«Appartengo a un mondo in cui il lettino dell’analista aveva sede dal barbiere e alle nevrosi si rispondeva con la passione.»

Una delle più belle frasi di Ettore Scola ricostruisce in fondo quella che era la personalità del grande maestro. Un uomo d’altri tempi. Dedito al suo lavoro senza però sentirsi un privilegiato. Piuttosto un uomo di mestiere.

Così ama ricordarlo chi lo ha conosciuto e amato. Come una persona semplice che non ama “mettersi in mostra”. Per questo quando i due giovani organizzatori di “Piacere, Ettore Scola” – Nevio de Pascalis e Marco Dionisi – si sono presentati da lui con l’idea di creare una mostra dedicata alla sua vita, il regista è sembrato restio sul momento. Perché, come ricorda la moglie del regista, Gigliola Fantoni – una delle ospiti d’eccezione in conferenza – «Non amava che si parlasse troppo di lui, non amava essere al centro dell’attenzione. Voleva solo fare il suo lavoro».

La preoccupazione principale del regista era che questa esposizione si sviluppasse in maniera sbagliata. Per questo inizialmente non era convinto «diceva: “questa mostra non interesserà a nessuno, quello che avevo da dire lo ho già detto con i miei film”.» – ricorda la figlia Silvia – « Invece grazie alla dedizione e all’insistenza di Marco e Nevio, e anche al nostro appoggio convinto, la mostra è stata creata. Ci ha fatto piacere aprire i cassetti e cercare i ricordi. L’esposizione, già inaugurata in Irpinia ha avuto un grande successo. Questa mostra è nata insieme a lui e via via si sta arricchendo anche dopo la sua scomparsa. Basta non esagerare con i cimeli ora che è morto. Perché questo non lo avrebbe mai sopportato».

Piera Detassis, arbitro della conferenza nonché produttrice della mostra tramite la Fondazione Cinema per Roma , si rivolge quindi ai due curatori.

Come è nata questa mostra?

MARCO DIONISI: «La mostra, che si terrà dal 16 settembre al 23 ottobre 2016 al Museo Carlo Bilotti, è la prima monografica sul grande regista. Tutto è iniziato nel 2013, quando siamo andati da Scola per proporgli questa idea, che lo ha lasciato piacevolmente sorpreso. Ci chiese però perché la gente dovesse andare a vedere questo genere di esposizione, a chi potesse interessare. Ma noi eravamo fermamente convinti che, come noi due, anche altri avrebbero amato e apprezzato ripercorrere la carriera del grande maestro. La monografia parte dal raccontare le sue origini a Trevico, fino ad arrivare ai suoi ultimi film, toccando tutte quelle che sono le tematiche care al regista, dalle più desuete a quelle più famose. Abbiamo anzitutto cominciato col raccogliere del materiale a Cinecittà, dove abbiamo scelto e catalogato molta documentazione. Che mano a mano cresceva fino a prendere le forme di una vera e propria raccolta, per prima esposta in Irpinia, luogo di origine del regista. A Roma invece la mostra si presenterà ulteriormente arricchita di materiale. Grazie anche all’aiuto di varie cineteche come quella di Bologna e dell’Istituto Luce. Ma l’aiuto più prezioso ci è pervenuto dalla famiglia, che ne racchiudeva i ricordi più intimi e validi».

Come è stata la collaborazione con la famiglia quindi?

NEVIO DE PASCALIS: «E’ stata una collaborazione molto presente ma che ci ha lasciato spazio. Una presenza discreta che ci ha sempre sostenuto. Ettore ci ha dato grande fiducia che ci ha permesso di andare avanti nelle difficoltà «Il duro lavoro paga sempre» diceva.

Scola è un personaggio complesso ricco di sfaccettature: è stato vignettista, autore di testi comici e televisivi, regista teatrale, ecc. Il nostro obiettivo era quello di rappresentarlo nella sua interezza.

La mostra si costituisce di 9 sezioni a loro volta suddivise in due parti: la prima parte cronologica e la seconda tematica. Nella prima parte ripercorriamo la vita di Scola, dall’infanzia in Irpinia al lavoro per il Marc’Aurelio, dalla collaborazione in Rai agli scritti come sceneggiatore accanto a Ruggero Maccai (ad esempio ne Il Sorpasso di Dino Risi o  in Io la conoscevo bene di Antonio Pietrangeli).

