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The Black Phone: origini e significato della maschera di Grabber spiegati

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The Black Phone: origini e significato della maschera di Grabber spiegati

Lo sceneggiatore di The Black Phone, C. Robert Cargill, parla delle origini della maschera di Grabber e di come questa sia significativa per definire il background del personaggio. Dopo il successo di Sinister nel 2012, Cargill ha collaborato nuovamente con il regista di Doctor Strange, Scott Derrickson, per adattare il terrificante racconto breve di Joe Hill per il grande schermo. Con Ethan Hawke e un cast di giovani attori di spicco che include Mason Thames e Madeleine McGraw, The Black Phone ha ricevuto recensioni positive e ha avuto un incredibile successo al botteghino, incassando oltre 23 milioni di dollari nel suo primo weekend negli Stati Uniti.

The Black Phone racconta la storia del misterioso Grabber (Hawke), un serial killer che rapisce bambini e li tiene prigionieri nel suo seminterrato. La sua ultima vittima, Finney (Thames), scopre che un telefono scollegato alla parete è in grado di contattare gli spiriti delle precedenti vittime di Grabber, che alla fine lo aiutano a fuggire.

Ciò che distingue Grabber dai cattivi tradizionali, tuttavia, è la sua maschera bianco sporco composta da parti separate che si incastrano tra loro e caratterizzata da corna, un inquietante sorriso a denti stretti e una bocca profondamente accigliata. In ogni incontro tra Finney e Grabber, il personaggio interpretato da Hawke indossa la maschera in diverse varianti.

Durante una recente intervista con THR, Cargill parla delle origini della maschera del Grabber e di quanto fosse fondamentale per il personaggio nel suo complesso. Lo scrittore rivela che l’idea della maschera è nata da una discussione iniziale con Hill sul cambiamento del cattivo rispetto al materiale originale, in cui era un clown. Lo sceneggiatore racconta come Hill abbia poi condiviso un’idea alternativa ispirata ai maghi degli anni ’30 e ’40. Per quanto riguarda la natura intercambiabile della maschera, Cargill rivela che questa riflette in ultima analisi la personalità del personaggio, che il Grabber può cambiare a seconda della fase del suo “rituale” in cui si trova. Leggi la discussione di Cargill qui sotto:

Nel racconto breve, il personaggio è un clown e, dopo aver letto la prima bozza, Joe Hill è venuto da noi con un cappello in mano per chiederci scusa. Ci ha detto: “È una richiesta difficile, ma quando ho scritto questa storia, erano passati 20 anni dall’uscita di It [di Stephen King]. Nessuno pensava ai clown, e io pensavo a John Wayne Gacy. Quindi all’epoca non c’era un vero paragone, ma ora che [nel 2017] It è un grande successo, la gente penserà che sto imitando mio padre con un altro clown. Quindi possiamo cambiarlo?“ E noi abbiamo risposto: ”Sì, certo che possiamo, ma con cosa?” Ed è allora che Joe ha detto: “Ho questa fantastica idea di uno spettacolo di magia degli anni ’30 e ’40 in cui i maghi si vestivano da maghi per metà del tempo e poi, per l’altra metà, si vestivano da diavoli e facevano altri trucchi come diavoli. Ho pensato che sarebbe stato davvero fantastico”. E noi abbiamo risposto: “Sì, è fantastico. Ci piace molto. Facciamolo”. Ed è lì che Scott ha avuto l’idea delle maschere. […]

Sì, e ogni maschera rappresenta anche il personaggio che interpreta. È proprio così. Nel film gli viene chiesto se è lui che ha ucciso tutti gli altri ragazzi, e lui risponde: “No, è stato qualcun altro”. Quindi ogni maschera rappresenta una parte diversa del rituale per lui e un aspetto diverso della sua personalità. È stata un’idea di Scott, che ha pensato: “Beh, dobbiamo fargli esprimere le emozioni in qualche modo, e non si possono esprimere emozioni dietro una maschera. E se avesse una maschera intercambiabile e, a seconda dell’atmosfera del rituale, cambiasse la parte inferiore della maschera?” Così è nata quella che ora è un’affascinante rappresentazione visiva di questo personaggio.

Le lodi per la performance di Hawke nei panni di questo terrificante cattivo sono state una costante in tutte le reazioni a The Black Phone, con anche il cast più giovane del film che ha ricevuto notevoli consensi per le sue interpretazioni. Data la ricchezza del retroscena che The Black Phone accenna, l’incredibile accoglienza riservata al film ha dato vita a varie conversazioni su un sequel, con alcuni che sperano di vedere un prequel incentrato sul Grabber e sui suoi motivi contorti. Derrickson ha recentemente accennato all’entusiasmante possibilità di un sequel di The Black Phone, rivelando che sarebbe disposto a realizzarlo a patto che il pubblico risponda bene a questo film.

La maschera del Grabber è stata il fulcro della campagna promozionale di The Black Phone, data la sua natura inquietante e il suo aspetto immediatamente memorabile, quindi è sicuramente interessante conoscere le ispirazioni alla base della creazione di questo pezzo. Avendo svolto un ruolo così importante nella storia complessiva del personaggio di Hawke, resta da vedere cosa abbia in mente il team creativo dietro The Black Phone per mostrarne le origini sullo schermo e nell’universo. Forse le sue variazioni potrebbero anche essere ulteriormente ampliate, se Derrickson e Cargill decidessero di andare avanti con The Black Phone 2.

Stephen King recensisce con grande entusiasmo Black Phone 2

Redazione
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Stephen King recensisce con grande entusiasmo Black Phone 2

Il prossimo film della Blumhouse, Black Phone 2, sta ricevendo ottime recensioni dal leggendario autore horror Stephen King. Basato sull’omonimo racconto breve del 2004 scritto dal figlio di Stephen King, Joe Hill, Hill sta lavorando dietro le quinte e ha chiaramente dato a King un’anteprima del sequel.

L’horror soprannaturale The Black Phone è uscito per la prima volta nel 2021 e raccontava la storia del tredicenne Finney Shaw (Mason Thames), rapito e tenuto prigioniero in uno scantinato insonorizzato da un maniaco mascherato, The Grabber (Ethan Hawke).

Un telefono scollegato inizia a squillare e Finney scopre presto che le precedenti vittime di The Grabber possono comunicare con lui per aiutarlo a fuggire ed evitare di subire lo stesso destino.

Black Phone 2 vedrà il ritorno del cast originale e anche il regista Scott Derrickson. La sorella tredicenne di Finney, Gwen (Madeleine McGraw), riceve misteriose telefonate ed è tormentata da visioni di tre ragazzi che vengono perseguitati da The Grabber durante un campo invernale.

Su X, Stephen King ha condiviso il suo entusiasmo per l’uscita di Black Phone 2:

“Non è buono come il primo. È MEGLIO.”

Cosa significa l’approvazione di Stephen King per Black Phone 2

Le lodi di Stephen King rappresentano una svolta importante per gli scettici che intendono guardare il sequel horror. Come dimostra la storia, i sequel horror sono o un successo o un fallimento. Dopo le recensioni entusiastiche del primo film, può essere quasi impossibile eguagliarlo o addirittura superarlo.

The Black Phone ha incassato oltre 161 milioni di dollari in tutto il mondo al botteghino con un punteggio dell’81% su Rotten Tomatoes. Inizialmente non era previsto un sequel, ma dopo il suo successo è diventato chiaro che valeva la pena perseguire questo progetto.

Le prime proiezioni di Black Phone 2 hanno raccolto recensioni per lo più positive ed è emozionante vedere che anche la leggenda dell’horror Stephen King ha dato il suo benestare.

Everybody Loves Me When I’m Dead: la spiegazione del finale

Redazione
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Everybody Loves Me When I’m Dead: la spiegazione del finale

Senti, nessuno, men che meno io, pensava che Everybody Loves Me When I’m Dead avrebbe avuto un lieto fine. Ma non mi aspettavo che fosse così cupo. Se mi avessi sfidato a immaginare il destino peggiore e più crudele per tutti i personaggi, non credo che avrei potuto inventarmi nulla di più duro. Ma questo, si sospetta, è proprio il punto. Il cupo thriller thailandese di Netflix è una critica cinica e feroce di un clima finanziario indifferente e sfruttabile, in cui non ci sono vincitori, solo perdenti, e l’unica possibilità di avere l’ultima parola è morire secondo i propri termini e non quelli di qualcun altro.

Questo è accennato nella narrazione iniziale di una donna che marcisce sul pavimento della sua casa. Nessuno si è accorto che è morta. Le uniche persone che continuano a chiamare sono venditori telefonici alla ricerca della loro prossima vittima. Ma alla fine qualcuno se ne preoccuperà. La morte di questa donna dà il via a una serie di eventi che, tre anni dopo, coinvolgeranno diverse persone, anche alcune che non l’hanno mai conosciuta. È così che vanno le cose.

Buoni motivi, cattiva idea

Questa non è l’unica morte che influenza fortemente gli eventi di Everybody Loves Me When I’m Dead. L’altra è quella di Shane, un impiegato bancario di lunga data e fedele che viene licenziato a causa della tecnologia AI in rapida espansione e di una forza lavoro più giovane e alla moda che sa come interagire con essa. Sentendosi privato della sua identità e del suo scopo, Shane si toglie la vita, precipitando verso la morte davanti al suo collega Toh e a un giovane di nome Petch.

Toh e Petch hanno i loro problemi. Il primo è un vicedirettore che sta cercando di ottenere una promozione per poter pagare la costosa istruzione e le cure mediche di sua figlia Snow. Il secondo è più vicino alla classe operaia ed è coinvolto in affari loschi con alcuni teppisti locali guidati da un pazzo di nome Sek. Quando Pet informa Toh dell’esistenza di un conto dormiente appartenente a una donna morta di nome Jit – il cadavere dell’inizio del film – contenente 30 milioni di baht, la tentazione è ovvia. Chi se lo lascerebbe sfuggire?

Toh e Pet si convincono a vicenda a prendere i soldi. Non appartengono a nessuno. Altrimenti rimarrebbero lì. Con un bel colpo di scena, riescono a farla franca, almeno inizialmente, poiché il giovane e presuntuoso direttore della banca, Wut, scarica così tanto del suo lavoro su Toh che non vede l’e-mail di notifica che riceve quando un conto dormiente viene sbloccato. Sembra un crimine senza vittime. Ma non per molto.

Non esiste niente di gratis

Everybody Loves Me When I'm Dead
© Netflix

Né Toh né Petch si sono davvero preoccupati di indagare sul perché una donna della classe operaia avesse una piccola fortuna sul suo conto bancario. Alla fine del film, non conoscono ancora tutti i dettagli. Ma il pubblico sì, poiché ci vengono spiegati dal punto di vista dei cattivi. Jit era una volta la domestica di un gangster di nome Kamnan Mhoo. Lui aprì un conto bancario a suo nome per nascondere dei fondi, e lei fuggì con essi. Lui la cercò, ma non la trovò mai.

Mhoo spiega tutto questo al suo violento e alcolizzato socio piromane dopo che hanno appena massacrato un povero malcapitato per un motivo o per l’altro, e l’uomo, di cui non ho mai saputo il nome – credo che nessuno lo pronunci ad alta voce – decide che la cosa migliore da fare è dare fuoco a Mhoo e andare a prendersi i soldi da solo. Per questo, rintraccia Adchara, la figlia biologica di Jit che lei ha abbandonato alla nascita, poiché solo un parente in vita può sbloccare il conto.

A peggiorare le cose, il prelievo entusiastico di fondi dal conto da parte di Pet attira l’attenzione di Sek. Vuole partecipare all’accordo, aspettandosi che Pet e Toh continuino a pagarlo con ingenti somme rubate dai conti dormienti. È ovvio fin dall’inizio che non c’è modo che questa storia finisca bene.

Una conclusione violenta

Una volta iniziati gli omicidi, non si fermano fino alla fine. Il primo della lista è Wut, che ha sorpreso Toh mentre rubava il denaro e ha promesso di non denunciarlo se avesse lasciato lì i soldi. Naturalmente, li ha presi per sé. Toh porta Sek a casa di Wut, dove Sek lo pugnala a morte e prende i soldi. Toh e Pet nascondono il corpo e cercano di fingere che tutto sia normale.

Ma Adchara e Firestarter arrivano in banca per prelevare i soldi. Toh e Petch negano loro l’accesso al conto, ma è ovvio che c’è qualcosa che non va. Adchara cerca di fuggire e Firestarter cerca di ucciderla. Lei viene salvata da Petch e pugnala Firestarter al collo con una siringa piena di quello che presumo sia Botox, dato che in precedenza era stato stabilito che lei fa trattamenti di bellezza nel suo appartamento. Toh suggerisce di usare questa nuova alleanza per attirare Firestarter da Sek e sperare che i problemi si risolvano da soli.

Durante il confronto culminante in Everybody Loves Me When I’m Dead, Sek spara freddamente a Petch alla testa. Firestarter dà fuoco a Sek e a diversi suoi scagnozzi e ne uccide molti altri con una serie di metodi raccapriccianti. Toh prende una pistola e ne uccide alcuni altri. Adchara quasi uccide Firestarter con un’altra siringa carica, ma preferisce che lui prenda i soldi e li lasci in pace. Toh è meno entusiasta di questa idea, ma non può fare molto. Firestarter se ne va con i soldi, ma viene ucciso in un agguato da un tiratore su un furgone con un simpatico adesivo a forma di maialino, che lo identifica come un altro dipendente del defunto Kamnan Mhoo. Occhio per occhio.

Toh prende i soldi, li deposita su un conto e poi si consegna alle autorità, sostenendo che sono stati nuovamente rubati da una banda rivale. La piccola somma che ha dato ad Adchara, lei la brucia, insieme a una foto della sua madre biologica, Jit. Il funerale di Pet è poco frequentato e Toh viene pugnalato a morte in prigione in onore del Boss Sek.

In una nota finale di grazia, vediamo che Toh ha depositato i soldi sul conto ormai inattivo del suo vecchio amico Shane.

Boneyard – Il caso oscuro: la storia vera che ha ispirato il film

Redazione
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Boneyard – Il caso oscuro: la storia vera che ha ispirato il film

Diretto da Asif Akbar, Boneyard – Il caso oscuro trae ispirazione dalla tragedia nota come gli omicidi di West Mesa, in cui furono ritrovati i resti di 11 donne e un feto sepolti nel terreno. Ovviamente, i realizzatori si sono presi alcune libertà creative e hanno aggiunto alcuni elementi di fantasia alla trama per rendere i conflitti più intriganti, ma comunque gran parte di ciò che viene mostrato è realmente accaduto nella vita reale. Diamo quindi un’occhiata all’intero caso, a ciò che il dipartimento di polizia di Albuquerque ha scoperto nella vita reale e se sono mai riusciti a catturare il colpevole.

Cosa succede nel film Boneyard – Il caso oscuro?

Come mostrato nel film, una donna di nome Christine Ross stava passeggiando con il suo cane Ruca quando ha visto qualcosa sepolto nel terreno. Dopo un’ulteriore ispezione, ha scoperto che si trattava di un pezzo di osso, ed è allora che ha iniziato a sospettare. Ha inviato la foto a un membro della sua famiglia, che le ha confermato che non apparteneva a un animale. Ha informato il dipartimento di polizia, e a quel punto le forze dell’ordine hanno avviato le indagini. Durante le mie ricerche sul caso reale, non ho scoperto che in nessun momento delle indagini un agente di polizia sia stato considerato sospettato, come invece mostrato nel film. Abbiamo visto che, per molto tempo, il detective Ortega ha creduto che fosse uno dei suoi colleghi, Tate, il responsabile degli omicidi. Una delle vittime era la nipote di Ortega, ed è per questo che risolvere il caso era una questione personale per lui. Un personaggio immaginario del film di nome Naomi Harks disse a Ortega che credeva che Tate fosse responsabile della morte di Selena, e fu allora che Ortega divenne ancora più paranoico. Ma alla fine, i risultati del test del DNA della vittima, che era incinta, non corrispondevano a quelli di Tate, e divenne chiaro che non era lui l’assassino delle donne e colui che le aveva seppellite. Nella vita reale, però, la polizia aveva individuato 2 o 3 sospetti, ma ogni volta aveva dovuto rilasciarli per mancanza di prove.

Openweb

Il personaggio di Caesar Monto è probabilmente ispirato vagamente a un sospettato reale che la polizia, per molto tempo, ha ritenuto potesse essere l’assassino. Un uomo di nome Lorenzo Montoya è diventato il principale sospettato, poiché c’erano diversi elementi che indicavano che fosse lui l’assassino. Innanzitutto, amava trovarsi a 3 miglia dal luogo di sepoltura delle vittime degli omicidi di Mesa. Era già stato arrestato in precedenza per aver aggredito delle prostitute e la prova più importante era una videocassetta sequestrata dalle forze dell’ordine nella sua roulotte.

Nel video si vedeva mentre aveva rapporti intimi con una prostituta in modo piuttosto violento. Gli agenti di polizia potevano sentire il rumore di lui che strappava il nastro adesivo da dietro la telecamera, il che li rese ancora più sospettosi. Poi lo sentirono anche aprire un sacco della spazzatura e dire alla ragazza di stare zitta e non creare problemi. Nel film, abbiamo visto che l’agente Petrovick (Mel Gibson) scoprì che, sebbene l’uomo fosse responsabile dell’omicidio di una prostituta, non era il famigerato West Mesa Bone Collector. Secondo Petrovick, l’assassino aveva tratti comportamentali simili a quelli di Caesar, ma non era l’uomo che cercavano.

Qualcosa di simile è accaduto nella vita reale. Lorenzo Montoya potrebbe essere stato coinvolto in molti affari loschi e probabilmente ha ucciso quella prostituta ripresa nel video, ma le autorità non sono riuscite a collegarlo agli omicidi di West Mesa. Ron Erwin, Scott Lee Kimbell e Joseph Blea erano tra le altre persone sospettate nel caso degli omicidi di West Mesa, ma le forze dell’ordine non sono riuscite a collegarli agli omicidi, anche se sono stati condannati per altri crimini che avevano commesso.

È vero che, fino ad oggi, il dipartimento di polizia di Albuquerque non è stato in grado di risolvere il caso. Nessuno sa chi fosse il serial killer o quale fosse il suo movente per uccidere così tante ragazze innocenti. Probabilmente, la teoria di Petrovick è valida anche nella vita reale. Nel film ha affermato di non credere che gli omicidi fossero un atto passionale. Ha detto che l’assassino era qualcuno che credeva di fare un favore al mondo uccidendo queste donne. Probabilmente, l’assassino pensava che uccidendo queste donne avrebbe potuto liberarsi dalla tentazione e assolversi da tutti i peccati che aveva commesso.

È piuttosto scioccante che tragedie del genere possano verificarsi in una società civile, e ciò che è ancora peggio è che le donne si sentissero così impotenti e credessero che nessuno sarebbe venuto a salvarle o a stare al loro fianco nel momento del bisogno. Sì, erano prostitute, ma la società non aveva alcun diritto di guardarle con disprezzo e considerarle esseri insignificanti, perché, in fin dei conti, erano comunque esseri umani.

Kate McKinnon sarà Afrodite in Percy Jackson – Stagione 3

Chiara Guida
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Kate McKinnon sarà Afrodite in Percy Jackson – Stagione 3

Kate McKinnon si è unita al cast della terza stagione di Percy Jackson e i Dei dell’Olimpo come guest star ricorrente. Interpreterà Afrodite, la dea greca dell’amore e della bellezza. Secondo la descrizione ufficiale del personaggio, Afrodite “può alterare il suo aspetto a seconda di chi la osserva” e “deve essere sicura che Percy Jackson (Walker Scobell) rispetti il ​​potere e l’importanza dell’amore prima di accettare di offrirgli aiuto nella sua ricerca“.

I fan di Percy Jackson sono in attesa della seconda stagione dello show, basata su Il mare dei Mostri e in arrivo su Disney+ il prossimo dicembre.

Percy Jackson e i Dei dell’Olimpo è basato sull’omonima serie di libri per ragazzi di Rick Riordan. Riordan ha creato la serie TV con Jonathan E. Steinberg, che ne è lo showrunner insieme a Dan Shotz. I produttori esecutivi includono Steinberg e Shotz; Riordan e Rebecca Riordan; Craig Silverstein; Bert Salke; Ellen Goldsmith-Vein, Jeremy Bell e D.J. Goldberg del Gotham Group; James Bobin; Jim Rowe; Albert Kim; Jason Ensler; e Sarah Watson. Oltre a Scobell, il cast principale include Leah Sava Jeffries, Aryan Simhadri, Charlie Bushnell, Dior Goodjohn e Daniel Diemer.

Good Boy: recensione del film di Ben Leonberg – Alice nella Città

Chiara Guida
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Good Boy: recensione del film di Ben Leonberg – Alice nella Città

Ti sei mai chiesto perché il tuo cane fissa gli angoli vuoti, abbaia nel nulla o rifiuta di entrare in certe stanze? Ben Leonberg sì, e da queste domande nasce Good Boy, il suo esordio alla regia. Un horror intimo e sorprendentemente emotivo, costruito su un’idea tanto bizzarra quanto efficace: raccontare una casa stregata attraverso gli occhi del cane di famiglia.

