Uno dei film più iconici della carriera di Channing Tatum, Magic Mike, è ispirato alle sue esperienze di vita reali. Magic Mike è uscito nelle sale il 29 giugno 2012 ed è stato un successo di critica, ottenendo una valutazione Certified Fresh su Rotten Tomatoes con un punteggio del 78%. Con un budget di produzione di soli 7 milioni di dollari, Magic Mike è diventato uno dei film più redditizi di quell’anno, incassando un totale di 170,5 milioni di dollari al botteghino mondiale e dando il via al sequel Magic Mike XXL nel 2015. Il 2012 si è rivelato un anno importante per Tatum, la cui celebre commedia 21 Jump Street con Jonah Hill è uscita e ha incassato 201 milioni di dollari in tutto il mondo.

Tatum è diventato una delle più grandi star del cinema al mondo, con un ampio ventaglio di talenti recitativi che spaziano dalla commedia all’azione. Il suo primo ruolo importante in un film hollywoodiano è stato quello di Jason Lyle, un giocatore di basket nel popolare film sportivo del 2005 Coach Carter. Tatum era un ballerino di sfondo nei video musicali prima di recitare nel film di successo Step Up, che alla fine lo ha portato a recitare in un’altra popolare serie incentrata sulla danza, Magic Mike. Mentre 21 Jump Street e 22 Jump Street mettono in mostra il lato comico di Tatum, l’attore ha recitato anche nel tragico dramma sportivo Foxcatcher al fianco di Mark Ruffalo e Steve Carrell, che è stato nominato per 5 Oscar.

Magic Mike è vagamente ispirato alle esperienze reali di Channing Tatum come spogliarellista in Florida

Tatum ha fatto lo spogliarellista per meno di un anno, ma conosceva abbastanza bene quel mondo

Tatum ha fatto lo spogliarellista solo per circa “otto mesi” e non ne ha mai “fatto una carriera”, ma conosceva abbastanza bene quel mondo.

Sebbene Magic Mike non sia una storia vera né racconti eventi realmente accaduti nella vita di Channing Tatum, è ispirato alle esperienze personali di Tatum come spogliarellista in Florida. A soli 18 anni, Tatum ha guadagnato brevemente da vivere come spogliarellista nella vita reale, il che è simile alla premessa del suo protagonista titolare Magic Mike. Tatum non ha condiviso i crediti di sceneggiatura di Magic Mike con il produttore e sceneggiatore Reid Carolin, che ha anche scritto le sceneggiature di Magic Mike XXL (2015) e Dog (2022) di Tatum. L’acclamato regista Steven Soderbergh, che ha lavorato con Tatum anche in Side Effects del 2013 e Logan Lucky del 2017, ha diretto sia Magic Mike che Magic Mike’s Last Dance (2023).

Tatum era fortemente attratto dall’idea di portare la sua esperienza di vita sul grande schermo perché non era mai stato fatto prima. In un’intervista con The Aquarian, Tatum spiega: “Avevo un po’ di esperienza in questo mondo e, ad essere sincero, non l’avevo mai visto in un film. Quindi, quando Steven Soderbergh e io abbiamo iniziato a parlarne, abbiamo discusso di alcuni classici come Boogie Nights, Shampoo e La febbre del sabato sera, e abbiamo deciso che avremmo dovuto essere in grado di realizzare un film memorabile su un argomento che non era mai stato trattato cinematograficamente prima“. Tatum rivela di essere stato uno spogliarellista solo per circa ”otto mesi“ e di non averne mai ”fatto una carriera”, ma di conoscere abbastanza bene quel mondo.

I personaggi e la trama di Magic Mike non sono basati su persone e fatti reali

Tatum ha fatto molto per portare alla luce le immagini e i suoni di questo mondo sotterraneo senza raccontare storie reali o ricreare persone reali.

Magic Mike ha un cast corale eccezionale che include Matthew McConaughey, Matt Bomer, Olivia Munn, Riley Keough, Alex Pettyfer e persino Reid Carolin nel ruolo di Paul. Anche se gli aspetti dietro le quinte della vita e delle difficoltà degli spogliarellisti maschi sono stati rappresentati in modo autentico in Magic Mike, nessuno dei personaggi, nemmeno “Big D**k Richie” di Joe Manganiello, è basato su persone reali. Nessuno degli eventi in Magic Mike è basato su fatti reali, poiché Tatum ha fatto molto per portare alla luce le immagini e i suoni del mondo underground senza raccontare storie reali o ricreare persone reali.

Tatum ha chiarito fin dall’inizio che Magic Mike era un’opera di pura finzione. “Nessuno dei personaggi è basato su persone reali, nemmeno il mio. Tutto ciò che accade è fittizio, e lo abbiamo fatto apposta perché volevamo la libertà di creare i nostri scenari e raccontare la storia migliore” (tramite Looper). Tatum ha aggiunto che Soderbergh “dà davvero la possibilità alle persone, dagli attori alla troupe, di portare le proprie idee nel processo, di esibirsi davvero. Di portare qualcosa che lui non si aspetta. E questo permette a tutti di aiutare tutti”. Detto questo, non c’è una storia vera dietro Magic Mike, ma c’è un sacco di esperienza di vita reale e del mondo reale infusa in esso.✕Rimuovi pubblicitàCorrelatiCome 22 Jump Street ha creato un divertente meme su Channing Tatum ancora utilizzato 10 anni dopo22 Jump Street è pieno di momenti esilaranti, ma il film è responsabile di un meme iconico su Channing Tatum che è ancora attuale 10 anni dopo.

Cosa ha detto Channing Tatum sulle somiglianze tra la sua vita e Magic Mike

Tatum conferma l’ispirazione dietro al film, ma chiarisce che Magic Mike è un’opera di finzione

Tatum ha parlato a lungo della differenza cruciale tra la “storia vera” di Magic Mike e l’ispirazione reale dietro al film. Il succo dei commenti di Tatum è la distinzione tra la sua familiarità e la sua breve partecipazione al mondo molto reale degli spogliarellisti maschi in Florida, che si può dire abbia gettato le basi per l’ambientazione e la premessa di quello che sarebbe diventato Magic Mike. Al di là di questi elementi rudimentali dello sviluppo del film, le narrazioni e i personaggi di fantasia della serie Magic Mike sono stati creati nel mondo basato sui fatti della storia.

Il toccante film drammatico del 2017 Freedom Writers è basato su una storia vera, rendendo ancora più potente il viaggio impegnativo ma trasformativo di un’insegnante e dei suoi studenti in una scuola superiore urbana divisa razzialmente. Al centro del film c’è Erin Gruwell (Hilary Swank), una giovane insegnante piena di idealismo e determinazione. Ambientato subito dopo i disordini di Los Angeles, il film cattura vividamente il periodo instabile della metà degli anni ’90, quando le tensioni razziali e la violenza delle gang erano dilaganti nelle scuole. Gruwell, assegnata a una classe di studenti considerati “inistruibili”, affronta il compito arduo di abbattere i muri di ostilità e sfiducia.

Freedom Writers è più di una semplice storia ispiratrice su un’insegnante; è un riflesso delle sfide e delle complessità dell’istruzione urbana. È una storia che trascende il tipico dramma scolastico, approfondendo le vite di studenti alle prese con questioni di razza, violenza e sopravvivenza. Questi temi sono contrapposti al percorso personale di Gruwell, che da ingenua novellina si evolve fino a diventare una feroce sostenitrice. Il film mette in luce le lotte spesso trascurate all’interno del sistema educativo, celebrando al contempo la resilienza delle giovani menti. Freedom Writers è una narrazione incredibile, tanto più perché basata su una storia vera.

Freedom Writers è basato sulla storia vera di Erin Gruwell

L’insegnante che ha ispirato Hilary Swank è una persona reale

Freedom Writers rispecchia fedelmente la storia vera di Erin Gruwell, un’insegnante i cui metodi non convenzionali hanno trasformato la vita di molti giovani. Gruwell, appena uscita dal college e piena di idealismo, entrò nell’aula 203 della Woodrow Wilson High School di Long Beach, in California, nel 1994, senza rendersi pienamente conto delle sfide che l’attendevano. La scuola, ancora scossa dalle conseguenze delle rivolte di Rodney King, era un focolaio di tensioni razziali, violenza delle gang e profonda sfiducia tra gli studenti. Gruwell si trovò di fronte una classe di studenti segregati lungo linee razziali, ostili e disinteressati all’istruzione. Imperterrita, intraprese un viaggio per abbattere queste barriere.

Gruwell ha utilizzato metodi di insegnamento innovativi che includevano l’uso di diari e libri come Il diario di Anna Frank, mettendo in relazione i loro contenuti con le vite turbolente degli studenti. Questo approccio, sebbene inizialmente accolto con scetticismo, ha gradualmente iniziato a cambiare le cose, suscitando interesse e coinvolgimento tra i suoi studenti. La storia di vita reale di Gruwell è una storia di impegno incrollabile e resilienza.

La vera Erin Gruwell ha riconosciuto che i metodi di insegnamento tradizionali erano inefficaci per la sua classe di studenti a rischio

La vera Erin Gruwell ha riconosciuto che i metodi di insegnamento tradizionali erano inefficaci per la sua classe di studenti a rischio, che erano più preoccupati di sopravvivere nei loro quartieri che di studiare. Determinata a raggiungerli, Gruwell ha introdotto progetti che incoraggiavano gli studenti a esprimere i loro pensieri e le loro esperienze attraverso la scrittura.

