Josè in compagnia di un gruppo di balordi compie una rapina in un banco di pegni e ruba venticinquemila fedi nuziali. Porta con sé il figlio di appena otto anni, facendolo partecipare attivamente al colpo all’insaputa della moglie, in lotta con lui per l’affidamento del bambino. Ma qualcosa va storto, la rapina si trasforma in una caneficina e Josè, con il figlio, un altro strampalato rapinatore, un ignaro tassista e un ostaggio, fuggono verso il confine francese. Ma nella loro fuga approdano a Zugarramurdi, un piccolo paese popolato da streghe bellicose che non hanno nessuna intenzione di lasciarli andare via.

Dopo Balada triste de trumpeta, film molto personale e apice indiscusso della sua poetica, Alex De La Iglesia torna a realizzare un film più leggero e scanzonato, ma non per questo meno riuscito. La libertà espressiva di cui ormai dispone gli permette di confezionare un piccolo gioiellino che si barcamena disinvoltamente tra generi diversi e che stupisce lo spettatore con continue sorprese e cambi di rotta improvvisi. Si parte con un action-movie rutilante, al cardiopalma, che immediatamente si trasforma in commedia per poi scivolare nell’horror, con punte di puro splatter, ma senza mai perdere di vista significati e riflessioni importanti, disseminate di citazioni colte camuffate sapientemente con elementi pop.

E’ un turbinio di continue invenzioni, a cominciare da Gesù Cristo rapinatore che nasconde un fucile a pompa nella croce, il lercio omino che vive imprigionato sotto al cesso pubblico, le bislacche abitudini goderecce delle streghe, fino ad arrivare ad un sabba infernale rivisitato come un moderno rave  debitore delle pitture nere di Goya e pregno di fondatissime ricerche folkloristiche e antropologiche.

La sceneggiatura è una macchina ben oliata, che scorre disseminando battute a raffica che ironizzano e fanno riflettere sui rapporti tra uomo e donna e tra esseri umani in generale. E quando il discorso sembra farsi troppo serio ecco che arrivano a sorpresa folgoranti sequenze visionarie colme d’azione e trovate strabilianti, personaggi improbabili e creature uscite direttamente da un libro di fiabe. Gli interpreti sono tutti azzeccati e in grande sintonia, in particolare una divertita Carmen Maura e i due protagonisti Hugo Silva e Carolina Bang.

Ne Las brujas de Zugarramurdi si respira l’aria migliore del nuovo cinema iberico, si sente lontano l’eco di Almodovar (suo primo produttore), si intravede nella nebbia l’affabulazione gotica di Del Toro, ma soprattutto si gusta la stupefacente esibizione poetica e stilistica di Alex De La Iglesia.

The Invisible Life (A Vida Invisìvel) è un film diretto da Vítor Gonçalves presentato in Concorso alla ottava edizione del Festival Internazionale del film di Roma.

È notte fonda e Hugo, un impiegato statale, siede sui gradini del Ministero in cui lavora. Non ha il coraggio di tornare a casa e non riesce a togliersi dalla mente le immagini di un misterioso filmino in 8mm che ha ritrovato in casa del defunto Antonio. Ricorda quindi il giorno in cui Antonio, suo superiore al Ministero, gli rivelò che stava per morire. Hugo ha sempre creduto che Antonio volesse in realtà confidargli qualcosa che lo riguardava direttamente. Spinto dal desiderio di comprendere questo segreto inconfessato, rispolvera ricordi sepolti da tempo. E ripensa all’ultima volta che ha visto Adriana, la donna che amava. Ancora una volta lo assale il pensiero che la sua è stata una vita non vissuta.

Gonçalves sceglie la strada del racconto a posteriori per mostrarci il viaggio interiore del protagonista Hugo (Filipe Duarte); un racconto in voce fuori campo in cui seguiamo in una serie di accavallamenti temporali il percorso del personaggio, tra ricordo del passato e indagine nel futuro alla ricerca di un misterioso messaggio che forse non è mai stato scritto.