Senza effetti speciali costosi né dialoghi elaborati, Leonberg riesce a fare di necessità virtù, trasformando i limiti produttivi in stile. Il suo protagonista, Indy, è il suo vero cane, e l’intero film è girato nella casa del regista. Ciò che altrove sarebbe una scelta di economia, qui diventa un atto di coraggio creativo. Il risultato è un horror minimale, poetico e profondamente umano (anche se il punto di vista è, letteralmente, canino).

Cortesia Alice nella Città

Good Boy: l’orrore secondo Indy

La trama di Good Boy è, almeno in apparenza, semplice: Todd e il suo inseparabile cane Indy lasciano la città per trasferirsi nella vecchia casa di famiglia in campagna. Ma il nuovo inizio si trasforma presto in incubo. Indy percepisce presenze invisibili, abbaia agli angoli bui e sembra comunicare con lo spettro di un altro cane morto anni prima. Quando il suo padrone inizia a mostrare segni di un cambiamento oscuro, Indy si ritrova a combattere un male che non comprende ma che riconosce come una minaccia per l’unica persona che ama.

Leonberg costruisce un film che vive di percezioni, di piccoli movimenti e di silenzi carichi di tensione. Non ci sono jump scare gratuiti o effetti digitali vistosi: la paura nasce dal quotidiano, da quella strana familiarità che rende ogni corridoio più lungo e ogni ombra più profonda.

Eppure, la vera forza di Good Boy non sta nella sua componente sovrannaturale, ma nella sua lettura metaforica: Indy non combatte un fantasma, ma la malattia del suo padrone, qualcosa che non può comprendere ma che riconosce come un nemico. Il “mostro” del film, dunque, è il dolore, la perdita, la trasformazione dell’essere amato in qualcosa di sconosciuto.

Un cane, un regista, una casa

Girare un horror dal punto di vista di un cane potrebbe sembrare un esercizio di stile, ma Leonberg riesce a trasformarlo in un racconto universale. Indy non parla, non è antropomorfizzato, non ha pensieri espressi in voce off: tutto passa attraverso il montaggio e il sound design, che diventano il suo linguaggio. Ogni respiro affannato, ogni cigolio, ogni ringhio sommesso costruiscono una tensione tangibile, quasi fisica.

L’approccio realistico è ciò che rende Good Boy davvero efficace. L’assenza di artifici visivi, unita alla spontaneità del protagonista a quattro zampe, crea un effetto straniante ma credibile. È come se stessimo spiando un film che si costruisce da solo, dove la realtà quotidiana si piega lentamente all’incubo.

La casa stessa diventa un personaggio: viva, inquieta, permeata di ricordi e presenze. Le luci soffuse, i corridoi stretti e le stanze piene di silenzio amplificano il senso di isolamento, mentre la fotografia, volutamente naturale, cattura l’essenza del “realismo magico” di Leonberg.

Un film sull’amore, non sulla paura

Dietro le ombre e i fantasmi, Good Boy è prima di tutto un film sull’amore e sulla fedeltà. Indy non capisce cosa stia accadendo, ma capisce che Todd è in pericolo, e che deve proteggerlo a ogni costo. Questa prospettiva rovescia completamente la grammatica dell’horror: l’eroe non è l’uomo che affronta il mostro, ma l’animale che si sacrifica per amore.

È qui che Leonberg tocca corde emotive potentissime. La paura di Indy è la paura di ogni creatura che ama senza comprendere. E quando il film rivela la sua dimensione metaforica – la malattia del padrone, vista dal cane come una possessione – l’orrore si trasforma in compassione.

Nonostante la semplicità dei mezzi, il regista costruisce un racconto che parla di perdita, di impotenza e di quella forma di devozione silenziosa che solo un cane può incarnare. In un panorama horror spesso dominato da sangue e urla, Good Boy sceglie la via dell’empatia.

Cortesia Alice nella Città

Tra Poltergeist e poesia domestica

Leonberg cita apertamente i grandi classici del genere – Poltergeist in primis – ma li filtra attraverso una sensibilità personale, più vicina alla malinconia di un film indipendente che all’horror tradizionale. La sua capacità di costruire il soprannaturale in spazi ordinari rende Good Boy un progetto tanto piccolo quanto ambizioso. Ogni dettaglio, dal suono di un passo al battito accelerato di Indy, concorre a creare una tensione costante che non esplode mai del tutto, mantenendo lo spettatore in un equilibrio inquietante tra realtà e allucinazione.

L’eleganza con cui Leonberg bilancia l’elemento spaventoso con quello emotivo colpisce. Non c’è mai ironia, né distacco: il film crede sinceramente nella sua storia, e proprio per questo riesce a far paura.

L’horror più fedele dell’anno

Good Boy è un piccolo miracolo di inventiva. Con risorse minime, Ben Leonberg costruisce un’esperienza sensoriale, intensa e profondamente toccante. È un horror che parla di fantasmi, ma anche di perdita, malattia e amore incondizionato. E soprattutto, è un film che guarda il mondo attraverso occhi diversi – quelli di un cane che non può spiegarsi l’orrore, ma sa riconoscere il male.

Non è un film perfetto: a tratti la narrazione si allunga, e il finale potrebbe apparire criptico per chi cerca una risoluzione tradizionale. Ma nel suo piccolo, Good Boy rappresenta una delle idee più originali viste nel cinema indipendente recente.

È un omaggio ai cani, alla loro lealtà, e a quella forma di amore puro che non ha bisogno di parole.

La vita va così: recensione del film di Riccardo Milani – #RoFF20

Chiara Guida
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La vita va così: recensione del film di Riccardo Milani – #RoFF20

Presentato come film d’apertura della 20ª edizione della Festa del Cinema di Roma, La vita va così segna il ritorno di Riccardo Milani dietro la macchina da presa con una storia che intreccia memoria, identità e progresso. Dopo il successo di Un mondo a parte (qui la nostra recensione), che ci portava tra le montagne d’Abruzzo, il regista sceglie questa volta la Sardegna meridionale come teatro di un nuovo scontro tra tradizione e modernità.

Nel cast, un mix inaspettato: Virginia Raffaele, Diego Abatantuono, Aldo Baglio, Giuseppe Ignazio Loi e la partecipazione di Geppi Cucciari. Un ensemble che, almeno sulla carta, promette equilibrio tra ironia e dramma, anche se non sempre riesce a mantenere la promessa.

Prodotto da OURFILMS in collaborazione con Netflix e distribuito da Medusa Film e PiperFilm, La vita va così arriva nelle sale dal 23 ottobre. E nonostante la potenza visiva della fotografia di Simone D’Onofrio e Saverio Guarna — che trasforma la Sardegna in un personaggio vivo e pulsante — la pellicola finisce per perdersi nei suoi stessi orizzonti.

@Claudio Iannone

La vita va così: una storia di resistenza e appartenenza

Alla soglia del nuovo millennio, Milani costruisce un racconto di contrasti: Efisio Mulas (Giuseppe Ignazio Loi), pastore solitario e ultimo custode di una costa incontaminata, si trova a difendere la propria terra da Giacomo (Diego Abatantuono), imprenditore deciso a trasformare quel paradiso in un resort di lusso. Attorno a loro ruotano Francesca, la figlia di Efisio (Virginia Raffaele), divisa tra la voglia di cambiare e il peso delle radici, e Giovanna (Geppi Cucciari), giudice chiamata a dirimere un conflitto che presto travalica il piano legale per diventare simbolico.

L’idea di Milani è nobile: raccontare la tensione tra progresso e identità, tra chi vede nel cemento una promessa di futuro e chi riconosce nella terra la memoria di un passato da non tradire. Tuttavia, La vita va così si muove su binari fin troppo prevedibili, e il suo messaggio – pur potente – si perde in un ritmo che fatica a trovare una direzione precisa.
Il film, infatti, risulta troppo lungo per il suo racconto: la durata dilatata ne appesantisce la struttura e ne smorza l’emozione, lasciando spesso lo spettatore intrappolato in sequenze ripetitive che sembrano dire sempre la stessa cosa.

Eppure, nonostante le sue debolezze narrative, il film possiede una delicatezza visiva e un senso del paesaggio che rimangono impressi. La Sardegna filmata da Milani è ruvida, bellissima, sospesa in un tempo che non esiste più: una terra che parla con il vento, con il silenzio e con la luce. È in quei momenti, tra una collina dorata e il mare che sembra non finire mai, che il film trova la sua verità più autentica.

@Claudio Iannone

I volti del cambiamento

Virginia Raffaele, qui in un ruolo lontano dalle sue corde comiche, sorprende per misura e sensibilità: la sua Francesca è un personaggio fragile, combattuto, che porta in sé il peso di una generazione in bilico. Abatantuono offre invece una performance solida ma prevedibile, mentre Aldo Baglio, nei panni di Mariano, regala qualche lampo di umanità che spezza la rigidità del racconto.

Il vero cuore del film è però Efisio, interpretato da Giuseppe Ignazio Loi, presenza magnetica e intensa. È lui il simbolo del “non arrendersi”, del rifiuto di un mondo che cambia troppo in fretta. Nei suoi silenzi si sente tutta la malinconia di un’epoca che scompare, e quando si oppone con testarda dolcezza ai progetti di Giacomo, il film ritrova il suo centro emotivo.

Geppi Cucciari, nel ruolo della giudice, rappresenta la voce della ragione: ironica, disincantata, ma profondamente legata a quella terra. La sua presenza porta un’energia che manca altrove, e ogni sua scena accende il racconto di un calore sincero.

Il sogno (incompiuto) di Milani

La vita va così sembra voler proseguire il discorso iniziato con Un mondo a parte: Milani continua a cercare l’Italia marginale, i luoghi dove la modernità arriva come una minaccia e la semplicità resiste come un atto di fede. Ma se nel film precedente c’era una leggerezza poetica, qui la regia si fa più compassata, quasi timorosa. Il desiderio di lirismo non sempre trova parole adeguate, e il risultato è un racconto che oscilla tra la denuncia sociale e il dramma familiare senza riuscire a fondere davvero i due piani.

@Claudio Iannone

Rimane, però, la forza di un messaggio universale: la necessità di fermarsi, guardare ciò che ci circonda e scegliere consapevolmente dove andare. “A volte, proprio perché la vita va così, bisogna decidere da soli dove andare.” È una frase semplice che racchiude l’anima del film: quella di un cinema che crede ancora nel valore delle piccole scelte, anche quando il mondo sembra correre troppo veloce.

La bellezza non basta

La vita va così è un film sincero, costruito con cura e affetto, ma che non riesce a trovare la compattezza necessaria per emozionare davvero. L’intento è nobile, la fotografia magnifica, gli interpreti credibili – eppure qualcosa si perde per strada. La sceneggiatura, firmata dallo stesso Milani con Michele Astori, sicuramente non dà ritmo a una storia che avrebbe meritato più sintesi e più coraggio.

In fondo, come suggerisce il titolo, “la vita va così”: non sempre le buone intenzioni bastano, e anche un film pieno di luce può restare in ombra se non trova la giusta misura.

Selma – La strada per la libertà: la spiegazione del finale del film

Redazione
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Selma – La strada per la libertà: la spiegazione del finale del film

Selma – La strada per la libertà non è solo un film biografico, ma un ritratto profondo del coraggio civile e del prezzo del cambiamento. Diretto da Ava DuVernay e interpretato da David Oyelowo nei panni di Martin Luther King Jr., il film rievoca uno dei momenti più importanti della storia americana, in cui la lotta per i diritti civili passò dalle parole all’azione.

La pellicola, candidata all’Oscar nel 2015, racconta le marce organizzate tra Selma e Montgomery nel 1965, un punto di svolta nella lunga battaglia per il diritto di voto degli afroamericani.  DuVernay non si limita a ripercorrere gli eventi, ma costruisce un racconto intimo e collettivo, in cui il linguaggio della protesta diventa preghiera, e la violenza della repressione si trasforma in una spinta morale verso la giustizia.

Il finale di Selma è uno dei più potenti del cinema politico contemporaneo. Non chiude la storia, la apre. È la dimostrazione che le conquiste civili non sono mai definitive, ma frutto di una lotta costante, alimentata dalla forza del popolo e dal coraggio di chi sceglie di non arretrare.

Cosa succede in Selma – La strada per la libertà

Il film si apre con la consegna del Premio Nobel per la Pace a Martin Luther King, ma la gloria internazionale non si traduce in giustizia per i neri d’America. Nel Sud segregazionista, migliaia di afroamericani continuano a essere esclusi dal diritto di voto attraverso cavilli legali, tasse elettorali e intimidazioni.

King decide di concentrare la protesta in Selma, Alabama, dove il razzismo è istituzionalizzato e la violenza della polizia è una costante. Insieme ai leader locali del Southern Christian Leadership Conference (SCLC), organizza marce pacifiche per attirare l’attenzione nazionale sulla necessità di una legge federale.

Il 7 marzo 1965, centinaia di manifestanti attraversano il ponte Edmund Pettus: è la prima delle tre marce da Selma a Montgomery. La risposta è brutale. La polizia, guidata dallo sceriffo James Clark, carica i dimostranti con manganelli e gas lacrimogeni. Le immagini del cosiddetto “Bloody Sunday” scuotono gli Stati Uniti e il mondo intero.

Dopo altri due tentativi, il terzo – e decisivo – riesce. Scortati da truppe federali e osservatori, King e migliaia di cittadini percorrono finalmente l’intero tragitto fino alla capitale dell’Alabama. L’evento spinge il presidente Lyndon B. Johnson a proporre al Congresso il Voting Rights Act, firmato il 6 agosto 1965.

La spiegazione del finale

Nel finale, Selma si trasforma da film storico a testamento morale. La marcia conclusiva da Selma a Montgomery, guidata da Martin Luther King Jr. e accompagnata da migliaia di cittadini comuni, non è soltanto la rappresentazione di un evento politico, ma un rito collettivo di purificazione. Dopo settimane di violenza, arresti e sangue versato sul ponte Edmund Pettus, la comunità afroamericana conquista non solo il diritto di voto, ma la dignità di essere ascoltata.

La regista Ava DuVernay costruisce la sequenza finale come una liturgia civile: la marcia è lenta, quasi sacra, scandita da un ritmo interiore più che narrativo. Ogni passo è il simbolo di un secolo di oppressione, e ogni volto inquadrato rappresenta la forza silenziosa della resistenza. Il film rinuncia all’enfasi del trionfo per abbracciare il linguaggio della memoria, con King che avanza come un sacerdote che guida il suo popolo verso la redenzione.

Quando King tiene il suo discorso davanti al Campidoglio dell’Alabama, DuVernay non mostra soltanto le sue parole, ma le alterna alle immagini dei veri protagonisti della lotta: gli uomini e le donne che non sono sopravvissuti per vederne i frutti. Tra questi ci sono Jimmie Lee Jackson, ucciso durante una protesta pacifica, e James Reeb, il pastore bianco assassinato da razzisti dopo aver sostenuto la causa dei diritti civili.
Le immagini scorrono come in un documentario spirituale, ricordando che ogni conquista civile nasce da un sacrificio personale.

Il momento in cui King pronuncia la frase “How long? Not long” (“Per quanto ancora? Non per molto”) è il cuore simbolico del film. Quelle parole risuonano come una profezia: non appartengono solo al 1965, ma a ogni epoca in cui la giustizia è rimandata, e la libertà è promessa ma non mantenuta. DuVernay, con un linguaggio visivo sobrio ma profondamente emotivo, trasforma la Storia in un monito: ogni progresso può regredire se non viene difeso.

Il senso profondo del finale

Il finale di Selma non chiude una storia: la riapre. Quando King e i suoi compagni raggiungono Montgomery, non sono accolti da un’esplosione di gioia, ma da un silenzio carico di consapevolezza. Non è la vittoria di un uomo, ma di un’idea. La macchina da presa indugia sui volti, sulla polvere del cammino, sulle mani che si sfiorano. È la rappresentazione visiva del concetto di “comunità redenta”, di un popolo che riconquista il proprio posto nella democrazia americana.

La regista non mostra la firma del Voting Rights Act, ma lascia che la canzone “Glory” di John Legend e Common faccia da ponte tra passato e presente. La musica, che unisce gospel e hip hop, collega la Selma del 1965 con l’America contemporanea, ricordando che la lotta per la giustizia non è mai finita. Quando la voce di Legend canta “One day, when the glory comes, it will be ours”, la promessa del film diventa universale: la gloria, la vera libertà, è sempre “un giorno ancora da conquistare”.

Il ponte Edmund Pettus, simbolo della violenza e della paura, si trasforma così nel luogo della rinascita. DuVernay lo filma dall’alto, con una luce che sembra divina, come se il dolore avesse lasciato spazio alla speranza. Quel ponte, che porta il nome di un generale confederato e membro del Ku Klux Klan, diventa nel finale il simbolo più potente di tutti: il passaggio da un’America segregata a un’America che tenta, faticosamente, di cambiare.

Un finale aperto, politico e spirituale

Il film non termina con la pace, ma con una consapevolezza. La battaglia per il diritto di voto, vinta nel 1965, continua ancora oggi sotto altre forme: restrizioni elettorali, discriminazioni sistemiche, nuove divisioni politiche.  DuVernay lo suggerisce senza didascalie: Selma è ogni luogo in cui la giustizia è negata, e ogni tempo in cui la libertà è messa in discussione.

La grandezza del finale sta proprio in questo: nel trasformare una vicenda storica in un atto di fede laica, un invito permanente alla partecipazione civile. Quando la marcia si dissolve nella musica, lo spettatore capisce che la vera eredità di Selma non è il voto, ma la coscienza politica.E che il sacrificio di quei manifestanti continua a parlare anche a noi, oggi, in un mondo ancora diviso tra paura e speranza.

JUJUTSU KAISEN: Esecuzione, trailer del film in arrivo al cinema

Redazione
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JUJUTSU KAISEN: Esecuzione, trailer del film in arrivo al cinema

Il trailer di JUJUTSU KAISEN: Esecuzione presenta per la prima volta sul grande schermo la più grande battaglia di JUJUTSU KAISEN fino ad oggi, “L’incidente di Shibuya”, e i primi due episodi inediti dell’attesissima stagione 3: “L’inizio del Gioco di Sterminio”.

La serie anime JUJUTSU KAISEN, prodotta da TOHO animation, realizzata dal leggendario studio MAPPA e basata sull’omonimo manga best-seller di Gege Akutami, pubblicato su Weekly Shonen Jump di Shueisha, è andata in onda per la prima volta nell’ottobre 2020. Da allora è diventata un vero e proprio fenomeno globale. La popolarissima serie ha concluso la sua seconda stagione nel dicembre 2023 ed è stata premiata come “Anime dell’anno” ai Crunchyroll Anime Awards 2024, oltre a numerosi altri riconoscimenti. Quest’anno, Crunchyroll e Sony Pictures Entertainment hanno distribuito JUJUTSU KAISEN: Hidden Inventory / Premature Death – The Movie in alcuni territori internazionali ed è stata la prima uscita di JUJUTSU KAISEN dalla fine della seconda stagione della serie. Il film è stato anche il primo lungometraggio del franchise dopo JUJUTSU KAISEN 0, che ha incassato oltre 188 milioni di dollari a livello globale.

JUJUTSU KAISEN: Esecuzione sarà nelle sale italiane dall’8 dicembre distribuito da Eagle Pictures.

Selma – La strada per la libertà, la storia vera dietro al film

Redazione
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Selma – La strada per la libertà, la storia vera dietro al film

A volte le persone comuni possono avere un impatto straordinario sulla politica americana. Selma – La strada per la libertà racconta le proteste popolari che portarono all’approvazione del Voting Rights Act del 1965, la legge che garantì il diritto di voto agli afroamericani. Il film diretto da Ava DuVernay mostra come semplici cittadini, uniti dalla convinzione di una causa giusta, riuscirono a spingere il potere politico ad agire quando questo sembrava incapace di farlo da solo.

Nel racconto cinematografico, il presidente Lyndon B. Johnson appare come un leader esitante, quasi ostile alla proposta di una legge sul diritto di voto. In una delle scene più memorabili, Martin Luther King Jr. affronta il presidente:

“La questione del voto dovrà aspettare”, dice Johnson.
“Non può aspettare”, risponde King.

La trama ruota attorno a un gruppo di attivisti per i diritti civili che, di fronte all’inazione di Washington, decide di rischiare tutto. Solo dopo la violenta repressione della polizia, Johnson si rende conto che il silenzio non è più possibile.

Storia e polemiche dietro il film

Il film ha suscitato accese discussioni per la sua rappresentazione di Johnson. Molti storici e membri della sua amministrazione hanno criticato la scelta di descriverlo come un presidente riluttante, sostenendo che in realtà fosse già determinato ad affrontare la questione del voto. Secondo Joseph Califano, ex consigliere presidenziale, e il direttore della Lyndon Baines Johnson Presidential Library, il film avrebbe travisato le vere intenzioni di LBJ.

Per capire davvero cosa accadde, bisogna tornare alle fonti originali: le registrazioni telefoniche della Casa Bianca. In occasione del cinquantesimo anniversario della “Great Society”, i documenti e le conversazioni dell’epoca offrono un ritratto più complesso del presidente e delle dinamiche politiche che portarono alla legge.

