M. Night Shyamalan torna sul grande schermo con uno sci-fi che ha alla base della sua storia l’analisi dei rapporti tra padre e figlio, ricedendo quindi in pieno nella poetica dell’autore di Philadelphia. After Earth è un viaggio su un pianeta sconosciuto e una ricerca di sentimenti e relazioni che i protagonisti non pensavano di riuscire a costruire.

Il Pianeta Terra ha esaurito le sue risorse e il genere umano è stato costretto a “traslocare” in altri luoghi. Questi posti, sconosciuti prima, si rivelano essere popolati da tremendi mostri, gli Orse, che pur essendo ciechi riescono a percepire la paura della loro preda. Tra i ranger addestrati per fronteggiarli, Cupher Raige è una vera leggenda: dotato di una particolare capacità che gli permette di controllare la sua paura, è uno spettro che si avvicina agli Orse senza essere avvertito le li uccide. Il grande combattente però è un padre severo e un po’ freddo, incapace di instaurare un vero rapporto con il figlio che cerca a tutti i costi di attirare la sua attenzione. Quando, a seguito di un incidente, si troveranno sperduti su un pianeta ostile, dovranno imparare  a fare squadra per riuscire a sopravvivere.

After Earth, il film

Dopo i due flop di E Venne il Giorno e L’Ultimo Dominatore dell’Aria, Shyamalan era atteso al varco da tutti i fan che l’hanno amato alla follia nella prima e brillante parte della sua carriera. Purtroppo però After Earth delude tutte le attese, confermando una crisi creativa del regista che per la seconda volta attinge a storie non sue e si “presta” a girare il film di qualcun altro.

Pur  avvertendo che dietro alla macchina da presa c’è Shyamalan, che non rinuncia a inserire nel suo film l’ingenua rappresentazione dei buoni sentimenti che così splendidamente lo caratterizza, il film resta impantanato in una sceneggiatura scritta male, che pur presentando tutti gli step che caratterizzano la classica storia iniziatica associata alla ricostruzione del legame padre figlio, non riesce in nessun momento a coinvolgere davvero lo spettatore. Si arriva anzi addirittura a sorridere di personaggi un po’ troppo naive, persino per il buon Night, che in passato ha fatto della semplicità e dell’immediatezza la sua carta vincente.

Nulla da dire agli effetti visivi, molto verosimili e mixati in maniera omogenea con le riprese dal vero, tuttavia non sono un paio di scimmie in CGI a fare a bellezza di un film che sembra davvero uno spreco di energie. Demerito della storia scritta da Will Smith? O forse dei due protagonisti, lo stesso Smith con il figlio Jaden? O ancora magari di Shyamalan che non ha più il coraggio di raccontare una storia sua?

After Earth è un film che per quanto sia ambizioso, vola basso per risultato finale, riscuotendo più battute e sorrisi involontari che ammirazione per la storia di coraggio che pur racconta.

After Earth: trailer ufficiale

Si spengono le luci in sala e sullo schermo appare l’immagine di un bosco incantato. C’è una principessa che ha perso il cammino e non riesce a ritrovare la strada di casa. Ad un tratto nell’inquadratura entra un principe azzurro: è un presagio che promette alla donzella l’incontro imminente con l’uomo della sua vita, un sogno premonitore. Poi, improvvisamente, siamo catapultati nella realtà: Laura (Agathe Bonitzer), moderna principessa con alle spalle ventiquattro anni alla ricerca del suo principe azzurro, incontra Sandro (Arthur Dupont), compositore in erba incredibilmente simile al ragazzo dei suoi sogni, e decide al primo sguardo di aprirgli il suo cuore. Il loro è un idillio d’amore, fatto di passeggiate, baci e vagheggiamenti di matrimonio, destinato inevitabilmente al lieto fine, finché accade qualcosa di imprevisto: l’incontro di Laura con Maxime (Benjamin Biolay), moderno lupo cattivo di cui la pulzella non può che invaghirsi.

Contemporaneamente, i personaggi secondari di questa moderna fiaba, in un intreccio ingarbugliato di incontri improbabili, creano delle sottotrame interessanti: la madre di Laura (Béatrice Rosen), incurante di sua figlia, passa la vita tra un intervento chirurgico e un’iniezione di botulino per fermare l’effetto del tempo che passa, Marianne (Agnès Jaoui), fatina buona e zia della protagonista sta tentando di ricominciare una vita dopo la separazione dal marito e Pierre (Jean-Pierre Bacri), il burbero padre di Sandro, in modo maldestro tenta una convivenza con Eleonore e le sue due figlie. Quale sarà il loro destino?