Fino ad arrivare all’intensa carriera di regista, dagli esordi nel 1964 con Se permettete parliamo di donne fino al suo ultimo film Che strano chiamarsi Federico.

La seconda sezione, quella dedicata alle tematiche, riguarda il rapporto tra attori e collaboratori, dentro e fuori dal set. Si evidenzia inoltre la sua passione civile e politica che ritorna in tutte le sue opere. Analizzeremo poi i suoi film di ambientazione romana e la passione per il teatro. Abbiamo anche una sezione dedicata al disegno, che infondo è il fil rouge di tutta la sua carriera e grande amore della sua vita».

Quale era il suo rapporto con gli attori?

GIOVANNA RALLI: «Io e Ettore ci siamo conosciuti giovanissimi, negli anni ‘50. Il film era una delle sue prime sceneggiature Fermi tutti arrivo io, e a distanza di anni ho recitato nel suo primo film Se permettete parliamo di donne, fino ad arrivare al grande successo di C’eravamo tanto amati. Non vedevo l’ora la mattina di andare a lavorare. Ettore ci accompagnava dall’inizio delle riprese fino alla fine, e si preoccupava che “vivessimo” i dialoghi. Lui scriveva il miglior linguaggio del cinema italiano. Non scriveva cose “recitate”, detestava che si recitasse».

SERGIO CASTELLITTO: « Infatti per me è stato anzitutto un grande scrittore, sceneggiatore è quasi riduttivo. Poi ha declinato il suo genio nel disegno e nella comicità,. Ma anzitutto scriveva parole e immagini. E l’ironia era la sua forma di ispirazione principale. La grazia di poter appoggiare la risata alla condizione umana, pur così dolorosa, era una cosa che solo lui sapeva fare così bene».

La mostra sarà presentata a Cannes il 18 maggio in onore dei 40 anni del Premio alla Regia di Brutti Sporchi e Cattivi.

È senza dubbio l’uomo che ha trasformato l’impossibile in possibile, sfidando non solo “una decina di leggi municipali” ma anche la forza di gravità e ogni umano senso del pericolo e istinto di sopravvivenza. Stiamo parlando di Philippe Petit, l’uomo che ha appeso un cavo tra le Torri Gemelle e lo ha attraversato, rimanendo sospeso, tra un’acrobazia e l’altra, per circa 45 minuti nel vuoto a 415 metri d’altezza. Era il 6 agosto del 1974 e le imponenti costruzioni di New York erano appena state erette. Lui, con pochi e incoscienti amici, ha compiuto l’impresa che gli ha regalato l’imperitura memoria, e non è ancora stanco. Vivace, profondo, felice, così si è presentato alla stampa della Festa di Roma per presentare The Walk 3D, film di Robert Zemeckis che racconta la sua avventura più grande, la realizzazione del suo sogno.

Ma cosa ha pensato Petit quando le Torri, in quel funesto giorno del 2001, sono state abbattute?

“Sono felice che me l’abbiate chiesto subito, perché per me è molto doloroso pensarci. Non solo per i palazzi, che chiaramente ho vissuto in maniera del tutto particolare, ma soprattutto pensando che in quell’attentato sono morte così tante persone”.

Il suo sogno l’ha realizzato nel ’74, ma non per questo è soddisfatto. Guarda ancora la futuro con grande energia, facendo progetti e cercando di tagliare altri traguardi impossibili: “Sotto al letto ho una scatola rossa con scritto ‘progetti’ – ha detto – È piena di fotografie che rappresentano i miei sogni. Sarebbe molto bello camminare tra due Mohai dell’Isola di Pasqua”.

Quanto c’è di vero nel film e quanto di spettacolarizzato?

“Il film è tratto dal mio libro ‘Toccare le nuvole’. Diciamo che è abbastanza fedele a come sono andate le cose veramente, giusto un paio sono state aggiunte, per rendere il film più adatto a Hollywood. Del resto, l’intento è portare gli spettatori con me sulla fune”.

