La selezione fuori concorso di Venezia 75 si arricchisce di un nuova opera diretta da Pablo Tapero che, con il suo La Quietud, si interroga sull’amore, sui legami affettivi e soprattutto sulla famiglia.

La vita tranquilla di una famiglia nella tenuta de La Quietud, in Argentina, vicino Buenos Aires, viene scossa da un evento tragico. A seguito del doppio ictus subito dal capofamiglia, Eugenia (Berenice Bejo), la figlia maggiore, decide di tornare a casa da Parigi per stare vicino a sua madre e a sua sorella minore Mia (Martina Gusman). La malattia del padre, ormai in uno stato comatoso irreversibile, e la convivenza forzata delle tre donne ripoteranno alla luce vecchi dissapori e la facciata di famiglia perfetta si sgretolerà piano piano rivelando alcune scomode verità.

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Vincitore tre anni fa del Leone d’Argento per la regia del suo El Clan, il regista Pablo Trapero torna a Venezia presentando stavolta un interessante melodramma familiare pieno di mistero e sensualità. Utilizzando l’improvvisa malattia del padre come espediente narrativo, Trapero si sbarazza di fatto dell’unica importante figura maschile di tutta la storia, lasciando che siano solo le donne a condurre il gioco.

Si parla di famiglia e di segreti nascosti per decenni che inevitabilmente hanno influenzato il rapporto delle figlie con i propri genitori. Mentre il padre sembra avere un legame speciale con la figlia minore Mia, la maggiore Eugenia, è di fatto la cocca di mamma. Ma a sorprendere e un tantino inquietare lo spettatore è il rapporto d’affetto morboso e quasi incestuoso delle due sorelle; la vicinanze delle due ragazze, incredibilmente somiglianti, sembra quasi voler sopperire alla mancanza di stabilità emotiva. Sin dalle prime scene, infatti, si avverte che l’immagine della famiglia felice, benestante e perfetta è in realtà solo un castello di carte pronto a volar via alla prima folata di vento. E il vento non tarda a arrivare!

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Il regista Pablo Trapero è incredibilmente bravo a costruire, insieme a Alberto Rojas Apel, una sceneggiatura semplice ma dal ritmo sostenuto che svela i segreti della famiglia de La Quietud a piccole dosi. Lo spettatore, intrigato dall’alone di mistero che sembra avvolgere i personaggi, non può fare altro che continuare a seguire la storia. Nonostante si tratti di un ‘melodrammone’ familiare molto più adatto al piccolo che al grande schermo, il film di Trapero affascina e si lascia seguire dall’inizio alla fine.

Presentato in Concorso alle Giornate degli Autori Domingo è il nuovo film di Clara Linhart che si incarica di raccontare la borghesia brasiliana, fotografandola in un momento storico-politico particolarmente importante e di grande cambiamento.

La trama di Domingo

Nel 2003, mentre il Brasile celebra l’elezione del nuovo presidente Lula, due famiglie della classe media si riuniscono nel giardino di una vecchia casa cadente per un churrasco (barbecue). Sembra una domenica come tante, ma i cambiamenti politici in corso preoccupano la matriarca Laura, che teme di veder scomparire i suoi averi.

I tanti personaggi, le dinamiche familiari, i piccoli intrighi, le gelosie, ma anche le diverse età della vita, gli amori, le paure, i rapporti di forza tra vecchio e nuovo. La regista mette tutto al centro di questo tavolo da barbecue, in questa casa di campagna, mentre si celebra l’anno nuovo, il nuovo presidente (non tutti ne sono felici, certo) e i 15 anni della pupilla di casa.

Domingo racconta momenti molto esilaranti, al limite della credibilità, tuttavia il tema politico che voleva essere centrale nelle intenzioni si riduce a un paio di momenti raffazzonati, come i confronti tra la padrona di casa, scettica per l’elezione del nuovo presidente, e la domestica che, appartenente a una classe meno abbiente, è contenta per l’aria di cambiamento che il paese sta per accogliere. Un tentativo in cui nemmeno la regista sembra credere più di tanto.

Altro giorno, altro film. Dopo aver visto commedie brillanti, biopic ‘spaziali’, remake horror e film western, la 75esima Mostra d’Arte Cinematografica di Venezia ci propone un thriller, portando sul grande schermo l’ultimo film di David Oelhoffen, dal titolo Fratelli nemici – Close Enemies, presentato in concorso.