Il racconto, il ricordo e la ricerca sono però raccontati attraverso uno stile statico, che non fa nulla per coinvolgere lo spettatore, addentrandosi in un racconto autoreferenziale e complesso, difficilissimo da comprendere a ancora più difficile da gradire. Nonostante Duarte sia un interprete molto intenso, la scelta registica di utilizzare prevalentemente la camera fissa non fa altro che ostacolare ulteriormente la fluidità di un racconto che non decolla mai.

Completano il cast Maria João Pinho, João Perry, Pedro Lamares e Susana Arrais.

The Invisible Life è un racconto pretensioso e poco interessante di una vita misteriosa sì, ma chiusa in se stessa e che non ha nessuna voglia di mostrarsi benevola nei confronti dello spettatore.

L’australiano Michael Rowe ci racconta Manto Acuìfero, narrazione che celebra il rito di passaggio dall’infanzia al mondo degli adulti di una bambina che sta vivendo un momento particolare della sua giovane esistenza.

Caro ha otto anni. I suoi genitori divorziano e lei va vivere con la madre e il suo nuovo fidanzato, che lei fatica a vedere come il nuovo padre. Nonostante la madre le abbia fatto capire a chiare lettere che non vuole più avere a che fare con il padre, Caro si sente abbandonata e non desidera nient’altro che il genitore ritorni. Giocando in giardino, si rifugia nei pressi del pozzo del cortile dietro casa, un luogo segreto che nutre la sua fervida immaginazione. Si allontana sempre di più dalla madre, che d’altro canto sembra tutta protesa verso il nuovo compagno e poco propensa ad aiutare la figlia in questa particolare fase di cambiamenti importanti. Contemporaneamente riscopre foto, segreti e interessi del padre lontano, con morbosa attenzione, tanto che finisce per creare una specie di santuario a lui dedicato in fondo al pozzo dove si rifugia.

Come accennato, il film ci racconta il passaggio dall’innocenza all’età adulta, dalla purezza dell’essere bambino alla crudeltà di commettere il primo atto violento, la prima efferatezza, il primo gesto da adulto (con tutte le implicazioni negative del caso). Rowe ci racconta una storia a misura e ad altezza di bambino, o meglio di bambina, questa Caro che, taciturna e apparentemente assente in famiglia, è vivace, curiosa e intelligente in mezzo alla natura, in questo immenso giardino nel quale lei riscopre animali e insetti che nutrono la sua fantasia.

La narrazione procede lenta, prevalentemente affidata a piani fissi e silenziosi, che ci mostrano semplicemente la quotidianità della vita nel suo svolgersi inesorabile e continuo. Proprio per questo Manto Acuìfero risulta essere particolarmente ostico, non riesce a mantenere alta l’attenzione e naufraga in un tentativo di raccontare lo svezzamento alla violenza e alla vita “vera”, concentrando nei secondi finali tutto il significato di un film che altrimenti raccontato sarebbe stato ben più interessante.

Nel cast un taciturno terzetto di attori Zaili Sofía Macías Galván, Tania Arredondo e Arnoldo Picazzo che realizzano ritratti essenziali e quotidiani di personaggi che non hanno nulla di straordinario.

La normalità è una dimensione che al cinema è spesso sottovalutata, ma che qualche volta ha bisogno di qualche orpello per risultare interessante.

Presentato in Concorso alla ottava edizione del Festival Internazionale del film di Roma, I Am not Him (BEN O DEĞILIM) è diretto dal regista turco Tayfun Pirselimoglu e vede protagonista una strana coppia di interpreti, Ercan Kesal e Maryam Zaree, che danno vita ad una storia triste ed intensa, un racconto sospeso tra realtà e mondi impossibili.

L’introverso Nihat, è turbato da Ayşe, una misteriosa donna assunta da poco come lavapiatti. Le inequivocabili attenzioni della donna nei suoi confronti provocano imbarazzo e nervosismo in Nihat. Nonostante sappia che la donna è sposata con un uomo destinato a scontare molti anni di carcere, Nihat accetta un invito a cena a casa di Ayşe. È l’inizio di una relazione di coppia strana e sospesa. Quando Nihat scopre una foto del marito della donna e si rende conto di somigliargli in maniera inquietante, la loro relazione diventa ancora più morbosa, fino a che eventi irreversibili e inspiegabili porteranno il protagonista a costruirsi una nuova vita e un futuro incerto.

