“L’amore ha i denti, i denti mordono, i morsi non guariscono mai” scrive Stephen King in Il corpo (il racconto che ha ispirato il film Stand by me – Ricordo di un estate). Una frase che può benissimo descrivere il nuovo film della regista Rose Glass, Love Lies Bleeding, con protagoniste Kristen Stewart e Katy O’Brian. Un film in cui l’amore è una forza talmente potente da portare chi ne viene colpito a perdere completamente il controllo, arrivando a compiere atti del tutto estranei alla propria persona. Un amore che lascia lividi, quindi, come suggerisce il titolo, traducibile letteralmente con “l’amore giace sanguinando”.

Nel mondo di Love Lies Bleeding non sembra infatti esistere altra forma d’amore rispetto a quello che colpisce, ferisce e lascia stesi al tappeto agonizzanti tra sangue, vomito e lacrime. Attorno a questo sentimento così feroce, Glass fa gravitare una serie di personaggi dannati, i cui destini sembrano già scritti. Personaggi in cerca però di una possibilità di fuga, che sia da una vita che non è come la si sognava o da una gabbia mentale che impedisce al corpo di esplodere in tutta la propria meraviglia. Ed è proprio alle capacità del corpo – che si fa carico di raccontare anche tutto ciò che contiene – che il film dedica grandi attenzioni.

La trama di Love Lies Bleeding

In Love Lies Bleeding la scontrosa e solitaria Lou (Kristen Stewart), gestisce una palestra frequentata da personaggi di ogni tipo. Un giorno, tra questi, spunta  Jackie (Katy O’Brian), un’ambiziosa culturista diretta a Las Vegas per inseguire il suo sogno. Tra loro sboccia da subito un amore irrestitibile e passionale. Ciò che Lou non sa, però, è che Jackie ha trovato lavoro presso il poligono di tiro di suo padre (Ed Harris), un trafficante d’armi con il quale ha da tempo interrotto i rapporti. Ben presto, il loro amore le trascinerà in un vortice di dipendenza e violenza, facendole precipitare nella rete criminale della famiglia di Lou.

Non il solito crime movie

Sulla carta, Love Lies Bleeding – da Glass scritto insieme a Weronika Tofilska – potrebbe sembrare un classico crime movie dove due giovani amanti si ritrovano invischiate in giochi di potere potenzialmente letali. Per quanto non si sbaglierebbe nell’etichettarlo in questo modo, gli si farebbe però un torto nel considerarlo solo come tale. Partendo da dinamiche di questo tipo, Love Lies Bleeding va poi proporre una serie di elementi capaci di catturare l’attenzione dello spettatore e portarlo poi verso territori inaspettati, caratterizzati dal progressivo deteriorarsi della situazione e da un surreale che prende piano piano il sopravvento, giustificando l’accostamento a David Lunch oltre che quello ai fratelli Coen.

Vittime dell’amore

Non sono dunque i risvolti crime ad avere la priorità nel film, motivo per cui potrebbero risultare prevedibili o poco elaborati per poter proporre qualcosa di inedito. L’attenzione della regista è invece interessata ad esplorare le vittime di questo contesto, che sono anche tutte vittime dell’amore. Jackie, Lou, ma anche sua sorella Beth (interpretata da Jena Malone) e la sua ex fiamma Daisy (Anna Baryshnikov) sono tutte accomunate dal confronto con questo sentimento e con i segni che lascia sulla pelle o nell’anima. Segni che portano a girare per strada a capo chino, a cercare di passare quanto più possibile inosservati, nascondendo i propri lividi.

Non è infatti un caso che la prima volta che in Love Lies Bleeding ci si imbatte in Lou e Jackie, il loro volto ci venga inizialmente negato ed entrambe siano alle prese con situazioni che le vedono sottomesse e umiliate. Mentre Lou è ormai già disincantata nei confronti di questa vita, Jackie mantiene un certo ottimismo per il proprio futuro. Ottimismo che però si scontra ben presto non tanto con il nuovo decadente contesto quanto con la forza di quel sentimento che lascia senza fiato e le farà perdere completamente la bussola oltre che la confidenza in sé stessa.

