Arriva al cinema The Rum Diary – Cronache di una passione, il film diretto da Bruce Robinson, e con protagonisti Johnny Depp e Amber Heard. In The Rum Diary – Cronache di una passione, Paul Kemp (Johnny Depp) è un giornalista freelance, accanito bevitore, che si trasferisce a Puerto Rico, negli anni ’50, per scrivere sul giornale della città. Il quotidiano è però sull’orlo della bancarotta e a Kemp viene assegnato un ruolo marginale come redattore di oroscopi.

L’uomo diventa amico e coinquilino del fotografo del giornale, Sala (Michael Rispoli) disilluso sul destino del lavoro, tira a campare distillando rum a 400% grazie anche all’aiuto del corrispondente di cronaca nera, un alcolista all’ultimo stadio con una passione per i discorsi di Hitler, Mmenoberg (Giovanni Ribisi) e partecipando alle lotte tra galli. La quotidianità alcolica in cui si sta adagiando Kemp viene sconvolta da un incarico che gli viene proposto dal corrotto Sanderson (Aaron Eckhart) uomo bello, ricco, influente e corrotto che oltretutto è fidanzato con una bellissima ragazza per cui Kemp perde immediatamente la testa. L’uomo d’affari gli offre molti soldi in cambio della redazione di una brochure che faccia vendere a lui e ai suoi soci un grande affare: un albergo di lusso da costruire su di una incontaminata isola poco distante da San Juan.

Durante un carnevale però, la festa e l’alcol faranno perdere il controllo a Sanderson ed alla sua ragazza, mentre Kemp diventerà un attivo osteggiatore delle speculazioni dei ricchi contro i poveri. Tra le poche accoppiate riuscite di questi ultimi anni, quelle che saltano immediatamente alla memoria sono quella di Michael Fassbender e James McAvoy in X-Men: L’inizio e Johnny Depp – Hunter S.Thompson.

L’ultima volta che Depp si era avvicinato allo scrittore/giornalista/fan di alcol e sperimentatore di droghe scomparso sei anni fa, era infatti quando accanto a Benicio Del Toro, vestì i panni di Raoul Duke in Paura e delirio a Las Vegas, diretto da Terry Gilliam. Ora, a quasi 14 anni di distanza da quel film, Depp ha trovato soldi, regista e sceneggiatore per portare sullo schermo un’altra opera, non conosciuta di Thompson che ha per protagonista un personaggio leggermente più equilibrato di Duke.

Si incontra il protagonista, Paul Kemp, nel momento in cui sta riemergendo da una sbronza, ma in tutto il film non si ha la sensazione di avere a che fare con un anarcoide privo di ogni senso di morale, anzi sono diversi i momenti in cui il primo piano sostenuto e la battuta a effetto ci fanno percepire il protagonista come qualcuno che si rende conto del mondo in cui vive e degli eventi che accadono intorno a lui. In effetti, il romanzo da cui il film è tratto è il primo scritto da Hunter S.Thompson, prima che il suo stile diventasse il baluardo del cosiddetto “gonzo journalism” e che quindi è molto più semplice e ingenuo come lo è il suo protagonista. Sicuramente un colpo al cuore per chi si aspettasse un secondo capitolo del film di Gilliam, ma che riesce comunque a contenerne in sé le caratteristiche. Kemp è onesto e leale fino ad un certo punto, quello che non collide con il suo essere. Una figura più simile all’anarchia dell’Hunter S. Thompson è visibile nel personaggio perfettamente messo in scena da Giovanni Ribisi: il pazzo Morberg, ubriacone fissato con rum e Hitler.

The Rum Diary – Cronache di una passione ha alcuni momenti molto godibili una sceneggiatura molto descrittiva anche se con alcune zone oscure che vengono spiegate con due righe di battuta, Johnny Depp al suo solito ha capacità interpretative anche dietro gli occhiali da sole, con il solo sollevare delle sopracciglia, ma è comunque evidente che un regista dalle caratteristiche stilistiche più marcate rispetto a Bruce Robinson, regista che Depp ha conosciuto ai tempi di Shakespeare a colazione, avrebbe conferito al film una corporatura più intensa.