In Fratelli nemici – Close Enemies Nati e cresciuti nei sobborghi di Parigi, Manuel (Matthias Schoenaerts) e Driss (Reda Kateb), un tempo quasi fratelli più che semplici amici, hanno poi preso strade diverse, anzi, opposte. Mentre il primo per poter sopravvivere in quel quartiere malfamato ha scelto la strada della criminalità diventando un narcotrafficante, l’altro, al contrario, è diventato un poliziotto. Ma qualcosa di terribile farà incrociare di nuovo le loro vite. In attesa di un grande carico di droga proveniente dal Portogallo da consegnare ad un certo Reyes, il SUV di Manuel viene attaccato e la sua banda sterminata. Costretto a darsi alla macchia per sopravvivere, si troverà a dover chiedere aiuto proprio al suo peggior nemico.

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C’è chi dice che thriller e action movie siano appannaggio esclusivo degli americani. Oelhoffen, invece, con il suo Fratelli nemici – Close Enemies, si diverte a dare del filo da torcere ai suoi colleghi a stelle e strisce. Utilizzando l’ormai collauda struttura di genere, il regista imbastisce un film classico nel senso più stretto del termine. Abbiamo infatti un cattivo ragazzo dal cuore tenero che di giorno gioca a pallone con il figlio e di notte spaccia e un cattivo ragazzo che invece ha cambiato vita; non mancano inoltre droga, poliziotti, inseguimenti e tante sparatorie.

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Quella di David Oelhoffen sembrerebbe la ricetta per il perfetto thriller/action movie ma in realtà anche Freres Ennemis presenta non pochi problemi. Nonostante il genere cinematografico di appartenenza, il film in alcuni momenti sembra soffrire a causa del suo ritmo altalenante; si alternando, infatti, momenti d’azione davvero avvincenti che tengono lo spettatore incollato allo schermo ad altri invece fin troppo lenti e quasi statici. Ma a risollevare le sorti di un film tutto sommato abbastanza banale, ci pensano i due meravigliosi protagonisti; Matthias Schoenaerts è perfettamente a suo agio nel ruolo nel ruolo del cattivo in cerca di vendetta laddove Reda Kateb invece è il suo perfetto antagonista.

Fratelli nemici – Close Enemies non brilla certo per originalità sia nel contenuto che nella forma ma è un film godibile proprio per la sua semplicità, pieno di interessanti spunti di riflessione e che metterà d’accordo gran parte del pubblico in sala.

Arriva in concorso a Venezia il western poetico The Sisters Brothers del regista francese Jacques Audiard. Una nuova incursione, dopo The Ballad of Buster Scruggs dei fratelli Coen, nel cuore selvaggio della frontiera americana vista con uno sguardo inusuale, divertente e commovente.

I due fratelli Charlie ed Eli Sisters sono due killer al servizio di un potente chiamato Il Commodoro. Sono molto legati tra loro, soprattutto dopo la morte del padre violento e l’allontanamento da casa. Si proteggono l’uno con l’altro, volendosi un gran bene, ma manifestandolo in modo burbero, tra scherzi, litigi e zuffe. Il loro lavoro consiste nel ritrovare persone scomode o banditi. Non esitano a uccidere, senza porsi troppe domande. Charlie in particolare, il fratello più giovane, ha una vera dote naturale per le carneficine. Eli, invece, anche se altrettanto spietato ed esperto con le armi, ha un’indole tranquilla, sentimentale e anela a una vita normale. La loro nuova missione consiste nel rintracciare e riportare indietro un chimico, detentore di una prodigiosa formula per rivelare la presenza dell’oro nei fiumi. Comincia così una spietata e movimentata caccia all’uomo, attraverso il cuore del selvaggio west, ma soprattutto  attraverso il profondo di se stessi.

The Sisters Brothers è una fiaba tenerissima e struggente, che ruota attorno al legame e ai sentimenti più intimi di due fratelli, magnificamente interpretati da John C. Reilly e Joaquin Phoenix.

È un western, perché ambientato nel selvaggio cuore dell’America dei coloni e popolato di pistoleri, mandriani, cercatori d’oro e tutta la fauna tipica da saloon, ma non è un western classico, perché rifugge tutti i canoni del genere, evitando gli stereotipi e trasformando abilmente ogni elemento di questa tipologia di racconto, per contribuire a scandagliare l’emotività e il bisogno di amore che alberga sul fondo dell’animo di ognuno, anche della canaglia più spietata.

A Reilly e Phoenix si aggiungono anche gli ottimi Jake Gyllenhaal e Riz Ahmed, rispettivamente un collega cacciatore di taglie dei due fratelli e il povero indifeso chimico geniale. Anche loro due sono perfettamente calati nel ruolo e riescono a regalare sfumature indelebili, che rimangono scolpite nel cuore dello spettatore.

