Quando il gioco d’azzardo diventa un argomento inflazionato e le possibilità di parlarne in modo ancora diverso e, allo stesso tempo, convincente sono pericolosamente vicine al nulla, allora vuol dire che è arrivato il momento di cambiare argomento! Runner Runner!

In Runner Runner dopo il crollo del mercato di Wall Street, Richie Furst (Justin Timberlake), un giovane con grande acume per gli affari, è costretto a ricominciare da zero: inizia a studiare senza sosta a Princeton e, per pagarsi la retta, mette in piedi un circuito di gioco d’azzardo online all’interno dell’università. Quando anche questo lucroso progetto va in fumo a causa di un sito di scommesse che lo ha raggirato, Richie parte senza troppe esitazioni per la Costa Rica, per affrontare direttamente il pezzo grosso del business del gioco d’azzardo online: Ivan Block (Ben Affleck). Tuttavia, in Costa Rica, Richie ottiene molto più di quello che aveva sperato: Block diviene il suo mentore e lo introduce alla bella vita, quella dai soldi facili e qualche affare sporco di poco conto.

Runner Runner trova il suo punto debole nella scrittura. Chiudendo anche un occhio sulla trama già vista, sui clichè del ragazzo brillante costretto ad immischiarsi in affari loschi per permettersi gli studi, quello del mentore che apre tutte le porte del paradiso, mentre prenota i biglietti per l’inferno e del triangolo con la ‘donna del capo’; volendo anche godere del minimo intrattenimento con poche pretese, non si riesce comunque a trovare in Runner Runner una minima dose di coinvolgimento che possa spingere lo spettatore a godere della visione del film.

Non c’è suspense, non c’è contrasto, non c’è emozione, non c’è verve, non ci sono dialoghi brillanti, non c’è neanche l’emozione per la più banale storia d’amore perché tutto è approssimativo, senza la minima cura del dettaglio. La visione del film procede senza infamia e senza lode, con un susseguirsi di luoghi comuni che sembrano voler bastare a se stessi, senza necessità di dare coesione ad una storia che non può certo reggersi solo sui personaggi canonici del film di genere. Gli sceneggiatori hanno purtroppo dato un po’ per scontato le dinamiche drammaturgiche, lasciando il da fare a personaggi che nella migliore delle ipotesi sono poco più che abbozzati.

Curioso come Ben Affleck, fresco di Oscar con il suo Argo non si sia accorto della cantonata a cui andava incontro accettando il copione, di profilo talmente basso da non poter neanche giudicare le performance degli attori, che, fossero stati dei volti sconosciuti, non avrebbero tolto nulla al film.

Crescere è la cosa più difficile che viene richiesta ad ogni essere umano. Non tutti cresciamo allo stesso modo. Ognuno di noi intraprende il proprio percorso per cercare di capire se stesso e il mondo che lo circonda. Tutto è finalizzato, nel passaggio dall’adolescenza all’età adulta, alla ricerca della propria verità. Il francese François Ozon, regista di Nella casa, arrivato in Italia lo scorso Aprile, torna sui nostri schermi con una storia del genere, la storia della crescita di una ragazzina diciassettenne e della sua trasformazione in una giovane donna; un viaggio fatto di scelte di vita discutibili, che la maggior parte di noi sarebbe subito pronta a definire estreme o forse, addirittura, prive di senso.

In Giovane e bella, Isabelle, interpretata dalla bellissima Marine Vacth, decide, al rientro dalle vacanze estive, di cominciare a prostituirsi. È una scelta assolutamente libera, e in questa scelta Isabelle intravede l’unico modo per riuscire a conoscersi, a esplorarsi, a comprendersi. Non lo fa per soldi, né tantomeno per seguire una perversione. La prostituzione è per lei un mezzo per giustificare un fine: quello di fuggire dalla realtà, da quella sensazione di insoddisfazione tipica degli adolescenti di oggi, per confrontarsi con i conflitti che tormentano il suo fragile animo.