La vicenda di The Rover è fondamentalmente semplice: un uomo (Guy Pearce) subisce il furto di una macchina da parte di tre banditi in fuga. Inizia il suo folle viaggio per ritrovarla, portando con se Ray (Robert Pattinson), fratello di uno dei banditi, lasciato indietro dopo essere stato ferito in una sparatoria. A fare da sfondo a questa storia vi è una Australia post-apocalittica, a dieci anni da un misterioso “collasso” che ha portato al declino della società degli uomini, ora completamente disgregati senza il controllo di un vero potere.

E’ proprio questa nevrotica atmosfera a conferire un forte grado di tensione al film. In questo scenario la vita non vale più nulla e i personaggi agiscono nella costante consapevolezza di poter essere il prossimo in qualsiasi momento. Ogni azione non sembra più fondata su un senso logico, non c’è un senso o un fine apparente, ma tutto è dettato da un istinto di sopravvivenza pieno di terrore, che porta a sparare prima ancora di vedere il nemico, che forse in realtà non esiste nemmeno.

In questo non-sense anche la vicenda del protagonista sembra soltanto una corsa folle e disperata alla ricerca dell’unica cosa che gli appartiene. Ma la sua ostinazione è una cieca follia? Forse soltanto chi ha ancora un fine da compiere può veramente salvarsi.

The Rover ha alle spalle una serie di riferimenti che vanno da Mad Max, al Pianeta delle Scimmie o The Road, e forse in questo senso non spicca di originalità nella vicenda. Tuttavia un grande pregio della regia è quello di ottenere una giusta dose di tensione dando un ampio respiro alle inquadrature. Anche nelle scene più violente e piene di pallottole David Michod sa tenere a bada l’acceleratore del montaggio, mostrandoci come il più delle volte tutto ciò che non possiamo vedere perché fuori campo o fuori vista ci inquieti più di una serie di veloci stacchi che ci mostrano ogni singolo proiettile e allontanano emotivamente lo spettatore della scena.

Guy Pearce non scende mai di tono nel ruolo del “duro”, adombrando forse la recitazione di Robert Pattinson, che tuttavia nel ruolo del giovane schizofrenico per lo meno tenta di allontanarsi dalla sua consolidata veste di teen-idol.

L’ex vampiro di Twilight sarà di nuovo oggi sul tapis rouge, affidato alle mani del regista David Cronenberg nel film Maps to the Stars. Vedremo se dopo l’esperienza insieme nel film Cosmopolis dell’anno scorso il regista saprà tirare fuori il meglio da questo attore.

di Enrico Baraldi

C’è chi considera Roberto Rossellini il più grande regista italiano (e non solo) mai esistito, e c’è invece chi di tale figura ha ben altra considerazione. Dipende quale punto di vista si adotta a riguardo, ma se a parlare è Alessandro Rossellini, nipote dell’autore di Roma città aperta, allora questo non potrà che essere condizionato dall’esistenza vissuta con tale importante cognome sulle spalle. Nel debuttare alla regia del suo primo film, The Rossellinis, questi si propone infatti di raccontare la propria versione della storia della sua famiglia. Un occhio interno che non fa mai male, e in questo caso particolarmente inedito rispetto a quanto già si conosce della famiglia del regista. Presentato durante la Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, il film sarà al cinema soltanto dal 26 al 28 ottobre.

La volontà di realizzare un documentario a riguardo nasce dalla presa di coscienza di Alessandro circa la Rossellinite. Questo è il nome da lui dato ad una particolarissima malattia, esclusiva della sua famiglia. Che lo si ammetta o pure no, tutti i discendenti del celebre regista neorealista sembrano esserne affetti. Per Alessandro, che si assume il compito di far riconoscere anche ai suoi parenti tale patologia, essa sarebbe caratterizzata dalla difficoltà di gestire un nome tanto importante. Tale responsabilità porterebbe dunque a reazioni e comportamenti che tentano di alleviarne il peso, con risultati talvolta imprevedibili. Si tratta ovviamente di un grande gioco, che non manca però di avere il suo fondo di verità. Attraverso il viaggio di Alessandro Rossellini si ripercorrerà così tanto la filmografia del celebre regista quanto la storia della sua numerosa famiglia.