Ha incontrato Joseph Gordon-Levitt?

“Ho insistito per allenarlo, anche se avevamo a disposizione solo otto giorni. Gli ho detto: ‘bene, in otto giorni camminerai su un cavo’, e ho tracciato una linea sul pavimento. Camminare su una linea morta è forse anche più difficile cha farlo su un cavo. Lui era pieno di dubbi, ma io non volevo certo che camminasse tra le Torri Gemelle, mi bastava comprendesse l’anima, lo spirito, la maestà, la nobiltà, l’eleganza, il senso di sfida che ho nel camminare. Alla fine ha fatto 10 metri. Zemeckis non credeva ai suoi occhi. Sul set c’erano anche degli stunt-man ma per gran parte del tempo sono i suoi piedi che vedete nel film”.

E la paura? È qualcosa che si sente mai a quelle altezze?

“Quando faccio il primo passo so che arriverò a fare l’ultimo. Sia chiara una cosa: non lo faccio per disprezzo della vita. Io la vita la amo”.

Ci sono delle scene che le sono piaciute particolarmente del film?

“Direi, sicuramente la scena del ‘visitatore misterioso’. Una cosa che mi è accaduta realmente, mentre stavo fissando i cavi, e ovviamente avevo paura di essere scoperto perché stavo facendo una cosa illegale, prima dell’alba, sul tetto delle Torri Gemelle arriva questo tizio. Per un attimo ho temuto che il mio sogno si schiantasse. Ma non era un poliziotto e nemmeno un operaio. Non ho idea di chi fosse. Magari voleva solo starsene lì a rimirare il panorama dall’alto. E nel film c’è questa scena carica di tensione in cui io tengo stretto in mano un pezzo di tubo. Non lo minaccio, ce l’ho solo lì. E ci guardiamo, ed è chiaro che lui pensa di avere a che fare con un pazzo. E poi amo la scena in cui sto per partire con la camminata. Un piede poggiato sul filo e uno sul cornicione. Ed è la mia gamba, non io, a capire quando il cavo è pronto, e a dare inizio allo show”. 

Su quello che invece non gli è piaciuto, Petit è decisamente più morbido e indulgente. “Il film mi piace molto, altrimenti non sarei qui a parlarne, chiaro. C’è una cosa che non risponde a verità. Ad esempio è vero che mi sono ferito il piede poco prima dell’evento, ma non perdevo sangue, come nel film. Comunque questo non mi dà fastidio. Due cose avrei fatto diversamente. La prima è che a un certo punto si vede che inciampo. Vi assicuro che se fossi inciampato oggi questo incontro non si potrebbe fare. L’ho detto a Zemeckis: ‘Bob, dai, non si può fare’, ma lui ha insistito, perché il cinema è anche questo, ìè la magia del cinema’ ha detto. La seconda è il modo in cui fisso i cavi, con delle chiavi mobili che se fossero cadute avrebbero potuto uccidere qualcuno. Io invece ho fatto un allestimento meraviglioso, se mi posso permettere, stando attentissimo a non danneggiare le persone né i palazzi, con degli strumenti del mestiere antichi e collaudati. Ecco, queste due cose le avrei cambiate, ma non mi danno fastidio al punto di rovinarmi la visione del film”.

Dopo la prima traversata lei decide di tornare sul cavo e compiere anche il percorso inverso. Cosa l’ha spinta?

“È che, vede, io stavo lì, seduto, ed ero come un re sul suo trono. Non me la sentivo di dire ‘Ok, è fatta, festeggiamo’. Non ero soddisfatto della prima camminata, era stata una specie di prova, avevo provato il cavo. Poi avevo controllato la mia seconda estremità e, beh, ho sentito qualcosa che ancora mi chiamava. La bellezza del vuoto, delle Torri, di New York. E la gente che sotto cominciava ad accalcarsi. Ormai conoscevo il cavo. Non era un gran cavo, però sapevo come gestirlo. Mi sono alzato e ho ricominciato a camminare, avanti e indietro. Quando sono sceso, i miei amici hanno detto che sono stato sul filo per 45 minuti, compiendo 8 traversate, ho improvvisato, come fanno gli artisti”.

