Words with Gods mostra nove potenti storie in cui le credenze religiose giocano un ruolo centrale nella vita dei protagonisti che sono accomunatati dall’esperienza di nascita e di morte, di fede perduta e ritrovata. Le nove diverse culture si incontrano nell’originalità delle firme dei nove registi internazionali che attraverso il loro sguardo raccontano: la spiritualità aborigena (Warwik Thoron), la religione umbanda (Héctor Bebnco), l’induismo (Mira Nair), il buddismo (Hideo Nakata), l’ebraismo (Amos Gitai), il cattolicesimo (Álex de la Iglesia), il cristianesimo ortodosso (Emir Kustica), l’islam (Bahman Gobadhi) e infine l’ateismo (Guillermo Arriga).

Presentato Fuori concorso alla 71° Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia e basato su un’idea di Guillermo Arriaga con la supervisione a cura di Mario Vargas Llosa, il documentario trascina lo spettatore in un racconto esistenzialista, che sottolinea la filosofia predominante di ogni religione in maniera tale da cogliere l’essenza e di far conoscere quel “diverso” che tanto fa paura.
Contraddistinto da tratti ironici, allegorici con un accurata e precisa idea registica, i nove capitoli rendono il documentario comprensibile a tutti andando a creare un forte legame tra un episodio e l’altro. I grandi silenzi, le musiche, le domande della quotidianità rendono la visione un immersione in una conoscenza che supera la barriera linguistica trovandoci a seguire questi personaggi che riflettono sui grandi eventi della vita. La macchina da presa diventa l’occhio, che si esime da ogni concetto che potrebbe spostare il discorso in questioni socio-politiche e che preferisce suggestionare con le sue inquadrature. Si attraversano così i silenziosi e interminabili scenari australiani della cultura aborigena che si oppongono alla frenesia della parentesi induista, caricata di ironia e metafore. Mentre dall’altra parte de la Iglesia predilige il paradosso in chiave tragicomica sul sacramento cattolico della Confessione che inevitabilmente si contrasta con il bellissimo piano sequenza con movimento laterale del Libro di Amos per l’ebraismo. Ma il documentario non perde di vista il suo scopo universale, ovvero mostrare come la religione affronta le perdite o i grandi cambiamenti epocali, come ci mostra Bebnco nella storia del padre che perde il figlio o vivendo le emozioni di un superstite dello Tsunami del 2011 con Nakata.

Seppur le storie siano caratterizzate da un grande dramma narrativo, la maestria di questi registi sta nel tessere storie di religione e non trattati di teologia, ideate con un taglio attuale e fresco fatto di esempi a noi vicini senza ricordare trascorsi storici. Si elimina così tutto lo sconcerto a cui ci ha abituato il rimpallo mediatico della cronaca di guerra e presentando una bella fotografia globale sulle diversità e il significato delle religioni.

Dopo aver sentito la voce dei carnefici, ecco le voci, silenziose, dignitose e dimesse, delle vittime. Joshua Oppenheimer ci riporta in Indonesia per farci scoprire l’altra faccia del genocidio del 1965. In The Act of Killing, magistrale racconto del tragico evento per bocca degli aguzzini, il regista nominato all’Oscar ci trasporta dall’altra parte e ci racconta le testimonianze delle vittime di quella tremenda tragedia umana, passata tristemente sotto silenzio. Il racconto di The Look of Silence, si trasforma in un viaggio nel cuore di una famiglia che ha vissuto sulla sua pelle la drammatica esperienza. Dal punto di vista formale, il lavoro di Oppenheimer, complementare al documentario precedente, è meno ambizioso ma forse più denso.

Visivamente il film è fregiato di una fotografia luminosa e vivace, in contrapposizione con l’oscurità dell’umanità che viene tratteggiata nelle testimonianze dei sopravvissuti. I quadri boscosi in cui campeggiano queste piccole figure nobili e allo stesso tempo rattrappite dal tempo sembrano veri dipinti in cui l’essere umano soccombe sotto la florida bellezza di una natura accecante.

Il tono del racconto viene a tratti alleggerito da inserti di quotidiana familiarità che fanno sorridere ma testimoniano anche l’estrema delicatezza del regista stesso ad inserirsi in un discorso in realtà tanto complesso quanto appare semplice e limpido nei discorsi dei protagonisti.