Ed è proprio il corpo di Jackie a farsi manifesto delle teorie e delle riflessioni che Love Lies Bleeding intende proporre. Esplorato da cima a fondo, passando per ogni centimetro di pelle e – soprattutto – ogni muscolo e vena che si gonfiano e sembrano vivere di vita propria, il corpo di Jackie è portatore di molteplici valori a seconda di dove lei si trovi nel racconto. Nonostante la sua possenza, ci appare talvolta piccolissima quando è vulnerabile ed esposta ai colpi. Al momento opportuno, però, è in grado di trasformarsi, liberarsi delle catene che la imprigionano e dare sfogo a tutta la sua forza.

L’amore modella le proprie regole sui corpi di Katy O’Brien e Kristen Stewart

Love Lies Bleeding offre dunque sin dalle prime inquadrature una serie di corpi mostrati nelle loro forme, protuberanze, bagnati dal sudore, corrotti da agenti esterni, offesi ma anche liberati. Il corpo è la lavagna dove l’amore scrive le proprie regole e il lavoro svolto su quello dell’attrice Katy O’Brian è particolarmente entusiasmante. Già vista in The Mandalorian e in Ant-Man and the Wasp: Quantumania, l’attrice trova qui l’occasione di mettersi letteralmente a nudo e dimostrare non solo convincenti doti attoriali quanto anche una presenza scenica impressionante. Non è da meno Kristen Stewart, che ha però ormai già da tempo dimostrato di essere un’ottima attrice, intensa e passionale.

Nella loro presenza nel film e nell’evolvere del loro rapporto la regista trova dunque la possibilità di dar sfogo a questo viaggio infernale nei lati peggiori dell’amore. Riesce a farlo non solo grazie al lavoro sul corpo fin qui descritto, ma anche richiamandosi ad un’estetica anni Ottanta (periodo in cui il film è ambientato) che contribuisce all’atmosfera cupa che caratterizza il film. E anche quando si presentano una serie di ingenuità, di leggerezze narrative o di eccessive deviazioni nell’estetica fine a sé stessa, Love Lies Bleeding risulta un’opera che lascia il segno, riuscendovi probabilmente anche in virtù di questo suo seguire l’istinto e gli impulsi dimenticandosi di ogni possibile controllo.

La regista danese Susanne Bier non sembra subire l’ansia di prestazione dopo la vittoria dell’oscar per In un mondo migliore (2010) e con Love is all you need porta sullo schermo una commedia romantica ben calibrata, dai toni lievi e la giusta dose di malinconia.

In Love is all you need il matrimonio in Italia di una coppia di giovani danesi porta le due famiglie in una suggestiva e decadente villa di Sorrento, mettendo a nudo, con disincanto ed ironia, le rispettive turbe, i conflitti generazionali, e gli strascichi di sfide complicate e, purtroppo, sempre aperte. Ida (Trine Dyrholm), madre della futura sposa, deve fare i conti con un matrimonio fallito e, soprattutto, con la paura di non aver sconfitto un cancro al seno; Philip (Pierce Brosnan), il padre dello sposo, con il dolore, mai superato, della perdita: la morte incidentale della moglie amata.

Love is all you need, il film di Susanne Bier

Se i preparativi delle nozze si possono considerare la chiave di volta della narrazione, sono i due personaggi di mezza età il cuore dei giochi e della riflessione: infatti spiccano su tutti, sia per la maturità dell’interpretazione, sia perché costruiti più in profondità. Ida e Philip sono riflessi sfumati e familiari di quella che si può considerare l’ironia dell’esistenza: non tutto vien per nuocere, e anche l’angoscia e la tristezza non distruggono la voglia di vivere e di amare. L’importante è che si lasci uno spiraglio aperto: intelligenza ed umorismo fanno il resto.

