Germania, 1958. Il giovane ed inesperto pubblico ministero Johann Radmann (Alexander Felhing) viene incaricato dal Pubblico Ministero Generale, Fritz Bauer (Gert Voss), di condurre una serie di indagini con una finalità del tutto particolare: portare sotto processo tutte le SS che hanno lavorato ad Auschwitz e che nel campo si sono rese responsabili di crimini accertati. Il giovane ed idealista Radmann si inoltrerà così in un labirinto fatto di silenzi, ostruzionismo, negazionismo e diffidenza perchè la Germania del miracolo economico non ha nessuna voglia di riaprire le ferite del recente quanto drammatico passato. Con tenacia e volontà Radmann arriverà sino in fondo ma ciò che scoprirà lungo il cammino metterà in discussione tutto il suo mondo, anche nella sfera più intima.

Il labirinto del silenzio è un film di produzione tedesca, con cast tutto tedesco, ma diretto da un regista italiano, Giulio Ricciarelli, pluripremiato autore di diversi cortometraggi. Ricciarelli, che del film è anche co-produttore e co-sceneggiatore insieme a Elisabeth Bartel, colei da cui è partito il progetto, dirige con grande bravura un film intenso e coinvolgente il quale intreccia una storia realmente accaduta con alcuni elementi di fiction. Il processo ai 20 carnefici di Auschwitz, di cui poi 17 condannati per omicidio e crimini di guerra, è storia così come è storia il lungo e difficilissimo lavoro che l’equipe del Procuratore Generale Fritz Bauer dovette affrontare per portare alla sbarra gli imputati. Il protagonista invece, Johann Radmann, interpretato dal bravissimo e convincente Alexander Felhing, è personaggio di fantasia ma che conferisce alla sceneggiatura quel lato umano e intimista che completa un film mai pedante o esclusivamente cronicistico. Reidmann ed i suoi tormenti interiori, il suo stupore sempre crescente nel realizzare quanto la società civile tedesca fosse coinvolta nelle atrocità del nazismo, sono esemplificative di una nuova generazione di tedeschi che si decide a chiedere conto ai propri padri delle loro responsabilità storiche. La Germania della fine degli anni ’50, gli anni del boom economico e dallo sguardo rivolto al futuro, non ha per nulla voglia di voltarsi ancora indietro ed affrontare il proprio terribile passato, nemmeno troppo lontano. Così Reidmann dovrà affrontare mille difficoltà frapposte fra lui e le sue indagini che un intera società, un intero sistema, vedono con antipatia. Solo il Procuratore Bauer, interpretato da uno straordinario Gert Voss, icona del teatro tedesco, lo spinge a perseverare e a proseguire nel suo lavoro; non sono i gerarchi che si vogliono perseguire, per loro c’è stata Norimeberga, ora tocca agli insegnati, ai falegnami o ai panettieri che meno di vent’anni prima indossavano le lugubri e nere divise delle SS.

Il labirinto del silenzio è interpretato da ottimi attori, basato su una sceneggiatura solida e scorrevole e ben diretto, un film che ci permette di saperne di più su una pagina di storia non troppo conosciuta e che l’ottimo cinema tedesco di questi ultimi anni, ha avuto l’apprezzabilissima intenzione di voler svelare.

L’esordio del venezuelano Lorenzo Vigas Leone d’Oro a Venezia 72, basato su un racconto scritto con Guillermo Arriaga, è incentrato sull’incontro di due solitudini nella Caracas di oggi.

Armando (Alfredo Castro) è un uomo freddo e metodico. Non sa entrare in contatto col mondo intorno a lui, ne resta distaccato, così come si mantiene a distanza dalle persone. Il suo motto è: guardare, ma non toccare, né farsi toccare dagli altri. Vale anche per i suoi fugaci incontri con ragazzi di strada, dai quali compra l’illusione del sesso e di relazioni che non sa instaurare. È così che conosce Elder (Luis Silva), giovane vitale, pieno d’energia, che passa le giornate tra furti e amici. In lui c’è qualcosa di diverso. I due prima si scontrano, poi si riconoscono: un trauma comune, un padre problematico, assente, il bisogno e l’incapacità di colmare quel vuoto affettivo ed emotivo. Il rapporto padre-figlio che provano a costruire è anche un ambiguo impastato di attrazione, gratitudine, egoismo.

