A guardare oggi le grandi cascate di Paterson, ridente cittadina del New Jersey, luogo e meta preferita di alcuni dei più grandi poeti americani, si può ancora respirare un insolito senso di pace, di benessere e di eternità. Lo sa bene Paterson, un nome che è tutto un destino, un autista di autobus cittadini con la passione semi-segreta per la poesia; “semi” perché non è il solo a sapere dell’esistenza del suo black book, un taccuino su cui annota ogni pensiero artistico che gli balena in mente, lo conosce molto bene anche Laura, la ragazza con cui divide un delizioso appartamento.

Lei è anche la sola che vorrebbe vedere i suoi poemi stampati e conservati nelle librerie e nelle case di tutto il mondo, nonostante la riluttanza dell’autore, troppo schivo e “medio” per desiderare davvero qualcosa. La vita di Paterson è infatti priva di qualsivoglia scossone, ogni mattina la sveglia biologica lo mette in piedi fra le 6:00 e le 6:30, colazione fissa con i cereali al miele, passeggiata sino al lavoro con immancabile cestino del pranzo, turno e ritorno a casa, di nuovo fra le attenzioni della compagna e di un simpatico cane sovrappeso, Marvin (mascotte dell’intero film).

Se Marvin gestisce tempi e cose da fare, tramite grugniti e versi ben precisi, Laura ha in mano la cura della casa; lei non ha la passione per la scrittura, al contrario per la pittura surreale in bianco e nero, diciamo anche per tutto ciò che è bianco e nero. Ogni cosa nel suo mondo è bicromatica, i film, le chitarre, i cupcake, i vestiti, i capricci, che Paterson subisce senza fiatare. Se li lascia scivolare addosso come se fosse l’unica cosa possibile, ogni giorno della settimana come un rito sacro e gustoso, anche quando questi si fanno esuberanti, goffi, ridicoli.

Una condotta impeccabile a un passo dalla santità, dal Nobel per la Pace, da podio ai mondiali di meditazione zen, viste anche le reazioni alle piccole sfortune quotidiane. Per ogni nervo saltato c’è invece un verso di poesia, un poema immediato, rifugio sublime per l’anima e il cervello.

Del resto è probabilmente la lezione che vuole impartirci Jim Jarmusch, di amare si la nostra semplice e quotidiana routine (perché da essa non si scappa) ma con passione, con piglio d’artista, con la voglia e la capacità di trasformare energie negative in tesoro. Allora guardare le grandi cascate di Paterson, ridente cittadina del New Jersey ora in decadenza dopo i fasti impressi nei poemi di William Carlos Williams e Allen Ginsberg, può essere un’esperienza in grado di arricchirci, di migliorarci, di regalarci nuove energie, come assistere alla proiezione di un nuovo, illuminante lavoro di Jarmusch.

Se poi il ruolo da protagonista di quest’ultimo lo prende un ragazzo come Adam Driver, dal talento smisurato, e una piccola stella nascente come Golshifteh Farahani, il gusto nel palato si fa ancora più definito, quanto un’ottima serata fra amici o un tramonto in spiaggia, quando la maggior parte della folla è già andata via. Quel momento perfetto in cui riprendere dalla tasca il proprio black book e sfogare le proprie passioni.

 

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A guardare oggi le grandi cascate di Paterson, ridente cittadina del New Jersey, luogo e meta preferita di alcuni dei più grandi poeti americani, si può ancora respirare un insolito senso di pace, di benessere e di eternità.

Lo sa bene Paterson, un nome che è tutto un destino, un autista di autobus cittadini con la passione semi-segreta per la poesia; “semi” perché non è il solo a sapere dell’esistenza del suo black book, un taccuino su cui annota ogni pensiero artistico che gli balena in mente, lo conosce molto bene anche Laura, la ragazza con cui divide un delizioso appartamento. Lei è anche la sola che vorrebbe vedere i suoi poemi stampati e conservati nelle librerie e nelle case di tutto il mondo, nonostante la riluttanza dell’autore, troppo schivo e “medio” per desiderare davvero qualcosa.

