Ci sono pochi dubbi sul fatto che l’intelligenza artificiale sia oggi uno degli argomenti che più interessano – in vari modi – l’industria cinematografica, in particolare quella statunitense. Solo negli ultimi anni sono stati portati al cinema o in piattaforma numerosi film che ragionano su questa nuova presenza da più punti di vista, ora benevoli ora ricchi di sospetto. In generale, però, ogni film che ha l’AI come primario argomento, parla in realtà di noi umani e di ciò che ci rende così attratti da questa nuova entità. Ne è un esempio anche Companion, il film diretto dall’esordiente Drew Hancock e prodotto da Zach Cregger, distintosi come regista di Barbarian.

In questo caso, si parla di intelligenza artificiale utilizzata a scopi relazionali, per sopperire a incapacità dell’essere umano di stabilire contatti reali con le persone accanto a sé. Ma si parla anche di avidità, di egoismo, di manipolazione, ovvero – come anticipato – di noi umani, facendo esperienza di tutto ciò proprio attraverso lo sguardo ingenuo di Iris, una ragazza-robot programmata per non mentire ed essere completamente devota all’umano a cui viene abbinata. Nulla di nuovo né di non già trattato, come si può intuire, ma con quel pizzico di buon intrattenimento che regge il tutto.

La trama di Companion

Protagonista del film è dunque Iris (Sophie Thatcher, vista in The Boogeyman e Yellowjackets), che insieme al suo compagno Josh (Jack Quaid, visto in The Boys) si appresta a trascorre qualche giorno nella più completa tranquillità in una casa immersa nei boschi, proprietà di amici di lui. L’atmosfera è pacifica e il relax sembra assicurato. Ma naturalmente le cose non sono come sembrano e il tutto prenderà una piega inaspettata, che tra sangue e tradimenti porterà Iris a scoprire alcune incredibili verità su di sé e su chi la circonda.

Un segreto di Pulcinella

C’è un problema a monte con Companion. Quando si intraprende la visione del film, ci si accorge di come sia stato concepito per far sì che la prima mezz’ora faccia rimanere lo spettatore in un territorio d’ambiguita e incertezza rispetto a quelli che potrebbero essere gli sviluppi successivi. Si entra così in contatto con la storia d’amore tra Iris e Josh, al loro soggiorno in una casa sperduta nel bosco proprietà di amici e al loro essere lì per trascorrere giornate all’insegna del relax e del divertimento. Una classica premessa da “film horror”, che in più momenti lancia segnali sul fatto che c’è qualcosa che non torna.

Il problema, come si diceva, è che chi ha avuto la cattiva idea di vedere il trailer del film è già a conoscenza di quello che dovrebbe essere il mistero principale del film, ovvero la natura di Iris. Ecco allora che, in questo caso, tutte le battute che in questa prima mezz’ora sentiamo fare, dal “lo sai che non puoi mentirmi” al “mi fai sentire rimpiazzabile” risultano uno stuzzicarci difficile da assecondare. Siamo in attesa che il segreto di Pulcinella venga svelato, di certo non provando quello smarrimento che il film per come è stato scritto vorrebbe suscitarci.

E se invece non si è visto il trailer? In questo caso si assisterebbe ad una prima mezz’ora che ricorda quella di Scappa – Get Out, in cui si avverte una minaccia senza però riuscire ad identificarla. Tuttavia, anche in questo caso la presenza di colpo di scena risulta fin troppo telefonata, con piccoli indizi che però stentano a generare un sincero interesse nei confronti della vicenda. C’è il mistero, certo, c’è la volontà di svelarlo, ma il coinvolgimento nel far ciò non è dei più solidi. Si ha dunque in ogni caso una base incerta per un film che, nel suo superare questo primo blocco, conferma di non avere molto da offrire.

E se l’intelligenza artificiale avesse scritto questo film?

Si prosegue dunque nella visione di Companion trovandosi dinanzi ad una storia calcolata in ogni suo aspetto, con colpi di scena, turning point e struttura delle sequenze fin troppo precisa. Una precisione che, come ironizzato da alcuni, potrebbe spingere a far pensare che l’intelligenza artificiale non sia solo l’argomento del film, ma anche lo strumento utilizzato per scriverne la sceneggiatura. Il che potrebbe in realtà rendere Companion anche più interessante, un prodotto di quelle novità che ad Hollywood si stanno cercando di combattere con grande intensità.