Al momento della sua vittoria elettorale nel 1964 contro Barry Goldwater, Johnson era già convinto della necessità di una legge sul diritto di voto. Dopo aver sostenuto il Civil Rights Act del 1964, che pose fine alla segregazione nei luoghi pubblici, riteneva che fosse giunto il momento di garantire anche l’uguaglianza elettorale.

Johnson e la vera battaglia politica dietro il Voting Rights Act

Contrariamente a quanto mostra Selma, il presidente non aveva bisogno di essere “convinto” dell’importanza della legge. I nastri della Casa Bianca rivelano che, già nel dicembre 1964, Johnson discuteva con il viceprocuratore generale Nicholas Katzenbach di un testo che semplificasse la registrazione al voto per gli afroamericani. Nei mesi successivi incaricò Katzenbach di negoziare segretamente con il senatore repubblicano Everett Dirksen per ottenere il sostegno bipartisan necessario.

Tuttavia, Johnson esitava sulla tempistica. Non voleva proporre un nuovo disegno di legge subito dopo il Civil Rights Act, temendo che un altro scontro sulla questione razziale avrebbe spaccato il Partito Democratico. Credeva fosse necessario aspettare la fine del 1965 per evitare un crollo del consenso e garantire che altre riforme sociali – istruzione, sanità, lotta alla povertà – potessero passare prima.

Gli attivisti, invece, non erano disposti ad attendere. Per loro, rinviare significava condannare la riforma all’oblio. Martin Luther King Jr. parlava spesso della “feroce urgenza del presente”: l’idea che ogni rinvio, in politica, fosse solo un modo per lasciare morire le leggi.

Selma, Alabama: quando il popolo costrinse il potere ad agire

Mentre Johnson temporeggiava, King decise di agire. Scelse Selma, Alabama, una delle città più razziste del Sud, come teatro delle proteste. Gli attivisti organizzarono manifestazioni pacifiche per denunciare gli ostacoli che impedivano agli afroamericani di votare. La risposta fu brutale: lo sceriffo James Clark e i suoi uomini attaccarono i manifestanti con manganelli, cavalli e gas lacrimogeni.

Le immagini delle violenze, trasmesse in tutto il paese, sconvolsero l’opinione pubblica. Il 7 marzo 1965 – giorno passato alla storia come “Bloody Sunday” – i manifestanti furono caricati mentre cercavano di attraversare il ponte Edmund Pettus per marciare fino a Montgomery. Tra loro c’era John Lewis, futuro membro del Congresso, il cui cranio venne fratturato.

Johnson, vedendo le immagini e leggendo i resoconti, comprese che la nazione stava cambiando. In una telefonata del 10 marzo, ammise di temere di essere percepito come un “presidente del Sud”, complice del razzismo istituzionale.

Il discorso che cambiò la storia

Pochi giorni dopo, Johnson si rivolse al Congresso con un discorso storico, uno dei più commoventi della sua carriera. Le sue parole fecero piangere Martin Luther King Jr.

“Their cause must be our cause too. Because it’s not just Negroes, but all of us, who must overcome the crippling legacy of bigotry and injustice. And we shall overcome.”

Quelle parole – “We shall overcome” – riecheggiarono come una promessa solenne. Johnson aveva finalmente abbracciato la causa dei diritti civili e si impegnò a far approvare la legge sul diritto di voto.

Nelle settimane successive, il presidente lavorò instancabilmente per ottenere i voti necessari, affrontando apertamente i leader segregazionisti del Sud. In una conversazione privata definì il governatore dell’Alabama George Wallace un “traditore figlio di puttana” per la sua complicità nella violenza di Selma.

Il risultato: un cambiamento reale e duraturo

Il 6 agosto 1965, dopo l’approvazione del Senato e della Camera, Johnson firmò il Voting Rights Act. Nei mesi successivi, quasi 250.000 afroamericani si registrarono per votare grazie alla protezione federale, e milioni li avrebbero seguiti negli anni successivi.

La lezione di Selma resta oggi più attuale che mai. In un’epoca di divisioni politiche, il film ci ricorda che il vero cambiamento nasce dal basso, quando i cittadini spingono i loro leader ad agire. Anche i presidenti più audaci, come Johnson, hanno bisogno di quella pressione morale che solo la società civile può esercitare. A Selma lo status quo non vinse. Vinse la gente comune. E, nel farlo, cambiò per sempre la storia degli Stati Uniti.

The Conjuring – Il caso Enfield: la spiegazione del finale del film

Gianmaria Cataldo
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The Conjuring – Il caso Enfield: la spiegazione del finale del film

The Conjuring – Il caso Enfield (qui la recensione) ha continuato le avventure delle versioni cinematografiche di Ed e Lorraine Warren, con il finale del film che ha ampliato l’universo e ha persino creato un cattivo generale per il franchise. Uscito nel 2016, il film ha riportato Ed, interpretato da Patrick Wilson, e Lorraine, interpretata da Vera Farmiga, a indagare su un caso di fantasmi in Inghilterra. Il film è basato sul loro lavoro con gli Hodgson attraverso le loro esperienze con il poltergeist di Enfield.

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La spiegazione del colpo di scena demoniaco e inquietante: chi è Valak

Il grande colpo di scena di The Conjuring – Il caso Enfield rivela che Bill Wilkins non è il vero artefice delle sofferenze della famiglia Hodgson, presentando il demoniaco Valak come una minaccia generale per l’intera serie. Il film si concentra in gran parte sui Warren e sui loro tentativi di aiutare Janet Hodgson a liberarsi dalla sua apparente possessione. All’inizio sembra che la crisi sia stata causata da Wilkins, il fantasma rancoroso di qualcuno che in passato viveva nella casa degli Hodgson. Tuttavia, verso la fine del film, si scopre che Wilkins in realtà non è affatto malvagio.

In realtà, era stato costretto a prendere di mira Janet per volere di Valak. Valak è una forza demoniaca introdotta in questo film sotto forma di suora. Rapidamente affermatasi come antagonista di Lorraine, Valak è diventata progressivamente una delle principali antagoniste dell’universo cinematografico di Conjuring. The Nun e The Nun 2 si concentrano direttamente sul personaggio, rivelando che il demone era stato imprigionato per secoli prima di liberarsi. Negli eventi dei film di The Conjuring, Valak aveva sviluppato un’ostilità nei confronti dei Warren e aveva apertamente cercato di metterli in pericolo.

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The Conjuring - Il caso Enfield trama

Come Lorraine ed Ed sopravvivono e sconfiggono Valak

Oltre al pericolo che corre Janet, Lorraine trascorre The Conjuring – Il caso Enfield terrorizzata da una visione che ha avuto l’anno precedente e che sembrava preannunciare la morte di Ed. La visione era stata causata da Valak, che sembra essere anche la forza demoniaca responsabile della possessione avvenuta nella famigerata casa di Amityville. Questa storia fa da apertura al film e sembra essere la causa principale che spinge il demone a perseguire i Warren.

Quando i Warren capiscono la verità su Wilkins e tornano di corsa per aiutare Janet, Ed finisce in una situazione che sembra pericolosa, simile agli eventi profetizzati da Lorraine. Tuttavia, i precedenti incontri di Lorraine con Valak le hanno dato la possibilità di scoprire il vero nome del demone. Questo si rivela essere l’unico modo per bandire il demone all’inferno. Grazie a questa conoscenza, Lorraine è in grado di affrontare Valak e costringere il demone a tornare all’inferno. Questo libera Janet dall’influenza di Valak e le dà la possibilità di salvare Ed prima che possa cadere e morire.

Perché Valak stava manipolando lo spirito di Bill Wilkins

Bill Wilkins è inizialmente la minaccia più urgente di The Conjuring – Il caso Enfield, ma si rivela essere una pedina involontaria nei piani di Valak. Mentre lo spirito vuole semplicemente passare all’aldilà per stare con la sua famiglia, Valak lo costringe a rimanere sulla Terra come parte di un piano per tormentare gli Hodgson e prendere di mira i Warren. La ragione principale dietro a tutto questo sembra essere parte di un piano per nascondere il coinvolgimento di Valak. Sebbene il demone sia potente, le sue caratteristiche demoniache gli conferiscono una debolezza evidente che può essere usata contro di lui.

Una volta scoperta la vera natura del demone, i Warren potrebbero usare il suo nome per bandirlo all’inferno. Usando Wilkins come intermediario, Valak sperava di mettere in atto i suoi piani prima che i Warren potessero scoprire la chiave per sconfiggerlo. Se fossero stati troppo occupati a pensare che si trattasse semplicemente di una possessione spettrale o addirittura di una messinscena della famiglia Hodgson, i Warren non sarebbero stati in grado di contrastare Valak prima che delle vite innocenti andassero perdute, comprese potenzialmente le loro. Questo è il motivo per cui Valak ha costretto Wilkins a prendere di mira la famiglia, anche se lo spirito non nutriva alcuna vera malvagità nei loro confronti.

The Conjuring - Il Caso Enfield

The Conjuring – Il caso Enfield introduce il vero cattivo della serie

L’aspetto unico e le tattiche spaventose di Valak lo hanno reso un cattivo memorabile per la serie, che ha progressivamente rivelato la portata dell’influenza di Valak sul mondo. Mentre Valak è stato introdotto in The Conjuring – Il caso Enfield, gli eventi dei film The Nun hanno rivelato il lignaggio delle suore che inizialmente avevano il compito di contenere il demone e come alla fine esso sia riuscito a liberarsi. È stato suggerito che Valak fosse anche direttamente collegato alla storia di Annabelle. In Annabelle 2: Creation, è stato rivelato che Valak era segretamente presente durante il soggiorno di suor Charlotte in Romania.

In seguito, una falsa sorella Charlotte attira Janice nel fienile dove può essere posseduta da Malthus, la forza demoniaca all’interno della bambola Annabelle. Ciò implica che Valak fosse presente durante la possessione di Janice da parte di Malthus e potrebbe anche aver svolto un ruolo chiave nel portare la ragazza da Annabelle. È interessante notare che Valak non è apparso nei film successivi ambientati più avanti nella linea temporale (come Annabelle 3), il che suggerisce che il demone sia rimasto all’inferno dopo gli eventi di The Conjuring – Il caso Enfield. Tuttavia, rimane la possibilità che il demone possa liberarsi, mettendo nuovamente in pericolo i Warren.

Come il finale di The Conjuring – Il caso Enfield amplia il mondo paranormale dei Warren

L’introduzione di Valak nel mondo dei film di The Conjuring non è l’unico modo in cui il film amplia la portata del franchise. Una parte importante di The Conjuring – Il caso Enfield è il modo in cui si espande oltre i Warren e gli Hodgson per toccare altri investigatori e fenomeni di infestazione. Il film si apre con i Warren alle prese con un altro caso di infestazione, quello della casa di Amityville. Questo mette in evidenza il numero di diversi casi di infestazioni e possessioni con cui i Warren hanno dovuto confrontarsi nel corso degli anni e mostra come questi possano estendersi oltre i confini nazionali per diventare una minaccia globale.

The Conjuring - Il caso Enfield storia vera

The Conjuring – Il caso Enfield richiama anche l’attenzione sul fatto che nel mondo esistono altri investigatori del soprannaturale, come Maurice Grosse e Anita Gregory. Questo suggerisce l’idea che i Warren non siano affatto gli unici in grado di affrontare le forze soprannaturali all’opera nel loro mondo. Il film torna anche alla collezione di oggetti soprannaturali e cimeli di Ed e Lorraine, ampliando ulteriormente la portata della serie e preparando direttamente gli eventi di Annabelle Comes Home.

Cosa è successo alla vera famiglia Hodgson dopo The Conjuring – Il caso Enfield

Uno dei grandi punti di forza della serie The Conjuring è il modo in cui utilizza storie di possessioni reali come ispirazione per le sue trame. Esiste una certa controversia sul fatto che le apparizioni fossero reali o meno, che si estende anche all’esperienza degli Hodgson. Sebbene non ci fosse nessuna suora demoniaca e i Warren fossero meno coinvolti nella storia vera di quanto descritto in The Conjuring – Il caso Enfield, essi si recarono comunque in Inghilterra per incontrare gli Hodgson dopo che questi ultimi erano stati perseguitati dallo spirito di Bill Wilkins. Dopo gli eventi del film e la loro esperienza con il poltergeist di Enfield, la famiglia Hodgson cercò di ritrovare un senso di normalità.

Purtroppo, il rapporto tra Janet e sua madre ha sofferto negli anni successivi alla loro esperienza soprannaturale. Come descritto nella serie docu-drama The Enfield Poltergiest, debuttata nel 2023, Janet alla fine lasciò casa e si sposò giovane. Anche se la maggior parte della famiglia è ormai deceduta, Janet ha continuato a parlare dell’incidente. Sebbene alcuni mettano ancora in dubbio la veridicità della storia, alcune testimonianze suggeriscono che anche altre famiglie che si sono successivamente trasferite nella ex casa degli Hodgson abbiano vissuto strani avvenimenti. Anche se The Conjuring – Il caso Enfield potrebbe aver drammatizzato la storia vera, è possibile che a Enfield siano ancora all’opera forze soprannaturali.

Legami di sangue: la spiegazione del finale

Redazione
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Legami di sangue: la spiegazione del finale

Con Legami di sangue (My Heart Can’t Beat Unless You Tell It To), il regista Jonathan Cuartas firma uno dei film più originali e disturbanti del panorama indipendente americano degli ultimi anni. A metà strada tra il dramma familiare e l’horror esistenziale, il film racconta l’impossibilità di lasciar andare ciò che si ama, anche quando questo amore diventa distruzione.

Nel cuore del racconto ci sono Dwight (Patrick Fugit) e Jessie (Ingrid Sophie Schram), due fratelli adulti che vivono in una casa isolata con il fratello minore Thomas (Owen Campbell). Thomas è fragile, pallido, costantemente malato. Ben presto si capisce che non si tratta di una semplice malattia: Thomas sopravvive solo bevendo sangue umano, e i fratelli, incapaci di accettare l’inevitabile, si trasformano in suoi custodi e carnefici.

Legami di sangue è un film sull’amore malato, sulla dipendenza e sulla negazione della morte. Ma è anche una parabola sulla famiglia come luogo in cui affetto e violenza coesistono. Cuartas costruisce un racconto minimale, intimo, girato quasi interamente in interni claustrofobici, dove la luce e il silenzio diventano parte integrante del linguaggio emotivo.

Cosa succede in Legami di sangue

Dwight e Jessie vivono ai margini della società, isolati dal mondo e uniti da un segreto che li logora giorno dopo giorno. Per nutrire Thomas, Dwight è costretto a uccidere sconosciuti e a nascondere i corpi, mentre Jessie mantiene l’illusione di una vita familiare “normale”, curando il fratello e fingendo che tutto possa continuare com’è sempre stato.

Il film si apre con una scena di omicidio: Dwight attira un senzatetto nella loro casa per ucciderlo, e da subito lo spettatore percepisce la dimensione morale del racconto. Non è il male a muoverli, ma la pietà.
Tuttavia, quella pietà diventa una prigione. Thomas, sempre più consapevole del peso che rappresenta, inizia a mettere in discussione il senso della propria esistenza. Vuole uscire, vivere, provare ciò che non può avere.

Con il passare dei giorni, i tre si ritrovano risucchiati in un circolo vizioso di colpa, amore e sacrificio. Dwight tenta di ribellarsi, di smettere di uccidere, ma Jessie non glielo permette: per lei la famiglia è tutto, anche a costo della propria umanità.

La spiegazione del finale di Legami di sangue

Legami di sangue

Nel finale, Dwight compie l’unico atto di libertà possibile. Dopo l’ennesima discussione con la sorella, decide di portare Thomas in un luogo isolato, lontano dalla casa-prigione. Ma Thomas, consapevole del proprio destino e incapace di sopportare il dolore che infligge ai fratelli, chiede di morire.

Dwight, distrutto ma lucido, lo accontenta: lo lascia addormentarsi sotto il sole, esponendolo alla luce che lo uccide lentamente.
Questa scena, girata con una delicatezza quasi mistica, trasforma la morte in un atto d’amore. Dwight non uccide per liberarsi, ma per liberarlo.

Quando torna a casa, Jessie comprende ciò che è accaduto e, devastata dal dolore, si suicida, incapace di concepire un mondo senza i suoi fratelli.
Dwight, ormai solo, si abbandona alla disperazione e si consegna simbolicamente alla stessa fine, camminando nella notte senza meta.

Il significato del finale è chiaro: Legami di sangue racconta l’impossibilità di separarsi da chi amiamo, anche quando l’amore stesso è una forma di condanna. Il “mostro” non è Thomas, ma il vincolo che tiene unita la famiglia, un legame che si nutre di sacrificio e senso di colpa.

Cuartas chiude il film nel silenzio, senza catarsi né redenzione. Solo un gesto di pietà che diventa, paradossalmente, l’unico atto di libertà rimasto.

Temi e simbolismo in Legami di sangue

Nonostante il suo apparente realismo, Legami di sangue utilizza l’horror solo come linguaggio per raccontare la dipendenza affettiva.
Thomas non è un vampiro nel senso tradizionale: è una figura tragica che incarna il bisogno disperato di essere amato, anche a costo di distruggere chi gli sta accanto.
Il vampirismo diventa così una metafora del legame familiare tossico, della cura che diventa sacrificio e della colpa che passa di generazione in generazione.

La casa, filmata da Cuartas come uno spazio angusto e oscuro, è la rappresentazione fisica di questa prigione affettiva. Ogni stanza è un ricordo, un rimorso, una ferita. Il mondo esterno, luminoso e irraggiungibile, rappresenta la libertà che i protagonisti non sapranno mai concedersi.

Dwight, interpretato da Patrick Fugit, assume i tratti di un angelo della morte: un uomo che uccide per amore, ma che alla fine deve sacrificare proprio ciò che ama per restare umano.
Il titolo italiano, Legami di sangue, cattura l’essenza del film: l’amore come catena, il sacrificio come unica forma di salvezza.

Nel silenzio finale, Cuartas sembra suggerire che l’unico modo per amare veramente è lasciare andare, anche se questo significa morire con ciò che si ama.

Bones and All: la spiegazione del finale del film

Gianmaria Cataldo
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Bones and All: la spiegazione del finale del film

Bones and All (qui la recensione) è una storia d’amore cannibalistica diretta da Luca Guadagnino con un finale straziante. Quando Maren (Taylor Russell) viene abbandonata dal padre a causa dei suoi impulsi mostruosi, parte alla ricerca della madre, che non vede da quando era bambina. Lungo il percorso, Maren scopre presto di non essere sola e che ci sono altri “mangiatori” da cui può imparare. Tra questi ci sono un uomo inquietante di nome Sully (Mark Rylance) e Lee (Timothée Chalamet), con cui stringe un legame.

Già regista di Chiamami col tuo nome e del remake di Suspiria del 2018, Guadagnino non è nuovo a storie d’amore non convenzionali e drammi inquietanti. Sebbene una “storia d’amore cannibale” sia di per sé una premessa strana e intrigante, Bones and All mantiene questa idea piuttosto originale fino alla fine della storia, portando la storia d’amore tra Maren e Lee in un luogo che fonde gli aspetti romantici della storia con quelli horror e sanguinosi. Tuttavia, il film lascia anche molte domande che vale la pena esplorare.

Cosa succede nel finale di Bones And All?

Il cast stellare di Bones And All dà vita ad un film avvincente, straziante e terrificante allo stesso tempo. Lee e Maren hanno finalmente creato una vita felice insieme e si sono sistemati, quando un minaccioso e strano cannibale che Maren ha incontrato anni fa, di nome Sully, ritorna. Geloso e arrabbiato per il fatto che lei lo abbia lasciato, Sully entra nel loro appartamento e la minaccia. Lee arriva a casa e protegge Maren, ma viene pugnalato al polmone. Con l’ultimo respiro, Lee implora Maren di mangiarlo, mentre lei piange e inizialmente rifiuta.

La richiesta che Lee fa a Maren è chiaramente difficile da accettare per lei, che non vuole credere che lui stia davvero per morire, ma commossa dal fatto che lui accetti chi lei è nei suoi ultimi momenti. Maren inizialmente rifiuta l’offerta di Lee di consumarlo, ma dopo un bacio appassionato cambia idea. Sebbene non sia mostrato in modo così esplicito come altre scene di cannibalismo, si può presumere che lei lo mangi. Lei inizia a leccare il suo sangue prima che il film passi a un appartamento vuoto, suggerendo che Maren abbia mangiato Lee prima di pulire e traslocare.

bones and all recensione

Perché Lee vuole che Maren lo mangi?

Nel corso della storia d’amore cannibale di Bones and All, Maren e Lee formano un legame molto speciale. Se è vero che Maren e gli altri mangiatori del film sono più attratti dalle persone che mostrano loro affetto in termini di chi vogliono mangiare, Lee sarebbe il pasto ideale di Maren. Anche se la richiesta di Lee è piuttosto strana, i due sono diventati molto intimi, vivono insieme e sono profondamente innamorati. È possibile che Lee sapesse quanto mangiarlo l’avrebbe soddisfatta, e sapendo che stava già morendo, lei poteva farlo.