Le colpe dei padri

Marito, amante, padre, nonno. Roberto Rossellini oltre a quello di regista ha ricoperto nella sua vita anche tali ruoli famigliari. Se con successo o meno dipende a quale dei suoi congiunti lo si chiede. Per Alessandro, il nipote, la figura del nonno è evidentemente stata piuttosto ingombrante nella propria personale formazione e autorealizzazione. Nonostante la sua scomparsa avvenuta nel 1977, questi ha continuato ad essere una figura centrale nella vita del regista di questo documentario, che decide ora di fare i conti con il suo passato e con quello della sua famiglia. Impresa più facile a dirsi che a farsi, ovviamente. L’autore neorealista ha infatti avuto ben tre mogli, nonché diversi figli. Riunirli per l’occasione richiede diversi spostamenti, alcuni in luoghi particolarmente remoti.

Dall’Italia alla Svezia e fino agli Stati uniti, nel tentativo di scoprire come ognuno dei figli di Roberto abbia gestito un cognome tanto invadente. Tale viaggio porta Alessandro alla scoperta di realtà diverse, tra chi come la zia Isabella Rossellini ha saputo far fruttare la cosa, a chi invece, come lo zio Robin, ha scelto una vita da eremita su di un’isola. In percorsi di vita tanto diversi si ritrova però un elemento comune, e che sembra infondo aver influenzato il modo di vivere e pensare di ognuno dei Rossellini. Si tratta del ricordo di Roberto come di un possessivo, ma benevolo, padre o nonno. Vero e proprio collante tra famiglie che esercitava, ed esercita tutt’ora, tale insostituibile ruolo.

Pur non essendo più fisicamente presente tra loro, la sua figura è comunque motivo di riunione e riscoperta. In fondo, pur partendo da motivi personali, è in nome del nonno che Alessandro intraprende il suo viaggio, e sempre nel suo nome si svolgono le conversazioni tra i vari parenti. The Rossellinis acquista così la forma di un vero e proprio album di famiglia, dove si collezionano ricordi e immagini di un passato che ha ancora molto da dire. Quelle che potevano essere le classiche colpe di un padre che ricadono sui figli diventano invece motivo di riflessione e di riaffermazione delle proprie individualità.

The Rossellinis: la recensione del documentario

Quello che poteva facilmente diventare un non necessario focus sulla famiglia Rossellini acquista ben più interesse di quanto si poteva immaginare. Nel seguire il regista nel corso dei suoi viaggi e delle sue reunion famigliari, lo spettatore ne esce arricchito con affascinanti retroscena, curiosità ed episodi spesso inediti. L’elemento che più sorprende, tuttavia, è la grande ironia che Alessandro infonde nel documentario. Nell’affrontare il suo primo esperimento cinematografico, egli sembra essere consapevole dei propri limiti, e sceglie da subito di non prendersi sul serio. Ciò gli permette di non acquisire un’autorità che avrebbe rischiato di allontanare lo spettatore, assumendo invece un ruolo con cui è più facile relazionarsi.

Egli, pur parlando sempre e comunque dei Rossellini e di Roberto, riesce allo stesso tempo a far acquisire alla propria famiglia quell’universalità con la quale è possibile generare un legame. In fin dei conti, ciò che ci viene mostrato, pur con le caratteristiche uniche, non è altro che il bisogno di una famiglia di ritrovarsi. Attraverso questo sentimento è possibile costruire un racconto coinvolgente ed emozionante, che permette di riflettere tanto sui Rossellini quanto sul proprio privato.

Inquadrature sghembe, zoom in avanti, immagini sfuocate di visi e voci, un indugiare sui dettagli di un camerino, scorci di ragazzi che si vestono e rispondono svogliati ad un paio di domande di un giornalista. Poi, all’improvviso, tutto accelera: le star sono nel tunnel, si sente il fragore della folla, è un crescendo di attesa e, dopo il canonico “Ladies and Gentlemen, The Rolling Stones”, la protagonista assoluta è solo la musica.

Mentre le note delle chitarre di Keith Richards e Brian Jones infiammano il pubblico, la voce di Mick Jagger lo strega, seguendo il battito di Charlie Watts. Quello degli Stones è un mondo in movimento, fatto di sregolatezza, stupefacenti, sesso, ma soprattutto di amicizia e rock’n’roll. Ed è in questo universo unico, dove libertà, ribellione e canzoni sono i soli imperativi, che il regista Brett Morgen si immerge, nel tentativo di riportare a galla la storia, le esperienze, ma soprattutto l’essenza di quella che è una delle più grandi band di tutti i tempi.