Cosa rappresenta per lei quel cavo?

“In francese noi diciamo ‘fil’, che è molto più raffinata di ‘cable’. Beh, è il filo della vita, come dirlo diversamente. Mi porto sempre dietro una cordicella, che vedete anche nel film. E la uso quando vedo dei luoghi per immaginarmi quanto sarebbe bello metterci un cavo in mezzo. Il cavo non è mai una linea retta, è una curva catenaria, gira su se stesso, si muove in orizzontale e in verticale. È come un animale e io lo devo gestire. E quando l’ho installato tra le Torri, anche se non avevo tempo, mi sono fermato comunque un momento a guardare quella curva. Era bellissima, come un sorriso. Il funambolo collega i posti e le persone. Magari da un lato e dall’altro ci sono dei nemici, e quando mi vedono e mi ammirano sono un tutt’uno ad applaudire. Non credo in un unico Dio ma in molte forze, e da dove viene il termine religione? Dal latino ‘religare’, cioè legare insieme. La verità è che non ho ancora imparato del tutto come si fa. Ho 66 anni e ancora mi alleno, 3 ore al giorno”.

La vedremo mai sospeso da qualche parte qui in Italia?

“Ci sono venuto tante volte ma è la prima volta che vengo a Roma. Non potrò certo scoprirla in due giorni. Cercherò di coglierne lo spirito, poi ci devo tornare un paio di settimane e fare dei sopralluoghi, magari mettere su un progetto e presentarlo alle autorità competenti per ricevere un invito, e un assegno. Non mi serve molto, non sono un milionario. Sono un semplice artista che vive di questo. Il mio sogno inizia così. Sono venuto a Carrara per un festival letterario e mi ha affascinato la cultura del marmo. C’era un tipo che suonava un pianoforte tutto di marmo. Mi piacerebbe attraversare sul filo la cava dei marmi, da una parte all’altra, illuminando tutto di candele come Milos Forman che per Amadeus ne ha usate 30mila. Ma ancora non sono riuscito a parlarne con nessuno”.

Un uomo così vivo, appassionato e estroverso ha un rapporto complicato con la tecnologia, sul 3D ad esempio, ha detto: “Generalmente a me il 3D non piace, penso che il cinema debba basarsi sul talento del regista, del montatore eccetera. Però questo film è un’eccezione, se lo vedi in 3D e in IMAX è come un volo sul Grand Canyon, porto veramente il pubblico con me sul cavo e gli faccio avere paura, ma una paura divertente. Ovviamente funziona al meglio nella parte che riguarda la camminata, ma se potete consigliate alla gente di vederlo così. Anch’io l’ho fatto, con quegli stupidi occhialini. Però questo film è bello anche senza, nel 2D tradizionale”. Sulle tecnologie invece è stato molto severo: “Le tecnologie però secondo me attutiscono i sensi. Tutti questi gadget, il pc, il cellulare, le cuffie. Vedo questi teenager completamente isolati e stanno dimenticando i propri sensi. Io uso solo una penna, una bella penna a inchiostro, e quando viaggio matita e taccuino, per disegnare. Nemmeno la macchina fotografica uso. Non ho l’orologio, sono un bravo borseggiatore e giocoliere, per cui se mi dovesse servire lo rubo. Non uso il PC, scrivo come Leonardo Da Vinci. Io vado nella direzione opposta, cerco di combinare i miei sensi per crearne altri, del resto nella preistoria lo facevamo, eravamo animali a quattro zampe con enormi narici. Annusavamo, sentivamo tutto. Lo faccio anche oggi, vivo nei boschi vicino Woodstock e se c’è un orso in giro lo fiuto, anche se non lo vedo. I nostri sensi vanno tenuti vivi”.

In merito alle differenze su questo film e sul documentario premio Oscar che lo ha visto protagonista nel 2008, Man on Wire: “Sì, ma sono imparagonabili. Sono proprio due quadri diversi. Diciamo che consiglierei prima di vedere il documentario per informarsi e poi di passare al film”.