Il regista Jacques Audiard, reinventa boschi, praterie, villaggi e città del selvaggio west, nel bel mezzo dell’ Europa, lavorando sapientemente tra boschi e praterie, con colori e luci, assecondando ogni mutamento di stato d’animo dei personaggi e imbastendo un’irresistibile, sanguinaria combriccola di forsennati, bisognosi solo di un briciolo di affetto e tranquillità.

Il film è pieno di invenzioni e situazioni, a volte divertenti, altre volte malinconiche, altre ancora struggenti. Ma è imprevedibile, fuori da ogni schema, scorre veloce di sorpresa in sorpresa, senza mai subire rallentamenti o indurre intuizioni legate a dispositivi narrativi ormai consolidati e stantii. Tutto questo grazie a una magnifica sceneggiatura scritta dallo stesso Jacques Audiard insieme a Thomas Bidegain. Ma il merito è dovuto anche al romanzo omonimo di Patrick de Witt da cui è tratto il film.

I meravigliosi costumi sono dell’italiana Milena Canonero, le scenografie di Michel Barthélémy, che ricostruisce sapientemente anche le strade della vecchia San Francisco e un hotel di gran lusso, fornito dei primi bagni con toilette e vasca privata.  Le musiche sono invece di Alexandre Desplat, che si allontana dagli stereotipi, per regalare una partitura dal sapore fiabesco, perfetta per sottolineare i turbamenti dei quattro protagonisti. Questi sono solamente alcuni dei creatori di questa favola western, frutto di una co-produzione di tanti paesi europei tra cui Francia, Belgio, Romania e Spagna.

The Sisters Brothers potrebbe definirsi un emo-western, che conquisterà e commuoverà anche chi non è avvezzo a tale genere, ma che certamente mostrerà il lato più tenero e nascosto del selvaggio west, finora mai raccontato così delicatamente in un film. E per gli amanti di sparatorie, bordelli e saloon… nulla da temere: tutti accontentati!

Venezia 75: Jacques Audiard presenta The Sisters Brothers

Il ragazzo più felice del mondo potrebbe essere Francesco, un ragazzo che a 14 anni mandò una lettera a Gianni Pacinotti, in arte Gipi, per esternargli la sua devozione di fan e chiedergli un disegno. Se non fosse che Francesco, forse, non esiste, è un’identità fittizia di un amante dei fumetti, probabilmente con disturbi mentali, che per oltre 20 anni ha mandato la stessa lettera da ammiratore a moltissimi fumettisti italiani.

L’incredibile storia vera in cui si è imbattuto l’autore de La mia vita disegnata male è diventata così il pretesto per il film che Gipi ha presentato alla Mostra di Venezia 75 nella sezione Sconfini. Il progetto era quello di un documentario, in cui Pacinotti raccoglieva le testimonianze dei suoi colleghi fumettisti, oltre 50, che avevano ricevuto la stessa lettera nel corso degli anni e con tutti loro andava da “Francesco” per renderlo, appunto, il ragazzo più felice del mondo. Da una parte un’idea geniale, dall’altra il problema di come raccontarla, senza ledere la privacy di questo misterioso fan, e allo stesso tempo senza tradire la storia.

E così l’intuizione è stata quella di trasformare il “problema di come raccontare” la vicenda nel film stesso. Per farlo, Gipi ha chiesto ai suoi amici di aiutarlo, letteralmente, sprofondando finalmente nel metacinema, che tante volte ha accarezzato; il pisano si circonda di persone che sono suoi amici nella vita vera, spingendoli davanti alla macchina da presa, sullo schermo, per metterlo al centro dell’attenzione e per demolire il suo narcisismo senza ferirlo troppo in profondità (sono pur sempre suoi amici).

Gipi: intervista al regista di Il ragazzo più felice del mondo

Con il solito acume auto-critico e analitico, Gipi realizza questa stramba commedia che non manca di diventare territorio di profonda riflessione su quello che è davvero il mestiere del cantastorie, di chi vuole sottoporre il proprio mondo interiore, le proprie fantasie, le proprie storie al giudizio del pubblico e a cosa vuol dire esporre se stessi a questo rischio. Riflessione particolarmente cara a lui che in tutto il suo lavoro ha messo una parte di sé e della sua vita privata. Fama, fan, disegno, storie: il film tocca tutte le sue ossessioni ma non dimentica il gioco, la leggerezza e la risata forte e genuina che esplode dal petto, per un’intuizione brillante, o una battuta politicamente scorretta.