La vita di Paterson è infatti priva di qualsivoglia scossone, ogni mattina la sveglia biologica lo mette in piedi fra le 6:00 e le 6:30, colazione fissa con i cereali al miele, passeggiata sino al lavoro con immancabile cestino del pranzo, turno e ritorno a casa, di nuovo fra le attenzioni della compagna e di un simpatico cane sovrappeso, Marvin (mascotte dell’intero film).

Paterson, il poeta-autista

Se Marvin gestisce tempi e cose da fare, tramite grugniti e versi ben precisi, Laura ha in mano la cura della casa; lei non ha la passione per la scrittura, al contrario per la pittura surreale in bianco e nero, diciamo anche per tutto ciò che è bianco e nero. Ogni cosa nel suo mondo è bicromatica, i film, le chitarre, i cupcake, i vestiti, i capricci, che Paterson subisce senza fiatare. Se li lascia scivolare addosso come se fosse l’unica cosa possibile, ogni giorno della settimana come un rito sacro e gustoso, anche quando questi si fanno esuberanti, goffi, ridicoli.

Paterson al cinema dal 22 dicembre

Una condotta impeccabile a un passo dalla santità, dal Nobel per la Pace, da podio ai mondiali di meditazione zen, viste anche le reazioni alle piccole sfortune quotidiane. Per ogni nervo saltato c’è invece un verso di poesia, un poema immediato, rifugio sublime per l’anima e il cervello. Del resto è probabilmente la lezione che vuole impartirci Jim Jarmusch, di amare si la nostra semplice e quotidiana routine (perché da essa non si scappa) ma con passione, con piglio d’artista, con la voglia e la capacità di trasformare energie negative in tesoro.

Allora guardare le grandi cascate di Paterson, ridente cittadina del New Jersey ora in decadenza dopo i fasti impressi nei poemi di William Carlos Williams e Allen Ginsberg, può essere un’esperienza in grado di arricchirci, di migliorarci, di regalarci nuove energie, come assistere alla proiezione di un nuovo, illuminante lavoro di Jarmusch. Se poi il ruolo da protagonista di quest’ultimo lo prende un ragazzo come Adam Driver, dal talento smisurato, e una piccola stella nascente come Golshifteh Farahani, il gusto nel palato si fa ancora più definito, quanto un’ottima serata fra amici o un tramonto in spiaggia, quando la maggior parte della folla è già andata via. Quel momento perfetto in cui riprendere dalla tasca il proprio black book e sfogare le proprie passioni.

 

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Dopo la vetrina europea del Festival di Berlino, Paternal Leave, l’esordio alla regia dell’attrice tedesca Alissa Jung ha trovato nuova conferma con l’inserimento nel cartellone ufficiale di Open Roads, la rassegna di cinema italiano contemporaneo della Society of Lincoln Center a New York. Una nuova e prestigiosa passerella internazionale che testimonia la qualità artistica di una produzione che rispecchia le molte influenze con cui è stata realizzata.

La storia di Paternal Leave

La protagonista di Paternal Leave è l’adolescente Leo (Juli Grabenhenrich), la quale di punto in bianco lascia la Germania per recarsi sulla costa marittima del Nord Italia, dove vive suo padre biologico Paolo (Luca Marinelli) che non ha mai conosciuto. Sorpreso dalla visita inaspettata, l’uomo fatica non poco a inserire la giovane figlia in una vita che lui stesso non è ancora pienamente riuscito a sistemare, dovendo anche fare i conti con la frustrazione e la rabbia repressa. Sia in Leo che, come capirà, in lui stesso.

La qualità migliore di questo primo lungometraggio dietro la macchina da presa della Jung sta nell’attenzione al tono del racconto, il quale evita costantemente lo scivolamento nel melodramma ostentato. Paternal Leave viene costruito sequenza dopo sequenza lavorando con efficacia sull’equilibrio metaforico tra le ambientazioni e lo stato psicologico ed emotivo dei personaggi, in particolar modo i due protagonisti. Dal momento che non si tratta di una storia che cerca nell’originalità il suo motivo fondante di racconto, la modalità con cui viene sviluppata ed espressa diventa allora il lato più importante, e la Jung dimostra di saperlo gestire con sicurezza: le spiagge malinconiche e semideserte, il paesino di provincia dove poco o nulla accade nelle stagioni maggiormente fredde, rappresentano il luogo perfetto per esternare lo stato di stasi in cui, per motivi diversi se non opposti, Paolo e Leo si trovano. Anche il non saper parlare l’uno la lingua dell’altre, il dover adoperare come primo tentativo un linguaggio “altro” insieme a quello che il corpo e il volto nonostante tutto esprimono, è un’idea di sceneggiatura che funziona pienamente nell’esprimere il distacco esistenziale, la difficoltà nel tentativo di avvicinarsi. Cosa che invece può avvenire principalmente con un atto di gentilezza o un sorriso, come avviene tra Leo ed Edoardo.