Il film è il secondo di una trilogia sulla genitorialità iniziata con il corto Los elefantes nunca olvidan. Ha conquistato la giuria di Venezia 72, presieduta da Alfonso Cuarón, col suo realismo minimalista, con la recitazione complementare dei protagonisti: il naturalismo pasoliniano dell’esordiente Silva e l’abile lavoro di sottrazione di Castro (lanciato a livello internazionale dai film di Pablo Larraín e visto negli italiani È stato il figlio e Il mondo fino in fondo). L’esplorazione della sfera emotiva e sentimentale dei due uomini, che continuamente si mescola con altre spinte e bisogni – dal sesso al denaro, dalla vendetta alla gratitudine, alla necessità di trovare un proprio posto nel mondo, di essere accettati – è indubbiamente interessante. I protagonisti si muovono in un territorio a loro sconosciuto, in cui non sanno come comportarsi, commettono errori, scambiano qualcosa per ciò che non è, senza rendersene conto.

Dal punto di vista formale, si distinguono alcune scelte efficaci, come il lavoro sui silenzi, l’attenzione delle inquadrature verso elementi significativi e simbolici, la fotografia che rende bene l’isolamento di Armando dall’ambiente circostante.

Ti guardo (Desde Allá), però, non sviluppa a pieno tutti i temi presenti: la condizione dei ragazzi di strada, l’omofobia, il materialismo della società. Ciò è in parte giustificato dal taglio psicologico del lavoro, ma la narrazione non approfondisce neppure il vissuto dei protagonisti, che appare invece centrale, i legami familiari passati e presenti. È la relazione stessa tra Armando e Elder a chiamarli in causa e li si vede in brevi sequenze difficili da decifrare. Nello spettatore sorgono domande e dubbi che non vengono sciolti. Un’indeterminatezza che rende il quadro complessivo frammentario.

Resta dunque soprattutto il qui ed ora: due interpretazioni d’impatto per un regista di talento.

David O. Russell si muove in un mondo perfettamente disegnato dalla sua percezione dell’American Way of Life. Alla sostanza delle storie che ci ha raccontato ha applicato la sua personalissima lente d’ingrandimento con costante efficacia. E nella forma in cui vede le cose, rientra anche la sua squadra di stelle, il cui nucleo resta invariato per il terzo film consecutivo.

Joy è la storia di una famiglia sull’orlo di un vorticoso ed eterno fallimento che si avvia al culmine, fino a quando la disperazione diventa così forte da generare la speranza. Ingegnosa inventrice di soluzioni domestiche sin da bambina, Joy (Jennifer Lawrence) è un’adulta che stenta a mantenere se stessa, i figli, la madre soap-opera dipendente e un ex marito che continua a vivere sotto il suo stesso tetto. Costretta ad affrontare il mondo reale, mentre le persone che la circondano hanno preferito rifugiarsi nel proprio, troverà nelle sua vocazione la forza per costruire un impero dal duraturo successo, che inizierà con l’invenzione del rivoluzionario Miracle Mop (mocio).

Ai fondamentali fatti reali ai quali si ispira il film, O. Russell sovrappone una struttura di tipo teatrale nella gestione degli spazi e dei corpi degli attori. L’intero peso materiale del film è affidato alla sua eroina ed è in questo ordine di idee che è costruita non solo la sceneggiatura, ma anche la scenografia. Joy attrae l’occhio dello spettatore con un’architettura che si basa su una meccanica di incastro, coerente con la forma mentis del personaggio di cui si narra. L’eroina è sola, così come l’attrice che ne veste i panni: sulle spalle di Jennifer Lawrence c’è tutta la struttura drammaturgica del film. Un peso che l’attrice regge bene – le è valso anche un Golden Globe – ma che non riesce a convincere fino in fondo.

Il risultato è un film che si fa ricordare soprattutto per la consueta atmosfera grottesca, doppiamente messa in risalto dalla spassosa soap opera che apre il film e ne intervalla gli atti. Un espediente interessante, che non riesce però a sviluppare fino in fondo la sua carica comica e richiama alla memoria la lynchiana Invito all’amore, riflettendo una volta di più la forma rovesciata dell’American Dream messo in scena dal regista.

Impossibile, mentre ci si muove tra le mura della casa di Joy, non pensare alla stramba famiglia Ward (The Fighter). Un’analogia che fa suonare il campanello dall’allarme della ripetitività dell’autore su formule collaudate, ma che non può non far pensare a una precisa scelta di poetica, sull’America dell’ultimo ventennio che, se da una parte contribuisce alla celebrazione del successo capitalistico, dall’altra ne svela l’elemento disturbante e disturbato, con personaggi che sembrano essere stati creati in serie. La sensazione è che Joy, in uscita il 28 gennaio 2015, tenderà a creare una divisione anche tra i fedelissimi di David O. Russell.