Davide Barbafiera, Gero Arnone e Francesco Daniele sono i coprotagonisti e gli incaricati a demolire l’ego e ad accompagnare l’amico, in quello che, nel finale, diventa un road movie anomalo, che si risolve in un lieto fine inaspettato. Con i tre co-protagonisti, sullo schermo si avvicendano anche molti volti noti del fumetto italiano, qualcuno chiamato a testimone nel ruolo di se stesso, qualcun altro che ha accettato di trasformarsi in attore per un giorno: tutti amici di Pacinotti nella vita vera. Una scanzonata compagnia che mette in scena un film disordinato, che prende tante direzioni, ne segue altre ancora, in nome dell’intuizione, della storia da seguire, e nonostante questo mantiene intatto lo spirito del suo autore, uno spirito da bambino saggio che non ha mai smesso di disegnare.

Il ragazzo più felice del mondo è Gianni stesso, perché nonostante il pericolo di esporre il suo cuore e la sua vita al mondo intero, continua a farlo per amore delle storie. E non c’è forma di devozione più rischiosa e più grande.

Nell’epoca delle rivendicazioni femminili arriva, in Concorso alle Giornate degli Autori di Venezia 75, una storia di una donna che attraverso il suo corpo prova a rinnegare la sua natura di madre e abbraccia completamente la sua volontà: Pearl. Opera prima di Elsa Amiel, è la storia di Lea Pearl, una bodybuilder che ha consacrato la sua vita a questo sport. Ma a che prezzo? Lo scopriamo subito nella storia. Quando era ancora Julia, la protagonista ebbe un bambino dal compagno, ma abbandonò entrambi e adesso la sua vita e soprattutto il suo corpo sono totalmente cambiati. Ma cosa le accadrà quando questo passato le viene sbattuto in faccia inaspettatamente? Alla vigilia di una importantissima competizione, Lea dovrà fare di nuovo i conti con quella che è stata, e con un bambino di quattro anni.

Amiel gira il film in lingua doppia, francese e inglese, dove la prima sembra essere riservata alla componente emotiva, ai dialoghi con il bambino, con l’ex marito, insomma allo scontro dei sentimenti. L’inglese è invece la lingua pragmatica della bodybuilder e del suo allenatore, la lingua delle dosi di ormoni, della dieta ferrea, del divieto di bere acqua e della preparazione atletica.

Il cuore del film però è il corpo di Julia/Lea e il contrasto che vive nel momento in cui ricorda il passato di madre, o meglio di donna che ha dato alla luce un bambino, visto che madre in senso proprio non lo è mai stata. E appena il suo corpo rientra in contatto con il figlio, ricompare del sangue mestruale, che da anni, a causa dei bombardamenti di ormoni, non si manifestava più. Un risveglio del suo corpo d’origine che lei per prima rifiuta ma che imparerà ad accettare nel corso del film, con un esito inaspettato.

La Amiel sceglie una strada poco battuta per raccontare la femminilità e la lotta della donna con e dentro al suo corpo, per sempre prigioniera di un contenitore che può essere plasmato o assecondato.

Torna in Concorso alla Mostra di Venezia 75 Mike Leigh, che 15 anni fa conquistò il Leone d’Oro con Il segreto di Vera Drake. Questa volta il regista settantacinquenne sceglie una sanguinosa pagina della storia inglese, il massacro di Manchester, evento poco noto ma decisivo per il percorso della democrazia del Regno Unito.

La trama di Peterloo

I fatti: il 16 agosto 1819 a St. Peter’s Field si svolse un raduno pacifico, a favore della democrazia, che promuoveva il suffragio universale e la rappresentanza politica diretta. Questa pacifica assemblea si tramutò in una strage con decine di morti e centinaia di feriti a causa della decisione dei magistrati locali di far intervenire la guardia nazionale a cavallo, a sciabole sguainate. La decisione scellerata venne presa a seguito del clima di fermento e timore, da parte dei nobili inglese, generato dalla recente Rivoluzione Francese. L’esito fu un massacro, appunto, che generò un’ondata di proteste in tutto il Paese.