In tutto il libro da cui il film è tratto, Maren è molto a disagio nell’uccidere persone innocenti per mangiare. Preferirebbe di gran lunga trovare una persona immorale piuttosto che qualcuno che sta già morendo. Ogni volta che la coppia doveva mangiare, Lee di solito faceva il lavoro sporco. Lee, sapendo che lei era contraria alla violenza, potrebbe anche aver scelto di farsi mangiare da Maren, in modo che lei non dovesse uccidere nessuno, almeno per il pasto successivo.

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Il significato del titolo Bones And All

Nella scena di Bones and All che si svolge vicino al fiume nel Missouri, mangiare qualcuno “bones and all” (ossa e tutto il resto) è descritto essenzialmente come un rito di passaggio per chi mangia. Questo ha chiaramente un peso simbolico, dato che è il titolo del libro e del film. Nella storia d’amore non convenzionale del film, il fatto che Maren e Lee non abbiano mai mangiato qualcuno interamente prima d’ora sottolinea la loro inesperienza e il motivo per cui devono appoggiarsi l’una all’altra per imparare a gestire i propri impulsi.

Sebbene non sia confermato, dalla scena dell’appartamento vuoto dopo la morte di Lee si può ipotizzare che lei lo abbia mangiato interamente. Con entrambi i suoi mentori, Lee, Sully e suo padre, ormai morti o scomparsi, Maren deve andare per la sua strada, e il fatto che mangi qualcuno interamente dimostra che è cresciuta ed è pronta ad affrontare la vita da sola.

Il vero significato del finale di Bones and All

Maren e Lee sono follemente innamorati l’uno dell’altra, e l’ultima richiesta di Lee è un tentativo di starle il più vicino possibile. I due condividono un legame unico e bellissimo per tutto il film, nonostante i loro occasionali litigi e le separazioni. Le scene intime del film mostrano quanto i due si amino. Ricordando la storia d’amore dell’altro film candidato all’Oscar di Guadagnino, Chiamami col tuo nome, sembra che la coppia si ami così profondamente da voler diventare una cosa sola. Attraverso il sacrificio finale di Lee, egli permette loro di fare proprio questo.

Sebbene non convenzionale, Bones and All è una classica storia di adolescenti che cercano di trovare se stessi mentre desiderano ardentemente essere normali. Tutto ciò che i due amanti vogliono è essere normali, e sono disgustati dalle loro stesse compulsioni. Quando Lee e Maren decidono di trovare un lavoro e vivere in un posto per un po’, è chiaro che tutto ciò che vogliono è essere normali e stare insieme. “Cerchiamo di essere persone”, dice Maren. “Cerchiamo di essere loro per un po’.” I momenti finali del film mostrano Maren e Lee seduti insieme in un campo che si abbracciano, in un momento reale che ricorda una coppia normale, a cui Maren può aggrapparsi mentre intraprende il resto del suo viaggio da sola.

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The Great Wall: la spiegazione del finale del film

Gianmaria Cataldo
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The Great Wall: la spiegazione del finale del film

The Great Wall (qui la recensione) è un kolossal del 2016 diretto da Zhang Yimou, uno dei più importanti autori del cinema cinese contemporaneo, noto per capolavori visivamente sontuosi come Lanterne rosse e Hero. Con questo progetto, il regista si confronta per la prima volta con una grande produzione sino-americana, mescolando fantasy, azione e cinema storico in un racconto ambientato nella Cina medievale. Protagonista è Matt Damon nei panni di un mercenario europeo che si imbatte nella costruzione della Grande Muraglia, scoprendo che la sua funzione non è soltanto difensiva contro altri popoli, ma contro un’antica e mostruosa minaccia.

Il film affronta temi come l’onore, il sacrificio e la cooperazione tra culture diverse, mettendo da parte l’accuratezza storica per abbracciare un immaginario mitologico ricco di effetti speciali, battaglie coreografate ed eserciti disciplinati. Tuttavia, The Great Wall è stato al centro di numerose controversie, in particolare legate all’accusa di “whitewashing”: molti critici hanno contestato la scelta di un protagonista occidentale in una storia profondamente radicata nella tradizione cinese, vedendola come un espediente commerciale pensato per rendere il film più appetibile al pubblico internazionale.

Altri spettatori, invece, hanno apprezzato il tentativo di costruire un ponte narrativo tra Oriente e Occidente in una forma spettacolare e accessibile. Che lo si consideri un esperimento ambizioso o un blockbuster disomogeneo, The Great Wall resta un’opera visivamente imponente e ricca di elementi simbolici, soprattutto nella sua parte conclusiva. Ed è proprio su questo che ci concentreremo nel resto dell’articolo: analizzeremo infatti il significato del finale del film e il ruolo che esso gioca nel percorso dei protagonisti e nel messaggio complessivo dell’opera.

The Great Wall cast

La trama di The Great Wall

Ambientato in un epoca remota, il film ha per protagonisti i mercenari William Garin e Pedro Tovar. Questi sono in viaggio per la Cina alla ricerca di una preziosa polvere nera, antenata della polvere da sparo. Nel corso del loro cammino, però, la squadra capitanata dai due viene attaccata da una mostruosa creatura. Questa riesce ad uccidere tutti tranne i due mercenari, che si salvano mettendo in fuga la bestia. Scossi dall’evento, William e Pedro si dirigono verso la Grande Muraglia, attualmente in costruzione. Cercando riparo qui, i due vengono fatti prigionieri dai soldati dell’Ordine Senza Nome, guidati dal generale Shao e dallo stratega Wang. Presso di loro vengono a conoscenza di quanto sta accadendo in quei giorni nel territorio cinese.

A distanza di sessant’anni dall’ultimo attacco, una razza aliena giunta sulla terra tramite un meteorite è ora di nuovo pronta a dichiarare guerra al popolo lì presente. Tali creature sono chiamate Taotie, e a giudicare dall’incontro avuto dai due mercenari sono molto più vicini di quanto sembri. Comprese le abilità in battaglia dei due europei, i membri dell’Ordine decidono di liberarli soltanto se questi acconsentiranno a combattere al loro fianco. Per William e Pedro ha così inizio una lunga preparazione strategica, il cui fallimento comporterebbe la caduta del popolo cinese e forse dell’intera umanità. Affascinato dalla comandante Lin, William non ha dubbi sulla volontà di combattere, mentre il suo amico Pedro sembra nutrire molti più dubbi circa la riuscita della missione.

La spiegazione del finale del film

Nel terzo atto di The Great Wall, i Taotie non sono più contenuti entro i confini della Muraglia e stanno marciando verso la capitale, guidati dalla loro regina. Lin organizza un disperato contrattacco utilizzando le mongolfiere dell’Ordine, liberando William Garin affinché possa unirsi alla missione, nonostante il suo tentativo di dissuaderlo e mandarlo via come ambasciatore verso l’Occidente. Una volta giunti in città, i pochi soldati sopravvissuti cercano di mettere in atto un piano audace: utilizzare un Taotie catturato come bomba vivente, legandogli esplosivi e facendolo condurre alla presenza della regina.

Tuttavia, il tragitto è tutt’altro che semplice: i mostri attaccano la squadra, e sacrifici dolorosi segnano ogni avanzata, compresa la morte dell’amico e mentore Wang. La sequenza conclusiva vede Garin e Lin fuggire verso la sommità di una torre, l’unico punto da cui possono innescare l’esplosione finale. Il tentativo iniziale di Garin fallisce: le sue frecce vengono deviate dalle guardie personali della regina. È solo dopo un ultimo gesto di ingegno — lanciare il magnete tra la folla di mostri, creando una frattura momentanea nella loro formazione protettiva — che Lin riesce a colpire con precisione mortale.

La regina viene annientata, e con essa l’intera armata di Tao Tei. La minaccia svanisce all’istante. A guerra conclusa, Garin ha la possibilità di reclamare la preziosa polvere da sparo che aveva cercato dall’inizio del viaggio, ma sceglie invece di tornare a casa portando con sé l’amico Tovar, suggellando così il suo cambiamento interiore. Il finale di The Great Wall completa il percorso narrativo del protagonista, trasformando quello che inizialmente era un mercenario mosso unicamente dall’interesse personale in un eroe disposto al sacrificio.

The Great Wall location

La sua scelta di rifiutare la ricompensa materiale rappresenta il simbolo più evidente della sua crescita morale: Garin ha finalmente compreso il valore dell’onore e del senso di appartenenza a una causa più grande. Allo stesso modo, Lin incarna la disciplina e la dedizione tipicamente associate all’ideale dell’eroe militare cinese, ma la sua alleanza con Garin dimostra che anche la forza più radicata nella tradizione può evolversi grazie alla fiducia e alla collaborazione tra culture diverse.

Il gesto finale — due combattenti di mondi opposti che condividono la stessa vittoria e lo stesso dolore — sancisce l’unione tra Oriente e Occidente non come superiorità di uno sull’altro, ma come incontro equilibrato. La sconfitta dei Tao Tei non è solo militare, ma simbolica: la minaccia aliena rappresenta il caos, la voracità cieca dell’avidità e della disgregazione sociale.  La loro caduta non avviene grazie alla forza bruta, ma attraverso una combinazione di ingegno, tecnologia, coraggio e sacrificio umano. In questo senso, il film suggerisce che soltanto la cooperazione e la fiducia possono salvare una civiltà dall’estinzione.

Ciò che The Great Wall lascia allo spettatore è un messaggio semplice ma potente: il vero valore di un individuo non si misura da ciò che conquista per sé, ma da ciò che è disposto a proteggere insieme agli altri. Al di là dei toni spettacolari e degli elementi fantastici, il film racconta una storia di riscatto personale e di solidarietà collettiva. La Grande Muraglia non è solo un confine difensivo, ma un simbolo di responsabilità condivisa: non importa da dove provieni, ma per cosa decidi di combattere. In un mondo costantemente minacciato da divisioni e paure, questa riflessione risuona più attuale che mai.

LEGGI ANCHE: The Great Wall: trama, cast e altre curiosità sul film con Matt Damon

The Hurt Locker: la storia vera dietro il film

Gianmaria Cataldo
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The Hurt Locker: la storia vera dietro il film

The Hurt Locker è uno dei titoli più significativi nella filmografia di Kathryn Bigelow, nonché il film che ne ha definitivamente consacrato il talento a livello internazionale. Uscito nel 2008 e scritto dal giornalista e sceneggiatore Mark Boal, il film segna una svolta nella carriera della regista, già nota per aver diretto opere cult come Point Break e Strange Days. Con The Hurt Locker, Bigelow si confronta infatti per la prima volta in modo diretto con il genere bellico, adottando uno stile realistico e asciutto, lontano dalle convenzioni spettacolari tipiche di molti war movie hollywoodiani. La regista si concentra invece sul microcosmo umano e psicologico dei soldati impegnati nella guerra in Iraq, rinunciando a un’impostazione ideologica per immergere lo spettatore nella tensione quotidiana e nei gesti minimi della sopravvivenza.

Il film segue una squadra di artificieri dell’esercito americano e, in particolare, il sergente William James (interpretato da Jeremy Renner), il cui comportamento spericolato e borderline mette in crisi l’equilibrio del gruppo. La guerra viene raccontata come esperienza soggettiva, viscerale e destabilizzante, un luogo di alienazione ma anche di dipendenza emotiva. Questo approccio ha avvicinato The Hurt Locker a film come Platoon, Full Metal Jacket, Jarhead o American Sniper, pur distinguendosi per uno sguardo più ravvicinato e intimo, quasi documentaristico. Bigelow sceglie una messa in scena nervosa, fatta di camera a mano, ritmo frammentato e assenza di musica invadente, che contribuiscono a costruire una tensione costante, quasi soffocante.

Il successo del film è stato straordinario: vincitore di sei premi Oscar, tra cui Miglior Film e Miglior Regia – con Bigelow prima donna a ottenere questo riconoscimento – The Hurt Locker è stato acclamato per la sua capacità di rinnovare il genere bellico e di offrire una riflessione potente sulla guerra moderna. Proprio in virtù della sua autenticità e del suo stile realistico, molti spettatori si sono chiesti se il film sia basato su una storia vera. Nei prossimi paragrafi risponderemo a questa domanda, analizzando l’origine del soggetto e il legame tra realtà e finzione nel film.

Jeremy Renner e Anthony Mackie in The Hurt Locker
Jeremy Renner e Anthony Mackie in The Hurt Locker. Foto di © 2008 Summit Entertainment.

La trama di The Hurt Locker

La vicenda del film si svolge in Iraq, dove un gruppo di artificieri dell’esercito americano si trova a svolgere vari compiti al fine di preservare la sicurezza del luogo loro assegnato. Ognuno di loro è addestrato per affrontare qualsiasi tipo di pericoloso, gestendo lo stress e la paura che da questi possono generarsi. A capo dell’unità di soldati protagonisti vi è il sergente Will James. Questi, insieme ai compagni Sanborn ed Eldrige si destreggiano in operazioni incentrate sul disinnescare le numerose mine disseminate in tutto il territorio. Tra le opposizioni dei civili e gli affetti rimasti negli Stati Uniti, la loro esistenza risulta essere tutt’altro che tranquilla.

I tre uomini sanno bene che ogni loro missione potrebbe essere l’ultima e che un loro errore potrebbe costare la vita a più uomini di quanti se ne potrebbe immaginare. Le vite di questi soldati sono letteralmente appese ad un filo, costrette a ripetersi attraverso ordini e compiti sempre uguali. Sarà in questo contesto di malsana routine che inizieranno a riflettere sul senso delle loro azioni e su ciò che stanno lasciando alle loro spalle. L’assenza di un vero obiettivo è ciò che sembra turbarli di più, ma missione dopo missione capiscono anche di essere ormai assuefatti da quell’ambiente. Il verificarsi di una serie di incidenti li costringerà ancor di più a confrontarsi con questa realtà.

La storia vera dietro il film

Il film si apre con una citazione del giornalista e corrispondente di guerra Chris Hedges: “L‘adrenalina della battaglia è spesso una dipendenza potente e letale, perché la guerra è una droga”. Alla fine del film, sono proprio le situazioni di vita o di morte l’unica cosa che può far sentire il protagonista ancora vivo, in quanto la guerra è l’unica cosa che conosce. Si tratta dunqe di una storia incredibilmente potente e straziante, con un finale altrettanto tragico e futile. Dopo averlo visto, non si può dunque fare a meno di chiedersi se la storia di James in The Hurt Locker sia basata sulle esperienze di una persona reale. E, in un certo senso, lo è.

Secondo un articolo del 2009 del New Yorker, il giornalista/sceneggiatore/produttore cinematografico Mark Boal ha modellato la sceneggiatura del film su un articolo di Playboy che aveva scritto sulle sue esperienze di osservazione di una vera unità EOD a Baghdad nel 2004. Ha partecipato alle missioni quotidiane con la squadra e in seguito ha dichiarato: “Mi sono reso conto che se ci fosse stato un modo per riprodurre l’ambiente della guerra, anche a un livello molto basilare, solo le immagini e i suoni, sarebbe stato rivelatore per le persone”. Con The Hurt Locker, ha fatto proprio questo.

The Hurt Locker cast
Jeremy Renner in The Hurt Locker. Foto di © 2008 Summit Entertainment.

Pur non essendo basato su una persona reale o una specifica vicenda realmente accaduta, il film con Jeremy Renner è un resoconto veritiero di quello che vivono molti soldati, ispirato dalle esperienze di guerra che Boal aveva percepito negli altri durante il suo soggiorno in Iraq.Ma, nonostante ciò, la realizzazione del film ha anche incontrato una serie di problemi. È stato ampiamente documentato che il sergente Jeffrey Sarver, un vero artificiere dell’esercito che Boal aveva intervistato mentre era all’estero, ha tentato di citare in giudizio i produttori di The Hurt Locker nel 2010 per aver presumibilmente utilizzato la sua immagine nella creazione del personaggio di James.

È stato anche riportato, da fonti come ABC News, che Sarver ha inoltre affermato di aver coniato la frase del titolo del film e di aver usato il nome in codice “Blaster One” mentre prestava servizio in guerra, lo stesso nome in codice che James usa nel film. Alla fine, i produttori del film hanno avuto la meglio e la causa intentata da Sarver contro il film di guerra basato su una storia parzialmente vera è stata respinta e archiviata nel 2011. Indipendentemente dall’opinione che si possa avere sulla questione della causa, The Hurt Locker è un film innegabilmente efficace, allo stesso tempo inquietante e commovente.

Come ogni film di guerra, nel corso degli anni ha suscitato critiche da parte dei veterani per il modo in cui alcuni dei suoi temi sono stati rappresentati. Tuttavia, l’opera esamina gli effetti psicologici della guerra da una prospettiva leggermente diversa da quella comunemente rappresentata, affrontandola dal punto di vista della dipendenza dall’adrenalina e dal caos. Che il film piaccia o meno agli spettatori, la sua storia inquietante rimane impressa nella mente a lungo dopo la fine dei titoli di coda.

Keira Knightley è reticente riguardo alla possibilità di riprendere il suo ruolo nel sequel di Sognando Beckham

Redazione
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Keira Knightley è reticente riguardo alla possibilità di riprendere il suo ruolo nel sequel di Sognando Beckham

Prima di Black Doves, Orgoglio e pregiudizio e persino Pirati dei Caraibi, la star Keira Knightley, amata dai fan, ha recitato in un cult classico dal titolo Sognando Beckham. Knightley recita al fianco di Parminder Nagra nei panni di Jules e Jess, due giovani donne che aspirano a giocare a calcio professionistico (football nell’ambientazione britannica del film), con grande disappunto delle loro famiglie.

Il classico sportivo sembra riaffermare il suo posto nello spirito del tempo, con lo scrittore e regista Gurinder Chadha che ha annunciato un sequel di Sognando Beckham nel luglio 2025. Tuttavia, quando Knightley è stata recentemente intervistata da PEOPLE durante una proiezione di La donna della cabina numero 10, ha apparentemente eluso la domanda sul fatto che riprenderà il ruolo di Jules.

“L’ho visto in televisione,” ha detto Knightley riguardo al sequel. “Quindi sì, voglio dire, che emozione.” Tuttavia, non ha fornito alcun aggiornamento definitivo sul suo coinvolgimento nel film, chiedendosi lei stessa come sarà il nuovo film. “Voglio dire, quando l’ho visto in televisione ho pensato: ‘Oh, che bello, chissà come sarà?’” La trama del sequel riporterebbe in scena i vecchi personaggi, ma nessuno del cast originale ha ancora firmato il contratto.

La star quarantenne ha anche commentato l’impatto lasciato da Bend It Like Beckham, dicendo che è il film su cui le vengono poste più domande: “Soprattutto perché ora molte ragazze giocano a calcio e vogliono venire a parlarne. Quindi è fantastico far parte di qualcosa che ha lasciato un’eredità e che è circondato da tanta positività.”

Bend It Like Beckham è stato il ruolo che ha lanciato Knightley, ma ha raggiunto la fama internazionale solo un anno dopo con Pirati dei Caraibi: La maledizione della prima luna. Il 2003 è stato anche l’anno in cui ha recitato nell’iconica commedia romantica natalizia Love Actually. In pochi anni, ha girato altri due film della serie Pirati dei Caraibi e ha ottenuto la sua prima nomination all’Oscar per Orgoglio e pregiudizio.

La Knightley ha poi ottenuto un’altra nomination all’Oscar per The Imitation Game e ha recitato in altri film come Atonement, The Duchess, Never Let Me Go e Anna Karenina. Di recente si è ritagliata una nicchia nei thriller Netflix con Black Doves e The Woman in Cabin 10. La Knightley è senza dubbio la star più in vista oggi di Bend It Like Beckham.

Tuttavia, il sequel vorrebbe probabilmente riportare almeno Parminder Nagra e Jonathan Rhys Meyers, che sono entrambi ancora in attività. Bend It Like Beckham sarebbe un altro sequel di successo per gli spettatori, che potrebbe suscitare la preoccupazione di offuscare l’eredità dell’originale, ma potrebbe comunque essere una nuova storia edificante sulla carriera calcistica e l’amicizia di Jess e Jules negli anni a venire.

Christopher Nolan elogia la “straziante” interpretazione di Dwayne Johnson

Redazione
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Christopher Nolan elogia la “straziante” interpretazione di Dwayne Johnson

Il regista premio Oscar Christopher Nolan ha recentemente applaudito la straordinaria interpretazione di Dwayne Johnson nel suo film The Smashing Machine. Il film sull’MMA drammatizza la vita di Mark Kerr come lottatore di MMA, mettendo in mostra i momenti salienti della sua carriera e quelli più bui della sua vita privata. Il film della A24 è ambientato tra la fine degli anni ’90 e l’inizio degli anni 2000 e descrive la sua lotta contro l’abuso di sostanze stupefacenti e il rapporto turbolento con la sua allora fidanzata, Dawn Staples (Emilu Blunt).

Al teatro DGA di Los Angeles, Nolan ha partecipato a una sessione di domande e risposte, dove ha discusso di The Smashing Machine con il regista Benny Safdie. Mentre parlava dello sviluppo del film e dei suoi protagonisti, l’interpretazione di Johnson nei panni di Kerr è diventata il centro dell’attenzione, e Nolan ha detto quanto segue: “È straziante. Penso che sia una performance incredibile. Non credo che quest’anno vedrete una performance migliore.“

Sebbene Johnson sia noto per aver interpretato ruoli ricchi di azione, come Hobbs nella serie Fast & Furious e Spencer Gilpin nella serie Jumanji, la sua interpretazione di Mark Kerr segna il suo ruolo più drammatico fino ad ora. Il wrestler diventato attore ha ottenuto molti riconoscimenti nei mesi precedenti l’uscita del film, con trailer che mettevano in evidenza la sua incredibile trasformazione nei panni di Kerr.