Agnès Jaoui e Jean-Pierre Bacri, co-sceneggiatori e compagni di lavoro e di vita, sembrano essersi divertiti molto nella scrittura di Quando meno te lo aspetti: destrutturando uno a uno i punti cardine della fiabe più note al pubblico, da Cappuccetto Rosso a Cenerentola, a Biancaneve, portano infatti sul grande schermo, con ironia e intelligenza, uno spaccato di ciò che potrebbe succedere dopo il famoso “ e vissero tutti felici e contenti”.

Già, perché alcuni dovranno affrontare un divorzio, altri un tradimento, altri ancora l’esperienza dell’amore che si trasforma in affetto, ma tutti si renderanno conto che i rigidi ruoli fiabeschi, patrimonio incrollabile dell’inconscio collettivo, sono destinati a sgretolarsi a contatto con la realtà.

La regia della Jaoui, inoltre, prosegue l’operazione di svelamento iniziata in fase di scrittura e non cela i suoi trucchi: trasforma alcune inquadrature in tableaux vivants, ne fa sfociare altre in stilizzati acquerelli e accompagna lo spettatore fino all’ultima pagina di una storia, a tratti prevedibile, che nel complesso risulta bizzarra e spassosa.

I richiami simbolici, dalla bellissima mela rossa offerta alla protagonista alla scarpetta perduta a mezzanotte, sono volutamente esagerati e si prendono bonariamente gioco di alcuni stilemi tipici delle fiabe. E, dove le immagini e le parole non arrivano, le musiche originali di Fernando Fiszbein giungono puntuali a legare ogni sfumatura della trama e ad enfatizzare l’aspetto concreto ed evanescente ad un tempo di questa poetica commedia.

Quando si riaccendono le luci in sala la magia svanisce, ma il sorriso sulle labbra resta ancora per un po’.

Negli otto corti selezionati da Distribuzione Indipendente per la versione cinematografica di P.O.E Poetry of Eerie che uscirà in sala il 7 giugno, la letteratura del terrore di Edgar Allan Poe si presenta come un semplice spunto narrativo da cui partire per costruire qualcosa di diverso, di estremamente personale e  contemporaneo. Se infatti permane il tema dell’ironia  della sorte che si abbatte tragicamente sull’esistenza dei protagonisti, questo elemento stesso è ricalcato sul versante del grottesco e, a tratti, della parodia. E’ il caso della Verità sul caso Valdemar, diretto da Edo Tagliavini, in cui il personaggio originario, un ammalato di tisi sottoposto alla pratica sperimentale della vesmerizzazione (dal nome del medico tedesco Franz Anton Mesmer), si trasforma, nella visione del regista, in una sorta di ambulante redivivo che si aggira indisturbato in un paese di provincia, in cerca di un fattucchiere da strapazzo che sia in grado di restituirgli la pace eterna. Sembra quasi si tratti di un manichino coperto di cerone sfuggito al set dell’Alba dei morti dementi di Edgar Wright, cui spetta una fine  pseudo-splatter e liqueforme. Si distingue, fra gli altri, l’episodio di Domiziano Cristopharo, il responsabile del progetto lanciato sulla rete,  e quello di Paolo Gaudio, esperto in tecniche d’animazione.

Il primo, Il giocatore di scacchi di Maelzel, riflette sul rapporto inquietante uomo-macchina proponendo una soluzione visiva e narrativa  riconducibile all’immaginario orrorifico cronenberghiano, per quanto qui in modalità ridotte e semplificate; nel secondo, Il gatto nero, tra le novelle più note dell’Autore ottocentesco, la trama, oltre a essere rivisitata, è trasposta in un cartoon in stop motion in cui il protagonista omicida è lo stesso Poe.

Un’opera corale insomma, costruita sui contributi di autori giovani ed emergenti (insieme a quelli già citati sono Le avventure di Gordon Pym di Giovanni Pianigiani e Bruno di Marcello, La sfinge di Alessandro Giordani, L’uomo della Folla di Paolo Fazzini, Il silenzio dei Fratelli Capasso e, infine, Canto sempre di Edo, sotto pseudomino giapponese) offerti nonostante il pochissimo tempo a disposizione (parametro volontariamente adottato nella selezione) e un badget inesistente, per il semplice piacere di sfidarsi sul campo della creatività e senza presunzione. Il risultato è altalenante e, certamente, ancora acerbo, nelle forme e nell’espressione, ma  certo interessante sia per ingegno che ideazione e meritevole, dunque, di essere considerato e, soprattutto, incoraggiato, per lasciare spazio a nuove leve e possibilità. E’ bene anche precisare, giusto per sottolineare il contesto ridicolo in cui i cineasti italiani sono costretti a lavorare, che il film è stato vietato ai minori di 18 anni, nonostante sia privo di scene di sangue e di violenza.