Questa iniziativa ha portato alla creazione di “The Freedom Writers Diary”, una raccolta delle potenti e crude annotazioni dei diari degli studenti. Il film, pur drammatizzando alcuni aspetti per ottenere un effetto cinematografico, cattura accuratamente l’essenza della straordinaria dedizione di Gruwell. Il suo approccio non solo ha trasformato la vita dei suoi studenti, ma ha anche sfidato l’approccio del sistema educativo nel trattare i giovani a rischio.

Attraverso la sua storia, sia nella vita reale che in quella descritta in Freedom Writers, Erin Gruwell è emersa come un faro di speranza e una testimonianza dell’impatto che un insegnante devoto può avere sugli studenti che altrimenti sarebbero stati abbandonati dalla società.

Il marito di Erin Gruwell l’ha davvero lasciata a causa del suo impegno nell’insegnamento

La storia vera rispecchia i sacrifici fatti dal personaggio di Hilary Swank in Freedom Writers

I sacrifici personali fatti da Erin Gruwell, come descritto in Freedom Writers, rispecchiano davvero le sue esperienze di vita reale. L’impegno incrollabile di Gruwell nei confronti dei suoi studenti ha messo a dura prova il suo matrimonio, portando infine al divorzio. Suo marito, interpretato nel film da Patrick Dempsey, ha faticato ad accettare il tempo e l’energia emotiva che lei dedicava ai suoi studenti, il che ha avuto un impatto negativo sulla loro relazione.

Questo aspetto di Freedom Writers riflette accuratamente la storia vera, trasmettendo il costo personale che Gruwell ha dovuto sostenere nel suo intento di diventare un’educatrice trasformativa, dimostrando i sacrifici a volte invisibili che gli insegnanti compiono nella loro dedizione agli studenti.

Erin Gruwell non ha fatto due lavori part-time solo per comprare libri ai suoi studenti

Erin Gruwell che fa due lavori part-time in Freedom Writers cattura il suo straordinario impegno, ma non è fedele alla realtà. In verità, il lavoro aggiuntivo di Gruwell era principalmente finalizzato a finanziare la sua istruzione universitaria. Era iscritta a un programma di master alla California State University di Long Beach, dove era contemporaneamente studentessa e insegnante tirocinante. Gruwell, sempre determinata ad ampliare la propria formazione e le proprie capacità didattiche, conciliava le sue responsabilità all’università con il suo ruolo di insegnante alla Woodrow Wilson High School. Uno dei suoi lavori part-time era in un hotel, dove lavorava instancabilmente, spesso facendo i turni lunghi dopo le lezioni.

Il ritratto che il film fa di Gruwell che usa i suoi guadagni per comprare libri per i suoi studenti contiene un fondo di verità.

Tuttavia, il ritratto che il film fa di Gruwell che usa i suoi guadagni per comprare libri per i suoi studenti contiene un fondo di verità. Mentre svolgeva lavori extra per finanziare la propria istruzione, Gruwell destinava effettivamente una parte dei suoi guadagni a coprire le spese per una gita al Simon Wiesenthal Museum of Tolerance (tramite LA Times). Questo è stato un investimento nell’istruzione dei suoi studenti e una testimonianza della sua fiducia nel loro potenziale. La decisione di Gruwell di spendere il proprio reddito evidenzia un aspetto fondamentale della sua filosofia di insegnamento: l’importanza di collegare il materiale didattico alle esperienze di vita reale dei suoi studenti.

Il relatore in Freedom Writers non era un vero sopravvissuto all’Olocausto (ma nel film c’erano sopravvissuti all’Olocausto)

Il film si è impegnato a mostrare onestamente la straziante esperienza dei sopravvissuti all’Olocausto

In Freedom Writers, c’è una scena memorabile in cui la sopravvissuta all’Olocausto Miep Gies si rivolge alla classe di Erin Gruwell. Questa potente interpretazione ha portato il pubblico a credere che la donna fosse davvero Gies, ma in realtà si trattava di un’attrice professionista di nome Pat Carroll. Tuttavia, Freedom Fighters presenta comunque dei sopravvissuti all’Olocausto, gli stessi che hanno condiviso le loro storie di resilienza e sopravvivenza con i veri studenti di Freedom Writers. Tali esperienze hanno sottolineato l’impegno della Gruwell non solo nell’istruire i suoi studenti dal punto di vista accademico, ma anche nell’arricchire la loro comprensione dell’umanità e della compassione, lezioni che andavano ben oltre le mura della classe.

Pat Carroll è stata un’attrice per 70 anni prima di morire nel 2022; Miep Gies è morta nel 2010.

La vera storia delle perle di Erin Gruwell è significativamente diversa dal film

La scena tesa di Freedom Writers non è realmente accaduta

Freedom Writers include una scena in cui a Erin viene consigliato di togliersi la collana di perle prima di insegnare, suggerendo una potenziale disconnessione culturale con i suoi studenti. In realtà, sebbene la Gruwell indossasse perle la prima volta che mise piede nei corridoi della scuola, non ci fu alcun incidente del genere. Tuttavia, la vera Gruwell ha rivelato nel suo libro Teach with Your Heart di essersi chiesta se il suo aspetto potesse creare una barriera con i suoi studenti.

Questa narrazione nel film, sebbene drammatizzata, sottolinea le sfide reali che gli insegnanti devono affrontare nel relazionarsi con studenti provenienti da contesti diversi.

Questa scena in Freedom Writers potrebbe non essere realmente accaduta, ma è un cenno che riflette sui modi sottili in cui gli educatori devono affrontare le differenze culturali e socio-economiche in classe. Questa narrazione nel film, sebbene drammatizzata, sottolinea le sfide reali che gli insegnanti devono affrontare nel relazionarsi con studenti provenienti da contesti diversi.

L’attore di Freedom Writers Armand Jones è stato ucciso nella vita reale

Una delle star del film è stata tragicamente vittima della violenza nella vita reale

Armand Jones, che interpretava Grant Rice, ha tragicamente rispecchiato nella sua vita i temi del film sulla violenza nei quartieri poveri. In un crudele scherzo del destino che rispecchiava le difficoltà descritte nel film, Jones è stato ucciso a colpi di pistola nel 2006, pochi mesi dopo il completamento del film (via OC Register). L’incidente è avvenuto dopo uno scontro in un ristorante Denny’s ad Anaheim, in California, non lontano da Long Beach, dove è ambientato Freedom Writers.

Questa tragedia della vita reale ha rafforzato l’importanza del messaggio del film e del lavoro di educatori come Erin Gruwell

Jones, che all’epoca della sua morte aveva solo 18 anni, aveva offerto una performance toccante nel film, mettendo in luce il potenziale e la difficile situazione dei giovani coinvolti nella violenza urbana. La morte di Armand Jones ha avuto un profondo impatto sul cast e sulla troupe di Freedom Writers, così come sul pubblico. Ha servito da triste promemoria del fatto che le questioni affrontate nel film non erano solo scenari fittizi, ma sfide reali affrontate da molti giovani. Il talento e il potenziale di Jones, così evidenti nella sua interpretazione nel film, hanno messo in evidenza la tragica perdita di tante giovani vite a causa di una violenza insensata.

Questa tragedia della vita reale ha rafforzato l’importanza del messaggio del film e del lavoro di educatori come Erin Gruwell, che si impegnano a fare la differenza nella vita dei giovani a rischio. Freedom Writers è stato dedicato alla memoria di Jones.

Cosa sta facendo oggi la vera Erin Gruwell?

La base del film continua a essere un sostenitore dell’istruzione

Oggi, Erin Gruwell continua la sua eredità di educazione trasformativa. Nel 2000, si è candidata al Congresso, dichiarandosi candidata democratica per il 38° distretto congressuale (tramite LA Times), portando le sue intuizioni educative nell’arena politica. Dedica il suo tempo alla Freedom Writers Foundation, un’organizzazione senza scopo di lucro creata per “ispirare i giovani studenti svantaggiati a prendere in mano la penna invece delle armi”.

Gruwell è autrice di un libro di memorie, Teach with Your Heart, in cui condivide le sue esperienze e le profonde lezioni che ha imparato durante il suo percorso come educatrice.

Inoltre, Gruwell è autrice di un libro di memorie, Teach with Your Heart, in cui condivide le sue esperienze e le profonde lezioni che ha imparato durante il suo percorso come educatrice. Dopo Freedom Writers, il suo lavoro e il suo impegno continuano a ispirare e influenzare il campo dell’istruzione, dimostrando l’impatto duraturo dei suoi metodi di insegnamento innovativi.

La rappresentazione di Erin Gruwell è stata oggetto di critiche

Freedom Writers potrebbe aver contribuito a creare una narrativa salvifica

Freedom Writers è un film potente e commovente, e la vera storia di Erin Gruwell è sicuramente fonte di ispirazione e sottolinea il valore di un’educatrice di principio che ha a cuore il benessere e il futuro dei propri studenti. Tuttavia, il film non è stato esente da critiche, soprattutto per la rappresentazione di Gruwell. Sebbene il film sia stato pubblicizzato come incentrato sulle storie e le esperienze dei suoi studenti e sull’impatto che le rivolte di Los Angeles hanno avuto su di loro, non esita a mettere Gruwell al centro della narrazione.