Dwayne Johnson in The Smashing Machine
© A24 Films

Sebbene il film biografico abbia ottenuto un punteggio degno di nota del 71% su Rotten Tomatoes, non ha avuto successo al botteghino. Il film della A24 ha debuttato con soli 5,9 milioni di dollari sul mercato interno, segnando il weekend di apertura più basso per qualsiasi film di Johnson. È stato anche ben al di sotto delle previsioni, che erano state fissate a circa 17-20 milioni di dollari. Attualmente ha totalizzato poco più di 13 milioni di dollari nelle ultime due settimane e mezzo dalla sua uscita, nonostante abbia avuto un budget dichiarato di 50 milioni di dollari.

Nonostante il scarso successo al botteghino di The Smashing Machine, ciò non dissuaderà Johnson dal perseguire ruoli più drammatici. L’attore ha parlato della sua voglia di mettersi alla prova, il che significa allontanarsi dalle sue solite interpretazioni d’azione.

Johnson continua a prendere queste misure drastiche. Pochi giorni prima dell’uscita di The Smashing Machine, la star aveva perso notevolmente peso. Nonostante alcune preoccupazioni espresse online, l’attore ha poi chiarito che questa dieta era necessaria per prepararsi al ruolo di un settantenne che fa amicizia con un pollo in Lizard Music. Il film lo riunirà con Safdie, che ne sarà il regista.

Inoltre, Johnson si riunirà con Blunt nel prossimo film di mafia a tema hawaiano prodotto da Martin Scorsese. Il film, ancora senza titolo, è descritto come “in stile Goodfellas” e ambientato negli anni ’60 e ’70. Il cast è completato dall’attore premio Oscar Leonardo DiCaprio. La Blunt ha recentemente pubblicizzato il film in uscita, definendolo “l’ultima grande storia di mafia americana” e ha rivelato che si tratta di un “ruolo terribilmente emozionante” per Johnson.

Rivelati i dettagli del finale di Stranger Things: risolti i misteri più grandi, confermata la durata

Redazione
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Rivelati i dettagli del finale di Stranger Things: risolti i misteri più grandi, confermata la durata

I fratelli Duffer hanno rivelato la durata del finale della quinta stagione di Stranger Things e quale dei più grandi misteri della serie verrà finalmente risolto. Manca poco più di un mese alla premiere della quinta e ultima stagione di Stranger Things, mentre Netflix e i fan della serie in tutto il mondo si preparano a dire addio a uno dei più grandi successi della cultura pop del XXI secolo.

La pressione sul finale di Stranger Things è immensa, poiché non solo deve concludere in modo soddisfacente le storie di un cast corale enorme e amato, ma anche fornire una risposta a uno dei segreti più importanti della serie: cos’è realmente l’Upside Down?

In un’intervista esclusiva con Variety, i creatori di Stranger Things, i fratelli Duffer, hanno rivelato che l’episodio finale di Stranger Things durerà “circa due ore” e che l’ultimo capitolo svelerà finalmente i misteri di quella terrificante dimensione parallela.

“Ogni stagione ci chiedevamo: ‘Dovremmo parlarne?’ E noi rispondevamo: ‘No, aspettiamo’. E poi alla fine abbiamo detto: ‘Beh, ora dobbiamo farlo!’” ha detto Ross Duffer a Variety, parlando della minaccia incombente dell’Upside Down.

Presumibilmente, le risposte fornite nella quinta stagione riprenderanno dagli scorci che il pubblico ha visto dell’Upside Down e dal coinvolgimento di Vecna (Jamie Campbell Bower) nella quarta stagione di Stranger Things, così come dalla confusione che circonda la scomparsa di Will Byers (Noah Schnapp) nella prima stagione, che ha cambiato la sua vita. Come è nato l’Upside Down? L’aria è ancora tossica? E fino a dove si estende il controllo di Vecna?

L’Upside Down non è mai stato così minaccioso come ora, dopo la straziante dimostrazione di potere di Vecna nel finale della quarta stagione. La quinta stagione riprende 18 mesi dopo quel cliffhanger che ha distrutto la città, ma i fratelli Duffer sapevano cosa stavano facendo mentre scrivevano la quinta stagione. Avevano un’idea approssimativa di come sarebbe stata la scena finale della serie “da anni”.

Secondo Matt Duffer, “Non è stato qualcosa che abbiamo dovuto sforzarci di inventare. Alcuni elementi sono stati discussi per settimane, ma l’idea centrale del finale ce l’avevamo da molto tempo”. Ciononostante, Kate Trefry, una delle sceneggiatrici principali di Stranger Things, ha rivelato che costruire il finale non è stato un processo semplice, nonostante il team sapesse già come sarebbe finita la serie.

“Ci siamo ripensati sopra decine e decine di volte. Cominciavano a scriverlo, poi tornavano da noi. Lo bocciavamo e ricominciavamo da capo”, ha detto Trefry. Secondo il rapporto, il team di sceneggiatori di Stranger Things ha tratto ispirazione da alcuni dei finali più acclamati dalla critica (e controversi) della TV, tra cui Six Feet Under, Friday Night Lights e I Soprano.

Il finale di una serie può determinare il successo o il fallimento dell’eredità di uno show. Le polemiche contro il finale della serie Il Trono di Spade, altro colosso del genere, sono ancora oggi oggetto di discussione; l’eredità del franchise è stata probabilmente salvata dalla popolarità della serie prequel House of the Dragon. Anche show come How I Met Your Mother, Lost e persino il già citato I Soprano sono ancora perseguitati dai loro finali.

“Le serie che cercano di essere troppo intelligenti: penso che sia lì che possono fallire molto rapidamente”, ha detto Ross Duffer parlando della difficoltà di scrivere un finale soddisfacente. Il duo è chiaramente consapevole dell’impatto imminente del finale della serie, ma per fortuna sembra soddisfatto del risultato finale. “Siamo davvero contenti di come è finita”, ha detto Matt Duffer. “È snervante pubblicarlo. Sono sicuro che le persone avranno delle opinioni!”

Con una serie importante come Stranger Things, non si può prevedere come reagirà il pubblico.

Stranger Things – stagione 5, parte 1, debutta su Netflix US il 26 novembre. La parte 2 arriva il 25 dicembre e il finale sarà trasmesso il 31 dicembre.

The Walking Dead: rivelato il futuro del franchise che anticipa le storie dei prossimi decenni

Redazione
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The Walking Dead: rivelato il futuro del franchise che anticipa le storie dei prossimi decenni

Mentre The Walking Dead festeggia il suo 15° anniversario, AMC nutre grandi speranze per il futuro del franchise. L’iconico episodio pilota di The Walking Dead, “Days Gone Bye”, è andato in onda su AMC il 31 ottobre 2010, dando inconsapevolmente il via a quello che sarebbe diventato uno dei franchise televisivi più vasti e di successo mai creati.

Basato sull’omonimo romanzo grafico di Robert Kirkman, l’universo di The Walking Dead comprende ora sette serie separate, che vanno dai prequel ai sequel alle serie antologiche. Come riportato da Variety, durante un panel retrospettivo al Mipcom per celebrare l’importante traguardo raggiunto dal franchise, il creatore di The Walking Dead, Scott Gimple, ha paragonato la struttura narrativa del franchise sugli zombie a quella dei film sui supereroi, come il Marvel Cinematic Universe.

“Era tutta un’unica storia. Ha preso direzioni diverse. Anche con personaggi che hanno fatto così tante cose, possiamo metterli in mondi diversi dove affrontano sfide diverse ed evolvono attraverso queste sfide”, ha detto Gimple, commentando in seguito che portare i personaggi più iconici di The Walking Dead in nuovi paesi, come la Francia e la Spagna nella serie sequel The Walking Dead: Daryl Dixon, “apre uno scrigno di possibilità narrative”.

AMC ritiene che The Walking Dead potrebbe continuare per altri 15 anni, proprio come l’MCU, che ha debuttato nel 2008 con Iron Man e continua ad espandere il suo universo con film e serie TV ancora oggi. Il presidente di AMC Networks, Dan McDermott, ha detto al pubblico del panel che era “molto probabile che potessimo vedere questo gruppo [gli altri membri del panel Norman Reedus, Melissa McBride e Gimple] qui tra 15 anni”.

McDermott ha continuato: “Ci sono molti altri continenti da visitare. Si tratta di come [i personaggi] si evolvono nel tempo. È davvero emozionante vedere fino a dove possiamo arrivare”. Per ora, The Walking Dead continuerà con i sequel della serie principale, ovvero Daryl Dixon, che è stato rinnovato per una quarta e ultima stagione, e The Walking Dead: Dead City, che tornerà per la terza stagione.

Se l’universo di The Walking Dead riuscirà a sopravvivere per altri 15 anni, i fan vorranno senza dubbio sapere se vedranno mai più insieme sullo schermo i protagonisti di TWD Norman Reedus e Andrew Lincoln. Lincoln ha interpretato per l’ultima volta il protagonista Rick Grimes nella serie limitata spin-off The Walking Dead: The Ones Who Live, al fianco di Danai Gurira nel ruolo della compagna di Rick, Michonne.

Al San Diego Comic-Con di quest’anno, Reedus ha lasciato intendere che i due non si sarebbero riuniti in Daryl Dixon, nonostante il viaggio europeo di Daryl sia iniziato con la ricerca di Rick, anche se non ha escluso del tutto questa possibilità.

Con una visione simile a quella di Gimple e McDermott, Reedus ha anticipato che la storia di Daryl e Carol (Melissa McBride) potrebbe continuare oltre Daryl Dixon, poiché la quarta stagione “completerà la storia di Daryl e Carol in Spagna. Completerà questa parte del viaggio. È l’ultima stagione di questa versione dello show”. Quindi, chi può sapere dove potrebbero finire i sopravvissuti di The Walking Dead tra 15 anni?

George Lucas e Lucasfilm rendono omaggio a Drew Struzan: “Un artista di prim’ordine”

Redazione
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George Lucas e Lucasfilm rendono omaggio a Drew Struzan: “Un artista di prim’ordine”

George Lucas e Lucasfilm rendono omaggio al compianto Drew Struzan dopo la scomparsa dell’artista e illustratore di poster. Struzan è l’artista che ha realizzato alcuni dei poster cinematografici più iconici della storia, tra cui quelli di La cosa (1982), Ritorno al futuro (1985) e numerosi titoli classici della Lucasfilm nelle serie Indiana Jones e Star Wars.

Struzan è scomparso il 13 ottobre all’età di 78 anni, diversi anni dopo la diagnosi del morbo di Alzheimer. Lucas ha ora condiviso una dichiarazione sul sito web della Lucasfilm, rendendo omaggio all’artista e alla sua leggendaria carriera. Leggi il commento di Lucas qui sotto:

“Drew era un artista di prim’ordine. Le sue illustrazioni catturavano appieno l’emozione, il tono e lo spirito di ciascuno dei miei film che rappresentavano le sue opere d’arte. La sua creatività, attraverso una singola immagine illustrata, apriva un mondo pieno di vita dai colori vivaci… anche a prima vista. Sono stato fortunato ad aver lavorato con lui più volte”.

Anche la presidente della Lucasfilm Kathleen Kennedy ha condiviso parole gentili su Struzan, sottolineando il suo stile artistico unico e il suo contributo ad alcuni dei film più iconici della storia di Hollywood. Lei definisce il suo lavoro “senza tempo” e loda il modo in cui ha elevato il rapporto del pubblico con i film per cui ha creato i poster:

“Quando si pensa agli artisti iconici dei poster cinematografici, Drew Struzan è il primo nome che viene in mente. Le indimenticabili opere d’arte di Drew hanno toccato il cuore di tantissime persone nel corso degli anni, e sono grata di aver lavorato con lui a film come E.T., Ritorno al futuro, Hook e la serie Indiana Jones. Le sue opere sono così fantasiose, così belle, che hanno elevato l’esperienza cinematografica di quei film prima ancora che il pubblico mettesse piede in sala. Il lavoro di Drew è senza tempo e senza dubbio ispirerà sia gli artisti che gli amanti del cinema per le generazioni a venire”.

La morte di Struzan è stata confermata martedì con un poster pubblicato sul suo account Instagram ufficiale. “È con grande tristezza che devo comunicarvi che Drew Struzan ci ha lasciati ieri, 13 ottobre”, si legge nel post. “Ritengo importante che tutti voi sappiate quante volte mi ha espresso la gioia che provava nel sapere quanto apprezzavate la sua arte”.

Struzan ha creato poster per oltre 150 film, diventando l’artista di riferimento per personaggi del calibro di Lucas e Steven Spielberg. Il suo stile artistico era caratterizzato da disegni audaci, composizioni drammatiche e colori vivaci. In una dichiarazione rilasciata a The Hollywood Reporter, anche Spielberg ha reso omaggio al defunto artista:

“Drew creava arte per eventi. I suoi poster hanno reso molti dei nostri film delle destinazioni… e il ricordo di quei film e dell’età che avevamo quando li abbiamo visti torna sempre alla mente semplicemente guardando le sue iconiche immagini fotorealistiche. Nessuno disegnava come Drew, con il suo stile unico e originale”.

Una delle prime opere più amate di Struzan è il poster per la riedizione del 1978 di Star Wars: Una nuova speranza, un poster per il quale ha collaborato con Charles White III. Questo poster è poi diventato noto come “Circus Poster”, anche se è ancora il poster di Tom Jung quello più strettamente associato a Una nuova speranza.

Struzan ha continuato a realizzare poster anche per L’Impero colpisce ancora (1980) e Il ritorno dello Jedi (1983). Come per Una nuova speranza, questi poster non sono quelli più associati a questi film, ma lo stesso non si può dire per i prequel di Star Wars.

Il lavoro di Struzan sui poster definisce lo stile artistico promozionale di La minaccia fantasma (1999), L’attacco dei cloni (2002) e La vendetta dei Sith (2005). Sono questi poster che ancora oggi vengono ampiamente utilizzati sulle copertine dei servizi di streaming e dei Blu-ray.

Anche tutti e tre i poster principali dei film Indiana Jones erano opera di Struzan. Inoltre, Struzan ha realizzato poster per numerosi altri film, tra cui Le ali della libertà (1994), Harry Potter e la pietra filosofale (2001), I Goonies (1985), Blade Runner (1982), Grosso guaio a Chinatown (1986), Risky Business (1983) e Il principe cerca moglie (1988), tra molti altri.

Per Lucas, Struzan era evidentemente un collaboratore molto apprezzato. Sebbene il lavoro di Struzan abbia ispirato innumerevoli altri artisti, è chiaro che Hollywood ha perso una mente creativa che ha svolto un ruolo significativo nel plasmare il modo in cui il pubblico ha percepito alcuni dei film più amati mai realizzati.

Harry Bosch torna ufficialmente in TV con l’espansione della serie poliziesca grazie a un nuovo spin-off

Redazione
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Harry Bosch torna ufficialmente in TV con l’espansione della serie poliziesca grazie a un nuovo spin-off

Bosch è tornato: Amazon Studios ha in programma un nuovo spin-off dell’iconica serie interpretata da Titus Welliver. La serie originale Bosch è andata in onda per sette stagioni su Prime Video, per poi essere estesa con Bosh: Legacy, che è durata tre stagioni prima di concludersi all’inizio di quest’anno. Prime ha poi prodotto Ballard, uno spin-off incentrato sul personaggio di Renee Ballard interpretato da Maggie Q.

Ora, l’iconico detective sta per ottenere una nuova serie su MGM+ intitolata Bosch: Start of Watch, che racconterà i primi anni della carriera del detective. Cameron Monaghan interpreterà il ruolo di Bosch, con Omari Hardwick nel ruolo del veterano Eli Birdges. Le riprese inizieranno nel 2026 a Los Angeles.

Michael Wright, capo di MGM+, ha detto della serie:

Siamo entusiasti di ampliare l’universo di Bosch con questa avvincente storia delle origini che mostra come uno dei detective più amati della televisione sia diventato l’uomo che conosciamo oggi. Con Cameron Monaghan e Omari Hardwick che danno vita a questi personaggi complessi e la visione creativa di Michael Connelly e dei nostri talentuosi produttori esecutivi, Bosch: Start of Watch promette di offrire una narrazione grintosa e autentica che onora l’eredità del franchise e apre un nuovo entusiasmante capitolo.

La serie, ambientata nel 1991, ha anche ricevuto una logline ufficiale:

La serie esplorerà una città al limite, piena di tensioni razziali, violenza delle gang e un LAPD frammentato. Tra chiamate di routine e crescenti disordini, Bosch si ritrova coinvolto in una rapina di alto profilo e in una rete di corruzione criminale che metterà alla prova la sua lealtà al distintivo e plasmerà il suo futuro come detective che vive secondo il codice “Tutti contano o nessuno conta”.

Nonostante abbia cancellato la serie originale e il suo sequel, Prime è chiaramente interessata a rimanere nel business di Bosch. Ballard ha appena ottenuto il rinnovo per la seconda stagione, estendendo il ramo della serie di Q, dove Welliver ha ancora l’opportunità di apparire. Con Start of Watch, però, Prime sta attingendo al passato per la sua ultima iterazione, esplorando le origini dell’amato personaggio e offrendo al pubblico una nuova prospettiva su di lui.

Segue una trama simile a quella di un’altra serie poliziesca di successo. Il franchise di lunga data della CBS NCIS si è ampliato negli ultimi anni con programmi come NCIS: Origins, incentrato sui primi anni di Gibbs interpretato da Mark Harmon, e Tony & Ziva, uno spin-off internazionale basato su due personaggi del team principale di NCIS.

Sebbene la serie principale sia terminata da tempo, Bosch è ben lungi dall’essere morto e in futuro potrebbero arrivare altri spin-off, soprattutto se Start of Watch avrà successo. A detta di tutti, sembra probabile che lo sarà. Dato il successo di Ballard e l’amore duraturo per tutto ciò che riguarda Bosch, Prime Video vuole chiaramente continuare a esplorare questo mondo.

Con una data di inizio della produzione prevista per il 2026, Start of Watch probabilmente non debutterà prima della seconda metà dell’anno. Non si sa ancora quando Ballard potrebbe tornare, ma una doppia dose di Bosch il prossimo anno sembra certamente probabile.

Magic Mike: la storia vera e come la vita reale di Channing Tatum ha ispirato il film

Redazione
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Magic Mike: la storia vera e come la vita reale di Channing Tatum ha ispirato il film

Uno dei film più iconici della carriera di Channing Tatum, Magic Mike, è ispirato alle sue esperienze di vita reali. Magic Mike è uscito nelle sale il 29 giugno 2012 ed è stato un successo di critica, ottenendo una valutazione Certified Fresh su Rotten Tomatoes con un punteggio del 78%. Con un budget di produzione di soli 7 milioni di dollari, Magic Mike è diventato uno dei film più redditizi di quell’anno, incassando un totale di 170,5 milioni di dollari al botteghino mondiale e dando il via al sequel Magic Mike XXL nel 2015. Il 2012 si è rivelato un anno importante per Tatum, la cui celebre commedia 21 Jump Street con Jonah Hill è uscita e ha incassato 201 milioni di dollari in tutto il mondo.

Tatum è diventato una delle più grandi star del cinema al mondo, con un ampio ventaglio di talenti recitativi che spaziano dalla commedia all’azione. Il suo primo ruolo importante in un film hollywoodiano è stato quello di Jason Lyle, un giocatore di basket nel popolare film sportivo del 2005 Coach Carter. Tatum era un ballerino di sfondo nei video musicali prima di recitare nel film di successo Step Up, che alla fine lo ha portato a recitare in un’altra popolare serie incentrata sulla danza, Magic Mike. Mentre 21 Jump Street e 22 Jump Street mettono in mostra il lato comico di Tatum, l’attore ha recitato anche nel tragico dramma sportivo Foxcatcher al fianco di Mark Ruffalo e Steve Carrell, che è stato nominato per 5 Oscar.

Magic Mike è vagamente ispirato alle esperienze reali di Channing Tatum come spogliarellista in Florida

Tatum ha fatto lo spogliarellista per meno di un anno, ma conosceva abbastanza bene quel mondo

Tatum ha fatto lo spogliarellista solo per circa “otto mesi” e non ne ha mai “fatto una carriera”, ma conosceva abbastanza bene quel mondo.

Sebbene Magic Mike non sia una storia vera né racconti eventi realmente accaduti nella vita di Channing Tatum, è ispirato alle esperienze personali di Tatum come spogliarellista in Florida. A soli 18 anni, Tatum ha guadagnato brevemente da vivere come spogliarellista nella vita reale, il che è simile alla premessa del suo protagonista titolare Magic Mike. Tatum non ha condiviso i crediti di sceneggiatura di Magic Mike con il produttore e sceneggiatore Reid Carolin, che ha anche scritto le sceneggiature di Magic Mike XXL (2015) e Dog (2022) di Tatum. L’acclamato regista Steven Soderbergh, che ha lavorato con Tatum anche in Side Effects del 2013 e Logan Lucky del 2017, ha diretto sia Magic Mike che Magic Mike’s Last Dance (2023).