Sarebbe però un esempio perfetto di come un’estrema precisione nei confini e nelle linee guida di una storia scritta dall’AI non porti a nulla di poi così buono. Il resto di Companion è infatti un racconto che, anche qui a dispetto di quanto promesso dal trailer, risulta meno violento e divertente di quello che si credeva e che – se non fosse per alcune deviazioni effettivamente impreviste e convincenti – si potrebbe ritenere facilmente dimenticabile. Oltre alle deviazioni di cui si è accennato, ci sono però anche altri elementi di un certo fascino, a partire dall’interpretazione di Sophie Thatcher, convincente sia nel suo essere inizialmente spaventata che poi nel suo divenire determinata nella sua vendetta.

In particolare, però, risulta memorabile l’entrare in possesso di Iris del dispositivo che la controlla e ne stabilisce timbo vocale, grado di intelligenza e così via. Ecco, quando il film si prende una “pausa” dal racconto e gioca con la natura del personaggio, allora si fa leva su aspetti realmente accattivanti. D’altronde, in questo caso il nostro sguardo coincide con quello di un androide in fase di presa di coscienza di sé stesso, il che permette di esplorarla adeguatamente e guardare al racconto e ai suoi protagonisti con un punto di vista diverso. Ed è proprio a partire da qui che emerge dunque il parlare di noi attraverso la tecnologia del film.

Quello che Companion ci dice di noi

Proprio come ci ha meravigliosamente raccontato Lei oltre un decennio fa e il thriller M3GAN più recentemente, il nostro affidarsi alle nuove tecnologie per sopperire alle nostre mancanze emotive dice molto più di noi di quanto non dica sui prodigi dell’AI. Ci si trova infatti in una condizione per cui “la nostra disponibilità a interagire con l’inanimato non è dovuta ad un inganno, bensì alla voglia di colmare gli spazi vuoti” (Sherry Turkel, Insieme ma soli). È ciò che avviene anche in Companion, con Josh che confessa di essere un outsider incapace anche di trovarsi una vera compagna di vita.

Ma in particolare, sono l’avidità e le menzogne dei protagonisti umani a descriverli maggiormente, fornendo quindi un ritratto dell’umanità tutt’altro che positivo. Di nuovo, rimaniamo nel niente di nuovo e soprattutto nel niente di non già trattato dai film poc’anzi citati o anche dal bellissimo Ex Machina, ma è comunque interessante notare come nel giro di qualche anno lo sguardo si stia spostando da quello dei protagonisti umani a quello dei personaggi animati dall’AI. È questo aspetto, unito ai validi elementi precedentemente menzionati, che pur al netto dei difetti fanno di Companion un film che, pur non avendo poi molto da dire, qualcosa quantomeno ci bisbiglia.

Negli ultimi anni, il cinema d’animazione ha assunto un ruolo sempre più significativo nel sensibilizzare i più piccoli a valori fondamentali come la creatività, l’empatia e la consapevolezza del mondo che li circonda. Da semplice intrattenimento, l’animazione si è trasformata in un potente veicolo educativo, capace di instaurare un dialogo profondo e arricchente con le giovani generazioni, parlando loro con forza e fiducia. Attraverso storie di avventure avvincenti e ricche di fantasia, riesce non solo a catturare l’attenzione dei bambini, ma anche a stimolare riflessioni importanti su temi di grande attualità.

Un esempio è Ricardito è uno squalo?, il nuovo film d’animazione diretto da Alessia Camoirano, che dal 23 gennaio approda nelle sale italiane portando il pubblico in un viaggio suggestivo sul fondo del mare. Tratto dall’omonimo libro per bambini dell’autrice colombiana Evelyn Bruges, il film rappresenta il più recente progetto di Ahora! Film, la casa di produzione veronese guidata da Marco Pollini, realizzato in collaborazione con il Ministero della Cultura.

Il cast di voci è composto dal protagonista Gabriele Piancatelli (Pinocchio di Robert Zemeckis), Marco Leonardi (Nuovo Cinema Paradiso), Marcello Fonte (Dogman), Pino Ammendola (Piedipiatti), l’animatore Tommaso Toffolutti, la cosplayer Giorgia Vecchini, Gaia Carmagnani (Cinque stanze), Susanna Brunelli (tra i doppiatori di Róise & Frank di Rachael Moriarty) e Giuseppe Ansaldi (Quo vado?).