Animi ricchi di contrasti

Questo per raccontare che sotto la superficie pacata, mai urlata di questo racconto si celano invece psicologie ed animi ricchi di contrasti: il dolore sorpreso di Leo lo si deve andare a cercare dietro le piccole ma pungenti frecciate che lancia costantemente prima al padre e poi agli altri uomini che incontra. Allo stesso modo gli occhi sempre penetranti di Marinelli riescono a esprimere pienamente lo scoraggiamento di Paolo, incapace di fare i conti col suo passato, paralizzato (come lo stesso personaggio più volte confessa) nelle relazioni con l’altro sesso che possano veramente contare. I duetti tra la Grabenhenrich e l’attore italiano sono quasi sempre preziosi per quello che esprimono quasi in contrasto con i dialoghi, fino allo “showdown” emozionale che è giustamente frettoloso, quasi violento a livello emotivo, e rompe il ghiaccio tra padre e figlia ma senza veramente risanare un rapporto ancora sconosciuto, e non poteva essere altrimenti. La Jung segue un percorso narrativo conosciuto ma non lo adopera per arrivare a una conclusione retorica e falsamente allietante: quando salutiamo Leo e Paolo alla fine di Paternal Leave, il loro percorso di scoperta, di accettazione soprattutto dei propri rispettivi ruoli, è appena iniziato. E questo rende il film più vero.

Anche se si potrebbe obiettare che quello di Alissa Jung è in fondo un film “già visto”, la lucidità dell’esposizione e la compostezza del tono del racconto costituiscono quel qualcosa in più che rende Paternal Leave un lungometraggio denso di sostanza emotiva. Un buon esordio che racconta di una convivenza tanto “forzata” quanto necessaria. Per Leo che la ricerca ma senza dubbio anche per Paolo che deve accettarla.

 

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Spazi più sognati che esplorati, due personaggi ricchi di sfaccettature, una storia capace di sfidare su più livelli, l’altro mondo che Simone Bozzelli ha messo nel suo Patagonia – in sala dal 14 settembre, grazie a Vision Distribution – è qualcosa di talmente semplice da non poter non nascondere di più. “Un’illusione di libertà”, come la chiama il regista, o “un gioco di forza e dipendenza” che all’ultimo Festival di Locarno aveva conquistato il Premio Ecumenico delle Chiese riformate e la Chiesa cattolica in Svizzera. Anche per la tensione creatasi tra Andrea Fuorto e Augusto Mario Russi, così diversi e insieme simili a quello che molti vivono nel proprio quotidiano.

Ragazzi perduti, in Abruzzo

Loro, i due protagonisti. Con Yuri, ragazzo rinchiuso in una vita senza scintille da una zia che lo tratta come un bambino, che trova in Agostino, un girovago già uomo ma con lo spirito di un ragazzino, la spinta ad andarsene e a lasciarsi dietro una gabbia di troppo amore e un noioso paese della costa abruzzese. Reclutato come assistente da ‘Ago’, animatore di feste di compleanno per bambini, sale sul suo camper e inizia una vita nomade. On the Road, tra Agostino e Yuri nasce un rapporto ambiguo fatto di premi e punizioni e la promessa di un viaggio nella terra del fuoco, in Patagonia. Ma prima bisogna lavorare, guadagnare. A lavorare, però, è sempre più Yuri, soprattutto quando Agostino spegne il camper in un villaggio improvvisato dove è sempre festa a suon di techno. Così per Yuri la Patagonia diventa sempre più lontana. E il rapporto con Agostino sempre più claustrofobico, come le pareti di quel camper.