Tatum era fortemente attratto dall’idea di portare la sua esperienza di vita sul grande schermo perché non era mai stato fatto prima. In un’intervista con The Aquarian, Tatum spiega: “Avevo un po’ di esperienza in questo mondo e, ad essere sincero, non l’avevo mai visto in un film. Quindi, quando Steven Soderbergh e io abbiamo iniziato a parlarne, abbiamo discusso di alcuni classici come Boogie Nights, Shampoo e La febbre del sabato sera, e abbiamo deciso che avremmo dovuto essere in grado di realizzare un film memorabile su un argomento che non era mai stato trattato cinematograficamente prima“. Tatum rivela di essere stato uno spogliarellista solo per circa ”otto mesi“ e di non averne mai ”fatto una carriera”, ma di conoscere abbastanza bene quel mondo.

I personaggi e la trama di Magic Mike non sono basati su persone e fatti reali

Tatum ha fatto molto per portare alla luce le immagini e i suoni di questo mondo sotterraneo senza raccontare storie reali o ricreare persone reali.

Magic Mike ha un cast corale eccezionale che include Matthew McConaughey, Matt Bomer, Olivia Munn, Riley Keough, Alex Pettyfer e persino Reid Carolin nel ruolo di Paul. Anche se gli aspetti dietro le quinte della vita e delle difficoltà degli spogliarellisti maschi sono stati rappresentati in modo autentico in Magic Mike, nessuno dei personaggi, nemmeno “Big D**k Richie” di Joe Manganiello, è basato su persone reali. Nessuno degli eventi in Magic Mike è basato su fatti reali, poiché Tatum ha fatto molto per portare alla luce le immagini e i suoni del mondo underground senza raccontare storie reali o ricreare persone reali.

Tatum ha chiarito fin dall’inizio che Magic Mike era un’opera di pura finzione. “Nessuno dei personaggi è basato su persone reali, nemmeno il mio. Tutto ciò che accade è fittizio, e lo abbiamo fatto apposta perché volevamo la libertà di creare i nostri scenari e raccontare la storia migliore” (tramite Looper). Tatum ha aggiunto che Soderbergh “dà davvero la possibilità alle persone, dagli attori alla troupe, di portare le proprie idee nel processo, di esibirsi davvero. Di portare qualcosa che lui non si aspetta. E questo permette a tutti di aiutare tutti”. Detto questo, non c’è una storia vera dietro Magic Mike, ma c’è un sacco di esperienza di vita reale e del mondo reale infusa in esso.✕Rimuovi pubblicitàCorrelatiCome 22 Jump Street ha creato un divertente meme su Channing Tatum ancora utilizzato 10 anni dopo22 Jump Street è pieno di momenti esilaranti, ma il film è responsabile di un meme iconico su Channing Tatum che è ancora attuale 10 anni dopo.

Cosa ha detto Channing Tatum sulle somiglianze tra la sua vita e Magic Mike

Tatum conferma l’ispirazione dietro al film, ma chiarisce che Magic Mike è un’opera di finzione

Tatum ha parlato a lungo della differenza cruciale tra la “storia vera” di Magic Mike e l’ispirazione reale dietro al film. Il succo dei commenti di Tatum è la distinzione tra la sua familiarità e la sua breve partecipazione al mondo molto reale degli spogliarellisti maschi in Florida, che si può dire abbia gettato le basi per l’ambientazione e la premessa di quello che sarebbe diventato Magic Mike. Al di là di questi elementi rudimentali dello sviluppo del film, le narrazioni e i personaggi di fantasia della serie Magic Mike sono stati creati nel mondo basato sui fatti della storia.

Freedom Writers: la storia vera dietro al film con Hilary Swank

Redazione
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Freedom Writers: la storia vera dietro al film con Hilary Swank

Il toccante film drammatico del 2017 Freedom Writers è basato su una storia vera, rendendo ancora più potente il viaggio impegnativo ma trasformativo di un’insegnante e dei suoi studenti in una scuola superiore urbana divisa razzialmente. Al centro del film c’è Erin Gruwell (Hilary Swank), una giovane insegnante piena di idealismo e determinazione. Ambientato subito dopo i disordini di Los Angeles, il film cattura vividamente il periodo instabile della metà degli anni ’90, quando le tensioni razziali e la violenza delle gang erano dilaganti nelle scuole. Gruwell, assegnata a una classe di studenti considerati “inistruibili”, affronta il compito arduo di abbattere i muri di ostilità e sfiducia.

Freedom Writers è più di una semplice storia ispiratrice su un’insegnante; è un riflesso delle sfide e delle complessità dell’istruzione urbana. È una storia che trascende il tipico dramma scolastico, approfondendo le vite di studenti alle prese con questioni di razza, violenza e sopravvivenza. Questi temi sono contrapposti al percorso personale di Gruwell, che da ingenua novellina si evolve fino a diventare una feroce sostenitrice. Il film mette in luce le lotte spesso trascurate all’interno del sistema educativo, celebrando al contempo la resilienza delle giovani menti. Freedom Writers è una narrazione incredibile, tanto più perché basata su una storia vera.

Freedom Writers è basato sulla storia vera di Erin Gruwell

L’insegnante che ha ispirato Hilary Swank è una persona reale

Freedom Writers rispecchia fedelmente la storia vera di Erin Gruwell, un’insegnante i cui metodi non convenzionali hanno trasformato la vita di molti giovani. Gruwell, appena uscita dal college e piena di idealismo, entrò nell’aula 203 della Woodrow Wilson High School di Long Beach, in California, nel 1994, senza rendersi pienamente conto delle sfide che l’attendevano. La scuola, ancora scossa dalle conseguenze delle rivolte di Rodney King, era un focolaio di tensioni razziali, violenza delle gang e profonda sfiducia tra gli studenti. Gruwell si trovò di fronte una classe di studenti segregati lungo linee razziali, ostili e disinteressati all’istruzione. Imperterrita, intraprese un viaggio per abbattere queste barriere.

Gruwell ha utilizzato metodi di insegnamento innovativi che includevano l’uso di diari e libri come Il diario di Anna Frank, mettendo in relazione i loro contenuti con le vite turbolente degli studenti. Questo approccio, sebbene inizialmente accolto con scetticismo, ha gradualmente iniziato a cambiare le cose, suscitando interesse e coinvolgimento tra i suoi studenti. La storia di vita reale di Gruwell è una storia di impegno incrollabile e resilienza.

La vera Erin Gruwell ha riconosciuto che i metodi di insegnamento tradizionali erano inefficaci per la sua classe di studenti a rischio

La vera Erin Gruwell ha riconosciuto che i metodi di insegnamento tradizionali erano inefficaci per la sua classe di studenti a rischio, che erano più preoccupati di sopravvivere nei loro quartieri che di studiare. Determinata a raggiungerli, Gruwell ha introdotto progetti che incoraggiavano gli studenti a esprimere i loro pensieri e le loro esperienze attraverso la scrittura.

Questa iniziativa ha portato alla creazione di “The Freedom Writers Diary”, una raccolta delle potenti e crude annotazioni dei diari degli studenti. Il film, pur drammatizzando alcuni aspetti per ottenere un effetto cinematografico, cattura accuratamente l’essenza della straordinaria dedizione di Gruwell. Il suo approccio non solo ha trasformato la vita dei suoi studenti, ma ha anche sfidato l’approccio del sistema educativo nel trattare i giovani a rischio.

Attraverso la sua storia, sia nella vita reale che in quella descritta in Freedom Writers, Erin Gruwell è emersa come un faro di speranza e una testimonianza dell’impatto che un insegnante devoto può avere sugli studenti che altrimenti sarebbero stati abbandonati dalla società.

Il marito di Erin Gruwell l’ha davvero lasciata a causa del suo impegno nell’insegnamento

La storia vera rispecchia i sacrifici fatti dal personaggio di Hilary Swank in Freedom Writers

I sacrifici personali fatti da Erin Gruwell, come descritto in Freedom Writers, rispecchiano davvero le sue esperienze di vita reale. L’impegno incrollabile di Gruwell nei confronti dei suoi studenti ha messo a dura prova il suo matrimonio, portando infine al divorzio. Suo marito, interpretato nel film da Patrick Dempsey, ha faticato ad accettare il tempo e l’energia emotiva che lei dedicava ai suoi studenti, il che ha avuto un impatto negativo sulla loro relazione.

Questo aspetto di Freedom Writers riflette accuratamente la storia vera, trasmettendo il costo personale che Gruwell ha dovuto sostenere nel suo intento di diventare un’educatrice trasformativa, dimostrando i sacrifici a volte invisibili che gli insegnanti compiono nella loro dedizione agli studenti.

Erin Gruwell non ha fatto due lavori part-time solo per comprare libri ai suoi studenti

Erin Gruwell che fa due lavori part-time in Freedom Writers cattura il suo straordinario impegno, ma non è fedele alla realtà. In verità, il lavoro aggiuntivo di Gruwell era principalmente finalizzato a finanziare la sua istruzione universitaria. Era iscritta a un programma di master alla California State University di Long Beach, dove era contemporaneamente studentessa e insegnante tirocinante. Gruwell, sempre determinata ad ampliare la propria formazione e le proprie capacità didattiche, conciliava le sue responsabilità all’università con il suo ruolo di insegnante alla Woodrow Wilson High School. Uno dei suoi lavori part-time era in un hotel, dove lavorava instancabilmente, spesso facendo i turni lunghi dopo le lezioni.

Il ritratto che il film fa di Gruwell che usa i suoi guadagni per comprare libri per i suoi studenti contiene un fondo di verità.

Tuttavia, il ritratto che il film fa di Gruwell che usa i suoi guadagni per comprare libri per i suoi studenti contiene un fondo di verità. Mentre svolgeva lavori extra per finanziare la propria istruzione, Gruwell destinava effettivamente una parte dei suoi guadagni a coprire le spese per una gita al Simon Wiesenthal Museum of Tolerance (tramite LA Times). Questo è stato un investimento nell’istruzione dei suoi studenti e una testimonianza della sua fiducia nel loro potenziale. La decisione di Gruwell di spendere il proprio reddito evidenzia un aspetto fondamentale della sua filosofia di insegnamento: l’importanza di collegare il materiale didattico alle esperienze di vita reale dei suoi studenti.

Il relatore in Freedom Writers non era un vero sopravvissuto all’Olocausto (ma nel film c’erano sopravvissuti all’Olocausto)

Il film si è impegnato a mostrare onestamente la straziante esperienza dei sopravvissuti all’Olocausto

In Freedom Writers, c’è una scena memorabile in cui la sopravvissuta all’Olocausto Miep Gies si rivolge alla classe di Erin Gruwell. Questa potente interpretazione ha portato il pubblico a credere che la donna fosse davvero Gies, ma in realtà si trattava di un’attrice professionista di nome Pat Carroll. Tuttavia, Freedom Fighters presenta comunque dei sopravvissuti all’Olocausto, gli stessi che hanno condiviso le loro storie di resilienza e sopravvivenza con i veri studenti di Freedom Writers. Tali esperienze hanno sottolineato l’impegno della Gruwell non solo nell’istruire i suoi studenti dal punto di vista accademico, ma anche nell’arricchire la loro comprensione dell’umanità e della compassione, lezioni che andavano ben oltre le mura della classe.

Pat Carroll è stata un’attrice per 70 anni prima di morire nel 2022; Miep Gies è morta nel 2010.

La vera storia delle perle di Erin Gruwell è significativamente diversa dal film

La scena tesa di Freedom Writers non è realmente accaduta

Freedom Writers include una scena in cui a Erin viene consigliato di togliersi la collana di perle prima di insegnare, suggerendo una potenziale disconnessione culturale con i suoi studenti. In realtà, sebbene la Gruwell indossasse perle la prima volta che mise piede nei corridoi della scuola, non ci fu alcun incidente del genere. Tuttavia, la vera Gruwell ha rivelato nel suo libro Teach with Your Heart di essersi chiesta se il suo aspetto potesse creare una barriera con i suoi studenti.

Questa narrazione nel film, sebbene drammatizzata, sottolinea le sfide reali che gli insegnanti devono affrontare nel relazionarsi con studenti provenienti da contesti diversi.

Questa scena in Freedom Writers potrebbe non essere realmente accaduta, ma è un cenno che riflette sui modi sottili in cui gli educatori devono affrontare le differenze culturali e socio-economiche in classe. Questa narrazione nel film, sebbene drammatizzata, sottolinea le sfide reali che gli insegnanti devono affrontare nel relazionarsi con studenti provenienti da contesti diversi.

L’attore di Freedom Writers Armand Jones è stato ucciso nella vita reale

Una delle star del film è stata tragicamente vittima della violenza nella vita reale

Armand Jones, che interpretava Grant Rice, ha tragicamente rispecchiato nella sua vita i temi del film sulla violenza nei quartieri poveri. In un crudele scherzo del destino che rispecchiava le difficoltà descritte nel film, Jones è stato ucciso a colpi di pistola nel 2006, pochi mesi dopo il completamento del film (via OC Register). L’incidente è avvenuto dopo uno scontro in un ristorante Denny’s ad Anaheim, in California, non lontano da Long Beach, dove è ambientato Freedom Writers.

Questa tragedia della vita reale ha rafforzato l’importanza del messaggio del film e del lavoro di educatori come Erin Gruwell

Jones, che all’epoca della sua morte aveva solo 18 anni, aveva offerto una performance toccante nel film, mettendo in luce il potenziale e la difficile situazione dei giovani coinvolti nella violenza urbana. La morte di Armand Jones ha avuto un profondo impatto sul cast e sulla troupe di Freedom Writers, così come sul pubblico. Ha servito da triste promemoria del fatto che le questioni affrontate nel film non erano solo scenari fittizi, ma sfide reali affrontate da molti giovani. Il talento e il potenziale di Jones, così evidenti nella sua interpretazione nel film, hanno messo in evidenza la tragica perdita di tante giovani vite a causa di una violenza insensata.

Questa tragedia della vita reale ha rafforzato l’importanza del messaggio del film e del lavoro di educatori come Erin Gruwell, che si impegnano a fare la differenza nella vita dei giovani a rischio. Freedom Writers è stato dedicato alla memoria di Jones.

Cosa sta facendo oggi la vera Erin Gruwell?

La base del film continua a essere un sostenitore dell’istruzione

Oggi, Erin Gruwell continua la sua eredità di educazione trasformativa. Nel 2000, si è candidata al Congresso, dichiarandosi candidata democratica per il 38° distretto congressuale (tramite LA Times), portando le sue intuizioni educative nell’arena politica. Dedica il suo tempo alla Freedom Writers Foundation, un’organizzazione senza scopo di lucro creata per “ispirare i giovani studenti svantaggiati a prendere in mano la penna invece delle armi”.

Gruwell è autrice di un libro di memorie, Teach with Your Heart, in cui condivide le sue esperienze e le profonde lezioni che ha imparato durante il suo percorso come educatrice.

Inoltre, Gruwell è autrice di un libro di memorie, Teach with Your Heart, in cui condivide le sue esperienze e le profonde lezioni che ha imparato durante il suo percorso come educatrice. Dopo Freedom Writers, il suo lavoro e il suo impegno continuano a ispirare e influenzare il campo dell’istruzione, dimostrando l’impatto duraturo dei suoi metodi di insegnamento innovativi.

La rappresentazione di Erin Gruwell è stata oggetto di critiche

Freedom Writers potrebbe aver contribuito a creare una narrativa salvifica

Freedom Writers è un film potente e commovente, e la vera storia di Erin Gruwell è sicuramente fonte di ispirazione e sottolinea il valore di un’educatrice di principio che ha a cuore il benessere e il futuro dei propri studenti. Tuttavia, il film non è stato esente da critiche, soprattutto per la rappresentazione di Gruwell. Sebbene il film sia stato pubblicizzato come incentrato sulle storie e le esperienze dei suoi studenti e sull’impatto che le rivolte di Los Angeles hanno avuto su di loro, non esita a mettere Gruwell al centro della narrazione.

Questo ha portato a una critica fondamentale nei confronti di Freedom Writers, che ha dipinto Erin Gruwell come una sorta di salvatrice, senza la quale gli studenti non avrebbero potuto avere successo. In questo modo, il film sminuisce le esperienze degli studenti stessi, privandoli di qualsiasi autonomia e non riconoscendo che, anche con l’aiuto della Gruwell, sono stati il loro duro lavoro e il loro desiderio di sfuggire al ciclo di violenza in cui erano intrappolati a portarli al successo.

Sebbene Freedom Writers sia stato fondamentale nel rimodellare il sistema educativo statunitense nei decenni successivi agli anni ’90, non si può negare che possa essere interpretato come un rafforzamento del messaggio che i giovani studenti provenienti da contesti svantaggiati, in particolare gli afroamericani, non possono avere successo senza l’intervento di un adulto, solitamente bianco, che li istruisca su come affrontare la vita. Inoltre, Freedom Writers potrebbe aver esagerato la resistenza degli studenti all’istruzione prima dell’arrivo della Gruwell (come nella scena della collana di perle).

Fonti: LA Times, Teach with Your Heart, OC Register, LA Times

Ben Leonberg, intervista al regista di Good Boy

Chiara Guida
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Ben Leonberg, intervista al regista di Good Boy

Film d’apertura di Alice nella Città 2025, Good Boy è la storia di Indy, un cane che farà di tutto per proteggere il suo padrone da una casa infestata. Abbiamo intervistato Ben Leonberg, regista del film, arrivato a Roma per presentare questa storia al pubblico di Alice.

Good Boy si basa su un concetto abbastanza semplice: un film su una casa stregata, in cui il personaggio principale è il cane di famiglia ed è l’unico che può vedere le forze che perseguitano i suoi occupanti. Il nostro eroe canino, Indy, si ritrova coinvolto in una nuova avventura con il suo proprietario umano e migliore amico,Todd, abbandonando la vita cittadina per trasferirsi in una casa di famiglia in campagna, da tempo abbandonata. Fin dall’inizio, due cose sono più che chiare: Indy è diffidente nei confronti della vecchia e inquietante casa e il suo affetto per Todd è incrollabile. Dopo essersi trasferito, Indy è immediatamente irritato dagli angoli vuoti, segue una presenza invisibile che solo lui può vedere, percepisce avvertimenti fantasmagorici provenienti da un cane morto da tempo ed è perseguitato dalle visioni della triste morte del precedente occupante. Quando Todd inizia a soccombere alle forze oscure che girano per casa, Indy deve combattere una presenza che vuole trascinare il suo amato Todd nell’aldilà!

Planet of the Apes – Il pianeta delle scimmie, la spiegazione del finale del film di Tim Burton

Redazione
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Planet of the Apes – Il pianeta delle scimmie, la spiegazione del finale del film di Tim Burton

Sin dalla sua uscita, c’è stato un intenso dibattito sul vero significato del finale del film Planet of the Apes – Il pianeta delle scimmie di Tim Burton. Remake dell’omonimo film di grande successo del 1968, il film del 2001 vede Mark Wahlberg nei panni di Leo Davidson, un astronauta che precipita su un pianeta abitato da scimmie intelligenti. Tuttavia, è solo nella premessa che risiedono le somiglianze tra Il pianeta delle scimmie e il film originale. Nonostante abbia aggiornato la serie con un’estetica fantascientifica più moderna, Il pianeta delle scimmie di Tim Burton ha ricevuto recensioni contrastanti, con molti che hanno citato il finale confuso del film come un notevole aspetto negativo.

Nel remake di Tim Burton Il pianeta delle scimmie, Leo Davidson (Mark Wahlberg) viene trasportato da una tempesta elettromagnetica nell’anno 5021, dove precipita su un pianeta identificato come Ashlar. Da lì, la storia di Davidson assomiglia solo vagamente alla trama del film originale Il pianeta delle scimmie. Il tutto culmina in un finale tanto sconcertante quanto inaspettato, che rende il finale di Il pianeta delle scimmie del 2001 uno dei climax cinematografici più famosi di tutti i tempi. Fortunatamente, l’insolito fallimento di Burton non ha condannato completamente il franchise, anche se ci sarebbero voluti altri dieci anni prima che il reboot del 2011 L’alba del pianeta delle scimmie arrivasse nelle sale e rendesse giustizia al classico originale del 1968.CorrelatiIl pianeta delle scimmie di Tim Burton non era un buon film, ma meritava un sequelLa versione del 2001 de Il pianeta delle scimmie di Tim Burton non era un buon film secondo la maggior parte degli standard, ma il finale da solo lo rendeva degno di un sequel.

Cosa succede nel finale de Planet of the Apes – Il pianeta delle scimmie di Tim Burton

Leo cambia la storia nel remake del 2001 de Il pianeta delle scimmie

Nel Planet of the Apes – Il pianeta delle scimmie di Tim Burton, Davidson, interpretato da Mark Wahlberg, scopre che i suoi ex compagni di equipaggio sono precipitati migliaia di anni prima del suo arrivo mentre tentavano di salvarlo, dando origine alla vita delle scimmie e degli umani su Ashlar e gettando le basi per l’oppressione degli umani da parte delle scimmie. Nella confusa linea temporale de Il pianeta delle scimmie, Leo incontra Pericle, lo scimpanzé che ha seguito nella tempesta all’inizio del film.