Ricardito lo squalo? La storia di un pesciolino che si convince di essere uno squalo

Ricardito è un buffo e vivace pesce pappagallo che vive al sicuro nella barriera corallina insieme alla sua numerosa famiglia. La sua vita è tranquilla e priva di avventure: mentre i suoi genitori passano le giornate a rosicchiare alghe e a ripulire la barriera, lui e i suoi fratellini vanno a scuola serenamente, con i loro zainetti e i panini preparati dalla mamma, ripieni di noiose verdure verdognole. Tuttavia, Ricardito è diverso dagli altri: è nato con una particolarità, una lunga pinna dorsale morbida e fluttuante che, quando si raddrizza, ricorda sorprendentemente quella di un temuto squalo.

Ed è proprio per questo motivo che tutti lo prendono in giro: a scuola, a casa, per strada o al parco, ovunque vada, gli fanno sentire il peso della sua diversità, rendendolo solo e inadeguato. Un giorno, dopo aver sentito suo padre esprimere rabbia e delusione per il suo comportamento, Ricardito decide di lasciare casa e seguire uno sconosciuto squalo, spingendosi negli abissi. Inizia così il suo coraggioso viaggio alla scoperta di sé stesso, durante il quale, con l’aiuto di nuovi amici incontrati lungo il cammino, cercherà di ritrovare la strada di casa.

Ricardito: una storia per bambini su bullismo, inquinamento e molto altro

Il dolore del bullismo, la solitudine di sentirsi diversi, le difficoltà relazionali in famiglia, il desiderio di trovare il proprio posto nel mondo e, allo stesso tempo, la voglia di migliorarlo: questi sono i temi centrali di Ricardito. Nonostante l’animazione appaia semplice e rivolta principalmente a un pubblico infantile, il film riesce a trasmettere insegnamenti preziosi tanto ai bambini quanto agli adulti. La storia, scritta da Evelyn Bruges, è infatti una dolce fiaba che invita il pubblico a riflettere su esperienze universali e profonde. Tutti, in un momento o nell’altro, ci siamo sentiti soli e diversi, incapaci di capire o accettare quanto l’essere unici sia in realtà una ricchezza, una fonte di forza ineguagliabile. Tutti abbiamo vissuto momenti difficili con i nostri genitori, trovandoci a desiderare di “fuggire di casa”, solo per scoprire che l’amore che ci lega a loro è troppo forte per essere lasciato indietro. Il film, con delicatezza e poesia, esplora queste tematiche emotivamente intense, toccando corde che risuonano con chiunque abbia mai cercato di trovare il proprio posto nel mondo.

Ma Ricardito non si ferma qui. Oltre agli aspetti personali e relazionali, la storia si fa portavoce di un messaggio ambientale di grande importanza. Il mare in cui Ricardito nuota è pieno di pericoli e creature spaventose, ma ciò che fa davvero paura è ciò che si trova in superficie. I “camminanti” – così gli umani sono chiamati dai simpatici e coraggiosi personaggi marini creati da Bruges – stanno distruggendo l’ecosistema marino, avvelenando e inquinando le acque, mettendo in pericolo la flora e la fauna che vi abitano. Cosa possono fare Ricardito e i suoi amici per fermare una volta per tutte i camminanti?

Difendere il nostro futuro e il nostro pianeta

Al di là della semplicità delle immagini e dei suoi personaggi (una nota simpatica è sicuramente la famiglia di pesci pappagallo, con i loro dentoni sporgenti e il carattere teneramente buffo), Ricardito è uno squalo? si rivela un film d’animazione straordinariamente ricco di significato. Con apparente leggerezza e una giocosità che conquista grandi e piccini, la pellicola racconta una storia di coraggio e scoperta che va ben oltre la superficie. È una “favola green” che, attraverso l’avventura del giovane Ricardito, invita il pubblico a riflettere sull’importanza di prendersi cura del prossimo e del nostro pianeta.