Attorno a loro una serie di personaggi scombinati e comunque interessanti per le loro diverse sfaccettature: i figli sono insicuri, arrabbiati; la cognata di Philip invadente, insopportabile ma, probabilmente, semplicemente sola. E poi c’è il marito di Ida, macchietta insensibile e “sempliciotta” che finisce per scaturire pena.

Fatta eccezione per un’iniziale omaggio da cartolina a una Sorrento ultra romantica e luminosa, in Love is all you need  anche l’ambientazione gioca la sua parte e, se a tratti è sul punto di scadere nello stereotipo italiano (da cui, ad esempio, Woody Allen ha di recente “sgraziatamente” attinto), tra passeggiate all’ombra di alberi d’agrumi e le note fastidiose di  “That’s Amore”; a ben vedere è semplice funzione dei sentimenti raccontati, tra cui non manca la nostalgia del tempo che fu, giustamente evocata dalle mura degradate della villa, in passato animata dalle vacanze estive del protagonista e della sua famiglia.

Si presenta come l’outsider della corsa agli Oscar 2021 per i migliori effetti speciali Love and Monsters. Protagonista Dylan O’Brien, la star di Maze Runner amata dai teenagers, che il regista Michael Matthews  ha voluto per interpretare Joel, in viaggio a rischio della vita in uno scenario post-apocalittico pieno di creature naturali mostruose, per ritrovare l’amore.

La trama di Love and Monsters

Dopo che un asteroide, rischiando di colpire la terra, è stato frantumato da missili terrestri, con rilascio massiccio di sostanze chimiche, gli animali a sangue freddo, ossia rettili, insetti e simili, hanno iniziato a mutare, diventando enormi mostri capaci di attaccare e distruggere l’uomo. Così il 17enne Joel, Dylan O’Brien, si è rifugiato assieme ad un gruppo di superstiti in un bunker sotterraneo, dove vive da sette anni. Mentre la minaccia dei mostri “naturali” si fa sempre più pericolosa, Joel decide di uscire dal bunker e abbandonare la sua colonia umana per andare a cercare Aimee, Jessica Henwick, il suo amore, che era stato costretto a lasciare per scappare dai mostri sette anni prima. Quello verso la colonia di Aimee sarà un vero e proprio viaggio di formazione: pieno di insidie, ma anche ricco di incontri e nuove amicizie, come quella con il cane Boy, e farà del timido Joel un adulto consapevole e coraggioso.  

Love and Monsters nella corsa agli Oscar

Love and Monsters conta sugli effetti speciali curati dai supervisori Matt Sloan e Steve Boyle, che hanno pensato un efficace mix di effetti reali e digitali per creare i suggestivi mostri che danno filo da torcere al protagonista. Hanno le fattezze di enormi rettili o insetti. Ci sono, ad esempio, la formica gigante, la lumaca rocciosa, o anche il granchio. Ciascuno con la sua caratteristica e il suo potere offensivo. Tutto ben fatto. Tuttavia, la strada per ottenere la statuetta più preziosa del cinema non sarà certo spianata. Il film, infatti, dovrà vedersela con avversari più che temibili. Si parte da Tenet di Christopher Nolan per passare a The Midnight Sky di e con George Clooney.

Anche in quest’ultimo lavoro, peraltro, gli umani superstiti si sono nascosti sottoterra dopo la fine del mondo, a seguito di una serie di catastrofi naturali e il protagonista si è rifugiato invece al Polo Nord. Anche lui, come Joel, scopre di non essere solo. Vi sono poi L’unico e insuperabile Ivan di Thea Sharrock, film Disney con Bryan Cranston, che vede protagonista uno scimpanzé, e Mulan di Niki Caro, remake del film d’animazione omonimo, con Liu Yifei. Anche questa una produzione Disney. La natura e le sue creature non umane, il suo essere matrigna, è dunque molto presente in questa edizione degli Oscar ancora segnata dalla pandemia. 