Leigh si pone come obbiettivo ambizioso quello di raccontare non solo la strage ma tutto ciò che venne prima, descrivendo con minuzia la situazione sociale, quella dei lavoratori nelle fabbriche, delle donne senza il diritto di voto, dei giovani di ritorno dalle guerre napoleoniche. L’eco di Waterloo non si era ancora spento, e la strage a St. Peter’s Field divenne presto “il massacro di Peterloo” per i giornali dell’epoca. Per costruire il suo affresco storico, il regista scende nei minimi dettagli della ricostruzione storica, dando voce a tutti. Dalla casalinga stanca, al bimbo cencioso, agli operai ridotti alla fame, ai nobili, i magistrati, al re matto e persino alla sua cortigiana. Tutti in Peterloo trovano spazio, parola, inserendosi in un disegno dettagliatissimo.

Peterloo si fa quindi costantemente dialogo tra opposti, tra gli illuminati eredi della Francia rivoluzionaria, ai conservatori al potere, tra gli oratori che infiammavano i cuori degli affamati senza armare le loro mani, ai privilegiati che non esitavano a delegare la violenza alle loro “braccia”.

A pagare le spese di questa coralità così strutturata e dettagliata è il ritmo del film, che si dilata e appesantisce l’affresco storico. Dopotutto non c’era altro modo di raccontare la stessa vicenda, dal momento che l’azione del film culmina negli ultimi 30 minuti, con un saggio di grande perizia tecnica di Leigh, nella regia del caotico e impari scontro.

Il terzo giorno di festival in laguna finalmente si respira un’aria diversa. Mentre fuori la pioggia continua a cadere, in sala, grazie a Olivier Assayas, l’atmosfera si fa più leggera e frizzante. E’ stato presentato in concorso a Venezia 75 l’ultimo film del regista francese dal titolo Doubles Vies con l’eccezionale coppia Guillaume Canet e Juliette Binoche.

In Doubles Vies, Alain (Guillaume Canet) è un editore parigino di successo che fa fatica ad adattarsi alla rivoluzione digitale che sta investendo il mondo della comunicazione e dell’editoria. Mentre cerca di capire come muoversi all’interno di questo territorio per lui ancora inesplorato, continua il suo lavoro, leggendo e selezionando nuovi manoscritti da pubblicare. Tra questi c’è il nuovo romanzo di Leonard (Vincent Macaigne), suo autore e amico da lungo tempo, libro che Alain non è però intenzionato a mandare in stampa. Il lavoro di Leonard è vecchio e stantio eppure Selena (Juliette Binoche), moglie di Alain e attrice di successo, sembra aver preso molto a cuore il progetto…

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Dopo ben otto anni di assenza dal suo ultimo Apres Mai ( titolo italiano Qualcosa Nell’Aria), il regista Olivier Assayas torna al festival di Venezia presentando un film dallo stile completamente diverso. Doubles Vies è infatti una commedia brillante, genere quasi del tutto estraneo alla cinematografia di Assayas. Partendo dal mondo dell’editoria, il regista fa una riflessione assai arguta ma non priva di humor e di una buona dose di sarcasmo, sulla tecnologia e su come quest’ultima abbia contribuito negli ultimi anni a trasformare i canali di comunicazione. Dai libri agli ebook, dalle lettere a Whatsapp, ormai ognuno di noi sembra non poter fare a meno di smartphone, computer e tablet per comunicare. Ma se la tecnologia ha reso le interazioni più efficienti e veloci, come mai i protagonisti di Double Vies sembrano fare così tanta fatica a interagire tra loro?

Alle riflessioni di Assayas sulla cultura contemporanea che cambia con l’evolversi della società, si aggiungono anche i problemi di comunicazione delle coppie. Abbiamo infatti un matrimonio in crisi – quello di Alain e Selena – e un rapporto disfunzionale e assai bizzarro anche tra Leonard e la sua compagna Valerie (Nora Hamzawi), molto più preoccupata del suo lavoro che del suo rapporto di coppia. Ma se il regista è molto abile nel costruire scene con i suoi protagonisti che dialogano sul rapporto odierno tra forma e contenuto, risulta meno convincente quando tratta l’argomento sentimentale.

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Dopo un inizio un po’ lento Doubles Vies – che in Italia uscirà in sala con il titolo di Non-Fiction – prende pian piano il suo ritmo, mostrando allo spettatore una struttura narrativa abbastanza schematica e ripetitiva. Assayas ricicla quasi in maniera ossessiva sempre gli stessi concetti rendendo il film divertente ma soprattutto ridondante. Tutti i personaggi di Doubles Vies sono sempre pronti a sciorinare pensieri più o meno acuti sui problemi comunicativi della società contemporanea ma molto meno inclini ad affrontare i loro di problemi. Non c’è alcun tipo di introspezione e il film, pur riuscendo a strappare non poche risate allo spettatore, risulta facilmente dimenticabile.