Questo ha portato a una critica fondamentale nei confronti di Freedom Writers, che ha dipinto Erin Gruwell come una sorta di salvatrice, senza la quale gli studenti non avrebbero potuto avere successo. In questo modo, il film sminuisce le esperienze degli studenti stessi, privandoli di qualsiasi autonomia e non riconoscendo che, anche con l’aiuto della Gruwell, sono stati il loro duro lavoro e il loro desiderio di sfuggire al ciclo di violenza in cui erano intrappolati a portarli al successo.

Sebbene Freedom Writers sia stato fondamentale nel rimodellare il sistema educativo statunitense nei decenni successivi agli anni ’90, non si può negare che possa essere interpretato come un rafforzamento del messaggio che i giovani studenti provenienti da contesti svantaggiati, in particolare gli afroamericani, non possono avere successo senza l’intervento di un adulto, solitamente bianco, che li istruisca su come affrontare la vita. Inoltre, Freedom Writers potrebbe aver esagerato la resistenza degli studenti all’istruzione prima dell’arrivo della Gruwell (come nella scena della collana di perle).

Fonti: LA Times, Teach with Your Heart, OC Register, LA Times

Sin dalla sua uscita, c’è stato un intenso dibattito sul vero significato del finale del film Planet of the Apes – Il pianeta delle scimmie di Tim Burton. Remake dell’omonimo film di grande successo del 1968, il film del 2001 vede Mark Wahlberg nei panni di Leo Davidson, un astronauta che precipita su un pianeta abitato da scimmie intelligenti. Tuttavia, è solo nella premessa che risiedono le somiglianze tra Il pianeta delle scimmie e il film originale. Nonostante abbia aggiornato la serie con un’estetica fantascientifica più moderna, Il pianeta delle scimmie di Tim Burton ha ricevuto recensioni contrastanti, con molti che hanno citato il finale confuso del film come un notevole aspetto negativo.

Nel remake di Tim Burton Il pianeta delle scimmie, Leo Davidson (Mark Wahlberg) viene trasportato da una tempesta elettromagnetica nell’anno 5021, dove precipita su un pianeta identificato come Ashlar. Da lì, la storia di Davidson assomiglia solo vagamente alla trama del film originale Il pianeta delle scimmie. Il tutto culmina in un finale tanto sconcertante quanto inaspettato, che rende il finale di Il pianeta delle scimmie del 2001 uno dei climax cinematografici più famosi di tutti i tempi. Fortunatamente, l’insolito fallimento di Burton non ha condannato completamente il franchise, anche se ci sarebbero voluti altri dieci anni prima che il reboot del 2011 L’alba del pianeta delle scimmie arrivasse nelle sale e rendesse giustizia al classico originale del 1968.CorrelatiIl pianeta delle scimmie di Tim Burton non era un buon film, ma meritava un sequelLa versione del 2001 de Il pianeta delle scimmie di Tim Burton non era un buon film secondo la maggior parte degli standard, ma il finale da solo lo rendeva degno di un sequel.

Cosa succede nel finale de Planet of the Apes – Il pianeta delle scimmie di Tim Burton

Leo cambia la storia nel remake del 2001 de Il pianeta delle scimmie

Nel Planet of the Apes – Il pianeta delle scimmie di Tim Burton, Davidson, interpretato da Mark Wahlberg, scopre che i suoi ex compagni di equipaggio sono precipitati migliaia di anni prima del suo arrivo mentre tentavano di salvarlo, dando origine alla vita delle scimmie e degli umani su Ashlar e gettando le basi per l’oppressione degli umani da parte delle scimmie. Nella confusa linea temporale de Il pianeta delle scimmie, Leo incontra Pericle, lo scimpanzé che ha seguito nella tempesta all’inizio del film.

Questo pone fine alle ostilità tra umani e scimmie e permette a Leo di usare la capsula intatta di Pericles per tornare nella tempesta nella speranza di tornare a casa. È qui che il finale di Il pianeta delle scimmie del 2001 vira verso il territorio bizzarro di Tim Burton, e purtroppo ha avuto un effetto contrario. Quello che senza dubbio era stato concepito come un finale intrigante era in realtà solo confuso, e né il pubblico né la critica hanno reagito bene.

Dopo essere volato nella tempesta elettromagnetica ed essere tornato al suo tempo, Leo fa rotta verso la Terra, finendo per schiantarsi sui gradini del Lincoln Memorial. Entrando nel memoriale, vede che la statua di Lincoln è stata sostituita con quella del generale Thade e, mentre guarda con orrore, viene circondato da una forza di polizia scimmiesca. La mancanza di contesto per il finale di Il pianeta delle scimmie cambia l’originale ribaltandolo completamente: invece di rendersi conto di essere nel futuro, Leo torna al proprio tempo solo per scoprire che è controllato dalle scimmie.

Leo ha viaggiato nel tempo nel film Il pianeta delle scimmie di Tim Burton?

Mark Wahlberg è tornato indietro nel tempo alla fine del film Il pianeta delle scimmie del 2001

Sebbene il finale del film Il pianeta delle scimmie di Tim Burton renda la trama molto più confusa di quanto fosse strettamente necessario, la risposta breve è sì: Leo ha viaggiato nel tempo. La console della sua capsula indica che è precipitato su Ashlar nel 51° secolo e, verso il culmine del film, torna al suo tempo nel 2020. Tuttavia, il colpo di scena del generale Thade rende la cosa leggermente più ambigua, rendendo poco chiaro se la console della sua capsula fosse del tutto accurata.

Il Pianeta delle scimmie di Tim Burton era ambientato sulla Terra?

Il remake del 2001 ha ignorato la parte più interessante della premessa del Pianeta delle scimmie

Nel film originale, il colpo di scena finale rivelava che il pianeta del titolo era sempre stato la Terra. Tuttavia, il Pianeta delle scimmie di Tim Burton sovverte le aspettative ambientandosi su un altro pianeta chiamato Ashlar. Nonostante il Planet of the Apes – Il pianeta delle scimmie di Burton abbia esseri umani parlanti e condizioni simili a quelle terrestri, il suo pianeta è mostrato come un luogo separato su cui la vita è stata seminata dallo schianto dell’Oberon. La scena finale del film mostra Leo che torna sulla Terra guidato dalla console della sua capsula, indicando che anche le scimmie hanno in qualche modo conquistato il suo pianeta natale dopo gli eventi del film.

Cosa significa la statua del generale Thade

Thade ha seguito Leo attraverso la tempesta e ha conquistato la Terra

La scena culminante del film rivela un enorme monumento commemorativo dedicato al generale Thade, il cattivo che odia gli umani interpretato da Tim Roth. Con pochissimi indizi, bisogna guardare ai dettagli più sottili de Il pianeta delle scimmieper estrapolarne il significato esatto. L’iscrizione sulla parete dietro la statua indica una possibile spiegazione per un momento “gotcha!” ancora più controverso persino dei finali a sorpresa di M. Night Shyamalan.

L’iscrizione spiega che Thade ha salvato le scimmie dagli umani, suggerendo che in qualche modo è arrivato sulla Terra e l’ha conquistata e che Leo è entrato in una linea temporale alternativa. Questa conclusione richiede alcuni salti logici, ma il film stesso fornisce alcune prove a sostegno. Per prima cosa, su Ashlar è rimasta della tecnologia semi-intatta e la tempesta elettromagnetica ha dimostrato di essere un wormhole attraverso il tempo e lo spazio. Se Thade fosse riuscito in qualche modo ad accedere alla tecnologia e poi alle capacità di viaggio nel tempo della tempesta, avrebbe potuto apparire sulla Terra molto prima del ritorno di Leo.

Cosa è successo a Pericles

Il pilota scimpanzé nel film di Tim Burton probabilmente ha avuto una vita felice

Forse il personaggio più affascinante dell’originale Il pianeta delle scimmie del 2001 era Pericle, il pilota scimpanzé che compare all’inizio e alla fine del film. Tuttavia, nonostante la sua improvvisa apparizione nel momento culminante del film, in cui salva la vita a Leo, Il pianeta delle scimmie lascia ambiguo il suo destino. Viene lasciato su Ashlar quando Leo torna a casa con la sua capsula nella tempesta, ma il suo destino dopo questo momento è in gran parte sconosciuto.

Dai cambiamenti sociali che Leo sembra aver ispirato su Ashlar, è possibile che Pericles venga trattato bene dopo la partenza del suo ex addestratore. Tuttavia, data la nuova divisione della società delle scimmie, è anche possibile che Pericles diventi oggetto di molte discussioni, sia scientifiche che sociali. In ogni caso, il futuro di Pericles era molto probabilmente piacevole, dato che Ari, interpretata da Helena Bonham Carter, promise a Leo che si sarebbe presa cura di lui.

I temi di Il pianeta delle scimmie spiegati

Il benessere degli animali è il messaggio centrale del film

Come la maggior parte dei film della serie Il pianeta delle scimmie, compresi i prequel, il film di Tim Burton contiene un messaggio intrinseco sui diritti degli animali. Esplora gran parte delle stesse idee dell’originale del 1968, con un’aggiunta degna di nota: la breve esplorazione del ruolo abituale dell’umanità come aggressore. Nel film sono presenti anche alcuni commenti sociali, in particolare riguardo al trattamento disumano riservato dalle scimmie ai loro schiavi umani.