Amore e mostri, un buon cinema per ragazzi che parla di oggi

Love and Monsters è il classico film per ragazzi. È un racconto di formazione, è avventuroso e coinvolgente. A catalizzare l’attenzione c’è l’aspetto orrorifico, la pericolosità e la spettacolarità dei mostri. Senza dimenticare l’amore. Quell’amore romantico e da favola, irrinunciabile in ogni storia destinata ai teenagers che è ben interpretato da due prtagonisti idoli dei più giovani, come Dylan O’Brien (già nella serie tv Teen Wolf, poi protagonista di Maze Runner) e Jessica Henwick (Il Trono di Spade, Iron Fist). Ma ci sono anche valori come l’amicizia, il senso di comunità e c’è una lezione sul rispetto della natura che sembra figlia dei tempi che stiamo vivendo. In un certo senso, infatti, Love and Monsters è un po’ una metafora della situazione che tutto il pianeta si trova ad affrontare con la pandemia da Covid-19. Il mondo intero non è forse ostaggio di una minaccia che arriva dalla natura stessa?

Durante il lockdown non si è forse costretti a chiudersi in casa, letteralmente a rifugiarvisi per sfuggire a questa minaccia, che è il virus? Si è anche parlato di come l’insorgere del virus possa avere cause in qualche misura legate ad alcuni comportamenti umani – le pratiche utilizzate all’interno dei cosiddetti wet market, il disboscamento, con conseguente ampliamento degli insediamenti umani, l’inquinamento atmosferico.  Allo stesso modo, nel film, gli animali a sangue freddo diventano mostri pericolosi a causa dei composti chimici contenuti nei missili che gli uomini lanciano contro l’asteroide Agatha 616. La natura insomma, diventa nemica, come conseguenza di un comportamento umano. Sta al protagonista riscoprire, pian piano, che “La natura non è niente male quando non vuole ucciderti”.  Il regista Michael Matthews, dunque, crea un mondo  fantascientifico per invitare il pubblico a riflettere su quanto sta accadendo. 

I punti di forza del film, oltre che la buona idea di partenza – il soggetto è di Brian Duffield – e una efficace costruzione delle creature mostruose, sono anche i bei disegni animati che accompagnano tutto il film. Joel infatti disegna e  tiene un diario in cui annota tutte le creature che incontra e le esperienze che fa. Poi c’è l’altro vero protagonista, il cane Boy, che diventa un inseparabile amico di Joel a cui lo spettatore si affeziona subito. Simpatici sono anche Clyde, Michael Rooker, e Minnow, Ariana Greenblatt. Il regista riesce a bilanciare le diverse componenti – avventura, amore, fantascienza, riflessione –  e porta avanti il film con un piglio ironico che non guasta. Il risultato è piacevole, tanto che da più parti si parla già di un sequel. Per ora, Love and Monsters è disponibile su Netflix, prodotto da 21 Lapse Entertainment, Entertainment One e Paramount Pictures.

In un periodo in cui Hollywood sforna biopic e remake a profusione, essere originali proprio attraverso questi percorsi è estremamente difficile, ma il produttore (The Tree of Life, Into the Wild) votatosi alla regia Bill Pohlad sceglie una via poco trafficata, un tratto personale, un occhio a cavallo di una generazione per raccontare la straordinaria vita, la malattia, la musica e l’amore di Brian Wilson, brillante artista, musicista ispirato e sperimentatore, patrimonio artistico del nostro tempo, cuore dei Beach Boys. Love and Mercy è incentrato in un momento storico in cui in Europa infuriava la lotta tra Beatles e Rolling Stones, e dall’America arrivavano le ondate di folck di Bob Dylan e il rock culminato con Woodstock, la musica leggera, orecchiabile, rassicurante e casalinga di questi fratelli/cugini/amici è passata ingiustamente in sordina, fino a che non è arrivata Pet Sounds, un album di rottura, artistica e personale della band, che ha messo in luce Wilson come vero talento del gruppo.