Parlando a margine della proiezione di Le donne del 6° piano, il regista del film, Philippe Le Guay, ha diffusamente discusso riguardo alle motivazioni che l’hanno spinto a concretizzare quest’opera, a partire dal desiderio, finora irrealizzato di lavorare con attori non francesi; il casting per i ruoli delle estroverse cameriere spagnole si è svolto a Madrid, dove il regista si è trattenuto per tre settimane, dividendosi tra lavoro e visite culturali: in proposito Le Guay ha raccontato di come, nel corso degli incontri pomeridiani con le aspiranti protagoniste, avesse l’impressione di ritrovarsi di fronte alle versioni in carne ed ossa dei protagonisti delle opere di artisti come Goya e Velazquez, visti nelle visite mattutine al Prado.

La vicenda prende spunto da un avvenimento storico ben preciso: il fenomeno migratorio che, a cavallo tra gli anni ’50 e ’60 portò tante donne spagnole, per la maggior parte provenienti dalle campagne, a fuggire dalla povertà (la Spagna all’epoca scontava un ritardo di quasi un secolo nel suo sviluppo economico rispetto alla Francia) e a farsi impiegare come domestiche, in particolare nelle case della medio-alta borghesia parigina.

Per accentuare il realismo della vicenza, Le Guay ha peraltro intervistato alcune di quelle donne, ormai anziane, oltre che attingendo dalla propria vicenda personale, con la quale peraltro quella del film ha molti punti di contatto. Come il protagonista del film, anche il padre del regista era un agente di cambio, professione peraltro tramandata in famiglia da generazioni, e come nel film, anche la famiglia di Le Guay aveva assunto una domestica spagnola. Come si evince dallo stesso titolo, si tratta di un film incentrato sulle donne: una scelta voluta da Le Guay, che nel film ha voluto riflettere l’allegria di quelle donne, felici del senso di libertà e di affrancamento dall’oppressione maschile, nonostante la durezza dei lavoro che dovevano svolgere e degli orari cui erano costrette.

Parlando del protagonista del film, il regista ha affermato di non aver voluto raccontare tanto la storia di una crisi di mezza età con tanto di innamoramento per una ragazza più giovane, quanto quella di una sorta di ‘risveglio’: anche la sua scelta di appoggiare il gruppo di domestiche, andando oltre i confini di classe e culturali, non è frutto di una posizione ‘a monte’, ma di un’evoluzione, di una presa di coscienza, dalla voglia di farsi coinvolgere e contaminare da una realtà prima sconosciuta, in contrapposizione con lo stile di vita ‘borghese’, rappresentato dai figli, ma anche contro la ‘resistenza’ alla modifica dello ‘status quo’ (e quindi all’andare oltre i rapporti stabiliti dalla società, come appunto quello domestica – padrone), rappresentato anche dal personaggio di Carmen Maura.

Nell’economia della storia, i figli impersonano certo i canoni più rigidi della borghesia francese, ma anche quelli più fedeli alla tradzione e le leggi: figli che allo spettatore possono sembrare meschini e un pò cattivi, ma che in fondo risultano anche divertenti, nel tradizionale rovesciamento di ruoli: a loro sta richiamare ai doveri famigliari un padre improvvisamente scopertosi ‘libero’. Il personaggio della moglie, interpretato da Sandrine Kiberlaine, potrebbe sembrare algido, incurante dei sentimenti del marito e dedito solo alla conservazione delle convenzioni sociali; tuttavia Le Guay ha invece spiegato di aver voluto piuttosto portare sullo schermo un modello di donna della provincia francese, che non vede (o non vuol vedere) il cambiamento del marito, ma non lo giudica nemmeno, in contrapposizione alle amiche cittadine subito pronte a consigliarle un buon divorzista.

Ciò che però il regista ha voluto rimarcare con più forza nel corso della conferenza stampa, è stato volere con questo film porre l’accento sul concetto di ‘comunita’: il film in fondo propone un’utopia, all’insegna dell’interclassismo, dell’accoglienza e del rapporto con ‘l’altro’ come occasione di cambiamento in contrapposizione con il clima attuale, che anche in Francia, soprattutto negli ultimi anni, è stato caratterizzato da una crescente spinta all’esclusione – e dunque all’espulsione – dello ‘straniero’.