Neverland, tra Teramo e la Patagonia

“Seduttore e un po’ sbruffone, avventuroso e travolgente”, così Bozzelli definisce Peter Pan, esplicitamente evidenziando la connessione tra il protagonista senza tempo del capolavoro di James Matthew Barrie con l’Agostino dell’esordiente Augusto Mario Russi, figura ingombrante, onnipresente, a tratti molesta, intorno al quale tutto ruota e che tutto muove, nel bene e nel male.

Ma c’è di più in questa sorta di ammaliante e ambiguo mangiafuoco che attrae il giovane e – inevitabilmente – innocente “Rapagnetta Yuri” di Andrea Fuorto (L’arminuta, War – La guerra desiderata). I due offrono una prova notevole, in combinata, orchestrati dal regista, che a loro si affida, trascinandoli dalle coste di Silvi Marina (Teramo) e Montesilvano (Pescara) alla Black Rock City de noantri allestita in una cava della Magliana.

Territori che da subito oppongono la loro durezza – e di un dialetto che abbisogna di sottotitoli – al candore spaesato del giovane, per troppo tempo chiuso in una gabbia che lo proteggesse dal mondo, per il quale non sembrava adatto. E con il quale, evidentemente, voleva confrontarsi. A ogni costo. Confusamente, in maniera scomposta, come anche il film mostra, con un andamento diseguale – voluto o meno, poco importa – e una (forse troppo) lunga e ridondante parte centrale.

Amore e dipendenza, Amore è dipendenza

Tutto è però propedeutico a quel che sarà: Per Ago, che con il fuoco tenta di alleggerire il peso dell’esistenza e delle relazioni senza riuscire a liberarsi delle radici che rispuntano nel suo sogno di libertà, per Yuri, che abituato a dipendere da qualcuno e a non essere abbastanza conquista gradualmente la forza di decidere da solo di voler subire anche le punizioni più ingiuste, e per gli spettatori. Che il film sottopone a diverse prove – molestie fisiche e psicologiche comprese – prima di ricompensare con un finale che giustifica le vessazioni, la perdita della speranza, dell’innocenza, il rischio di esser passati dal vivere rinchiusi in una famiglia tradizionale a un camper malmesso. Per una volta, la scuola della strada – e dell’arte di strada – tanto citata a sproposito dal popolo della rete, acquista corpo, e dignità. E offre spunti di riflessione sui concetti di libertà e dipendenza, anche nella fissità esasperata di certe sequenze, nell’accettazione del dolore e del male come reagente o dell’attesa di un Godot che stavolta potremmo essere noi.

 

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Dopo la presentazione in anteprima al Sundance Film Festival 2023 e il passaggio in altri Festival internazionali, Past Lives di Celine Song approda sul suolo italiano alla Festa del Cinema di Roma 2023. Il debutto nel lungometraggio di Song, coreana di nascita ma residente a New York dall’età di 20 anni, è una preziosa meditazione sullo sradicamento, il destino, l’amore, il sacrificio e le decisioni importanti della vita.

Il suo esordio alla regia – celebrato con grande clamore dalla critica statunitense al Sundance – è molto personale: la sua protagonista, Nora Moon (Greta Lee) è arrivata a Manhattan da Seoul, è una drammaturga e sta vivendo quello che la cineasta – come ha confessato – è stato il punto di partenza del suo primo lungometraggio: il ricongiungimento con il suo primo amore, un amico speciale dell’infanzia, un quarto di secolo dopo, di fronte a suo marito, newyorkese purosangue.

Past Lives, la trama

Narrato in tre parentesi temporali distinte, il racconto di Past Lives parte 24 anni fa, quando Nora e Hae Sung sono dodicenni che, oltre a competere per essere i migliori studenti della loro scuola di Seoul, sono anche amici inseparabili. Almeno fino a quando i genitori di lei decidono di trasferirsi a New York, mentre quelli di lui restano in Corea. C’è una prima reunion quando entrambi hanno 24 anni, ma quella che il film racconta in modo approfondito avviene nel presente, quando ne hanno entrambi 36 anni.