Nightbitch, il nuovo film fantasy con Amy Adams, in arrivo su Disney+ il 24 gennaio, parte da un’idea provocatoria: una madre stanca e sopraffatta da tutto ciò che comporta una maternità affrontata in solitudine, scopre un giorno che si sta trasformando in un cane. Una metafora delle trasformazioni che il corpo e la mente di una donna attraversano durante la gravidanza, dopo il parto e nella nuova vita da madre oppure la realtà? Il film, scritto e diretto da Marielle Heller e tratto dal romanzo omonimo di Rachel Yoder, gioca abilmente su questa ambiguità, regalando momenti di surrealismo, commedia e introspezione, il tutto con una chiave insolita.

La trama di Nightbitch

La protagonista, una madre senza nome che solo dopo la trasformazione comincia a chiamarsi Nightbitch, vive in un tipico sobborgo americano con il marito (Scoot McNairy), che non è quasi mai a casa per lavoro, il loro figlio di due anni e un gatto trascurato. Ex artista di successo, ha lasciato la carriera per dedicarsi alla famiglia, ma la routine della maternità l’ha risucchiata in un ciclo monotono e alienante.

La ripetizione visiva utilizzata da Heller sottolinea efficacemente questa monotonia, con inquadrature ricorrenti delle colazioni e delle letture della buonanotte, un loop. La madre si sente intrappolata, e il suo risveglio inizia quando nota che i suoi canini si stanno affilando e il suo corpo diventa più peloso. Incuriosita e spaventata, scopre una protuberanza vicino al coccige, ma invece di cercare aiuto medico, la osserva crescere fino a trasformarsi in una coda.

Una metamorfosi liberatoria

A differenza della tragica metamorfosi di Gregor Samsa nel racconto di Kafka, la trasformazione della protagonista in Nightbitch è galvanizzante e liberatoria. La madre abbraccia la sua nuova natura animale, abbandonando le costrizioni della “brava ragazza” per esplorare una libertà primordiale e feroce. Le sue uscite notturne diventano momenti di puro istinto. E Amy Adams, nei panni di questa donna/bestia, offre una performance straordinaria, esplorando con trasparenza emotiva il delicato equilibrio tra vulnerabilità e forza selvaggia. Le sue espressioni passano dalla frustrazione repressa alla gioia animalesca con una naturalezza magnetica. La performance le è valsa anche una candidatura ai Golden Globe.

Heller adotta un approccio intimo e claustrofobico, traducendo il flusso di coscienza del romanzo in voice-over che creano momenti di grande ironia. Le frasi di circostanza pronunciate dalla protagonista sono spesso in netto contrasto con i suoi pensieri reali, generando un umorismo tagliente che evidenzia il suo disagio interiore. Tuttavia, il film tende ad attenuare la rabbia e la frustrazione che caratterizzavano il romanzo di Yoder, preferendo smussare gli angoli più spigolosi con una vena di umorismo che rischia di indebolire il messaggio.

Un adattamento che addolcisce il romanzo di partenza

Nonostante la forte performance di Adams, alcune scelte narrative risultano troppo compiacenti. La critica alla maternità contemporanea e alle pressioni sociali che ne derivano è evidente, ma il film si accontenta di una narrazione di emancipazione individuale, senza approfondire le implicazioni più sovversive del romanzo. La scelta di Heller di allontanarsi dal body horror per concentrarsi su una rappresentazione più leggera e ironica lascia è una chiara presa di posizione, tanto che tutti i momenti più audaci del romanzo vengono mitigati da un tono più rassicurante.

Se da un lato il film coglie con precisione lo stress e la solitudine della genitorialità, dall’altro le scene più fantasy non riescono a trasmettere emozioni forti, forse perché la regista sceglie di dare più peso all’aspetto psicologico che a quello fantastico/horror del materiale di partenza. La trasformazione canina della protagonista, con il suo acuirsi dei sensi e la necessità di inseguire prede nel buio, resta confinata in una dimensione simbolica che non osa mai spingersi fino in fondo. Anche il culmine della sua crisi, un crollo nervoso in un ristorante, non porta a reali conseguenze, confermando l’intenzione del film di restare su un terreno sicuro.

Nonostante la cautela con cui viene messo in scena, Nightbitch è un’opera intrigante, anche se meno audace di quanto avrebbe potuto essere. Amy Adams brilla nel ruolo della madre sopraffatta che riscopre la propria natura selvaggia, ma il film, pur offrendo spunti interessanti sulla femminilità e la maternità, preferisce addomesticare la sua rabbia piuttosto che lasciarla esplodere in tutta la sua potenza.