La narrazione si svolge lungo l’arco di quattro stagioni. Il film comincia in estate, quando Isabelle conosce la propria sessualità; prosegue in autunno, quando il suo alter ego Lea (così si fa chiamare dai clienti) vive ormai di luce propria; si complica in inverno, quando la giovane è inevitabilmente costretta a fare i conti con le conseguenze delle sue scelte; termina in primavera, dove quella maturità tanto ricercata sembra fare capolino e dove Isabelle appare finalmente pronta ad assumersi la responsabilità delle sue azioni. A scandire il passaggio da una fase all’altra, fatto di specifici rituali come in ogni esperienza proibita che si rispetti, ci pensano anche le canzoni di François Hardy, che accentuano il carattere malinconico della pellicola già filtrato attraverso i disordini interiori della sua protagonista.

Il film di Ozon non offre una spiegazione psicologica al comportamento di Isabelle, lo spettatore dunque può tranquillamente giustificare come preferisce la protagonista e le sue azioni. Inoltre, seppur non emergendo per una sceneggiatura particolarmente brillante, la pellicola si distingue per la singolare capacità di non giudicare mai gli atti della ragazza, limitandosi a osservarli e a raccontarli con profondità e leggerezza allo stesso tempo.

Nelle sale italiane dal 7 novembre, Giovane e bella, presentato in concorso all’ultima edizione del Festival di Cannes, non sconfina mai nell’indagine sociologica, ma si impone come il racconto multiforme e misterioso di una maturazione, non solo sessuale, ma anche, e soprattutto, intima e personale.

Blood Simple – Sangue facile è il film del 1984 diretto da Joel Coen con protagonisti Dan Hedaya, Frances McDormand, John Getz, M. Emmet Walsh, Samm-Art Williams, Deborah Neumann, Raquel Gavia, Van Brooks, Loren Bivens, William Creamer, Nancy Finger, Shannon Sedwice.

La trama di Blood Simple – Sangue facile

Il film ruota intorno alla liaison clandestina tra Abby, moglie di Marty, proprietario di un locale dalle indiscutibili origini greche, e Ray, un suo lavoratore stipendiato. Tra i due si accende la passione travolgente, ed è galeotta una “passeggiata” in auto per riaccompagnare la donna a casa, durante la quale riescono ad esternare entrambi i loro sentimenti e decidono di agire affittando la stanza di un motel e facendo subito l’amore.

Marty, dal canto suo, non accetta di essere cornuto e contento, così assolda un investigatore privato, tale Loren Visser, per spiare le loro messe. Quando l’uomo conferma ad un gelosissimo Marty che i due amanti traditori continuano a vedersi, l’uomo decide di pagare lautamente Visser affinché elimini fisicamente i due con un mossa sola.

L’analisi di Blood Simple – Sangue facile

Blood Simple – Sangue facile, nella traduzione italiana, è l’opera prima dei fratelli del Minnesota.  La storia segue fondamentalmente una tradizionale trama noir, con un triangolo amoroso, omicidi, sangue e tensione: ma l’abilità dei fratelli Coen (Joel, accreditato come regista, ed Ethan, solo come produttore) sta proprio nel sovvertire le regole di un genere che ben conoscono e con il quale sono cresciuti, al fine di decostruirlo e ristrutturarlo in un modo totalmente diverso ed atipico.

Particolare triangolo di inganni e riflessi, come in un gioco di specchi, tutti i personaggi coinvolti sono allo stesso tempo vittime e carnefici, predatori e prede, accollandosi colpe non loro e macchiandosi di peccati incancellabili anche quando sono palesemente innocenti oppure, in realtà, proprio per via dei loro comportamenti scorretti pagano l’ironia sadica di un destino beffardo?

I Coen, ancora lontani dall’umorismo prettamente cinico e cattivo che li contraddistingue, si concedono però di riprendere con sguardo beffardo il destino crudele che accomuna Marty, Abby, Ray e Visser: pedine sulla scacchiera della vita colta nelle sue infinite sfumature di bianco e nero, con la luce borderline che taglia il nero denso della notte irrompendo, come un faro, sulla colpevolezza delle loro nefandezze. Gli esseri umani sono tendenzialmente cinici e malvagi, e così si comportano se viene data loro l’occasione; alcuni critici hanno mosso al film particolari critiche legate alla crudeltà delle immagini e dei suoi personaggi, all’odio che traspare dalla storia e dalla pellicola stessa.