Questo pone fine alle ostilità tra umani e scimmie e permette a Leo di usare la capsula intatta di Pericles per tornare nella tempesta nella speranza di tornare a casa. È qui che il finale di Il pianeta delle scimmie del 2001 vira verso il territorio bizzarro di Tim Burton, e purtroppo ha avuto un effetto contrario. Quello che senza dubbio era stato concepito come un finale intrigante era in realtà solo confuso, e né il pubblico né la critica hanno reagito bene.

Dopo essere volato nella tempesta elettromagnetica ed essere tornato al suo tempo, Leo fa rotta verso la Terra, finendo per schiantarsi sui gradini del Lincoln Memorial. Entrando nel memoriale, vede che la statua di Lincoln è stata sostituita con quella del generale Thade e, mentre guarda con orrore, viene circondato da una forza di polizia scimmiesca. La mancanza di contesto per il finale di Il pianeta delle scimmie cambia l’originale ribaltandolo completamente: invece di rendersi conto di essere nel futuro, Leo torna al proprio tempo solo per scoprire che è controllato dalle scimmie.

Leo ha viaggiato nel tempo nel film Il pianeta delle scimmie di Tim Burton?

Planet of Apes - Il pianeta delle scimmie Mark Wahlberg

Mark Wahlberg è tornato indietro nel tempo alla fine del film Il pianeta delle scimmie del 2001

Sebbene il finale del film Il pianeta delle scimmie di Tim Burton renda la trama molto più confusa di quanto fosse strettamente necessario, la risposta breve è sì: Leo ha viaggiato nel tempo. La console della sua capsula indica che è precipitato su Ashlar nel 51° secolo e, verso il culmine del film, torna al suo tempo nel 2020. Tuttavia, il colpo di scena del generale Thade rende la cosa leggermente più ambigua, rendendo poco chiaro se la console della sua capsula fosse del tutto accurata.

Il Pianeta delle scimmie di Tim Burton era ambientato sulla Terra?

Il remake del 2001 ha ignorato la parte più interessante della premessa del Pianeta delle scimmie

Nel film originale, il colpo di scena finale rivelava che il pianeta del titolo era sempre stato la Terra. Tuttavia, il Pianeta delle scimmie di Tim Burton sovverte le aspettative ambientandosi su un altro pianeta chiamato Ashlar. Nonostante il Planet of the Apes – Il pianeta delle scimmie di Burton abbia esseri umani parlanti e condizioni simili a quelle terrestri, il suo pianeta è mostrato come un luogo separato su cui la vita è stata seminata dallo schianto dell’Oberon. La scena finale del film mostra Leo che torna sulla Terra guidato dalla console della sua capsula, indicando che anche le scimmie hanno in qualche modo conquistato il suo pianeta natale dopo gli eventi del film.

Cosa significa la statua del generale Thade

Planet of Apes - Il pianeta delle scimmie Tim Roth

Thade ha seguito Leo attraverso la tempesta e ha conquistato la Terra

La scena culminante del film rivela un enorme monumento commemorativo dedicato al generale Thade, il cattivo che odia gli umani interpretato da Tim Roth. Con pochissimi indizi, bisogna guardare ai dettagli più sottili de Il pianeta delle scimmieper estrapolarne il significato esatto. L’iscrizione sulla parete dietro la statua indica una possibile spiegazione per un momento “gotcha!” ancora più controverso persino dei finali a sorpresa di M. Night Shyamalan.

L’iscrizione spiega che Thade ha salvato le scimmie dagli umani, suggerendo che in qualche modo è arrivato sulla Terra e l’ha conquistata e che Leo è entrato in una linea temporale alternativa. Questa conclusione richiede alcuni salti logici, ma il film stesso fornisce alcune prove a sostegno. Per prima cosa, su Ashlar è rimasta della tecnologia semi-intatta e la tempesta elettromagnetica ha dimostrato di essere un wormhole attraverso il tempo e lo spazio. Se Thade fosse riuscito in qualche modo ad accedere alla tecnologia e poi alle capacità di viaggio nel tempo della tempesta, avrebbe potuto apparire sulla Terra molto prima del ritorno di Leo.

Cosa è successo a Pericles

Il pilota scimpanzé nel film di Tim Burton probabilmente ha avuto una vita felice

Forse il personaggio più affascinante dell’originale Il pianeta delle scimmie del 2001 era Pericle, il pilota scimpanzé che compare all’inizio e alla fine del film. Tuttavia, nonostante la sua improvvisa apparizione nel momento culminante del film, in cui salva la vita a Leo, Il pianeta delle scimmie lascia ambiguo il suo destino. Viene lasciato su Ashlar quando Leo torna a casa con la sua capsula nella tempesta, ma il suo destino dopo questo momento è in gran parte sconosciuto.

Dai cambiamenti sociali che Leo sembra aver ispirato su Ashlar, è possibile che Pericles venga trattato bene dopo la partenza del suo ex addestratore. Tuttavia, data la nuova divisione della società delle scimmie, è anche possibile che Pericles diventi oggetto di molte discussioni, sia scientifiche che sociali. In ogni caso, il futuro di Pericles era molto probabilmente piacevole, dato che Ari, interpretata da Helena Bonham Carter, promise a Leo che si sarebbe presa cura di lui.

I temi di Il pianeta delle scimmie spiegati

Il benessere degli animali è il messaggio centrale del film

Come la maggior parte dei film della serie Il pianeta delle scimmie, compresi i prequel, il film di Tim Burton contiene un messaggio intrinseco sui diritti degli animali. Esplora gran parte delle stesse idee dell’originale del 1968, con un’aggiunta degna di nota: la breve esplorazione del ruolo abituale dell’umanità come aggressore. Nel film sono presenti anche alcuni commenti sociali, in particolare riguardo al trattamento disumano riservato dalle scimmie ai loro schiavi umani.

Il vero significato del finale de Il pianeta delle scimmie di Tim Burton

Il remake del 2001 ha cercato (senza riuscirci) di essere stimolante

Con il suo finale confuso, il finale de Il pianeta delle scimmie di Tim Burton risulta un po’ disordinato. Tuttavia, gran parte della storia di Ashlar è ben conclusa, ed è il viaggio di Leo verso casa che crea la maggior parte dei problemi narrativi del film. L’improvvisa consapevolezza di Leo di non essere tornato sulla Terra che aveva lasciato originariamente vuole essere un climax terrificante e stimolante, ma senza il contesto adeguato non è altro che un’immagine finale sconcertante.

Nel tentativo di emulare l’iconico finale di altri film della serie Il pianeta delle scimmie, il film di Tim Burton rivela che, dopotutto, le scimmie hanno conquistato la Terra. Questo potrebbe far interpretare il film come un monito contro la manipolazione dell’ignoto, in particolare per quanto riguarda lo spazio e il tempo. È il disprezzo di Leo per i suoi ordini che precipita l’intera trama del film e, seminando la società di Ashlar e poi concedendo loro l’accesso a una tecnologia sofisticata, sembra condannare anche il proprio pianeta natale.✕Rimuovi pubblicitàCorrelatiLa trilogia reboot de Il pianeta delle scimmie ha evitato un problema tipico dei film di fantascienzaI film Transformers di Michael Bay e MonsterVerse sono esempi di un ricorrente tropo fantascientifico che Il pianeta delle scimmie ha fortunatamente evitato.

Perché le modifiche apportate da Tim Burton a Il pianeta delle scimmie hanno suscitato così tante polemiche

Il remake del 2001 non è riuscito a trovare l’equilibrio tra omaggio e innovazione

Il motivo per cui le modifiche apportate da Tim Burton a Il pianeta delle scimmie hanno suscitato così tante polemiche è principalmente una questione di esecuzione. Il colpo di scena finale della statua di Thade era chiaramente inteso per essere scioccante quanto la Statua della Libertà dell’originale, ma poiché è arrivato all’improvviso e senza alcun contesto, è sembrato nient’altro che un’imitazione scadente e confusa o un pigro easter egg. Tuttavia, il finale del film non era l’unico problema; era solo l’ultimo colpo di scena di un remake altrimenti deludente.

Il motivo per cui il remake ha diviso i fan è che, pur aggiornando la grafica del film originale, non è riuscito ad aggiungere nulla di significativo alla sua storia o ai temi sottostanti. Al contrario, è risultato un inutile rifacimento con una serie di modifiche superflue, tutte successivamente messe in discussione dal finale confuso di Il pianeta delle scimmie. Alla fine, Il pianeta delle scimmie di Tim Burton è passato alla storia del cinema come uno dei peggiori colpi di scena finali di sempre, e il suo finale rimane famoso come esempio lampante di come non si deve realizzare un remake.

Come i nuovi film del Pianeta delle scimmie hanno corretto gli errori di Burton

I prequel moderni hanno riportato il franchise alle sue origini

A differenza del reboot di Burton del 2001, la trilogia prequel de Il pianeta delle scimmie (iniziata con L’alba del pianeta delle scimmie del 2011) è stata un successo clamoroso. I prequel sono amati sia dai fan che dalla critica, e c’è persino una forte argomentazione a favore del fatto che abbiano superato i film originali. Sebbene questo punto possa essere oggetto di dibattito tra i fan di Il pianeta delle scimmie, non c’è dubbio che il reboot più recente di Il pianeta delle scimmie sia di gran lunga superiore a quello di Tim Burton. L’angolazione del prequel ha sicuramente funzionato bene per L’alba, L’alba del pianeta delle scimmie e La guerra del pianeta delle scimmie, ma non è l’unico motivo per cui sono amati mentre il PotA di Burton del 2001 è stato snobbato.

Le interpretazioni nella trilogia prequel sono fenomenali, in particolare quella di Andy Serkis nei panni di Cesar, aiutato in gran parte dalla tecnologia MoCap pionieristica che, a distanza di oltre un decennio, è ancora quasi senza rivali. Gli ultimi capitoli di Il pianeta delle scimmie hanno anche evitato la trappola del viaggio nel tempo in cui è caduto Burton, allontanandosi completamente dall’ossessione del film originale per il viaggio nel tempo e concentrandosi invece su una storia avvincente che ha esplorato a fondo il concetto di scimmia senziente.CorrelatiIl regno del pianeta delle scimmie: data di uscita, cast, trama, trailer e tutto ciò che sappiamoIl franchise reboot de Il pianeta delle scimmie sta per avere un quarto film, Il regno del pianeta delle scimmie, grazie al suo nuovo proprietario, la Disney.Di Dalton Norman26 marzo 2024

Il pianeta delle scimmie ha una premessa abbastanza intrigante senza bisogno di aggiungere il viaggio nel tempo, e i prequel hanno dimostrato che ignorare il famigerato finale dell’originale Il pianeta delle scimmie del 1968 in un reboot è una mossa saggia, soprattutto se si considerano le insidie della conclusione di Burton che ha cercato (senza riuscirci) di superarlo.

Allied – Un’ombra nascosta: la storia vera dietro al film

Redazione
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Allied – Un’ombra nascosta: la storia vera dietro al film

Quella che ha portato alla realizzazione di Allied – Un’ombra nascosta (qui la recensione) è una storia degna di un film a sé stante. Un ventunenne inglese è in viaggio negli Stati Uniti, incerto sul suo futuro e desideroso di vedere il mondo. Steven Knight, oggi rinomato sceneggiatore, racconta: “Facevo vari lavori saltuari e mi spostavo negli Stati Uniti. Ero in Arkansas e alloggiavo con una donna inglese che era una sposa GI – era arrivata negli Stati Uniti dopo la Seconda Guerra Mondiale, dopo aver sposato un soldato americano”.

“Era una notte calda, ricorda, e la padrona di casa e l’inquilino andarono in giardino per rinfrescarsi. “E lei mi raccontò la storia di suo fratello, che era nell’Esecutivo per le Operazioni Speciali [una branca dell’esercito britannico creata per effettuare sabotaggi e spionaggio dietro le linee nemiche]. Incontrò un’agente francese del SOE, si innamorarono e ottennero il permesso di tornare in Inghilterra per sposarsi. Così fecero, ed ebbero un figlio. Una mattina uscì di casa, parte di una famiglia felice, e diede un bacio alla moglie“.

“Quando arrivò al lavoro, i suoi superiori gli dissero che la moglie era una spia che lavorava per i tedeschi. Gli fu consegnata una pistola e gli fu detto che doveva spararle per dimostrare la sua fedeltà”. Non sorprende che questa storia straziante sia rimasta impressa nella mente del giovane Knight che, tornato nel Regno Unito, ha intrapreso la carriera di autore televisivo. Ma è rimasta lì, non scritta, per 30 anni, fino a quando la sua carriera è sbocciata al punto di lavorare con Brad Pitt.

Un giorno, mentre i due chiacchieravano, Knight ha raccontato a Pitt la storia e la reazione di dell’attore (“Aveva i brividi”, dice Knight) lo ha convinto a trasformarla finalmente in una sceneggiatura, che ha intitolato Allied – Un’ombra nascosta. Il film, interpretato da Pitt e Marion Cotillard, è una storia d’amore in tempo di guerra ad alto budget diretta dal premio Oscar Robert Zemeckis (Forrest Gump, Flight). Un film particolarmente apprezzato per la sua ricostruzione storica e le passioni messe in gioco. Ma quanta storia vera c’è nel film?

La trama e il cast di Allied – Un’ombra nascosta

Nel 1942, il comandante Max Vatan (Brad Pitt) e l’agente francese Marianne Beausejour (Marion Cotillard) sono incaricati di uccidere un ambasciatore tedesco a Casablanca. I due, fingendosi consorti, riescono ad introdursi al ricevimento e a portare a termine la missione. Tra Max e Marianne nasce a quel punto un autentico sentimento e i due si trasferiscono a Londra, dove convolano a nozze e hanno una figlia. I superiori di Max, tuttavia, sono certi che Marianne sia una spia tedesca. Sconcertato dalla terribile ipotesi che sua moglie lo stia raggirando, Max si mette alla ricerca di prove inconfutabili che dimostrino la sua innocenza.

La storia vera dietro il film

In un articolo scritto per il Telegraph, Knight afferma di non poter verificare la veridicità della storia, né è mai riuscito a trovare un riferimento agli eventi in nessuno dei libri sul SOE che ha letto. Nelle sue ricerche, Knight ha scoperto che si ritiene che i tedeschi non abbiano mai violato la sicurezza britannica sul territorio nazionale. Tuttavia, esita a dire che la storia è inventata. Secondo il suo ragionamento, in quel periodo della sua vita era fondamentalmente un vagabondo, quindi non è che la donna stesse raccontando una storia in presenza di uno scrittore famoso.

Si è anche chiesto perché qualcuno dovrebbe inventare uno scheletro di famiglia a caso, e il modo in cui la donna ha raccontato l’incredibile storia lo ha colpito per la sua sincerità. Scrive sul Telegraph: “Ho avuto anche la netta impressione che la storia fosse stata raccontata da un luogo di profonda emozione, un ricordo doloroso condiviso”. La storia registra inoltre numerosi casi di persone che si sono innamorate oltre le linee nemiche durante la Seconda Guerra Mondiale. La relazione più comune è stata quella tra francesi e tedeschi durante l’occupazione, che ha dato origine a circa 200.000 bambini.

Un caso di questi è stato recentemente scoperto da Josh Gibson, un assistente di ricerca statunitense che vive a Parigi e che si è imbattuto in un mucchio di lettere e foto in un mercatino delle pulci. La corrispondenza rivela la storia dell’aspirante architetto tedesco Johan e della segretaria francese Lisette, che si sono incontrati per la prima volta durante l’Esposizione Universale di Parigi del 1937. Si incontrarono di nuovo tre anni dopo, quando i tedeschi occuparono Parigi, e iniziarono una storia d’amore vorticosa, scrivendosi molte lettere fino a quando non si sposarono dopo la guerra.

Di base, però, non c’è dunque una vera e propria storia vera dietro Allied – Un’ombra nascosta, se non la rielaborazione dello sceneggiatora della vicenda che gli fu narrata. Una vicenda che si esauriva però in poche battute e a cui lo sceneggiatora ha dunque aggiunto molto di propria fantasia per rendere il racconto più complesso e articolato, affinché potesse sostenere un film della durata di due ore. Di certo, però, al di là della relazione tra i due protagonisti, Knight si è preoccupato di resistituire un realistico scenario storico, tanto negli eventi che avvengono quanto nelle loro modalità.

Il trailer del film e dove vederlo in streaming e in TV

È possibile fruire di Allied – Un’ombra nascosta grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple iTunes, Tim Vision, Now e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e ad un’ottima qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di lunedì 18 novembre alle ore 21:00 sul canale Iris.

Hereditary – Le Radici del Male, la spiegazione del finale del film

Redazione
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Hereditary – Le Radici del Male, la spiegazione del finale del film

Il finale di Hereditary – Le Radici del Male è aperto all’interpretazione e lascia molte domande aperte sul demone Paimon. In Hereditary, Annie Graham è un’artista la cui madre è appena morta e, sebbene il figlio Peter e il marito Steve sembrino per lo più indifferenti alla sua morte, la figlia di Annie, Charlie, sembra particolarmente turbata. Questo dà il via a una breve esplorazione delle peculiari tendenze di Charlie – staccare la testa a un uccello morto, creare creature anomale con gli scarti – prima che una serie di eventi apparentemente insignificanti la porti a una morte prematura.

Da qui, Hereditary sconfina improvvisamente nel soprannaturale, introducendo sedute spiritiche, fantasmi e occulto. Tuttavia, sia che gli spettri che sembrano infestare la loro casa siano reali o solo proiezioni amplificate del dolore, c’è chiaramente qualcosa di maligno che abita questa famiglia Graham disperata. Se la conclusione di “Hail, Paimon” di Hereditary sia particolarmente soddisfacente dipende dall’interpretazione dell’orrore che il pubblico è propenso a seguire.

Interpretazione letterale di Hereditary – Le Radici del Male

Nel finale di Hereditary – Le Radici del Male, viene rivelato che la madre di Annie era profondamente coinvolta nell’occulto – in particolare come devota adoratrice del demone Paimon (“uno degli otto re dell’Inferno”) – e, secondo la missione del culto, Annie aveva il compito di aiutare Paimon a manifestare il corpo di un bambino umano. Aveva tentato di usare Peter come ospite alla sua nascita, ma Annie era troppo territoriale, inducendo inavvertitamente a usare Charlie al suo posto.

Tuttavia, dato che si preferiva un ospite maschio, la morte di Charlie (sia essa casuale, serendipica o in qualche modo divinamente indotta) andò a vantaggio del culto. Questo ha portato al trasferimento dell’anima di Paimon nel corpo di Peter e ha richiesto l’assistenza di un mortale, il che spiega la presenza della collega Joan (Ann Dowd).

Inoltre, Annie, che aveva fatto del suo meglio per tenere legata la famiglia fino agli ultimi istanti del film, viene posseduta a sua volta, non solo contribuendo alla morte di Peter ma anche alla resurrezione di Paimon. Forse avrebbe dovuto prevederlo, visto che il simbolo del demone è disseminato in tutto il film, in particolare sulle collane sue e di sua madre.

Essendo stata ingannata nell’evocare il demone, Annie viene tristemente privata del suo titolo di matriarca e si taglia la testa come sacrificio finale per un bene superiore; il “bene superiore” in questo caso è il male. In effetti, le decapitazioni ricorrenti in questo film suggeriscono che la morte di Charlie (per decapitazione) non sia stata poi una coincidenza, soprattutto se si considera che il simbolo di Paimon è inciso proprio sul palo del telefono che finisce per staccarle la testa.

Di conseguenza, Hereditary riecheggia pesantemente Rosemary’s Baby e Il presagio, con il male che prevale sul bene. Detto questo, l’interpretazione letterale di Hereditary è altrettanto potente di quella che si addentra meno nel soprannaturale che nella salute mentale.

Uno sguardo più approfondito alla depressione e alle malattie mentali nella famiglia Graham

Sotto l’orrore palese di Hereditary c’è un’immersione profonda nella salute mentale. All’inizio del film, quando Annie partecipa a una sessione di terapia di gruppo per persone che affrontano la perdita di una persona cara, si apre sulla storia della sua famiglia con problemi di salute mentale. Non solo suo padre e suo fratello soffrivano rispettivamente di depressione psicotica e schizofrenia (entrambe sfociate in suicidio), ma sua madre soffriva di un disturbo dissociativo dell’identità. Anche le rappresentazioni più fisiche dell’orrore (ad esempio il fuoco che esce dalle candele, le apparizioni che appaiono nell’ombra) possono simboleggiare gli effetti collaterali attribuiti a queste condizioni di salute mentale.

Alla fine, lo strano finale di Hereditary – Le Radici del Male è totalmente aperto all’interpretazione. Annie potrebbe essere posseduta, oppure i suoi sintomi potrebbero aver superato il punto di controllo. Peter potrebbe essere talmente terrorizzato dalle scene a cui assiste in soffitta da essere disposto a fuggire dalla finestra del terzo piano, oppure i suoi crescenti episodi di autolesionismo potrebbero essere sfociati nel suicidio.