Con il debutto su Netflix il 17 gennaio 2025, Back in Action segna un attesissimo ritorno per due amatissimi attori di Hollywood: Jamie Foxx e Cameron Diaz. Diretto da Seth Gordon (Come ammazzare il capo… e vivere felici) e scritto in collaborazione con Brendan O’Brien (Cattivi vicini), il film si presenta come una classica action-comedy che rievoca le dinamiche familiari e le atmosfere spionistiche tipiche del genere. 

La trama di Back in Action

La trama segue Emily (Cameron Diaz) e Matt (Jamie Foxx), due ex spie della CIA che hanno abbandonato la vita pericolosa per costruire una famiglia. Tuttavia, quando la loro copertura salta, si trovano costretti a tornare in azione, con tutto il carico di tensioni e situazioni rocambolesche che ciò comporta. Pur trattandosi di un concept ampiamente esplorato, la presenza dei due protagonisti conferisce al film un’energia particolare, rendendolo un momento significativo per entrambi.

Per Jamie Foxx, il progetto rappresenta il primo film dopo il suo ricovero d’urgenza a causa di un ictus che aveva messo in dubbio il proseguimento della sua carriera (per non parlare della sua vita!). L’attore Premio Oscar si dimostra ancora una volta un talento straordinario, capace di mescolare azione e commedia con grande naturalezza, tratteggiando un personaggio che sembra timido e impacciato quando si tratta di confrontarsi con la volitiva compagna ma che poi diventa una vera e propria inarrestabile super spy. Dall’altra parte, Back in Action riporta Cameron Diaz sul set a dieci anni dal suo ultimo film. La “fidanzatina d’America” dimostra di essere ancora la regina delle commedie brillanti, regalando una performance carismatica, piena di verve e irresistibilmente divertente.

Un cast stellare e performance brillanti

Oltre alla coppia protagonista, il film si avvale di un cast di supporto efficace, con nomi come Glenn Close, Kyle Chandler, Andrew Scott e Jamie Demetriou. Close, in particolare, si distingue in un piccolo ma brillante ruolo, aggiungendo ulteriore classe a un ensemble già di alto livello. La regia di Seth Gordon punta su un ritmo serrato e situazioni spassose, anche se non riesce sempre a innovare in termini narrativi.

Il film non brilla per originalità: il tema delle spie in pensione che ritornano in servizio è già stato ampiamente esplorato, e la sceneggiatura, pur funzionale, non introduce elementi particolarmente innovativi. Tuttavia, il vero cuore di Back in Action sta nei suoi protagonisti. Diaz e Foxx portano sullo schermo una chimica irresistibile, dimostrando che, nonostante le convenzioni del genere, il carisma degli attori può fare la differenza.

Back in Action è un film che punta tutto su due star amatissime, riuscendo a trasformare un format già visto in un’esperienza piacevole e ricca di emozioni. Non è un capolavoro del genere, ma è un tributo al talento e alla resilienza di Jamie Foxx e Cameron Diaz. Per i fan dei due attori, è una visione imperdibile; per tutti gli altri, un’opportunità di godere di un’action-comedy leggera ma divertente.

Alain Guiraudie, regista francese de Le Roi de l’évasion e Lo sconosciuto del lago, torna dal 16 gennaio nelle sale italiane con L’uomo nel bosco (Miséricorde). Coprodotto da Albert Serra, la sua ultima fatica dietro la cinepresa è un brillante mix di thriller rurale, dramma di provincia e commedia picaresca, sulla scia dell’eccellente As Bestas di Sorgoyen.

In un’apparentemente tranquilla cittadina di provincia francese, Saint-Martial, dove sembra non vivere nessuno tranne la decina di protagonisti, si svolge questo film mutevole che all’inizio sembra prediligere un approccio drammatico alla parola carica di significato usata per il titolo originale (Misericordia), ma che a poco a poco si rivela un brillante esercizio comico con una buona dose di humour nero e di irriverenza anticlericale, entrambe specialità del suo regista, il grande Alain Guiraudie.

