni, è John Donovan, giovane star che non riesce a gestire il successo e si chiede se e come debba condividere la sua vita privata con il suo pubblico.

In quest’ottica il film si rivela essere una lunga confessione del regista, preso a volersi spiegare, raccontare, giustificare e mostrare al suo pubblico. Lo fa però in maniera goffa e personalissima, riproponendo ancora una volta il suo amore per la musica pop, e nascondendo nel film le sue più grandi passioni, da Harry Potter e Titanic (uno dei suoi film preferiti). A questa ricchezza di intenzioni, corrisponde però una forma disordinata, in cui il contenuto fatica a trovare una sua collocazione precisa.

Il filo rosso della storia, la corrispondenza tra Rupert e John, resta in secondo piano, tanto che anche lo spettatore ad un certo punto comincia a dubitare della sua esistenza, immaginando che sia solo nella testa del ragazzino. Quando poi questa viene certificata dall’ammissione di John, tutta la vicenda procede in maniera frettolosa e prevedibile, niente che si avvicini alla finezza che Dolan ha sempre raccontato nei suoi film precedenti.

Lo stile elegante, i primi piani indagatori, i colori saturi tornano anche qui a strutturare i quadri e i tempi della narrazione, ma è innegabile che, nonostante un certo fascino che il film comunque esercita e al netto delle difficoltà produttive che ha affrontato in corso d’opera e in fase di montaggio, La mia vita con John F. Donovan rappresenta un momento basso della carriera del regista canadese.

Guarda il trailer di La mia vita con John F. Donovan

Dal 29 Giugno nelle sale italiane è possibile vedere La mia ombra è tua, il nuovo film di Eugenio Cappuccio con Marco Giallini (Perfetti sconosciuti, Io sono tempesta), Giuseppe Maggio (Sul più bello, Altrimenti ci arrabbiamo), Anna Manuelli e Isabella Ferrari (Saturno contro, La grande bellezza). Il lungometraggio, una produzione Fandango e Rai Cinema, è una commedia nostalgica sull’amore e sulla difficile vita dei poeti moderni che, esattamente come Leopardi o Catullo, sono tormentati da amori impossibili.

La trama de La mia ombra è tua

La mia ombra è tua è tratto dall’omonimo romanzo di Edoardo Nesi. Emiliano (Giuseppe Maggio) è un venticinquenne toscano laureato in lettere antiche con il massimo dei voti. Nonostante la sua intelligenza, il ragazzo ha dei seri problemi relazionali: ha sempre vissuto ”in un bozzolo”, è impacciato e non riesce a tenersi vicino nemmeno la sua ragazza Allegra (Anna Manuelli). Nella rocambolesca ricerca di lavoro, viene offerto a Emiliano un impiego insolito: una casa editrice gli chiede di fare da assistente ad un celebre scrittore (Marco Giallini) per convincerlo a concludere il suo secondo romanzo. Vittorio Vezzosi è infatti diventato famoso grazie ad un libro scritto trent’anni prima. Da allora, ”il Vezzosi” vive nella sua villa come un eremita burbero e drogato. Contro ogni aspettativa, lo scrittore si trova stranamente in sintonia con Emiliano. Tra i due nasce un rapporto comico ed improbabile, ma che si rivela a poco a poco proficuo per entrambi: in fin dei conti, i due non sono così dissimili…

Marco Giallini è il bullo, Giuseppe Maggio è il secchione

La mia ombra è tua potrebbe benissimo essere un film adolescenziale: le dinamiche sono le stesse. Abbiamo Emiliano, un protagonista intelligente e occhialuto – e che per di più porta l’apparecchio – che si trova costretto ad affrontare Vittorio, un personaggio audace, scontroso e prevaricatore. Le dinamiche tra Marco Giallini e Giuseppe Maggio sono quelle tipiche di un bullo e un secchione. A questo aspetto va aggiunto il divario di età tra i due: il sessantenne Vittorio è figlio di una cultura incentrata sull’uomo alpha, sull’ideologia forte, sulla nostalgia e, in un certo senso, sull’anarchia. Al contrario, Emiliano è più riflessivo e indeciso, guarda le sfumature così tanto che fatica a definirsi.

Questi due caratteri così apparentemente lontani, si scoprono simili scena dopo scena: sono entrambi degli uomini letterari, dei poeti. Proprio per questo motivo, vivono entrambi arroccati e scollegati dal mondo, seppur in modi molto diversi. Tra similitudini e differenze, il rapporto che s’instaura tra Emiliano e Vittorio si rivela un sistema efficiente, in grado di far uscire entrambi dal proprio bozzolo.

Una trama a salti e una regia confusionaria

Di base, La mia ombra è tua è un film che funziona. Fa sorridere e lascia un messaggio profondo allo spettatore, facendo riferimenti letterari e culturali non da poco. Qualche monologo d’effetto detto dai personaggi principali lascia interessanti spunti di riflessione, ma per altri aspetti il film non risulta perfettamente definito. Ci sono alcuni momenti morti e altrettante scene non ben amalgamate tra loro.

Inoltre, la comicità del film raggiunge attimi di assurda stravaganza. Alcune battute sono davvero banali e di basso livello, tipiche di quell’umorismo italiano visto e rivisto. Marco Giallini interpreta ancora una volta come in Perfetti sconosciuti o in The Place il suo personaggio scorbutico e arrogante: nulla di nuovo, ma non si può dire che non riesca bene. Al di sotto della corazza, Vittorio si rivela un uomo sensibile e fragile, riflettendo un atteggiamento tipico degli italiani della sua generazione.

Dalla campagna toscana alla fiera del vintage milanese

La mia ombra è tua è un film dalle tinte pastello. Si svolge principalmente tra le campagne toscane e del centro Italia: i due protagonisti si muovono tra gli ulivi e i campi di girasoli con una moto o con una jeep vintage rosso fiammante. I contrasti a livello visivo sono interessanti ma, anche per l’estetica delle immagini, c’è una cura singhiozzante. C’è un po’ troppo materiale: ai campi aperti e bucolici si alternano immagini claustrofobiche e affollate di una Milano caotica e chic.

La mia ombra è tua: una commedia colorita

Il film è sicuramente colorito, non solo per i paesaggi. Anche i personaggi sono tra loro tutti diversi e originali. Oltre ai protagonisti, anche le due figure femminili de La mia ombra è tua spiccano e si distinguono: la bellezza giovanile di Anna Manuelli è messa vicino a quella matura di Isabella Ferrari, per esaltarne le somiglianze e le differenze.In conclusione, La mia ombra è tua è una commedia profonda che, per quanto imperfetta, si stacca dalla mediocrità della maggior parte dei film comici italiani. Tra gli spunti riflessivi e gli aspetti più coloriti, il lungometraggio si rivela una novità interessante del 2022.