Inoltre, tutti i membri della famiglia Graham possono essere interpretati come rappresentanti dei vari modi in cui le persone affrontano il lutto. Da questo punto di vista, Annie rappresenta l’ansia e l’auto-colpevolizzazione/responsabilità ingiustificata. La tragedia la sovrasta in modo tale che il suo dolore si trasforma in senso di colpa. Invece di accettare la perdita, si trova in un perenne stato di “correzione”, non diversamente dal modo in cui si concentra su tutti i minimi dettagli dei suoi modelli in scala, Annie non può fare a meno di portare il peso di ogni fallimento, passo falso e perdita senza permettersi di guarire e lasciarsi andare.

Peter, invece, rappresenta l’autolesionismo. Incapace di perdonarsi per un incidente che non dipende da lui, il suo dolore è più fisico che altro. Che venga strangolato nel sonno, soffocato dagli insetti o che il suo volto venga spinto con la forza sulla superficie del banco di scuola, rompendosi il naso, la forma di dolore di Peter in Hereditary è rappresentata dalla punizione. A un certo punto, subisce persino gli stessi sintomi di shock anafilattico che Charlie ha provato pochi istanti prima di morire, suggerendo che se Charlie ha dovuto soffrire, deve soffrire anche lui.

Lo Steve distante e riservato di Hereditary rappresenta i sintomi tradizionali della depressione maggiore. È chiuso, introverso, irritabile, letargico. Egli simboleggia un tipo di depressione più silenziosa, un tipo di dolore che si tiene in disparte e osserva, ma che è comunque debilitante e corrosivo. In un film così stratificato come Hereditary, non c’è limite a come il pubblico possa interpretarlo. Da un lato c’è l’esplorazione della salute mentale, ma altre impressioni potrebbero facilmente includere una gamma più ampia di argomenti, come la politica di genere (sacrificare un ospite femminile per il maschio preferito), il nichilismo, il perdono o persino il declino dei “valori familiari tradizionali”.

Il finale di Hereditary è stato (più o meno) previsto

Per quanto Hereditary – Le Radici del Male possa essere sconvolgente, non tenta affatto di togliere il tappeto da sotto i piedi al suo pubblico in termini di grande impatto emotivo. Anzi, abbraccia apertamente il suo atto finale morboso fin dall’inizio – l’unica condizione è che tutti i suoi dettagli minimi richiedono una rigorosa attenzione ai particolari.

Nel corso del film, la classe di inglese del liceo di Peter fa continuamente riferimento alle tragedie greche, tracciando ovvi paralleli con il trauma attuale della sua famiglia. In una scena, una citazione di Sofocle recita: “La punizione porta anche saggezza”. Così, quando il conflitto dei Graham raggiunge l’inevitabile punto di ebollizione, gli avvertimenti morbosi sono già stati messi in evidenza e ogni speranza è stata spazzata via. Questo film assapora la punizione, non solo per i suoi personaggi ma anche per il suo pubblico, e il finale di Hereditary sferra a il suo colpo più spietato.

In un’altra delle lezioni di inglese del liceo di Peter, il suo insegnante dice (riferendosi ai personaggi di una storia, ma indirettamente anche a Peter e alla sua famiglia): “Sono tutti pedine di questa macchina orribile e senza speranza”. Per quanto invitante possa apparire la luce alla fine del tunnel, è fugace. Alla fine la luce si spegnerà e il destino avrà il suo destino.

Hail Paimon: la spiegazione del demone del film (e perché Ari Aster lo ha scelto)

Re Paimon, uno dei re dell’Inferno secondo la Piccola Chiave di Salomone, comanda una vasta legione di demoni e possiede una profonda conoscenza del passato e del futuro. Rinomato per la sua capacità di insegnare arti e scienze e di conferire titoli speciali ai suoi seguaci, la tradizione di Paimon è ricca di complessità e grandezza. La scelta di Paimon da parte di Aster, come discusso in un Reddit AMA, è stata dettata dal desiderio di esplorare territori inesplorati dell’orrore, evitando la rappresentazione stereotipata del diavolo. Aster ha dichiarato:

“Il diavolo è stato fatto a pezzi. Paimon è stata la mia opzione preferita, emersa durante le mie ricerche. Alcuni mi hanno già detto che Paimon è una “scelta ovvia”. Tutti sono critici, a quanto pare”.

Questa decisione riflette un impegno ponderato con le tradizioni demonologiche, con l’obiettivo di sorprendere e sconvolgere un pubblico forse troppo a suo agio con i tropi familiari del cinema horror. Il riconoscimento da parte del regista del fatto che i critici abbiano considerato Paimon una “scelta ovvia” sottolinea la sfida di bilanciare la novità con le aspettative del genere. La presenza di Paimon al posto di una figura demoniaca universalmente riconosciuta come il Diavolo arricchisce Hereditary di uno strato di originalità e profondità che lo distingue dai film horror convenzionali.

Questa scelta non solo dimostra la dedizione di Aster all’innovazione narrativa, ma amplifica anche i temi ossessionanti del film, rendendo la presenza di Paimon non solo un dettaglio, ma una pietra miliare del suo inquietante fascino. Con Hereditary, Aster riesce a colmare il divario tra gli elementi tradizionali dell’horror e un nuovo approccio narrativo, segnando il film come un’entrata di spicco nel genere e cementando il suo posto negli annali del cinema horror.

Cosa significa il finale di Hereditary

Hereditary di Ari Aster è un film incredibilmente complesso con molti temi e strati che a volte si perdono dietro le immagini scioccanti. Tuttavia, è anche un film horror il cui finale ha un chiaro messaggio tematico. Il finale di Hereditary parla del potere trasformativo del trauma e di come gli eventi peggiori nella vita delle persone possano ridefinire completamente chi sono.

In particolare, Hereditary parla del ciclo del dolore all’interno del nucleo familiare e di come famiglie precedentemente sane possano essere completamente cambiate da un singolo evento traumatico. Lo ha confermato lo stesso regista durante un’intervista. Parlando con Vox nel 2018, Aster ha spiegato il significato del finale di Hereditary e il messaggio che ha cercato di trasmettere con il suo film horror di successo:

Per me, la metafora funziona fino in fondo. Alla fine, senza spoilerare nulla, il film parla ancora di come il trauma possa trasformare completamente una persona, e non necessariamente in meglio.

Questo è evidente in ogni personaggio di Hereditary alla fine del film. L’Annie di Toni Collette porta con sé il trauma della madre e dell’infanzia. Peter porta con sé il trauma delle azioni di Annie e del suo ruolo nella morte della sorella minore, Charlie. È con Peter che il significato di Hereditary diventa più chiaro. La trasformazione dal trauma e dal dolore è letterale nel senso di Peter, che diventa Paimon, la posizione originariamente riservata a Charlie.

Come è stato accolto il finale di Hereditary

Hereditary è stato un trionfo sia per lo studio A24 che per il regista Ari Aster. Le recensioni della critica sono state quasi universalmente positive, come dimostra il punteggio del 90% del Tomatometer su Rotten Tomatoes. Tra i molti aspetti regolarmente elogiati dalla critica, come l’interpretazione di Toni Collette e il tono visivo creato da Aster e dal direttore della fotografia Pawel Pogorzelski, c’è stata la trama complessiva. Il finale di Hereditary ha contribuito in modo significativo all’elogio della narrazione, e molti lo hanno definito un finale incredibilmente forte per coronare il terrore a fuoco lento e i momenti di tensione viscerale che hanno caratterizzato il resto del film.

Un punto di forza particolare del finale diHereditary per molti critici è stato il modo in cui le scene finali hanno fatto passare la storia dal regno dell’inquietantemente concreto a quello dell’incubo surreale. Per esempio, Matt Zoller Seitz, scrivendo per Roger Ebert, ha commentato il modo magistrale in cui il finale di Hereditary ha chiuso le cose in modo semi-ambiguo, senza sminuire l’esperienza complessiva della visione:

“L’atto finale del film solleva domande sulla realtà verificabile di tutto ciò che avete appena visto, ma sembra appropriato considerando tutta l’attenzione che la sceneggiatura ha prestato all’idea dell’inspiegabile. Aster, il suo direttore della fotografia Pawel Pogorzelski, la troupe della macchina da presa e delle luci e l’intero reparto sonoro meritano un riconoscimento speciale per aver creato momenti raccapriccianti così specificamente immaginati che si può davvero dire di non averli mai vissuti prima”.

Oltre a lodare il finale in sé, Matt Zoller Seitz e molti altri critici hanno anche citato l’eccezionale profondità tematica e lo sviluppo dei personaggi di Hereditary che si prestano incredibilmente bene ai momenti finali. È stato un finale soddisfacente, ma non lo sarebbe stato se non fosse stato per la forza di Aster come regista e per il modo in cui i personaggi di Hereditary si sono fatti sentire:

“Aster e il cast fanno sì che ci si preoccupi di queste persone disturbate e si tema ciò che potrebbero fare gli uni agli altri, a se stessi e agli estranei. Quando immancabilmente accade qualcosa di terribile, si prova tristezza oltre che shock, perché ora sarà ancora più difficile per i Graham uscire dal baratro di tristezza in cui li ha gettati la morte della nonna e affrontare finalmente i traumi del passato che hanno ignorato o coperto.

Aster continua a far intendere che qualcosa di orribile potrebbe accadere da un momento all’altro (si noti come ogni oggetto appuntito usato per qualsiasi motivo abbia il suo minaccioso primo piano), ma quando qualcosa di orribile accade, di solito è molto peggiore di quello che si era immaginato, non solo per gli incidenti in sé, ma perché “Hereditary” è un raro film dell’orrore che presta la giusta attenzione al mondo reale a come gli individui affrontano i traumi”.

Un altro punto di forza del finale diHereditary per molti critici è stato il fatto che fosse così cupo. Non c’è una ragazza (o un ragazzo) finale nel film horror di Ari Aster, e questo si adatta incredibilmente bene alla storia e al suo messaggio centrale. Questo aspetto è riassunto dal critico Alissa Wilkinson, che scrive per Vox, nella sua recensione:

“È possibile leggere Hereditary come un film sulla paura di ereditare la malattia mentale di un genitore, e anche se questo non è sicuramente il suo unico punto di vista, aggiunge un ulteriore livello di paura al film. Ma se, si chiede Hereditary, fosse tutto sbagliato? E se alla fine tutti noi soccombessimo al destino scritto nei nostri geni e nelle nostre stelle? Da quella parte c’è la follia. Ma la follia, di un certo tipo, è esattamente ciò che Hereditary cerca. Il film rimane impresso nella mente e rimane come un grumo nell’anima. Ed è deliziosamente contorto lungo il percorso. Hereditary ha carne da incubo da vendere e nessuno, alla fine, riesce a fuggire”.

Nel complesso, Hereditary del 2018 è il film che ha contribuito a far conoscere Ari Aster come regista horror. Sebbene ci siano molte scene scioccanti a cui il regista può attribuire il successo ottenuto con Hereditary (come il famigerato momento in cui Charlie viene decapitato), è anche merito del finale. Molte storie sono valide solo quanto i loro momenti finali e, nel caso di Hereditary, è il climax a cementarlo come uno dei migliori film horror del 21° secolo fino ad ora.

Southpaw – L’ultima sfida: la vera storia che ha ispirato il film con Jake Gyllenhaal

Gianmaria Cataldo
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Southpaw – L’ultima sfida: la vera storia che ha ispirato il film con Jake Gyllenhaal

C’è un improbabile ispirazione reale dietro il dramma pugilistico del 2015 Southpaw – L’ultima sfida (qui la recensione), il film con protagonista il pugile Billy Hope interpretato da Jake Gyllenhaal. Diretto da Antoine Fuqua (Training Day) e scritto da Kurt Sutter (Sons of Anarchy), questo film sulla boxe segue dunque un pugile di nome Billy Hope, che per via di un incidente perde la moglie e la custodia della figlia, divenendo un alcolizzato. Hope spera però di rimettere la sua vita in carreggiata e, alla fine, si trova a dover affrontare il formidabile Miguel “Magic” Escobar. Southpaw – L’ultima sfida vanta un cast all-star accanto a Gyllenhaal, con nomi come Rachel McAdams, Forest Whitaker, 50 Cent e Miguel Gomez.

Non c’è però da stupirsi che guardando il film venga da chiedersi: “Billy Hope esiste davvero?”. Southpaw – L’ultima sfida ha tutte le carte in regola per essere un autentico biopic sportivo. Mentre tutti i buoni film sulla boxe vedono il protagonista battere avversari apparentemente imbattibili, la tragica storia delle sconfitte subite da Hope nel corso del film sembra una vera e propria storia di redenzione che potrebbe essere realmente accaduta. Tuttavia, la storia vera di Southpaw – L’ultima sfida è più strana della finzione. Tecnicamente, il film di Jake Gyllenhaal sulla boxe non è basato sulla vita di un vero pugile. Detto questo, il personaggio di Billy Hope è ispirato a una persona reale, che ha affrontato difficoltà simili ed è riuscita a uscirne vincitrice.

La vera storia di Southpaw – L’ultima sfida è ispirata ad Eminem

Anche se la storia vera narrata nel film non è tecnicamente vera, è però ispirata alla vita del rapper Eminem. Lo sceneggiatore, Kurt Sutter, ha infatti affermato di aver scritto il film pensando a Eminem. Sutter è un grande ammiratore della musica del rapper e ha scritto Southpaw – L’ultima sfida come successore spirituale/sequel non ufficiale di 8 Mile. Gli elementi pugilistici del film dovevano simboleggiare il suo percorso di vita e il rapporto tra Billy e la giovane figlia Leila (Oona Laurence) doveva rispecchiare quello tra Eminem e sua figlia Hailie. Sebbene il rapper abbia ricevuto ottime recensioni per la sua interpretazione in 8 Mile, da allora è stato notoriamente riluttante ad accettare altri lavori di recitazione, rifiutando anche il ruolo di protagonista in Elysium.

Quindi, anche se la risposta alla domanda “Billy Hope esiste davvero?” è tecnicamente un no, è in realtà basato su qualcuno di realmente esistente. Eminem era coinvolto come attore nel film fino al 2012, ma alla fine Gyllenhaal lo ha sostituito. Il rapper è rimasto comunque in una piccola veste, producendo canzoni come “Kings Never Die” per la colonna sonora del film. Per quanto Jake Gyllenhaal fornisca una prova attoriale e fisica straordinaria, sarebbe stato certamente interessante vedere Eminem calarsi nel ruolo, soprattutto dato che il film è così fortemente ispirato alla sua vita.

Billy Hope non era un vero pugile

Parte del motivo per cui la gente si chiede se Billy Hope esista davvero è poi dovuto all’interpretazione di Gyllenhaal. L’attore ama particolarmente affrontare ruoli di personaggi profondi e si immedesima moltissimo in loro. Questo potrebbe essere il motivo per cui molti si sono chiesti se la storia di Southpaw – L’ultima sfida fosse vera e se Hope fosse un vero pugile. Anche se Billy Hope non è reale, il film ha tutte le carte in regola per essere una biografia sportiva ispirata a una storia vera, e l’interpretazione di Gyllenhaal del personaggio è particolarmente veritiera. Il film sulla boxe vede infatti un arco trionfale per il personaggio, tanto che molti speravano che raccontasse una vicenda realmente avvenuta.

Tuttavia, questi trionfi sono stati ispirati dalla vita di Eminem (con il pugilato che, come già detto, inizialmente era una metafora delle battaglie rap), quindi anche se Billy Hope è fittizio, le emozioni dietro la sua storia provengono da un luogo reale. Se Rocky è il primo film che viene in mente quando si parla di drammi sulla boxe, ci sono stati molti altri esempi degni di nota. Ci sono famosi film come Toro Scatenato o il dramma di Clint Eastwood, vincitore del premio Oscar, Million Dollar Baby, tanto per citarne alcuni. Il film sulla boxe con Jake Gyllenhaal, Southpaw – L’ultima sfida, si è poi aggiunto a questa schiera nel 2015.

Tutti amano i film sulla boxe, perché in genere hanno un protagonista che riesce a superare ostacoli insormontabili e di solito hanno un finale ad effetto. Inoltre, è uno sport particolarmente dinamico, che si sposa perfettamente con il linguaggio cinematografico. Southpaw – L’ultima sfida segue quindi le orme di altri film del genere, ma ciò che lo rende diverso è che la sua storia ha tutti gli indicatori di un biopic sportivo reale, come Tonya o Invictus – L’invincibile. Detto questo, Southpaw – L’ultima sfida non sarà quindi basato su una storia vera, ma ciò non significa che non sia stato ispirato dalle lotte di una persona reale.

Tron: Ares, flop al botteghino: il futuro della saga a rischio

Gianmaria Cataldo
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Tron: Ares, flop al botteghino: il futuro della saga a rischio

Il nuovo film della saga Tron, Tron: Ares (qui la recensione), ha esordito con risultati deludenti al botteghino. Il debutto domestico ha registrato un incasso di 33 milioni di dollari, 11 milioni in meno rispetto alle previsioni, mentre il mercato internazionale ha contribuito con altri 27 milioni. Il film, prodotto con un budget vicino ai 200 milioni di dollari, si presenta come il tentativo di rilanciare il franchise dopo Tron: Legacy del 2010, che aveva totalizzato circa 400 milioni di dollari nel mondo, a fronte di un budget di 170 milioni.

Secondo fonti vicine a Disney riportate da The Hollywood Reporter, il risultato deludente di Tron: Ares ha però portato lo studio a rivedere i piani per il franchise, che potrebbe essere considerato concluso o “ritirato” dal mercato. Il film aveva suscitato aspettative contrastanti, anche in considerazione del fatto che il marchio Tron non aveva mostrato negli anni un ampio seguito fuori dalla fanbase originale.

Il progetto era stato promosso soprattutto dall’attore Jared Leto, protagonista del film, che aveva spinto per lo sviluppo del sequel attraverso la collaborazione con l’allora responsabile della divisione live-action di Disney, Sean Bailey. Leto, reduce da film come Morbius e House of Gucci, non era considerato un attore particolarmente affidabile in termini di incassi al botteghino, ma ha comunque ottenuto il ruolo centrale nella nuova produzione.

Il flop di Tron: Ares si inserisce in un contesto di crescente cautela da parte degli studi cinematografici verso grandi progetti di fantascienza legati a marchi di nicchia. La combinazione di budget elevato, un franchise non più di primo piano e un protagonista con un appeal commerciale limitato ha contribuito al risultato negativo. Al momento, Disney non ha annunciato piani ufficiali per ulteriori sviluppi della saga Tron. L’esito di Ares suggerisce che il franchise potrebbe non ricevere nuovi capitoli nel prossimo futuro, confermando una tendenza a “ritirare” il marchio dopo i precedenti tentativi di rilancio.

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Drew Struzan, morto il leggendario artista di locandine cinematografiche

Gianmaria Cataldo
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Drew Struzan, morto il leggendario artista di locandine cinematografiche

Il leggendario artista di locandine cinematografiche Drew Struzan, autore di alcuni dei migliori poster della storia di Hollywood, è scomparso all’età di 78 anni. In un post su Instagram è stata confermata la notizia della morte di Struzan, avvenuta ieri. La didascalia recita: “È con grande tristezza che devo comunicarvi che Drew Struzan ci ha lasciati ieri, 13 ottobre. Ritengo importante che tutti voi sappiate quante volte mi ha espresso la gioia che provava nel sapere quanto apprezzavate la sua arte”.

Nato nel 1947, Struzan era noto per i numerosi poster di film classici, romanzi e copertine di album. Ha realizzato oltre 150 poster di film per franchise come Star Wars, Ritorno al futuro, Indiana Jones, Blade Runner e Harry Potter. La sua carriera è durata decenni ed è diventato famoso per le sue illustrazioni iconiche. Struzan ha iniziato la sua carriera negli anni ’70 e ha persino illustrato le copertine degli album dei Black Sabbath, dei Beach Boys e dei Bee Gees.

È diventato famoso grazie alle sue illustrazioni per Star Wars e ha avuto uno stretto rapporto di collaborazione con la Lucasfilm. Nel 1977 è stato ingaggiato per creare un poster per la riedizione di Star Wars e ha creato il leggendario poster “circus”, che è diventato il suo stile distintivo. Il suo layout iconico ha influenzato molti poster cinematografici pubblicati in seguito.

Nel 2008, Struzan si è ritirato dopo la campagna pubblicitaria per Indiana Jones e il regno del teschio di cristallo. Il suo amore per l’arte lo ha spinto a tornare in attività alcune volte per diversi progetti, tra cui La torre nera di Stephen King nel 2012 e la trilogia di Dragon Trainer nel 2019.

Il suo lavoro e la sua vita sono stati raccontati in un documentario intitolato Drew: The Man Behind the Poster, che includeva interviste di rilievo a Steven Spielberg, George Lucas, Harrison Ford, Guillermo del Toro e Michael J. Fox. Il documentario è stato diretto e prodotto da Erik Sharkey.

Struzan era appassionato di arte e amava il cinema, e affermava: “Sì, vendo film. Ma se posso farlo con l’arte, con la bellezza, in un modo che raggiunga le persone e le tocchi… questo è ciò che mi rende felice”. Struzan è ricordato dalla moglie Dylan, dal figlio Christian e da tutti i fan che hanno imparato ad amare e apprezzare il suo stile memorabile e che potranno ancora farlo riscoprendo le sue innumerevoli, iconiche e straordinarie locandine, che già solo a guardarle trasmettono tutta la magia del cinema.

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