Love and Mercy di Pohlad si focalizza su due momenti fondamentali per la musica e la vita di Wilson: da una parte un giovane Brian (Paul Dano) cerca di barcamenarsi tra la sua ispirazione violenta e urgente e l’ottica imprenditoriale e più chiusa, pragmatica, dei suoi compagni; dall’altra un Brian più maturo (John Cusack) fa i conti con la malattia mentale e la prigionia, letteralmente, a cui lo costringe il suo psichiatra Eugene Landy (Paul Giamatti) nel momento in cui Wilson incontra l’amore della sua vita, Melinda Laedbetter (Elizabeth Banks).

Il regista decide di raccontare due storie diverse, due mondi diversi. Il primo è agitato, con colori saturi e una magistrale interpretazione di Paul Dano che mette in scena un one man show vergognosamente passato sotto silenzio, il secondo è calmo, come la risacca del mare sulla battigia, immerso in un azzurro terso che potrebbe rappresentare l’anelata tranquillità di una mente martoriata dai farmaci così come era quella di Wilson quando ha incontrato Melinda. La Banks, dismessi i panni comici, costruisce un fiore d’acciaio, una donna volitiva, decisa, eppure magicamente dolce e materna, avvolta in colorati completi anni ’80, che trascina fuori dal baratro l’uomo che diventerà suo marito e il padre dei suoi figli.

Love and Mercy attinge a piene mani a tutte le tecniche di montaggio musicale e sonoro per mettere in scena una melodia che nasceva nella testa di Wilson e che l’artista cercava di tirare fuori, anche attraverso la sperimentazione forsennata, con tecniche e metodi poco ortodossi e per questo poco compresi. Un passato di abusi e una sensibilità fuori dal comune hanno fatto di Wilson uno degli artisti più sensibili e importanti per la musica del nostro tempo, un artista poco celebrato a cui Love and Mercy porge un tributo dovuto e riuscito, aggirando i luoghi comuni e offrendo la possibilità di conoscere uno dei più grandi musicisti del secolo.

Dopo aver svestito i panni dell’agente segreto Nadia in Citadel, spy story di Amazon Prime Video in catalogo da aprile, Priyanka Chopra Jonas è pronta a cambiare pelle per dare carattere a Mira in Love Again, commedia a tinte drama scritta e diretta da Jim Strouse. Se già il titolo anticipa una trama che, bene o male, seguirà stilemi e dettami del genere, non risultando dunque qualcosa di contenutisticamente inedito, attorno al film l’attenzione è comunque alta ed è tutta rivolta al debutto cinematografico della cantante pop Céline Dion.

Nessun personaggio fittizio è stato scritto per lei, Dion interpreta se stessa e porta i suoi meravigliosi testi – che alla fine sono la parte più interessante di tutta l’opera – per comporre una colonna sonora armoniosa e commovente, in cui spicca una delle sue canzoni più celebri, It’s All Coming Back To Me Now, il cui titolo sarebbe dovuto essere lo stesso del film per renderle omaggio, prima di essere ribattezzato con il nome attuale. Love Again arriva nelle sale cinematografiche dall’11 maggio ed è distribuito da Sony Pictures.

Love Again, la trama

Dopo aver perso il compagno in un incidente ed essere stata due anni lontana da casa, Mira (Priyanka Chopra Jonas), sotto la spinta di sua sorella Suzy (Sofia Barclay), decide di far ritorno a New York per riprendere in mano la sua vita. Il dolore, però, è ancora profondo e così la donna, per sentirsi ancora vicina al fidanzato defunto, inizia a mandargli dei messaggi. Ma quel numero non è più il suo, appartiene a Rob (Sam Heughan), un critico musicale fra l’altro impegnato a scrivere un pezzo su Céline Dion. Quando inizia a ricevere gli sms di Mira, Rob è colpito dalle sue parole, tanto che si innamora di lei senza neppure conoscerla davvero. A quel punto l’uomo fa di tutto per poterla incontrare e, alla fine, i due iniziano a frequentarsi nonostante lui non riesca a confessarle il suo segreto. Nel frattempo, mentre cerca di trovare il coraggio, Rob si rivolge a Céline Dion per chiederle consigli d’amore.