Il vero significato del finale de Il pianeta delle scimmie di Tim Burton

Il remake del 2001 ha cercato (senza riuscirci) di essere stimolante

Con il suo finale confuso, il finale de Il pianeta delle scimmie di Tim Burton risulta un po’ disordinato. Tuttavia, gran parte della storia di Ashlar è ben conclusa, ed è il viaggio di Leo verso casa che crea la maggior parte dei problemi narrativi del film. L’improvvisa consapevolezza di Leo di non essere tornato sulla Terra che aveva lasciato originariamente vuole essere un climax terrificante e stimolante, ma senza il contesto adeguato non è altro che un’immagine finale sconcertante.

Nel tentativo di emulare l’iconico finale di altri film della serie Il pianeta delle scimmie, il film di Tim Burton rivela che, dopotutto, le scimmie hanno conquistato la Terra. Questo potrebbe far interpretare il film come un monito contro la manipolazione dell’ignoto, in particolare per quanto riguarda lo spazio e il tempo. È il disprezzo di Leo per i suoi ordini che precipita l’intera trama del film e, seminando la società di Ashlar e poi concedendo loro l’accesso a una tecnologia sofisticata, sembra condannare anche il proprio pianeta natale.✕Rimuovi pubblicitàCorrelatiLa trilogia reboot de Il pianeta delle scimmie ha evitato un problema tipico dei film di fantascienzaI film Transformers di Michael Bay e MonsterVerse sono esempi di un ricorrente tropo fantascientifico che Il pianeta delle scimmie ha fortunatamente evitato.

Perché le modifiche apportate da Tim Burton a Il pianeta delle scimmie hanno suscitato così tante polemiche

Il remake del 2001 non è riuscito a trovare l’equilibrio tra omaggio e innovazione

Il motivo per cui le modifiche apportate da Tim Burton a Il pianeta delle scimmie hanno suscitato così tante polemiche è principalmente una questione di esecuzione. Il colpo di scena finale della statua di Thade era chiaramente inteso per essere scioccante quanto la Statua della Libertà dell’originale, ma poiché è arrivato all’improvviso e senza alcun contesto, è sembrato nient’altro che un’imitazione scadente e confusa o un pigro easter egg. Tuttavia, il finale del film non era l’unico problema; era solo l’ultimo colpo di scena di un remake altrimenti deludente.

Il motivo per cui il remake ha diviso i fan è che, pur aggiornando la grafica del film originale, non è riuscito ad aggiungere nulla di significativo alla sua storia o ai temi sottostanti. Al contrario, è risultato un inutile rifacimento con una serie di modifiche superflue, tutte successivamente messe in discussione dal finale confuso di Il pianeta delle scimmie. Alla fine, Il pianeta delle scimmie di Tim Burton è passato alla storia del cinema come uno dei peggiori colpi di scena finali di sempre, e il suo finale rimane famoso come esempio lampante di come non si deve realizzare un remake.

Come i nuovi film del Pianeta delle scimmie hanno corretto gli errori di Burton

I prequel moderni hanno riportato il franchise alle sue origini

A differenza del reboot di Burton del 2001, la trilogia prequel de Il pianeta delle scimmie (iniziata con L’alba del pianeta delle scimmie del 2011) è stata un successo clamoroso. I prequel sono amati sia dai fan che dalla critica, e c’è persino una forte argomentazione a favore del fatto che abbiano superato i film originali. Sebbene questo punto possa essere oggetto di dibattito tra i fan di Il pianeta delle scimmie, non c’è dubbio che il reboot più recente di Il pianeta delle scimmie sia di gran lunga superiore a quello di Tim Burton. L’angolazione del prequel ha sicuramente funzionato bene per L’alba, L’alba del pianeta delle scimmie e La guerra del pianeta delle scimmie, ma non è l’unico motivo per cui sono amati mentre il PotA di Burton del 2001 è stato snobbato.

Le interpretazioni nella trilogia prequel sono fenomenali, in particolare quella di Andy Serkis nei panni di Cesar, aiutato in gran parte dalla tecnologia MoCap pionieristica che, a distanza di oltre un decennio, è ancora quasi senza rivali. Gli ultimi capitoli di Il pianeta delle scimmie hanno anche evitato la trappola del viaggio nel tempo in cui è caduto Burton, allontanandosi completamente dall’ossessione del film originale per il viaggio nel tempo e concentrandosi invece su una storia avvincente che ha esplorato a fondo il concetto di scimmia senziente.CorrelatiIl regno del pianeta delle scimmie: data di uscita, cast, trama, trailer e tutto ciò che sappiamoIl franchise reboot de Il pianeta delle scimmie sta per avere un quarto film, Il regno del pianeta delle scimmie, grazie al suo nuovo proprietario, la Disney.Di Dalton Norman26 marzo 2024

Il pianeta delle scimmie ha una premessa abbastanza intrigante senza bisogno di aggiungere il viaggio nel tempo, e i prequel hanno dimostrato che ignorare il famigerato finale dell’originale Il pianeta delle scimmie del 1968 in un reboot è una mossa saggia, soprattutto se si considerano le insidie della conclusione di Burton che ha cercato (senza riuscirci) di superarlo.

Quella che ha portato alla realizzazione di Allied – Un’ombra nascosta (qui la recensione) è una storia degna di un film a sé stante. Un ventunenne inglese è in viaggio negli Stati Uniti, incerto sul suo futuro e desideroso di vedere il mondo. Steven Knight, oggi rinomato sceneggiatore, racconta: “Facevo vari lavori saltuari e mi spostavo negli Stati Uniti. Ero in Arkansas e alloggiavo con una donna inglese che era una sposa GI – era arrivata negli Stati Uniti dopo la Seconda Guerra Mondiale, dopo aver sposato un soldato americano”.

“Era una notte calda, ricorda, e la padrona di casa e l’inquilino andarono in giardino per rinfrescarsi. “E lei mi raccontò la storia di suo fratello, che era nell’Esecutivo per le Operazioni Speciali [una branca dell’esercito britannico creata per effettuare sabotaggi e spionaggio dietro le linee nemiche]. Incontrò un’agente francese del SOE, si innamorarono e ottennero il permesso di tornare in Inghilterra per sposarsi. Così fecero, ed ebbero un figlio. Una mattina uscì di casa, parte di una famiglia felice, e diede un bacio alla moglie“.

“Quando arrivò al lavoro, i suoi superiori gli dissero che la moglie era una spia che lavorava per i tedeschi. Gli fu consegnata una pistola e gli fu detto che doveva spararle per dimostrare la sua fedeltà”. Non sorprende che questa storia straziante sia rimasta impressa nella mente del giovane Knight che, tornato nel Regno Unito, ha intrapreso la carriera di autore televisivo. Ma è rimasta lì, non scritta, per 30 anni, fino a quando la sua carriera è sbocciata al punto di lavorare con Brad Pitt.

Un giorno, mentre i due chiacchieravano, Knight ha raccontato a Pitt la storia e la reazione di dell’attore (“Aveva i brividi”, dice Knight) lo ha convinto a trasformarla finalmente in una sceneggiatura, che ha intitolato Allied – Un’ombra nascosta. Il film, interpretato da Pitt e Marion Cotillard, è una storia d’amore in tempo di guerra ad alto budget diretta dal premio Oscar Robert Zemeckis (Forrest Gump, Flight). Un film particolarmente apprezzato per la sua ricostruzione storica e le passioni messe in gioco. Ma quanta storia vera c’è nel film?

La trama e il cast di Allied – Un’ombra nascosta

Nel 1942, il comandante Max Vatan (Brad Pitt) e l’agente francese Marianne Beausejour (Marion Cotillard) sono incaricati di uccidere un ambasciatore tedesco a Casablanca. I due, fingendosi consorti, riescono ad introdursi al ricevimento e a portare a termine la missione. Tra Max e Marianne nasce a quel punto un autentico sentimento e i due si trasferiscono a Londra, dove convolano a nozze e hanno una figlia. I superiori di Max, tuttavia, sono certi che Marianne sia una spia tedesca. Sconcertato dalla terribile ipotesi che sua moglie lo stia raggirando, Max si mette alla ricerca di prove inconfutabili che dimostrino la sua innocenza.

La storia vera dietro il film

In un articolo scritto per il Telegraph, Knight afferma di non poter verificare la veridicità della storia, né è mai riuscito a trovare un riferimento agli eventi in nessuno dei libri sul SOE che ha letto. Nelle sue ricerche, Knight ha scoperto che si ritiene che i tedeschi non abbiano mai violato la sicurezza britannica sul territorio nazionale. Tuttavia, esita a dire che la storia è inventata. Secondo il suo ragionamento, in quel periodo della sua vita era fondamentalmente un vagabondo, quindi non è che la donna stesse raccontando una storia in presenza di uno scrittore famoso.

Si è anche chiesto perché qualcuno dovrebbe inventare uno scheletro di famiglia a caso, e il modo in cui la donna ha raccontato l’incredibile storia lo ha colpito per la sua sincerità. Scrive sul Telegraph: “Ho avuto anche la netta impressione che la storia fosse stata raccontata da un luogo di profonda emozione, un ricordo doloroso condiviso”. La storia registra inoltre numerosi casi di persone che si sono innamorate oltre le linee nemiche durante la Seconda Guerra Mondiale. La relazione più comune è stata quella tra francesi e tedeschi durante l’occupazione, che ha dato origine a circa 200.000 bambini.