Blood Simple – Sangue facile è stato definito duro, irritante e rozzo (anche a livello tecnico), senza però negare la sottile genialità e il talento di Joel Coen, premiato dalla giuria del Sundance Film Festival del 1985, che confeziona in coppia con il fratello un prodotto ben lontano dagli standard e dalle finezze del genere noir, caratterizzato da meccanismi perfetti ad orologeria, ma forse troppo chiuso nella sua austera e rarefatta perfezione tanto da perdere di vista la verità dei personaggi e il realismo antropologico dei comportamenti umani.

Nel 2009 il regista cinese Zhang Yimou ne realizza un remake più in salsa comedy intitolato Blood Simple – a Woman, a Gun and a Noodle Shop.

Anno: 1999

Regia: Steven Soderbergh

Cast: Terence Stamp, Peter Fonda, Luis Guzman, Lesley Ann Warren, Barry Newman, Melissa George

Trama: L’inglese Wilson (Terence Stamp), attempato rapinatore che ha passato metà della vita al fresco, lascia la madrepatria per recarsi in California e scoprire la verità sulla tragica fine della figlia Jennifer (Melissa George), che negli USA di era legata a Terry Valentine (Peter Fonda), ricco e potente produttore discografico coinvolto in loschi traffici.

Analisi: Spesso si parla di autore per indicare un cineasta che scrive e gira il film, dando vita a un prodotto che è figlio adorato dell’anima del creatore. Per uno come Steven Soderbergh è buona cosa scomodare il termine autore, anche se il nostro non ama imbracciare la penna (ma lo ha fatto, per esempio, con il celebrato lungometraggio d’esordio: Sesso, bugie e videotape); Soderbergh ha infatti costruito negli anni un suo inconfondibile stile mostrativo e narrativo, pronto a cogliere storie (d’altri, va bene) e a restituirle allo spettatore lasciando indubbia traccia, senza paura di suggerire a chi guarda interrogativi sulla sostanza del cinema e dei suoi meccanismi.

La vena “personale” dell’autore di Atlanta – decisamente meno registrabile nei suoi tanti film legittimamente commerciali, più tradizionali – percorre il prezioso L’inglese, opera d’arte incastrata tra il clooneyano Out of Sight e l’attillato Erin Brockovich. Film breve (meno di un’ora e mezza), L’inglese racconta una bella e semplice storia di (quasi) vendetta e tardiva maturazione personale che fa perno sul grande Terence Stamp, dinoccolato protagonista-manichino dal piglio british, il cuore inquieto e l’occhio che perfora. Soderbergh racconta frammentando la linea temporale, confondendo piccoli pezzi di storia, che si mescolano e inseguono, giocando senza requie con la temporalità della colonna visiva e della colonna sonora; e dà vita a un dinamico affresco che molto deve alla fotografia di Edward Lachmann e che a tratti, di concerto con la recitazione assente di Stamp, con il goffo evolversi delle scene violente, fa prendere al film pieghe di sognante irrealtà.

Per rispolverare il passato di Wilson, Soderbergh attinge alla storia del cinema, ripescando Poor Cow, un film di Ken Loach degli anni sessanta proprio con Terence Stamp (che fa il delinquente) uscito poco prima della potentissima hit degli Who The Seeker che apre L’inglese … all’inglese. Uno squarcio in ricordo di Sua Maestà, un istante prima di tuffarsi in cerca di vendetta e verità nel sole e nelle piscine della West Coast. A proposito di musica: è validissima la colonna sonora originale, firmata da Cliff Martinez (batterista dei primi Red Hot Chili Peppers e fedelissimo di Soderbergh), capace di seguire con azzeccati motivi l’enigmatica costruzione del film e i travagli del protagonista. Ottime le prove fornite da tutti gli interpreti – spiccano un falsissimo Peter Fonda e l’immutabile caratterista Luis Guzman – chiamati al difficile compito di recitare per poi finire frullati nella sinfonia audiovisiva di Steven Soderbergh. Dell’autore Steven Soderbergh.