Nora (una magnetica Greta Lee) ha sposato un americano di nome Arthur (John Magaro) ed entrambi si dedicano alla scrittura (soprattutto teatrale). Ma quando Hae Sung (Teo Yoo) decide di andarla a trovare per qualche giorno nella Grande Mela, tutto comincia a incrinarsi, sorgono dubbi, contraddizioni, affetto e qualcosa di più, perché la tensione romantica tra i due è innegabile.

Come affrontare questo passato e questo presente? Come affrontare con tante difficoltà da adulti qualcosa che da bambini era pura innocenza e un’amicizia condivisa in modo così naturale? È disposta a tradire il suo comprensivo marito? È disposto a invadere l’apparente felicità di questa coppia? Sono dilemmi che Celine Song e i suoi notevoli interpreti affronteranno in questo film parlato più in coreano che in inglese – girato in 35 mm con una certa impronta del cinema di Richard Linklater.

Un’immagine parlante

Tutto inizia con un’immagine. Ci sono tre persone in un bar che parlano. Qualcuno che non vediamo chiede a un altro – allo spettatore, indirettamente – quale pensa sia il rapporto tra loro tre. C’è una donna asiatica (coreana, scopriremo poi) seduta accanto a un uomo “bianco” mentre parla con un altro uomo, anch’egli asiatico, leggermente più distante da loro. Che storia racconta questa immagine? Tutti noi ci siamo posti questa domanda più di una volta quando abbiamo osservato delle persone che camminavano o erano riunite da qualche parte: chi sono, cosa stanno facendo, qual è il loro rapporto con gli altri? Qui, la risposta è più complicata di quanto sembri.

Film romantico che ricorda alla lontana la Before Trilogy di Richard Linklater, ma con una forte enfasi sulla distanza legata alle migrazioni, ai cambiamenti culturali e linguistici, Past Lives riesce a parlare dello scorrere del tempo ma anche del distacco e di ciò che rimane nel nostro presente di quelle “vite passate” che anche noi abbiamo avuto.

La fantasia di ricongiungersi con quel fidanzato o quella fidanzata dell’adolescenza che si è smesso di vedere e di cui si sono perse le tracce, il dolore di rendersi conto (o meno) che l’occasione è passata e non si può recuperare, l’angoscia nel chiedersi se vale la pena farlo. Temi che hanno popolato la mente di molti quando sono apparsi social network come Facebook e tutti sembravano voler (e poter) riallacciare i contatti con amici e conoscenti che avevano perso di vista. Alcuni lo hanno fatto. Questo è uno di questi casi, ispirato a un’esperienza reale della regista.

L’In-yun tra crescita e divisione

Parlato in inglese e coreano, il film gioca con il concetto di in-yun, un’idea simile a quella delle “anime gemelle” che sostiene che le persone sono destinate a stare insieme se le loro anime si sono incrociate alcune volte in passato. Nora pensa che si tratti di una pura bufala (“cose che i coreani dicono per sedurre“), ma in qualche modo questo concetto metafisico sembra prevedere qualcosa di più “reale“, come algoritmi e dati incrociati online che effettivamente fanno incontrare persone che, in un modo o nell’altro, possono essersi incrociate o aver avuto cose in comune in precedenza. E questa rara somiglianza tra qualcosa di cosmico e qualcosa di digitale si combinano in questo dramma romantico che non sempre procede lungo i percorsi più prevedibili.

C’è un altro asse che altera il classico motivo della possibilità o meno di riprendere una vecchia storia d’amore (che si sia realizzata o meno), ed è la migrazione. Nora non è più quella che era, la sua vita è diversa, il suo passato in Corea è un ricordo sempre più sfocato e Hae Sung in qualche modo si connette con lei da lì e solo da lì, mentre Arthur, dal canto suo, è ignaro di questa parte della storia e la conosce solo con questa nuova identità, che è la stessa ma non è la stessa. Questa dualità che il personaggio sperimenta rispetto a chi è influenza anche il modo in cui agisce e pensa a se stessa. E non solo nei confronti degli uomini che la circondano.