Un caso di questi è stato recentemente scoperto da Josh Gibson, un assistente di ricerca statunitense che vive a Parigi e che si è imbattuto in un mucchio di lettere e foto in un mercatino delle pulci. La corrispondenza rivela la storia dell’aspirante architetto tedesco Johan e della segretaria francese Lisette, che si sono incontrati per la prima volta durante l’Esposizione Universale di Parigi del 1937. Si incontrarono di nuovo tre anni dopo, quando i tedeschi occuparono Parigi, e iniziarono una storia d’amore vorticosa, scrivendosi molte lettere fino a quando non si sposarono dopo la guerra.

Di base, però, non c’è dunque una vera e propria storia vera dietro Allied – Un’ombra nascosta, se non la rielaborazione dello sceneggiatora della vicenda che gli fu narrata. Una vicenda che si esauriva però in poche battute e a cui lo sceneggiatora ha dunque aggiunto molto di propria fantasia per rendere il racconto più complesso e articolato, affinché potesse sostenere un film della durata di due ore. Di certo, però, al di là della relazione tra i due protagonisti, Knight si è preoccupato di resistituire un realistico scenario storico, tanto negli eventi che avvengono quanto nelle loro modalità.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di Allied – Un’ombra nascosta grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes, Tim Vision, Now e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di lunedì 18 novembre alle ore 21:00 sul canale Iris.

Il finale di Hereditary – Le Radici del Male è aperto all’interpretazione e lascia molte domande aperte sul demone Paimon. In Hereditary, Annie Graham è un’artista la cui madre è appena morta e, sebbene il figlio Peter e il marito Steve sembrino per lo più indifferenti alla sua morte, la figlia di Annie, Charlie, sembra particolarmente turbata. Questo dà il via a una breve esplorazione delle peculiari tendenze di Charlie – staccare la testa a un uccello morto, creare creature anomale con gli scarti – prima che una serie di eventi apparentemente insignificanti la porti a una morte prematura.

Da qui, Hereditary sconfina improvvisamente nel soprannaturale, introducendo sedute spiritiche, fantasmi e occulto. Tuttavia, sia che gli spettri che sembrano infestare la loro casa siano reali o solo proiezioni amplificate del dolore, c’è chiaramente qualcosa di maligno che abita questa famiglia Graham disperata. Se la conclusione di “Hail, Paimon” di Hereditary sia particolarmente soddisfacente dipende dall’interpretazione dell’orrore che il pubblico è propenso a seguire.

Interpretazione letterale di Hereditary – Le Radici del Male

Nel finale di Hereditary – Le Radici del Male, viene rivelato che la madre di Annie era profondamente coinvolta nell’occulto – in particolare come devota adoratrice del demone Paimon (“uno degli otto re dell’Inferno”) – e, secondo la missione del culto, Annie aveva il compito di aiutare Paimon a manifestare il corpo di un bambino umano. Aveva tentato di usare Peter come ospite alla sua nascita, ma Annie era troppo territoriale, inducendo inavvertitamente a usare Charlie al suo posto.

Tuttavia, dato che si preferiva un ospite maschio, la morte di Charlie (sia essa casuale, serendipica o in qualche modo divinamente indotta) andò a vantaggio del culto. Questo ha portato al trasferimento dell’anima di Paimon nel corpo di Peter e ha richiesto l’assistenza di un mortale, il che spiega la presenza della collega Joan (Ann Dowd).

Inoltre, Annie, che aveva fatto del suo meglio per tenere legata la famiglia fino agli ultimi istanti del film, viene posseduta a sua volta, non solo contribuendo alla morte di Peter ma anche alla resurrezione di Paimon. Forse avrebbe dovuto prevederlo, visto che il simbolo del demone è disseminato in tutto il film, in particolare sulle collane sue e di sua madre.

Essendo stata ingannata nell’evocare il demone, Annie viene tristemente privata del suo titolo di matriarca e si taglia la testa come sacrificio finale per un bene superiore; il “bene superiore” in questo caso è il male. In effetti, le decapitazioni ricorrenti in questo film suggeriscono che la morte di Charlie (per decapitazione) non sia stata poi una coincidenza, soprattutto se si considera che il simbolo di Paimon è inciso proprio sul palo del telefono che finisce per staccarle la testa.

Di conseguenza, Hereditary riecheggia pesantemente Rosemary’s Baby e Il presagio, con il male che prevale sul bene. Detto questo, l’interpretazione letterale di Hereditary è altrettanto potente di quella che si addentra meno nel soprannaturale che nella salute mentale.

C’è un improbabile ispirazione reale dietro il dramma pugilistico del 2015 Southpaw – L’ultima sfida (qui la recensione), il film con protagonista il pugile Billy Hope interpretato da Jake Gyllenhaal. Diretto da Antoine Fuqua (Training Day) e scritto da Kurt Sutter (Sons of Anarchy), questo film sulla boxe segue dunque un pugile di nome Billy Hope, che per via di un incidente perde la moglie e la custodia della figlia, divenendo un alcolizzato. Hope spera però di rimettere la sua vita in carreggiata e, alla fine, si trova a dover affrontare il formidabile Miguel “Magic” Escobar. Southpaw – L’ultima sfida vanta un cast all-star accanto a Gyllenhaal, con nomi come Rachel McAdams, Forest Whitaker, 50 Cent e Miguel Gomez.

Non c’è però da stupirsi che guardando il film venga da chiedersi: “Billy Hope esiste davvero?”. Southpaw – L’ultima sfida ha tutte le carte in regola per essere un autentico biopic sportivo. Mentre tutti i buoni film sulla boxe vedono il protagonista battere avversari apparentemente imbattibili, la tragica storia delle sconfitte subite da Hope nel corso del film sembra una vera e propria storia di redenzione che potrebbe essere realmente accaduta. Tuttavia, la storia vera di Southpaw – L’ultima sfida è più strana della finzione. Tecnicamente, il film di Jake Gyllenhaal sulla boxe non è basato sulla vita di un vero pugile. Detto questo, il personaggio di Billy Hope è ispirato a una persona reale, che ha affrontato difficoltà simili ed è riuscita a uscirne vincitrice.

La vera storia di Southpaw – L’ultima sfida è ispirata ad Eminem

Anche se la storia vera narrata nel film non è tecnicamente vera, è però ispirata alla vita del rapper Eminem. Lo sceneggiatore, Kurt Sutter, ha infatti affermato di aver scritto il film pensando a Eminem. Sutter è un grande ammiratore della musica del rapper e ha scritto Southpaw – L’ultima sfida come successore spirituale/sequel non ufficiale di 8 Mile. Gli elementi pugilistici del film dovevano simboleggiare il suo percorso di vita e il rapporto tra Billy e la giovane figlia Leila (Oona Laurence) doveva rispecchiare quello tra Eminem e sua figlia Hailie. Sebbene il rapper abbia ricevuto ottime recensioni per la sua interpretazione in 8 Mile, da allora è stato notoriamente riluttante ad accettare altri lavori di recitazione, rifiutando anche il ruolo di protagonista in Elysium.

Quindi, anche se la risposta alla domanda “Billy Hope esiste davvero?” è tecnicamente un no, è in realtà basato su qualcuno di realmente esistente. Eminem era coinvolto come attore nel film fino al 2012, ma alla fine Gyllenhaal lo ha sostituito. Il rapper è rimasto comunque in una piccola veste, producendo canzoni come “Kings Never Die” per la colonna sonora del film. Per quanto Jake Gyllenhaal fornisca una prova attoriale e fisica straordinaria, sarebbe stato certamente interessante vedere Eminem calarsi nel ruolo, soprattutto dato che il film è così fortemente ispirato alla sua vita.

Billy Hope non era un vero pugile

Parte del motivo per cui la gente si chiede se Billy Hope esista davvero è poi dovuto all’interpretazione di Gyllenhaal. L’attore ama particolarmente affrontare ruoli di personaggi profondi e si immedesima moltissimo in loro. Questo potrebbe essere il motivo per cui molti si sono chiesti se la storia di Southpaw – L’ultima sfida fosse vera e se Hope fosse un vero pugile. Anche se Billy Hope non è reale, il film ha tutte le carte in regola per essere una biografia sportiva ispirata a una storia vera, e l’interpretazione di Gyllenhaal del personaggio è particolarmente veritiera. Il film sulla boxe vede infatti un arco trionfale per il personaggio, tanto che molti speravano che raccontasse una vicenda realmente avvenuta.

Tuttavia, questi trionfi sono stati ispirati dalla vita di Eminem (con il pugilato che, come già detto, inizialmente era una metafora delle battaglie rap), quindi anche se Billy Hope è fittizio, le emozioni dietro la sua storia provengono da un luogo reale. Se Rocky è il primo film che viene in mente quando si parla di drammi sulla boxe, ci sono stati molti altri esempi degni di nota. Ci sono famosi film come Toro Scatenato o il dramma di Clint Eastwood, vincitore del premio Oscar, Million Dollar Baby, tanto per citarne alcuni. Il film sulla boxe con Jake Gyllenhaal, Southpaw – L’ultima sfida, si è poi aggiunto a questa schiera nel 2015.

Tutti amano i film sulla boxe, perché in genere hanno un protagonista che riesce a superare ostacoli insormontabili e di solito hanno un finale ad effetto. Inoltre, è uno sport particolarmente dinamico, che si sposa perfettamente con il linguaggio cinematografico. Southpaw – L’ultima sfida segue quindi le orme di altri film del genere, ma ciò che lo rende diverso è che la sua storia ha tutti gli indicatori di un biopic sportivo reale, come Tonya o Invictus – L’invincibile. Detto questo, Southpaw – L’ultima sfida non sarà quindi basato su una storia vera, ma ciò non significa che non sia stato ispirato dalle lotte di una persona reale.