Ritorno al villaggio che non c’è

Tutto inizia con l’arrivo di un’auto nel villaggio in questione: il conducente è Jérémie (Félix Kysyl), un giovane rientrato al paesino natale per prendere parte al funerale dell’anziano panettiere del villaggio, che si fermerà per qualche giorno a casa della vedova, Martine (Catherine Frot). Il rapporto di Jérémie con il defunto – pare che da adolescente lavorasse nella sua panetteria – e con la sua famiglia non è del tutto chiaro, ma notiamo fin da subito cmhe ha un rapporto caloroso con Martine e uno più teso con il figlio Vincent (Jean-Baptiste Durand) e con il solitario Walter (David Ayala), un amico di famiglia, entrambi in qualche modo emarginati.

Man mano che Jéremie prolunga la sua permanenza nel villaggio e che i fratelli si innervosiscono a vicenda e lo affrontano – ognuno a modo suo, l’uno con un combattimento fisico impressionantemente appiccicoso, l’altro accampando scuse, fuggendo o bevendo troppo – la tensione inizia a crescere, così come le confusioni sessuali e altri misteri. A loro si aggiunge il curiosissimo prete locale, Padre Grisolles (Jacques Develay), che sembra essere ovunque e, quando avviene un atto criminale, la polizia avrà gli stessi poteri di aprire le porte delle stanze dei sospettati quando dormono.

Tutti vogliono Jérémie

L’uomo nel bosco è un film tanto intrigante quanto scomodo: mette lo spettatore tra l’incudine e il martello, costringendolo a entrare nella situazione, oppure invitandolo o ipnotizzandolo, piuttosto, grazie al puro intrigo, squisitameante costruito. Fin da subito si capisce che c’è qualcosa di molto sbagliato e che ci sono segreti che verranno alla luce. C’è, ovviamente, un interesse malsano e morboso nel volerli scoprire, per quanto oscuri possano essere. Più sono perversi, meglio è.

Religione, sesso, segreti e bugie di ogni tipo vengono alla luce in una combinazione molto acida che Guiraudie gestisce con eleganza e leggerezza. Per qualche motivo non del tutto chiaro, Jérémie suscita passioni nel villaggio, e nessun sesso o credo può resistere al suo fascino misterioso. Come in Strangers By the Lake, sesso e crimine si mescolano in modi impensabili nell’opera di questo regista francese iconoclasta, libero e felicemente irrispettoso.

Chiusure che diventano spazi labirintici

I film di Guiraudie tendono sempre a concentrarsi su una parte della Francia, sulla sua terra natale, l’Occitania, e da lì si proiettano in luoghi sconosciuti, in un mistero mai definito. La storia che racconta L’uomo nel bosco non si allontana di una virgola dal realismo, eppure nega la realtà rappresentata per avvolgerla in un’atmosfera strana e inquietante, vicina alla fiaba o alla favola. Il bosco in cui si svolge gran parte del film sembra essere un luogo astratto costruito in modo frammentario, attraverso inquadrature che lo delimitano ma che lo aprono anche a molteplici interpretazioni, così come la fila di alberi che lo compongono sembra sempre nascondere qualcosa. La casa della vedova, così come la stanza in cui vive il protagonista, è uno spazio labirintico che non viene mai mostrato nella sua interezza. E il protagonista stesso, intrappolato in questo clima ossessivo, non può fare altro che vagare in questi spazi come se non potesse sfuggirvi, come se fosse condannato a vagarvi per tutta la vita.

In questo microcosmo opprimente, in cui finisce per svolgersi una commedia dell’intreccio dai toni piuttosto cupi, Guiraudie introduce diverse questioni apparentemente trascendentali, che nelle sue mani finiscono per costruire una sottile e assurda metafisica: il desiderio porta alla notte, che a sua volta porta alla morte. E questi tre temi, intrecciati in un rondò dalla struttura perfetta ma pieno di punti di fuga, danno vita a una ragnatela che contraddice la pulizia delle inquadrature: il mondo è un luogo apparentemente semplice in cui tutto cospira per complicarci la vita. Tuttavia, la misericordia, intesa come canalizzazione del desiderio per ricomporre l’ordine perduto, è sempre in grado di offrire consolazione. Il protagonista può finire intrappolato nel villaggio, ma raggiunge anche una certa pace interiore: la felicità consiste in quell’equilibrio tra l’accettazione della morte e il traboccare della vita.