Il contributo forse più intelligente di Past Lives a questo tipo di storie – melodrammatiche o meno – di ragazze o ragazzi divisi tra due possibili relazioni è che qui non c’è una scelta chiara o ovvia. Il film evita di dipingere in maniera semplicistica Arthur come un cattivo o un impedimento nella vita di Nora. Lo stesso vale per Hae Sung, che chiaramente vuole molto bene al suo amore d’infanzia, ma capisce anche che la sua vita ora è diversa e che non è più la stessa persona. Ponendo il conflitto su questo terreno, Song supera i confini del “film d’amore” e riesce a mettere insieme un ritratto realistico e credibile della vita, o meglio delle vite, di una persona.

 

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Arriva al cinema distribuito da Bim Passioni e desideri, il dramma diretto da Fernando Meirelles, con protagonisti Anthony Hopkins, Rachel Weisz, Jude Law e Ben Foster.

Passioni e desideri segue la casualità del destino questo intrigante racconto dell’amore e delle relazioni umane che si intrecciano in un mondo ormai totalmente interconnesso e globalizzato. L’idea del film è nata proprio sullo sfondo della crisi bancaria internazionale, dell’effetto domino della primavera araba e dell’instabilità dell’Euro-zona: appare chiaro più che mai quanto oggi il mondo sia interdipendente e come ogni singola azione possa avere conseguenze e ripercussioni inaspettate sulla nostra vita e quella delle altre persone.

Il pluripremiato sceneggiatore Peter Morgan ha deciso così di prendere in esame i cambiamenti sociali usando una metafora universale e antica come la terra: l’amore. Scelta raffinata e vincente, quella di ispirarsi al Girotondo del drammaturgo viennese Arthur Schnitzler, un classico di quasi un secolo fa che potrebbe essere scritto da un nostro contemporaneo. Non conosciamo niente del passato dei dieci personaggi che vedono le loro vite connettersi inconsapevolmente attraverso l’intero globo terrestre: ciò che è dato sapere sono solo passioni e desideri, i loro incontenibili impulsi spesso in contrasto con le loro scelte morali ed esistenziali. Ciò che accomuna le loro vite è che ciascuno cerca di fare la cosa giusta e si interroga incessantemente sulla direzione da prendere di fronte al bivio.

L’andamento circolare delle vicende copre Vienna, Parigi, Londra, Bratislava, Rio, Denver e Phoenix, e il regista brasiliano Fernando Meirelles non si è fatto mancare un cast internazionale di tutto rispetto, nel quale spiccano i nomi di Anthony Hopkins, Jude Law, Rachel Weisz e un incredibile Ben Foster. Figlio dei nostri tempi, Passioni e Desideri brilla per la sua modernità e lucidità di analisi, che non scende mai a facilonerie e semplicismi ma riesce a ricalcare con leggerezza la complessità del sesso e dell’amore nel ventunesimo secolo, sottolineando il nostro desiderio più che mai vivo di entrare in relazione con gli altri.

Il punto di partenza è la splendida sceneggiatura, che diventa materiale fertile nelle mani di Meirelles; semplice e profonda, mai compiaciuta, più che preoccuparsi di mandare avanti la storia incentra l’attenzione sull’essere umano e su quelle debolezze che lo rendono miserabile. Ma lo sguardo è sempre di positività e di speranza: nonostante tutto, non è impossibile amare sinceramente ed essere delle brave persone.

Il regista e il suo direttore della fotografia Adriano Goldman hanno giocato molto con la messa a fuoco e i riflessi, quasi volessero riprendere la storia dall’interno della testa dei personaggi per rispecchiare il loro stato di confusione e stordimento. L’insieme è mirabilmente costruito e montato, e riesce così a scorrere dinamicamente seguendo le numerose vicende parallele senza mai risultante straniante o noioso, ma trovando un complice valido nel fattore sorpresa.

Miracolosamente, i tanti tasselli che compongono il puzzle appaiono una cosa sola, e i personaggi sono tanto consistenti e vibranti che ognuno di loro meriterebbe un film tutto per sé: ma alla fine, è giusto che rimangano tutti parte dello stesso caos nel quale le storie individuali si illuminano a vicenda, come un favoloso gioco di specchi quale è la vita.