Tayfun Pirselimoglu compone un film che si fonda sul racconto lento, cadenzato, apparentemente banale di una storia d’amore che nasce tra due anime sole, introverse e a loro modo violente. I due protagonisti disegnano due personaggi con cui è facile entrare in empatia, anche se il ritmo lento, le inquadrature fisse e la quasi totale assenza di musica ci rendono il film ostico, almeno nella prima parte. Dopo un colpo di scena inaspettato, siamo costretti a rivedere il giudizio, in quanto il film si trasforma in un gioco di doppie identità e di sovrapposizioni di personalità in cui il protagonista si trova invischiato fino al punto di non ritorno.

I Am not Him è nettamente diviso in due parti. Nella prima parte seguiamo al triste vita solitaria di Nihat, e dopo l’inizio della sua relazione con Ayşe, la storia prende un’altra piega, inaspettata e affascinante che intriga lo spettatore e lo lascia sospeso, proteso verso un finale chiarificatore che però non fa altro che porci altre domande.

Il film affronta il tema filosofico del doppio e dell’appropriazione indebita dell’identità altrui, filo conduttore che coinvolge i protagonisti in maniera speculare.

I Am not Him è un film molto interessante, che riserva delle interessanti sorprese nella seconda parte e lascia la sala insieme allo spettatore che continuerà a farsi qualche domanda anche dopo i titoli di coda.

Torino è la città sul 45° parallelo, esattamente a metà strada tra il Polo Nord e l’Equatore: metafora di personaggi che, vivendoci, camminano in equilibrio sul filo della verità. Ugo, Maria e Dario convivono in modo prevedibile, alternando i momenti comunitari a momenti in cui ciascuno si isola nella propria solitudine, alla ricerca della ricetta per la felicità.

Presentato Fuori Concorso al Festival Internazionale del Film di Roma il film La luna su Torino di Davide Ferrario che dirige e sceneggia la storia di tre protagonisti-personaggi che riflettono sulla loro esistenza e identità; osservano il mondo che li circonda con uno sguardo attento e perso, intrappolati nei loro pensieri e nelle loro riflessioni su ciò che vorrebbero della loro vita attraverso incontri sperati e svolte auspicate.
Il regista lombardo propone così, un film che incentra il suo pensiero più profondo nelle opere di Leopardi, a cui i personaggi si appigliano come per dare un significato verbale a ciò che non riescono a trovare e provare nelle loro vite. Seppur la storia sia punteggiata da numerose voci fuori campo, essa non si lascia trasportare in uno stampo filosofico anzi, non essendoci un vero dispiegamento di fatti in cui i personaggi agiscono all’interno della storia, questa riesce ad arricchirsi di toni leggeri e battute divertenti che conferiscono la giusta spontaneità ed introspezione allo spettatore che segue le loro vicende. In quest’ottica e con un discorso narrativo lineare, Ferrario studia l’inquadratura attraverso la camera fissa e prospettive ricercate, caratterizzate da piani sbilanciati o sfocature particolari che insieme alle ampie panoramiche, sottolineano una delle tante metafore che incorniciano il film. Ossia, trovare un’equilibrio e quindi la felicità a cui i protagonisti attribuiscono una loro personale definizione. Questi sono interpretati da Walter Leonardi (Walter) Manuela Parodi (Maria) e Eugenio Franceschini (Dario), che nella loro prova, riescono a caratterizzare i loro personaggi in maniera diversificata e particolare in cui troviamo; Walter come il grande pensatore che vive di rendita, Maria che cerca un amore “classico”, come i film che ama e recita; ed infine Dario, un ragazzo che ama scrivere di ciò che vede anziché vivere quello che possiede o potrebbe avere in quel momento.

La luna su Torino è un film esistenzialista che gioca su dei concetti e cliché ampiamente rivisitati nel panorama cinematografico, ma che segue un flusso di coscienza guidato dai versi di Le operette morali di Giacomo Leopardi. è una storia leggera e ricercata ma che intrattiene grazie alla battute spontanee di questi tre personaggi del tutto contemporanei.