La mummia, uscito nel 1999 e diretto da Stephen Sommers, si inserisce nella lunga tradizione dei “mostri della Universal”, rileggendo in chiave moderna uno dei grandi classici dell’horror degli anni ’30. Tuttavia, anziché limitarsi a un semplice remake, il film abbraccia un approccio più spettacolare e avventuroso, trasformando la figura iconica della mummia in un catalizzatore per un’avventura piena di azione, effetti speciali e ironia. Il risultato è un prodotto ibrido che mescola horror, fantasy e commedia, contribuendo a ridefinire lo stile dei blockbuster d’inizio anni Duemila.

La concezione del film affonda le radici nel desiderio di rendere nuovamente accessibili al grande pubblico le creature del cinema classico, ma con un linguaggio più dinamico e divertente. Il tono leggero, unito a una regia votata al ritmo e allo spettacolo, ha reso La mummia un successo inatteso, capace di conquistare spettatori di diverse generazioni grazie al perfetto equilibrio tra tensione e intrattenimento. Nonostante la presenza di elementi horror, il film preferisce puntare sull’avventura esotica in stile saga di Indiana Jones, offrendo un’esperienza adrenalinica più che realmente spaventosa.

Un ruolo fondamentale nel trionfo della pellicola è stato quello di Brendan Fraser, che con il personaggio di Rick O’Connell ha trovato il ruolo della consacrazione. Fino ad allora conosciuto soprattutto per commedie leggere, l’attore si è imposto come eroe action carismatico e autoironico, conquistando il pubblico con una fisicità da protagonista ma un’umanità da antieroe riluttante. La mummia ha segnato l’inizio di una carriera internazionale e ha reso Fraser una delle icone d’avventura di fine millennio. Nel resto dell’articolo analizzeremo il finale del film, spiegandone il significato e rivelando anche quale fosse l’epilogo originale previsto in fase di produzione.

La trama di La mummia

La storia ha inizio nel 1719 a.C. a Tebe, in Egitto. Il sacerdote Imhotep, custode dei morti viene sepolto vivo e maledetto a sofferenze eterne per aver ucciso l’imperatore Seti insieme alla sua amante Anck-su-Namun. Il racconto si sposta poi al 1923, al Cairo, dove l’avventuriero Rick O’Connell, la bibliotecaria ed egittologa Evelyn e suo fratello Jonathan sono alla ricerca del favoloso tesoro di Imhotep. I tre, convinti che sia stato seppellito insieme al sacerdote, si recano a Hamunaptra, la Città dei Morti. Durante le loro ricerche, il gruppo libererà però la mummia di Imhotep, che da tremila anni bramava di tornare tra i vivi per compiere la sua vendetta.

La spiegazione del finale

Nel terzo atto de La mummia la missione per fermare Imhotep si trasforma in una corsa contro il tempo. Dopo la cattura di Evelyn da parte del sacerdote maledetto, Rick, Jonathan e Ardeth decidono di tornare a Hamunaptra per salvarla prima che venga sacrificata nel rituale volto a riportare in vita Anck-su-namun. Grazie all’aiuto del capitano Havelock riescono a raggiungere la Città dei Morti dall’alto, ma Imhotep scatena una tempesta di sabbia che fa precipitare l’aereo nel deserto. Sopravvissuti allo schianto, Rick e Jonathan si inoltrano tra le rovine ormai infestate da servitori resuscitati, mentre Ardeth resta a combatterli per guadagnare tempo.

All’interno della camera rituale, Rick libera Evelyn mentre Jonathan, grazie al Libro di Amon-Ra, prende il controllo delle creature non morte, ribaltando la situazione. Mentre Anck-su-namun viene richiamata alla vita ma ancora incompleta nel suo corpo rigenerato, Evelyn riesce a leggere l’incantesimo che rende Imhotep mortale. Privato dei suoi poteri divini, il sacerdote non è più invincibile e Rick lo affronta con determinazione, riuscendo a trafiggerlo con una lama. Imhotep crolla lentamente nella vasca sacrificale, tornando alla sua forma mummificata e promettendo vendetta prima di essere inghiottito dalle acque.

Tuttavia, la minaccia non è ancora conclusa: Beni, impegnato a saccheggiare i tesori nascosti, attiva accidentalmente un meccanismo che innesca il crollo dell’intera città. I protagonisti fuggono all’ultimo istante, mentre il ladro rimane intrappolato e viene divorato dagli scarabei. Una volta all’esterno, Rick, Evelyn e Jonathan ritrovano Ardeth vivo e si allontanano nel deserto, ignari di aver portato con sé parte dell’oro rubato da Beni. Il finale di La mummia rappresenta dunque la perfetta sintesi dei temi avventurosi e romantici che permeano l’intero film.

La resurrezione di Imhotep, concepita come un atto d’amore disperato e proibito, viene contrapposta alla relazione nascente tra Rick ed Evelyn, costruita invece sulla fiducia e sul sacrificio reciproco. Se Imhotep è disposto a distruggere il mondo pur di riottenere Anck-su-namun, Rick rischia la vita non per possesso, ma per proteggere la persona che ama. In questo modo il film rimette in equilibrio l’antica tragedia con un epilogo luminoso, ribadendo che l’amore autentico nasce non dall’ossessione ma dal rispetto. Anche la sconfitta di Imhotep assume un valore simbolico: privato dell’immortalità, egli diventa fragile come qualsiasi essere umano

Si dimostra così che nessun potere è davvero eterno di fronte al coraggio e alla solidarietà. Il crollo di Hamunaptra non è solo la distruzione fisica di un luogo maledetto, ma la chiusura definitiva di un ciclo di vendetta e profanazione iniziato millenni prima. Rick ed Evelyn si allontanano dal deserto non solo come sopravvissuti, ma come eroi trasformati dall’esperienza. Così, il finale del film non è semplicemente la sconfitta di un mostro, bensì la celebrazione della rinascita attraverso l’avventura, dell’amore che vince sulla morte e del mito che continua a vivere nel racconto.

Il finale originale del film

La scena della morte di Imhotep nel film è tuttavia stata modificata in modo significativo rispetto a come era stata originariamente concepita. Nel commento audio del DVD de La mummia, il montatore Bob Duscay menziona che, dopo essere stato pugnalato dal giovane protagonista Rick O’Connell, Imhotep “doveva semplicemente entrare nella palude e dire ‘La morte è solo l’inizio’” nella sua scena di morte. Tuttavia, quando si era in fase di post-produzione, è stato deciso che “doveva succedere qualcosa di più”, come dice Sommers, con Duscay che descrive il finale come simile a “un tizio che salta in una vasca idromassaggio davvero sporca”.

Ciò ha portato all’aggiunta di alcuni nuovi effetti CGI alla discesa di Imhotep nella palude. Con la linea temporale della serie che ha inizio nell’antico Egitto, il film è ricco sia di elementi soprannaturali che di scene di morte davvero terrificanti. Essendo Imhotep il principale artefice di entrambi questi aspetti, è giusto che la sua scena finale li coinvolga. Con Imhotep che ritorna al suo stato originale di mummia soggetta a migliaia di anni di decomposizione, La mummia termina anche con un promemoria che, nonostante tutte le sue trame avventurose, è comunque un film horror.

Concludendosi con la minaccia di Imhotep “La morte è solo l’inizio”, la fine sporca a cui è condannato fa risuonare quelle parole come una minaccia con una rabbia maggiore rispetto alla precedente morte di Imhotep. L’interpretazione di Imhotep da parte di Arnold Vosloo in La mummia è quella di un cattivo indimenticabile. Con Vosloo nei panni di una mummia con il potere di conquistare il mondo, la scena della morte di Imhotep doveva essere memorabile quanto la sua resurrezione. Grazie ai miglioramenti apportati in post-produzione con la CGI alla sua scena finale in La mummia, Imhotep è riuscito a lasciare il film, come direbbe lo stesso Jonathan, con una nota alta.

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Il discorso del re (qui la recensione) è un film storico e biografico del 2010 diretto da Tom Hooper, che si inserisce nel filone dei drammi incentrati su figure reali e grandi momenti istituzionali. Raccontando con tono intimo e umano la vicenda del futuro re Giorgio VI e della sua lotta contro la balbuzie, il film unisce l’eleganza formale del period drama britannico a un approccio emotivo moderno, capace di far percepire allo spettatore lo sforzo personale dietro la rigidità delle etichette regali. Il tono è sobrio ma coinvolgente, privo di spettacolarizzazioni, e punta tutto sul potere delle parole — o meglio, sull’incapacità di pronunciarle.

Per il regista Tom Hooper, reduce dal successo televisivo con Elizabeth I e John Adams, il film rappresenta la definitiva consacrazione sul grande schermo, segnando il suo passaggio da autore di miniserie storiche ad acclamato cineasta internazionale. Ma è soprattutto un tassello fondamentale nella carriera di Colin Firth, che con l’interpretazione tormentata e profondamente misurata di re Giorgio VI ottiene un riconoscimento mondiale dopo anni di ruoli romantici e brillanti. Accanto a lui, Geoffrey Rush e Helena Bonham Carter completano un cast d’eccellenza, contribuendo a un perfetto equilibrio tra dramma, ironia e delicatezza.