Il genio, però, è difficile da avvicinare, il carisma impossibile da comprendere, l’aura che circonda gli artisti totalmente inaccessibile. L’atmosfera di quei giorni si può solo evocare, come in un ricordo, come in un sogno. E così, con la pazienza dello storico e la passione dell’amante, Morgen piega le enormi potenzialità del cinema ai suoi scopi, accompagnando il pubblico attraverso quel ricordo, attraverso quel sogno. The Rolling Stones Crossfire Hurricane è un ventennio, raccontato dalle rockstar in prima persona, stipato in due ore; non solo un omaggio ai cattivi ragazzi che rappresentarono gli anti Beatles, ma quasi un atto d’adorazione.

E bisogna ammettere che il risultato, ottenuto grazie ad un montaggio superbo di sequenze tratte da alcuni documentari come Gimme Shelter dei fratelli Maysles (1970) o Cocksucker Blues di Robert Frank (1972) e da documenti inediti o di repertorio, come le riprese del drammatico concerto di Altamont (1969) dove un ragazzo venne accoltellato e ucciso, è coraggioso e interessante. Dallo schermo gli intramontabili successi dei Rolling Stones, da (I Can’t Get No) Satisfaction a Sympathy for the Devil, da Angie a No Expectations, fanno da colonna sonora a serate a base di droga, arresti, viaggi da un capo all’altro del mondo, feste dietro le quinte, ma anche a momenti più tranquilli e rilassati.

Sospeso tra passato e presente, con una chicca recente sui titoli di coda, The Rolling Stones Crossfire Hurricane emoziona, diverte, intriga, insegna. Forse la narrazione subisce un leggero calo d’intensità nel finale, ma la bellezza del documentario non ne è minimamente scalfita. In Italia è distribuito in 300 sale ma sarà al cinema solo per due giorni: 29 e 30 aprile. Save the date.

Lo scenario di The Road, dall’omonimo romanzo di McCarthy, si presenta allo spettatore nella sua triste e grigia immediatezza. Uniche figure a stagliarsi contro le nuvole, Viggo Mortensen e Kodi Smit-McPhee, padre e figlio che rappresentano il viaggio dell’umanità all’indomani di una catastrofe non identificata che ha ridotto il mondo e il genere umano in fin di vita. Il film dell’australiano John Hillcoat, filologicamente legato al potente e scarno racconto di McCarthy, è un viaggio, prima che del corpo, dell’anima, nei suoi antri e nelle sue capacità.

In The Road il mondo dilaniato da forti scosse che spaccano la terra e da incendi che devastano i resti di una vegetazione ormai morta quello che fa da sfondo al viaggio transcontinentale di un Padre e un Figlio, due anime senza nome che si muovono lungo la Strada che dovrebbe portarli alla salvezza.

The Road, un film doloroso e toccante

Una storia d’amore paterno e filiale, il racconto di un passaggio di testimone tra vecchie e nuove generazioni, un post-apocalittico intimista che vede nei protagonisti un nodo fondamentale. Il ritmo scandito dalle loro vicende alterna tensione e brevi istanti di tregua, senza perdere la fluidità del dolore che sottende tutto il racconto fino a esplodere un in finale che in qualche modo prova ad alleviare le tremende sofferenze di chi è stato attore dei fatti ma anche di chi empaticamente guarda dalla sala buia.

Per stile e regia The Road è un film potente, che non poteva essere raccontato diversamente, una scommessa in una certa misura dovuta all’incredibile stile del romanzo, scarno eppure in grado di evocare substrati di consapevolezza che emergono nell’uomo solo nelle situazioni più estreme (facendo attenzione a non ricadere nella facile retorica qui assolutamente assente) dividendo i buoni dai cattivi in due gruppi distinti ma che si toccano e in un punto si confondono, sottolineando la fragilità dell’essere e del vivere da uomo anche quando tutto cospira contro la dignità umana.