Un amore di testimone è il film del 2008 diretto da Paul Weiland e con protagonisti Patrick Dempsey, Michelle Monaghan, Kevin McKidd, Sydney Pollack, Busy Philipps

InUn amore di testimone un’amicizia nata tra le lenzuola ai tempi dell’università. Una stanza al buio, la scelta di una maschera sadomaso per rendere l’incontro off-limits e Tom (Patrick Dempsey) che finisce nel letto della ragazza sbagliata. Ovviamente quella notte andrà in bianco, ma da quel momento Anna (Michelle Monaghan), da comico errore di una notte decisamente troppo alcolica, diventerà la sua migliore amica. E dopo dieci anni nulla è cambiato. Tom è il solito casanova assetato di donne, e Anna la sua adorata e affezionata spalla, sua dama ai matrimoni nonché sua  confidente d’eccezione. Non c’è romanticismo tra i due, ma quando, in Scozia, Anna incontrerà il duca dei suoi sogni e con cui deciderà di convolare a nozze, Tom non potrà più nascondere i suoi sentimenti. E allora da “damigella d’onore”, in qualità di suo migliore amico, si trasformerà nel guastafeste di turno, ostinato a trovare nella vita edulcorata del lord scozzese scabrosi nei che possano far desistere Anna dallo sposarlo.

Un amore di testimone, l’analisi

Un amore di testimone è una commedia anglo-americana realizzata dal creativo e regista (per lo più televisivo) britannico Paul Weiland, conosciuto soprattutto per aver ideato alcuni tra gli spot pubblicitari più premiati e per aver diretto Rowan Atkinson nella serie Mr Bean, padrona indiscussa del british humour da tubo catodico.

Non sempre un talento riesce a trovare il modo di esprimersi attraverso tutti i canali e linguaggi, quello che risulta creativo nella pubblicità o in televisione non è necessariamente originale al cinema così com’è valido il contrario. E parlando di Paul Weiland e del suo amore di testimone, non si può certo dire che il linguaggio cinematografico sia proprio nelle sue corde. Che fosse una commedia piena di cliché era chiaro sin dall’inizio, è bastata l’intro dell’errore di letto a dichiarare l’intento del film e la sua formula banale. Non era un mistero neanche che fosse una commedia assolutamente prevedibile e senza colpi di scena. Magagne su cui, tuttavia, avremmo potuto chiudere un occhio, considerando la fiacca e trita retorica che ormai regna nella maggior parte delle commedie rosa, come se il romanticismo  al cinema fosse l’equivalente di “storia frivola, inconsistente ed effimera, priva di qualunque  accortezza stilistica e sostanza narrativa”.

Ma la nota veramente stonata della pellicola di Paul Weiland è la sua profonda inettitudine a stimolare anche la fantasia e il sogno d’amore della più romantica delle donne. Non genera alcuna piacevole immedesimazione, nessuna forma di tenera sublimazione, né tantomeno quella conviviale forma di abbandono che, di solito, si prova assistendo ad un accadimento già scritto. Alle volte, lasciarsi trasportare da storie presumibili, è garanzia di appagamento emotivo. E’ come vedere per l’ennesima volta la stessa scena o lo stesso episodio di una serie tv: sapere come va a finire ti consente di godere maggiormente dei dettagli della storia e di trovare rifugio nella sua certezza, gravida di inequivocabili punti fermi. Un amore di testimone è purtroppo non molto di più della brutta copia de Il matrimonio del mio miglior amico.

E’ sempre difficilissimo superarsi, e quando si torna alla ribalta dopo un grandissimo successo è sempre dietro l’angolo lo spettro delle aspettative, la paura di non farcela e di non essere all’altezza di se stessi. Così capita a Checco Zalone, che dopo Che Bella Giornata, stratosferico successo al botteghino italiano (45 milioni circa, l’incasso più alto di sempre), torna con Sole a Catinelle, una commedia leggera, ambientata nella quotidianità della crisi economica, con un protagonista che proprio delle crisi non vuole saperne.

“Se sarai promosso con tutti dieci papà ti regala una vacanza da sogno”. È questa la promessa che Checco fa al figlio Nicolò. Peccato però che papà Checco mantiene sempre le promesse, e che Niccolò riesce nell’impresa di guadagnare tutti 10 alla fine dell’anno. Che fare visto che per Checco la situazione economica non è delle migliori? L’uomo si imbarca in una avventura con il figlio scettico, ma si imbatterà in Zoe, una ricca ereditiera che permetterà a lui e al suo bimbo di vivere davvero la vacanza dei sogni. Immerso in uno stile di vita a lui totalmente sconosciuto, Checco si troverà con brio e ingenuità a fronteggiare situazioni che lo vedranno perennemente fuori posto ma allo stesso tempo sempre vincente per il suo innato ottimismo e la sua travolgente simpatia.