 

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Più che un film, Passione è una spudorata, travolgente e contagiosa dichiarazione d’amore a Napoli e quanto ne consegue.  Nel vero senso partenopeo del termine, un inno tanto esplicito da diventare quasi un spot d’immagine per la  città campana, vera e propria culla di un’idea di musica che nei secoli si è tramandata e che ha finito per conquistare il mondo è lo stesso regista: John Turturro.

L’indimenticabile Jesus Quintana, italo americano di nascita (è di origine siciliana), ma Newyorkese di fatto coglie a pieno, come nessuno avrebbe saputo fare quella che è l’essenza popolare della città e le sue varie inclinazioni sino addirittura a venirne fuori con un’ opera di respiro internazionale e multietnica.  Se Roma  fu prima la culla della civiltà  e dell’arte, nel film certamente Napoli è la culla della musica e nello specifico dello sceneggiato.

L’aspetto fondamentale che più si evince vedendo il film, è certamente il tentativo riuscitissimo del regista di mostrarci una tradizione, una cultura, ed una città tanto a noi vicina, in termini di spazio, quanto altrettanto lontana in termini sociali; e lo fa con il suo occhio “estraneo”, da straniero che non si fa trasportare dai soliti luoghi comuni  ma,  che riesce con lucidità, gioia, entusiasmo ed ironia a mettere a fuoco molto di più di semplici stereotipi: la vera essenza napoletana proiettandola in un processo di internazionalizzazione che certamente contribuirà a sciogliere i preconcetti legati al luogo e a mostrare la città per la sua vera natura.

Passione, il film

In un susseguirsi di sketch, personaggi misteriosi e simpatici, luoghi affascinanti, il film finisce quasi per miticizzare la città e la sua storia, diventando  qualcosa di “altro” di un semplice luogo.

E con la stessa semplicità John Turturro adatta al suo documentario gli schemi e le convenzioni del cinema napoletano, inserendo e “sceneggiando” canzoni celebri come “Era de maggio” o “Malafemmena”, “Maruzzella” o “Tammuriata nera”, e più recenti come “Don Raffae” (di De Andrè) o “Nun te scurda” di Raiz.

A passo di musica si finisce per ballare interiormente insieme al film che coinvolge ogni singolo personaggio che inquadra: artisti nazionali e internazionali, turisti e napoletani in un connubio divertente e amabile.

In conclusione Passione è il messaggio appassionato e disinteressato di uno degli attori più significativi del cinema indipendente americano, che omaggia il mondo napoletano che tanto da al mondo intero.

 

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In uscita nelle sale italiane il 18 d’Aprile, Passione sinistra è una commedia italiana ma dal sapore internazionale, a metà strada tra la commedia americana sofisticata e le tipiche rom-com inglesi campioni d’incassi alla Notting Hill.

In Passione sinistra Nina (Valentina Lodovini) è una donna cresciuta da sempre a pane e politica: un’idealista ferma e radicata su convinzioni prettamente di sinistra; crede in tutto quello che fa, è una blogger di successo, ed è convinta che si possa continuare a lottare per un mondo migliore. Vive da ben dodici anni con Bernardo (Vinicio Marchioni), un’eterna giovane promessa dell’editoria internazionale ancora in cerca del grande successo.

A questa coppia si contrappone quella costituita da Giulio (Alessandro Preziosi) e Simonetta (Eva Riccobono): lui, rampollo di una famiglia di ricchi industriali di destra, uomo arrogante, qualunquista e maschilista. La sua compagna è la tipica bambola svampita, una “simpatica biondezza” che nemmeno riesce a capire il significato delle parole. I destini di Nina e Giulio casualmente si incontrano per colpa di una villa al mare da vendere: lui è esattamente il tipo di uomo che lei disprezza e odia da sempre; lei è il tipo di donna che lui ignora da tutta una vita. Insomma, appartengono a mondi diversi, condividono ideali (o non ideali) diversi e ideologie contrastanti, se non fosse che il confine fra odio e amore è molto sottile e basta poco a ridisegnare la geometria sentimentale di due coppie apparentemente solide.