The Look of Silence è stato presentato in concorso alla 71esima edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia.

The Lack rappresenta le quattro variazioni sul tema de la “mancanza”. Un film interpretando da sei personaggi femminili, immersi in una natura silenziosa e primitiva, che affrontano il loro viaggio di conoscenza in una natura sublime e misteriosa ripercorrendo il loro percorso interiore, cercando di ricomporre i pezzi della loro esistenza frantumata e di colmarne il vuoto.

Presentato nella sezione Giornate degli autori alla 71° Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia il film dei Masbedo, composto dal duo di video artisti Nicolò Massazza e Iacopo Bedogni. Pone un interessate sguardo interiore sulla fragilità femminile in uno dei momenti più cruciali dell’essere umano, l’assenza. Per affrontare una tematica così articolata il film adotta la classica struttura per capitoli che meglio ci aiuta nella compressione della visione del tutto unica e originale della pellicola.  Sin dall’incipit del film una tenda da circo, che sarà luogo di un “tetro spettacolo” di angosce e ansie, vengono presentate attraverso un “prologo” le sei donne si mostrano con il loro oggetto-simbolo che incarna il loro stallo emotivo. Le storie vengono pian piano approfondite attraverso i capitoli, cominciando con Eve (Lea Mornar) che lascia la stanza per affrontare il tema dell’abbandono, per poi seguire Xiù (Xin Wang) e il suo rapporto con il ricordo, Anja (Giorgia Sinicori) e Nour (Ginevra Bulgari) che affronteranno da due prospettive opposte il distacco ed infine Greta (Emanuela Villagrossi) e Sarah (Cinzia Brugnola) che con l’escamotage della seduta psichiatrica ricuciono il loro passato spezzato.
La regia studia attentamente, come solo la video arte riesce a fare, ogni dettaglio, fuoco e movimento di macchina per entrare in sintonia più con il flusso di coscienza che con un impostazione dialettale, i film diventa così un caleidoscopio di colori e immagini suggestive da vari scenari del mondo che cercano di sposare l’intimo travaglio che queste donne, nel silenzio delle parole, cercano di vivere ed emergere restituendo anche la forza con cui il gentil sesso mostra la sua più intima fragilità.
Seppur le interpretazioni delle attrici siano state convincenti è il lavoro di Benny Atria che completa il film. Attraverso il suono, caratterizzato da rumori e respiri interrotti da un emozione crescente, nonché dal montaggio di immagini, sincopate nelle scene più tormentate e contraddistinto da lunghe dissolvenze nel raccordo tra un racconto e l’altro, che riescono a riportare l’esatta unità visiva che rende il film completo.
Ciò in cui pecca la sceneggiatura è la troppa poetica ed ermeticità con cui viene affrontato il tema. Se le storie riescono a ricreare l’esatta dimensione sensoriale ed emotiva della mancanza di queste donne, spesso il “discorso” si perde in un passaggio autoreferenziale di troppo a discapito del coinvolgimento dello spettatore, che subisce passivamente la scena più che partecipare all’enorme potenza visiva del film.

La regista iraniana Rakhshan Banietemad ci racconta il suo Paese oggi, attraverso storie, racconti spezzettati e personaggi/persone all’interno di una società vivace, attiva e brulicante di piccole racconti che aspettano solo di essere portati alla luce. Lo fa in Tales (in originale Ghesseha), presentato in concorso alla 71esima edizione della Mostra Internazionale del Cinema di Venezia.

Ogni racconto, nel film della Banietemad, ci conduce in quello successivo, che non ha nessun legame con il precedente e ci racconta altre difficoltà, altre sofferenze, altre storie, appunto, immerse però nello stesso contesto brulicante e vivace. Figura ricorrente del racconto generale è il reporter, colui che film ogni accadimento e lo rende in qualche modo immortale, perchè i filmati, verranno comunque visti da qualcuno che sarà pronto ad accogliere il messaggio trasmesso, anche se chi li ha realizzati non ci sarà più.

L’intenzione della regista è quindi metterci, forse, davanti ad una realtà di cui siamo testimoni ma sulla quale non abbiamo assulutamente controllo, un flusso continuo di vita che a volte annoia, altre volte coinvolge ed emoziona, esattamente come la vita di ogni giorno in ogni angolo del mondo. Certo l’occhio privilegiato, la sensibilità della regista, va a scovare situazioni che sono rappresentative dell’Iran di oggi, proponendo dinamiche a volte lontanissime dalla cultura occidentale, ma che allo stesso tempo ci accomunano ad ogni personaggio, uomo e donna, che finisce sotto l’occhio della camera.