Scritto a quattro mani dal regista Gennaro Nunziante e dal protagonista Luca Medici, alias Checco Zalone, Sole a Catinelle è il perfetto continuum cinematografico delle precedenti storie raccontate dal comico nato a Zelig. Adesso il personaggio Zalone è padre, un uomo immerso nei guai economici fino al collo, che nonostante tutto cerca nell’ottimismo la soluzione a tutto. I suoi metodi servono a poco nella vita vera, ma la sua indole ingenua e la sua simpatia gli permetteranno di aiutare, inconsapevolmente, altre persone e di trovare infine una via d’uscita.

Nunziante dirige un film semplice, che come unica pretesa ha quella di ricercare la risata a tutti i costi attraverso la mimica del suo personaggio principale, noto per la sua indole fondamentalmente razzista, omofobica e qualunquista, che fa della parolaccia la sua arma segreta e dell’ottimismo la sua bandiera. Nonostante le sue grandi pecche, Checco fa simpatia al suo pubblico che però questa volta non ride, non abbastanza. Nel pieno stile “zaloniano” il film è disseminato di canzoni, scritte ed interpretate dallo stesso Checco, che appesantiscono la narrazione e stancano con la reiterazione dei luoghi comuni e del linguaggio volutamente scorretto, suo marchio di fabbrica.

La percezione a caldo, è che Sole a Catinelle riuscirà a raggiungere incassi di tutto rispetto, anche se probabilmente, dato il momento storico, non batterà i celeberrimi 45 milioni; allo stesso tempo il film ci mette davanti al mistero imperscrutabile dei gusti cinematografici dello spettatore medio italiano.

Ritorno al cinema per uno dei grandi registi viventi della storia del cinema, Roman Polanski, il tanto chiacchierato e discusso regista di origine polacca, trapiantato in Francia. L’autore de Il Pianista, dopo tanti problemi personali e qualche progetto naufragato, ritorna con un’opera profondamente sua, che entra di diritto nella sua straordinaria filmografia. Ancora una volta Polanski mette in scena l’inconsistenza del genere umano, attraverso la rappresentazione delle sue debolezze e delle sue incertezze, spesso legati a un’ideale di mondo troppo lontano dalla realtà tangibile.

La pellicola racconta di un regista teatrale che deve mettere in scena una piece ispirata ad un romanzo che tratta di masochismo e non riesce a trovare l’attrice giusta per il ruolo di protagonista. Improvvisamente irrompe una donna decisa letteralmente a tutto pur di ottenere la parte: tra i due si instaurerà un complesso gioco di potere.

Venere in pelliccia è un’incredibile rappresentazione grottesca delle ossessioni e perversione, ispirato a una pièce teatrale tratta da un romanzo. L’impianto stilistico è molto simile al penultimo film del regista, quel Carnage (sempre tratto da una pièce) costruito sull’insofferenza di quattro personaggi e al limite dell’esercizio di stile. In questo caso i personaggi sono addirittura solo due, un regista e una musa interpretata ancora una volta dalla compagna nella vita di Polanski, l’Emmanuelle Seigner già vista e apprezzata in tanti suoi film. L’attrice, attraverso la sua sensuale e persuasiva interpretazione ci conduce in un teatro di maschere, dove un perverso gioco delle parti tramuta la finzione in realtà e dove il cinema diventa teatro di magiche perversione, come sottolineato dalla partitura pregevole di Alexander Desplat.

Il risultato è un film di un’ironia pungente ed efficace, un gioco di ruoli e ossessioni travolgente, di un insano e perverso gusto per una teatralità referenziale che destabilizza completamente i personaggi all’interno dei suoi continui e repentini balzi.  E’ in tutto e per tutto Roman Polanski, tanto che le urla dell’Inquilino del terzo piano, la follia di Luna di fiele, l’ironia sarcastica di Per favore non mordermi sul collo echeggiano nel teatro più volte, ricordandoci che forse stiamo gustando e apprezzando qualcosa di non troppo originale, già visto e conosciuto.

In fin dei conti poco importa se si è autoreferenziali, ripetitivi o schiavi di un virtuoso gioco di stile, il film è la prova tangibile che si può fare grande cinema anche parlando di teatro, con due personaggi e un luogo unico, con due bravi attori (Seigner e Amalric) e un grande regista.