Questa è, a grandi linee, la sinossi della pellicola basata sull’omonimo romanzo edito da Bompiani e scritto da Chiara Gamberale, interessata piuttosto a far emergere dalle sue pagine la dinamica del tradimento che intacca le “affinità elettive” di due coppie. La commedia ha un buon ritmo, qualche dialogo brillante e delle interpretazioni nel complesso giuste che si muovono, però, sul labile confine tra naturalismo e “macchietta”: i luoghi comuni messi in scena sono molti, e gli argomenti “alti” trattati vengono diluiti in una soluzione molto patinata che fa leva su immagine, ritmo, colore e riferimenti pop, a partire dalla scelta della colonna sonora che contiene due brani opposti come “Destra/Sinistra” del compianto Gaber e “The Final Countdown” degli Europe riadattati da due stelle dei talent televisivi come Marco Mengoni e Chara Galiazzo.

I tanti spunti di riflessione disseminati nella trama si perdono tra le pieghe dei tempi da commedia, rendendo il prodotto finale una classica rom-com in salsa italica destinato a conquistare una vasta porzione di pubblico interessato a svagarsi al cinema tra un pop corn e un sorso di coca-cola. Prodotto gradevole, dal buon ritmo narrativo, forse non all’altezza di alcuni lavori precedenti del regista Marco Ponti, Passione Sinistra rappresenta un tentativo abbastanza riuscito di incentrare una tipica commedia su temi diversi dai soliti, mescolando sentimentalismo a ideologie politiche, sesso a priorità della vita, ricerca esistenziale a voglia di cambiamento.

 

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Passion è il ritorno al thriller di Brian De Palma è liberamente ispirato al film francese del 2010 Crime d’Aumor di Alain Corneau. La storia scritta dallo stesso regista è incentrata sulla passione a tutto tondo. L’erotismo è visibile sin dall’inizio film a casa di Christine e poi si colora con altre sfaccettature, che vanno dall’esasperazione fino alla vendetta. Di fatti le due protagoniste, come da genere, sono misteriose, consapevoli della loro bellezza e del loro potenziale seduttivo. In questo, spicca Rachel McAdams, perfettamente calata nel ruolo della manipolatrice esercitando la sua influenza su tutti ed in particolare sul socio economico (Paul Anderson) mentre in un secondo momento sarà Isabelle a manipolare l’ispettore di polizia Bach (Rainer Bock); gli uomini del film si ritrovano ad essere dei burattini e complici inconsapevoli dei loro giochi di potere che porterà le due donne a una lotta di sopravvivenza con unica vincitrice.

In Passion Berlino, Christine (Rachel McAdams) è a capo di un importante società che si occupa di pubblicità su scala internazionale, con il tempo ha raggiunto il benessere, i soldi e il potere. Isabelle (Noomi Rapace) è la sua vice e rispetto a lei è molto più riservata e creativa. Il loro rapporto sembra idilliaco fino a quando Christine si prende i meriti per un’idea di Isabelle, cominciano i primi attriti che avranno un crescendo fino a quando Christine viene assassinata nel suo appartamento e gli indizi portano tutti a Isabelle che è convinta della sua innocenza.

Per la prima parte del film la struttura è lineare e la McAdams prova piacere nell’esercitare il controllo o con ricatti che sfociano nell’umiliazione. Naomi Rapace è credibile nel ruolo della vittima ma non assume lo stesso impatto scenico della sua coprotagonista, essendo un personaggio in bilico da sceneggiatura non c’è l’attaccamento da parte della sala. La seconda parte del film comincia a prendere la dimensione onirica, generando un po’ di confusione su un finale tutto da interpretare.

Lo stile del regista degli Intoccabili non si nasconde, anzi nonostante i riferimenti a Hitchcock che ha distribuito per la sua intera filmografia, dalle pause degli sguardi tra una conversazione all’altra o l’inquadratura tutto a fuoco, il regista ci propone un thriller attento al dettaglio-chiave che ci conduce alla scoperta dell’assassino.

Tuttavia il film genera il generale dispiacere di non saper proporre nuovi temi e nel particolare alcune incomprensioni di sceneggiatura che fanno giungere al colpo di scena finale con la tensione che diventa perplessità lasciando lo spettatore conscio di ciò che ha visto ma incredulo sulla storia.

 

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