Ambientato in un villaggio nell’Anatolia, Sivas racconta la storia di un ragazzino di undici anni, Aslan, e di un cane da combattimento, Sivas, che il bambino cura dopo che questo è stato ferito in una delle battaglie che ha perso. Tra loro si sviluppa un legame d’amicizia molto forte. Parallelamente, Aslan è impegnato a scuola in una rappresentazione di Biancaneve e i Sette Nani in cui però vorrebbe essere il principe azzurro per conquistare il cuore di una bambina, Ayse, che interpreta Biancaneve. Suo rivale in amore è Osman, figlio del capo del villaggio. Aslan cercherà di sfruttare Sivas per impressionare la bambina, e intanto il cane comincerà di nuovo a combattere e a vincere una duello dopo l’altro.

Il film di Kaan Müjdeci, presentato in concorso al Festival dei Venezia edizione 2014, ci racconta una storia di formazione e d’amicizia, un racconto che potrebbe definirsi il fratello ‘bastardo’ del film francese Belle e Sebastien, che ha sbancato i nostri botteghini la scorsa primavera. Fratello ‘bastardo‘ perchè, a differenza dell’altro film, Sivas è un racconto violento e sporco, in cui il bambino protagonista combatte anche con una quotidianità non felicissima e comunque violenta.

Il film fatica a decollare perdendosi per strada la contestualizzazione scolastica che poteva essere un’ottima cornice, concentrandosi sull’aspetto dei combattimenti per cani. Sbilanciando il racconto molto in avanti nel tempo, Sivas sembra cominciare ad incalzare lo spettatore troppo tardi, facendo cadere l’attenzione più volte nella parte iniziale del film e lasciando l’impressione ce si concluda troppo presto, con qualcosa di ancora non detto.

Co-protagonisti mozzafiato sono i paesaggi immensi, sconfinati degli altipiani dell’Anatolia, straordinarie lande che raramente vediamo sul grande schermo e che conservano anche nel XXI secolo un sapore antico e primordiale, dove la natura regna ancora sovrana.

Strane storie si intrecciano. Jason, un cameramen vuole dirigere un film dell’orrore, ma per convincere un produttore deve trovare l’urlo più convincente che si sia mai udito in una sala cinematografica. Un conduttore televisivo vestito da lurido topo di peluche comincia a grattarsi in diretta, convinto di essere affetto da una terribile forma di eritema. Una bambina trova una misteriosa videocassetta nelle interiora di un cinghiale cacciato dal padre. Cosa lega le stranianti vicissitudini di questi personaggi?

Quentin Dupieux costruisce una vicenda surreale, onirica, straniante, che a tratti ricorda il miglior Lynch, se non fosse per una vena ironica e grottesca che conferisce al suo stile un tocco personale e scanzonato. La normalità o meglio la realtà viene dopo poche sequenze divelta violentemente dall’irruzione del sogno, che strada facendo degenera nell’incubo e assume anche le sembianze di allucinazione ad occhi aperti. Tutto si mescola in un viaggio agghiacciante, che, come una inarrestabile massa di fango, prende sempre più velocità invischiando tutto quello che incontra sulla sua strada. Tutto procede inesorabile con una soluzione di continuità che sorprende e stupisce. Le storie e le vita dei vari personaggi si intrecciano l’una con l’altra e tutto diviene parte di un misterioso vortice del destino che non può essere spiegato, se non grazie alla magia e all’incomprensibilità palese dello stesso mezzo cinematografico, sicuramente altro protagonista principale del film.

Gli interpreti Alain Chabat, Jonathan Lambert, Elodie Bouchez e tutto il resto del cast appaiono naturali ed estremamente convincenti nel vestire i panni di personaggi assurdi, alle prese con le proprie ossessioni e con le rispettive visioni. Su tutti, come un beffardo demiurgo, svetta il personaggio del regista che rivendica prepotentemente la politica dell’autore in un film che mescola finzione e verità in un ambiente lontano anni luce dal cinema libero, quello fatto di idee ed espressione pura, dove questo non sarebbe, o non è, neanche minimamente pensabile.