Un film doloroso che riesce a toccare estremi picchi di orrore ma anche di infinita dolcezza nella figura di questo padre, attanagliato dal senso di colpa, dalla paura di lasciare da solo il figlio, ma anche dal terrore di rimanere di nuovo solo, dopo l’abbandono della moglie, una moglie amatissima, con il volto di Charlize Theron, che vediamo solo nei flaschback, nella sua paura e fragilità. Assistiamo impotenti alla sua abdicazione alla vita e alla sua spontanea ricerca della morte nonostante le lacrime del marito. La vicenda si svolge, lenta e pesante, lungo la strada, i boschi e la case abbandonate e depredate, verso una meta che dovrebbe portare speranza ma che significherà la fine del viaggio, una distesa di sabbia affollata di oggetti trasportati a un mare che non è più blu.

Arriva il 16 marzo in Italia The Ring 3, il film horror che racconta di nuovo, in maniera aggiornata e corretta, il franchise che ha fatto tremare milioni di spettatori con l’inquietante Samara.

Dopo vari problemi di produzione – che ne hanno rimandato per mesi l’uscita nelle sale –  arriva anche in Italia l’ultimo film della saga di The Ring. Franchising di origine giapponese, la storia prendeva spunto da un romanzo dell’orrore dello scrittore Koji Suzuki, poi adattato nel 1998 per il grande schermo dal regista Hideo Nakata, che ne fece una trilogia (Ringu, Ringu 2 e Ringu 0: The Birthday). Visto il grande successo di pubblico anche all’estero, Hollywood si mise all’opera per i remake di almeno due dei film giapponesi, affidando la direzione della prima pellicola alla sapiente mano di Gore Verbinski (The Ring, 2002) e quella del seguito allo stesso Nakata (The Ring 2, 2005).

Analizzata quindi da più parti, la storia della bambina gettata in un pozzo (Sadako nell’originale giapponese, Samara nella versione americana) e della sua maledizione, sembrava non avere più altro da dire. Nonostante ciò, negli ultimi anni, produzioni minori hanno dato vita ad una serie di spin-off di serie B, che solo gli amanti del genere conosceranno (da Sadako 3D al crossover con The Grudge, Sadako vs Kayako). Eppure Hollywood ha deciso di tornare ancora sul pezzo, affidando stavolta la regia allo spagnolo F. Javier Gutiérrez.

La storia si svolge nel presente. Nonostante nel 2016 le VHS siano ormai considerate roba vintage, la videocassetta con il filmato maledetto di Samara continua a mietere vittime. Una mattanza in larga scala è causata più o meno volutamente da un professore di neurobiologia (il Johnny Galecki di The Big bang Theory, che sembra non riuscire a scrollarsi di dosso il ruolo di Leonard Hofstadter), che invita tutti i suoi alunni a visionare la cassetta. Le conseguenze saranno devastanti, e porteranno i due ragazzi protagonisti alla scoperta delle origini di Samara.

The Ring 3 racconta dal principio la storia, sfuggendo alle definizioni odierne di Sequel o Remake

Remake? Sequel? Prequel? Stando alle parole del regista siamo di fronte ad un sequel della saga di The Ring, ma “aggiornato ai tempi nostri”. Presa però visione della pellicola nella sua interezza, gli interrogativi di cui sopra permangono nello spettatore. La spiegazione di Gutiérrez non basta infatti a far collimare determinati elementi della trama, che risultano alle volte sottesi altre del tutto casuali. Le idee scarseggiano, così come le trovate visive di una regia piuttosto piatta che non brilla per originalità (la scena di Samara che fuoriesce dal televisore – questa volta ultrapiatto – è la stessa dei precedenti film. La ragazza, nelle sue movenze “ragnesche”, è interpretata ancora una volta dalla stunt Bonnie Morgan).

Inoltre, ciò che salta subito all’occhio sono i debiti evidenti nei confronti di altro (e migliore) cinema di genere: dalle origini di Freddy Kruger in Nightmare, al colpo di scena del più recente Man in the Dark (con la ripresa pedissequa del personaggio privo di vista, qui interpretato da un Vincent D’Onofrio ingrassato e irriconoscibile). The Ring 3 rappresenta dunque una piccola meteora nell’ambito del cinema di genere horror che negli ultimi anni sta invece risalendo la sua china, grazie a registi come James Wan e a trovate innovative. Tuttavia rimane un’opera ben confezionata e adatta all’home video per amanti di un cinema senza troppe pretese.