Quando l’amore non emoziona

I generi, volente o nolente, fondano il loro discorso narrativo seguendo una specifica traccia in grado di distinguerli l’uno dall’altro. Le loro caratteristiche interne non mutano, mentre invece cambia il modo in cui queste vengono rappresentate, sottostando a una visione precisa e chiara di uno sceneggiatore o di un regista. Nel caso della commedia sentimentale, la strada da perseguire è una ed è totalmente focalizzata sulla love story che si va a strutturare. Ciò che rende una comedy di questo stampo originale è il modo in cui viene arricchita e riformulata, per dare al suo pubblico qualcosa di inedito, che però ha al suo interno codici riconoscibili, volti a non fargli perdere la sua identità.

Cadere nei soli cliché, soprattutto nel caso di un’opera romantica, è molto facile se la narrazione non è sostenuta da un’idea valida che possa valorizzarla e renderla attraente. Perché i topoi, come abbiamo ribadito in Book Club – The Next Chapter, saranno sempre inseriti per far progredire la storia, ma se proposti funzionalmente e con maestria, la loro presenza non appesantisce l’intero prodotto, ma anzi può risultare piacevole. Tutti questi problemi, invece, si riscontrano in Love Again da subito. Sin dall’incidente scatenante si percepisce quale sarà l’aria che tirerà all’interno del film: pesantissima. Per poi risultare perfino stucchevole in alcuni ridondanti passaggi. La colpa è dell’impostazione del racconto, che dopo un incipit frettoloso, continua la sua furiosa corsa per tutti i suoi centoquattro minuti, disorientando lo spettatore e non permettendogli di respirare.

Una storia che arranca e non splende

La storia d’amore fra Mira e Rob nasce da un pretesto anche abbastanza interessante, ma poi si sviluppa troppo velocemente da non risultare credibile. Non hanno il tempo di conoscersi che subito si innamorano e altrettanto subito vanno in crisi, con un finale praticamente telefonato. Sono personaggi sostanzialmente vuoti e piatti i loro, e trainano una narrazione altrettanto scialba e incolore. Il cui coinvolgimento con il pubblico si perde fin da quando il regista restituisce un assurdo e sfiancante primo piano di Chopra nella scena dell’incidente del compagno, che tutto trasmette tranne che compassione o emozione. Non c’è anima nel racconto, non c’è l’intento del regista di affrontare un determinato argomento con il pubblico. Considerato pure che manca di spunti di riflessione.

Non c’è neppure la voglia di mettere a servizio della storia il proprio sguardo artistico. Non sono serviti neanche gli incontri fra Priyanka Chopra Jonas e Sam Heughan prima delle riprese a dare un tono alla pellicola, e la chimica che con tanto impegno hanno provato ad avere non emerge sullo schermo, indi per cui risulta veramente impossibile empatizzare con loro. L’unica ad animare il film è Dion, con la sua carismatica presenza e lo struggente racconto del suo compianto René Angélil, seppur ad un certo punto si trasformi in Cupido e faccia psicoterapia di coppia (ma a lei concediamo qualsiasi cosa).

Love Again è un’opera che, a quanto pare, ha perso di vista l’obiettivo e forse non ha mai avuto un vero e proprio intento. Non si abbellisce di nessun messaggio da trasmettere, ma anzi al contrario fa augurare allo spettatore che finisca tutto il prima possibile. Si cristallizza nella spenta relazione dei due protagonisti, non dando modo di approfondirne gli aspetti più stuzzicanti. Avrebbe potuto avere del potenziale… se solo ci fosse stata la volontà di farla splendere.