Accolto trionfalmente dalla critica e dal pubblico, Il discorso del re ha ottenuto ben dodici nomination agli Oscar e ne ha vinti quattro: Miglior Film, Miglior Regia, Miglior Attore Protagonista e Miglior Sceneggiatura Originale. Al di là dei premi, la sua forza risiede nell’universalità del suo messaggio: non è solo la storia di un sovrano, ma quella di un uomo costretto a superare le proprie fragilità per assumersi una responsabilità pubblica nel momento più difficile, alla vigilia della Seconda Guerra Mondiale. Nel resto dell’articolo approfondiremo la vera storia dietro il film, per comprendere quanto di reale ci sia nel percorso di Giorgio VI e nel suo leggendario discorso alla nazione.

La trama e il cast di Il discorso del re

Il film è dunque ispirato alla storia vera del futuro re d’Inghilterra Giorgio VI, che, affetto da una severa balbuzie, cerca di risolvere il problema con uno specialista. Nonostante i numerosi percorsi terapeutici intentati dal principe Albert (Colin Firth), duca di York, secondo figlio di re Giorgio V, i risultati sono scoraggianti e il principe suscita forte imbarazzo durante le occasioni ufficiali. Fortunatamente, il suo ruolo istituzionale è limitato, essendo figlio cadetto: Albert decide quindi di rinunciare a tenere in futuro discorsi in pubblico.

Sua moglie, la duchessa Elizabeth (Helena Bonham Carter) riesce però a convincerlo a rivolgersi a Lionel Logue (Geoffrey Rush), d’origine australiana e terapeuta dei problemi di linguaggio. Il principe è riluttante, credendo di trovarsi di fronte all’ennesimo fallimento, ma I metodi non convenzionali di Logue non sono percepiti in maniera positiva da Albert. Tuttavia, seduta dopo seduta, tra i due si crea un legame indissolubile che ridarà letteralmente voce al futuro sovrano e lo aiuterà a scrivere la storia.

La storia vera dietro il film

Quando il principe Albert Frederick Arthur George, duca di York, salì al trono con il nome di Giorgio VI nel dicembre 1936, non era destinato a diventare re. Il trono spettava a suo fratello maggiore, Edoardo VIII, che tuttavia abdicò dopo meno di un anno per sposare Wallis Simpson, donna americana divorziata e priva del consenso della Chiesa anglicana. L’improvvisa ascesa di Giorgio VI rappresentò uno shock per lui stesso e per l’intero Paese: uomo timido, poco incline alle manifestazioni pubbliche e convinto di non possedere il carisma richiesto, si trovò improvvisamente a dover incarnare l’autorità e la stabilità della monarchia britannica in uno dei momenti più delicati della storia europea.

Il nuovo re portava con sé una problematica personale che rischiava di compromettere la sua capacità di rappresentanza: una marcata balbuzie. Il disturbo lo accompagnava fin dall’infanzia ed era stato aggravato da un’educazione rigida e da pressioni costanti legate all’etichetta reale. Negli anni precedenti alla sua ascesa era già stato costretto a tenere diversi discorsi pubblici, molti dei quali conclusi con grande disagio e frustrazione. In un’epoca in cui la radio stava trasformando la monarchia in un’istituzione sempre più “vocale”, la voce del sovrano diventava un simbolo nazionale e non poteva permettersi esitazioni.

Fu in questo contesto che Giorgio VI iniziò un percorso terapeutico con Lionel Logue, logopedista australiano con metodi considerati poco ortodossi per l’epoca. Logue, privo di titoli medici formali ma esperto di recitazione e dizione, impostò la terapia su un rapporto umano prima ancora che tecnico. Non si limitò a esercizi respiratori e articolatori — pur fondamentali — ma lavorò sul rilassamento emotivo, sull’autostima e sulla fiducia reciproca. Il trattamento prevedeva letture ad alta voce accompagnate da ritmo musicale, pause cadenzate e tecniche di controllo del diaframma. Con il tempo, il re migliorò sensibilmente, pur non eliminando del tutto il disturbo.

La prova definitiva arrivò il 3 settembre 1939, quando il Regno Unito dichiarò guerra alla Germania nazista dopo l’invasione della Polonia. In un discorso radiofonico trasmesso alla nazione e all’intero Commonwealth, Giorgio VI annunciò l’entrata in guerra con voce tesa ma controllata. Il discorso durò circa nove minuti e rimase scolpito nella memoria collettiva come un momento di straordinaria dignità. Il suo tono sobrio e privo di enfasi retorica venne interpretato come segno di sincerità e coraggio. Più che un proclama bellicoso, fu un messaggio di solidarietà verso un popolo chiamato a resistere nei tempi più bui.

Quanto alla fedeltà storica, Il discorso del re segue con buona accuratezza gli eventi principali della vicenda, pur introducendo alcune semplificazioni narrative. Il rapporto tra re e logopedista è reso più informale e confidenziale di quanto non fosse nella realtà, e alcuni episodi sono condensati o spostati temporalmente per esigenze drammatiche. Tuttavia, l’essenza della storia — la lotta personale di un sovrano contro i propri limiti, l’importanza del linguaggio come strumento di coesione nazionale e il ruolo cruciale di Lionel Logue — rimane fedele alle fonti storiche. Il film non solo racconta una vicenda autentica, ma contribuisce a far comprendere quanto il coraggio possa manifestarsi anche nella fragile esitazione di una voce che sceglie comunque di parlare.

I film catastrofici sono diventati una rarità tra le recenti produzioni hollywoodiane. Sono finiti i tempi in cui ogni anno uscivano almeno un paio di film catastrofici epici. Ecco perché Greenland (qui la recensione) di Ric Roman Waugh è speciale. Il regista e il protagonista Gerard Butler (anche coproduttore) hanno già lavorato insieme in Attacco al potere 3, il terzo capitolo della serie  uscito nel 2019. Questa loro nuova collaborazione ruota attorno a John Garrity (Butler), sua moglie Allison (Morena Baccarin) e il loro figlio Nathan (Roger Dale Floyd) mentre cercano di raggiungere un rifugio sotterraneo in Groenlandia prima che un detrito di una cometa interstellare di dimensioni tali da causare l’estinzione colpisca la Terra.

La trama di Greenland

Il film inizia con il ritorno di John a casa dopo quello che deve essere stato un periodo piuttosto lungo. Lui e Allison hanno dovuto affrontare gravi problemi coniugali e, come scopriremo in seguito, John ha tradito sua moglie. Ora stanno cercando di lasciarsi tutto alle spalle. Anche se Allison lo nega quando John glielo chiede a bruciapelo, uno dei motivi per cui ha permesso a John di tornare deve essere perché Nathan sente la mancanza di suo padre. Mentre i Garrity affrontano i loro problemi interni, una cometa interstellare, chiamata Clarke dagli scienziati, entra nel sistema solare.

Il giorno in cui dovrebbe passare vicino alla Terra, la coppia ha organizzato un incontro con gli amici del loro ricco quartiere. Si scopre che Clarke è in realtà un enorme ammasso di detriti in movimento. A causa della gravità del Sole, numerosi frammenti di detriti cambiano la loro traiettoria verso la Terra. Sebbene la maggior parte di essi sia innocua, poiché brucia prima ancora di raggiungere il suolo, alcuni potrebbero potenzialmente distruggere delle città. Poco prima che il disastro si abbatta sulla Terra, John riceve un messaggio preregistrato sul suo telefono (un messaggio simile appare anche sulla TV di famiglia), che gli comunica che lui e la sua famiglia sono stati selezionati per l’evacuazione.

Il messaggio li istruisce anche a recarsi dalla loro casa di Atlanta, in Georgia, alla base aerea di Robins, dove degli aerei li attendono insieme ad altre persone nella loro stessa situazione. Senza avere idea di dove questi aerei li porteranno, i Garrity si rendono conto che è comunque la loro opzione migliore. Tuttavia, quando arrivano lì, John viene separato dalla sua famiglia dopo essere tornato alla loro auto per recuperare le medicine per il diabete di Nathan, e a Nathan non è permesso salire sull’aereo a causa della sua condizione. Attraverso un biglietto lasciato sul parabrezza della loro auto, Allison dice a John che lei e Nathan stanno andando a casa di suo padre.

Durante il viaggio, John viene a sapere che gli aerei avrebbero dovuto portarli in Groenlandia, dove un bunker sotterraneo sarebbe stato utilizzato come rifugio quando il detrito più grande, più grande della meteora che ha causato l’estinzione dei dinosauri, avrebbe colpito l’Europa occidentale. Viene anche a sapere che ci saranno voli dell’ultimo minuto per il bunker in partenza dal Canada. Dopo essersi finalmente riuniti, John e Allison decidono di fare un ultimo tentativo per prendere uno degli aerei e raggiungere la Groenlandia.

Il finale di Greenland

John è inizialmente perplesso, come tutti i suoi vicini, sul motivo per cui lui e la sua famiglia sono stati selezionati per il trasferimento. Come viene rivelato in seguito, è stato per il suo lavoro di ingegnere strutturale. Egli costruisce grattacieli e il governo avrà sicuramente bisogno di persone come lui nel mondo post-apocalittico. Questo privilegio è stato concesso a una parte molto selezionata della popolazione totale. Sono stati scelti medici, ingegneri e persone appartenenti ad altre professioni che possono contribuire attivamente alla costruzione della società in futuro.

Sapendo di non poter salvare tutti, il governo si è concentrato solo sulla sicurezza di coloro che, a loro volta, garantiranno la sopravvivenza dell’umanità. Le famiglie del 99% delle forze armate non sono state selezionate per l’evacuazione. Com’era prevedibile, la legge e l’ordine sono stati rapidamente sostituiti dall’anarchia e dal caos. La gente ha cominciato a cedere alla disperazione, ma fortunatamente per la famiglia Garrity, ci sono ancora persone al mondo che si aggrappano alla loro integrità e compassione.

Mentre si recano a casa del padre di Allison, sia lei che John incontrano separatamente il meglio e il peggio che l’umanità ha da offrire. Uno dei saccheggiatori aiuta Allison e Nathan a uscire da una farmacia dopo che lì sono iniziate le sparatorie. D’altra parte, una coppia (David Denman e Hope Davis), che inizialmente sembra gentile e offre alla madre e al figlio un passaggio in auto, ruba il braccialetto di Allison, che la identifica come una delle persone selezionate, la butta fuori dall’auto e se ne va con Nathan. Più tardi lei lo ritrova con l’aiuto di alcuni militari.

Un medico le dà abbastanza insulina e altri farmaci per Nathan da bastargli per un po’. Nessuna di queste persone è obbligata a essere lì. Eppure, si sono offerte volontarie per servire e agire con empatia e comprensione mentre l’umanità affronta il suo crepuscolo. Il privilegio concesso ai Garrity grazie all’istruzione e ai successi di John viene bruscamente revocato nel momento in cui si scopre che Nathan ha il diabete. Così, come la maggior parte delle persone sulla terra, sono lasciati a interrogarsi sul loro destino.

Sperando disperatamente che ciò che ha sentito sui voli in Canada sia vero, John corre contro il tempo mentre guida verso l’aeroporto. Fortunatamente, l’aereo è lì. La famiglia convince uno dei piloti a lasciarli salire a bordo. Quando finalmente arrivano in Groenlandia, un’onda d’urto causata dall’impatto di uno dei frammenti fa schiantare l’aereo, uccidendo i piloti. I Garrity e gli altri passeggeri riescono a raggiungere il bunker proprio prima della collisione.

Un uomo di famiglia

Mentre la famiglia aspetta l’impatto, Nathan chiede in lacrime ai suoi genitori perché non sta avendo i flashback che dovrebbe avere prima della sua morte. È qualcosa che aveva già menzionato in precedenza, poiché lo aveva sentito dire da uno dei suoi amici. Suo padre lo consola dicendogli che lui e Allison lo amano dal profondo del cuore e che la cosa più importante in questo momento è che sono tutti insieme. John sa che c’è sempre la possibilità che non riescano ad arrivare al bunker in tempo e, anche se ci riuscissero, potrebbe non resistere all’impatto.

Tutto ciò che voleva era stare con sua moglie e suo figlio quando si fosse verificato il grande disastro. In questo tipo di film c’è sempre un archetipo dello scienziato, che fornisce spiegazioni e spesso funge da eroe principale. “Greenland” è privo di tutto ciò. Si concentra esclusivamente sui Garrity e sul loro viaggio verso il bunker. John Garrity non è un personaggio eccessivamente eroico. Non informa mai i suoi vicini di Greenland nonostante abbia fatto una promessa e rifiuta correttamente e pragmaticamente di portare con sé una delle loro figlie, sapendo in quel momento che dovranno lasciarla all’aeroporto.

Tuttavia, considerando come vanno a finire le cose, quella ragazza avrebbe potuto sopravvivere se lui avesse accettato di portarla con sé. Più tardi, salva un passeggero da un’auto in fiamme. Dato che l’intero pianeta è destinato a essere presto avvolto dalle fiamme, questo atto di coraggio casuale sembra in qualche modo futile. John non è il classico protagonista dei film catastrofici che salva tutta l’umanità. Ma è senza dubbio un uomo che farebbe di tutto per proteggere la sua famiglia.

Una nuova alba

L’impatto avviene e le pareti del bunker riescono in qualche modo a resistere alle ondate di distruzione che seguono l’esplosione. Quando Garrity e gli altri escono dal bunker, sono passati nove mesi e la cenere e le radiazioni si sono ritirate. Il mondo è completamente in rovina. L’entità della distruzione è dimostrata dalle immagini di città in rovina come Sydney, Città del Messico e Parigi. Una vista orbitale del pianeta mostra l’enorme cratere dove è caduto il più grande frammento di Clarke.

Ci sono anche numerosi crateri più piccoli che punteggiano l’intero pianeta. Mentre i sopravvissuti osservano il nuovo paesaggio, trovano speranza nel vedere un paio di uccelli che volano. Nonostante la distruzione assoluta della civiltà umana, la vita in generale ha trovato un modo per continuare ad esistere. Il bunker della Groenlandia riceve notizie da Helsinki, Nuova Delhi, Beirut, Kathmandu, Mosca e San Paolo, apprendendo che anche in quei luoghi sono sopravvissute alcune sacche di popolazione.

Ciò che verrà dopo è un compito monumentale per John e la sua generazione di sopravvissuti. Devono ricostruire le fondamenta della civiltà e assicurarsi che siano abbastanza solide da sostenere il peso di ciò che le generazioni future costruiranno su di esse. L’umanità probabilmente non tornerà al suo stato precedente per almeno mille anni, il che potrebbe essere potenzialmente una cosa positiva. La ricostruzione non deve necessariamente avere gli stessi difetti di quella originale. Ci possono essere meno inquinamento, guerre e dipendenza eccessiva dai combustibili fossili. Dopo essere stati sull’orlo dell’estinzione, le persone potrebbero finalmente imparare a coesistere tra loro.

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Conclave di Edward Berger ha attirato l’attenzione per la sua conclusione scioccante e un vero esperto del settore è stato interpellato per capire quanto ci sia di realistico all’interno del film e di quel finale. Il thriller politico, basato sul romanzo del 2016 di Robert Harris, segue il Collegio dei Cardinali mentre si riunisce per eleggere un nuovo papa dopo la morte improvvisa del precedente. Il cast di Conclave, con Ralph Fiennes protagonista nel ruolo del cardinale Thomas Lawrence, si muove in un labirinto di intrighi politici, conflitti spirituali e dilemmi morali all’interno del Vaticano. Il film culmina nell’elezione dell’arcivescovo Vincent Benitez (Carlos Diehz) con una rivelazione fragorosa: Benitez è nato intersessuale.

In un’intervista con GQ, David Gibson, direttore del Center on Religion and Culture presso la Fordham University, ha affrontato il finale a sorpresa del film. Gibson ha discusso la fattibilità di un papa intersessuale e le implicazioni più ampie del finale del film, toccando la posizione in evoluzione della Chiesa su genere e sessualità. Gibson ha osservato:

Sì, una persona intersessuale potrebbe essere eletta papa, proprio come ci sono stati senza dubbio uomini gay eletti papa. Non è chiaro cosa significherebbe, però, e penso che questa sia la vera debolezza del film. Robert Harris, a quanto pare, voleva fare una dichiarazione sul genere e sulla Chiesa cattolica, il che va bene. Ma è più un cubo di Rubik che una dichiarazione.

Il nuovo papa si identifica come maschio o femmina? Avere caratteristiche di entrambi i sessi significa che non può essere ordinato o diventare papa? Un’elezione del genere sarebbe invalida? Queste diventano discussioni da angeli che ballano su una capocchia di spillo che distraggono dalle questioni più importanti.

Ero a Roma con un gruppo di studenti della Fordham a ottobre per l’incontro del sinodo. In quel periodo, Papa Francesco incontrò un gruppo di cattolici trans e intersessuali. Fu un incontro molto forte. L’affermazione del papa di loro come creati da Dio con dignità intrinseca fu straordinariamente commovente. Una di loro, Nicole Santamaria, una donna intersessuale di El Salvador, scrisse della sua esperienza e per me è una testimonianza più potente del finale a sorpresa del Conclave.

Cosa significa la risposta dell’esperto del papa alla fine del Conclave

Come il Conclave riflette le sfide del mondo reale nella Chiesa

I commenti di Gibson evidenziano le dinamiche in evoluzione tra fede, genere e dottrina istituzionale mentre la Chiesa sceglie un nuovo papa nel Conclave. Attualmente, la Chiesa non riconosce il matrimonio tra persone dello stesso sesso e la sua dottrina religiosa condanna le relazioni al di fuori dell’eterosessualità. Tuttavia, sotto la guida di Papa Francesco, sono stati fatti progressi graduali. Nel dicembre 2023, ha emanato un decreto ufficiale secondo cui i sacerdoti potevano benedire le coppie dello stesso sesso. Il Papa ha anche comunicato con persone queer della Chiesa, come ha notato Gibson, affermandole come creazione di Dio mentre ascoltava le loro toccanti testimonianze che gettavano luce sull’intersezione tra fede e identità emarginate.

Il colpo di scena del film ha portato l’attenzione sulla continua decostruzione e ricostruzione della Chiesa nel suo riconoscimento della diversità di genere e sessuale come un fatto umano. Mentre Conclave cerca di esplorare la tensione tra ideali conservatori e progressisti all’interno del conclave papale, Gibson solleva una domanda sul fatto che questa tensione continuerà a esistere.

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