Per il suo film d’esordio come regista Laura
Morante ha creato intorno a sé la troupe dei suoi sogni:
parafrasando un consiglio di Alain Resnais che ha applicato per
scegliere i suoi personaggi, ossia: “Fai il cast pensando agli
attori che veramente vorresti nel tuo film, per quanto
irraggiungibili possano sembrare” lei lo ha fatto anche per la
troupe che, in sette lunghi anni, ha messo in piedi il film
Ciliegine.
Laura Morante torna al cinema da regista (e protagonista) in Assolo, da oggi al cinema. Di seguito due nuove clip dal film con protagonisti Gigio Alberti, Giovanni Anzaldo, Eugenia Costantini, Carolina Crescentini, Piera degli Esposti, Antonello Fassari, Angela Finocchiaro, Donatella Finocchiaro, Emanuela Grimalda, Laura Morante, Francesco Pannofino, Filippo Tirabassi, con l’amichevole partecipazione di Edoardo Pesce, con la partecipazione straordinaria di Marco Giallini e con Lambert Wilson.
[nggallery id=2353]
Flavia (Laura Morante) è una donna fragile e insicura. Ha due matrimoni alle spalle, due figli, un cane in prestito ed è sempre alla disperata ricerca del consenso e dell’affetto delle persone che la circondano. Incapace di separarsi emotivamente dai suoi ex mariti Gerardo (Francesco Pannofino) e Willy (Gigio Alberti), Flavia intesse rapporti amichevoli anche con le loro nuove compagne, Giusi (Emanuela Grimalda) e Ilaria (Carolina Crescentini). In questa famiglia allargata Flavia è però sempre sola, incapace di raggiungere qualsiasi obiettivo per lei davvero importante. Che sia la patente di guida o un corso di tango, nulla sembra andare per il verso giusto. Tra incidenti di percorso e sorprendenti scoperte, Flavia imparerà che nessuna donna è perfetta e che l’autostima e la libertà tanto inseguite erano proprio lì, a portata di mano.
Dopo esser stato presentato fuori concorso nell’ultima edizione del Festival di Cannes, arriva nelle sale italiane, dal 21 dicembre con Lucky Red, il nuovo film di Nicolas Bedos, Masquerade – Ladri d’amore, che vede protagonisti Pierre Niney, Isabelle Adjani, François Cluzet, Marine Vacth, Emmanuelle Devos e Laura Morante.
Abbiamo incontrato Laura Morante e Marine Vacth che ci hanno raccontato i loro personaggi, il film e il linguaggio con cui hanno dato vita a due donne molto diverse ma decise e volitive, piene di bellezza e di grazie, ma anche di lato oscuri, di contraddizioni e di aspetti profondamente tragici, il tutto sempre raccontato con leggerezza e vitalità. Come si conciliano questi due aspetti della scrittura di Bedos?
Marine Vacth: “Quando si lavora su un personaggio bisogna sempre essere concreti anche quando ci si confronta con una duplicità, bisogna sempre focalizzarsi sul lavoro in sé, il resto viene con naturalezza. I film di Bedos hanno questa duplicità, e abbiamo cercato con il nostro lavoro di rispecchiarla, ma è la storia che si fa carico di tutto questo mentre il nostro lavoro mira a rendere concreto ciò che è scritto”.
Laura Morante: “Più che duplicità, c’è una molteplicità di temi in queste storie, e io stessa quando scrivo mi servo dell’umorismo anche in contesti molto seri. Qualcuno mi ha detto che la mia visione della vita è amara, forse per i toni di quello che scrivo, ma la verità è che per me non esiste dramma senza commedia e viceversa. Penso che questa duplicità sia naturale e spontanea, dopotutto persino le grandi tragedie sono cariche di umorismo, per me non c’è contraddizione tra questi elementi, anzi, tragedia e commedia si compenetrano spesso”.
Masquerade – Ladri d’amore è una storia tratta da un libro. Quali sono stati i riferimenti che vi ha dato Nicolas Bedos nella costruzione del personaggio?
Laura Morante: “Lavorare su un film è come lavorare su una partitura, non esistono soltanto i personaggi e la storia, esistono le tonalità, tante sfumature diverse, esiste il fatto che recitare con gli altri è come suonare o cantare insieme agli altri e c’è il regista che dirige questa orchestra. Un personaggio avulso dal contesto artistico in cui è immerso non potrebbe avere nessuna specifica e nessun senso. C’è sempre una partitura da decifrare e rispettare, con una propria lettura.”
Marine Vacth: “La base per i personaggi è stata il libro, nel film abbiamo anche avuto modo di fare qualche citazione a vecchi film, ma è stato un lavoro evolutivo che abbiamo fatto nel quotidiano, non abbiamo avuto troppe indicazioni, non c’era niente di definitivo fino a che la scena non era girata. Ci è stata data la possibilità di improvvisare i modi di mettere in scena le battute che però erano già scritte.”
Nel film entrambi i
personaggi si confrontano con la doppia lingua. Il personaggio di
Morante parla fluentemente italiano e francese, mentre quello di
Vacth è una ragazza francofona che finge di parlare in francese con
accento inglese per truffare il personaggio di Francois
Cluzet. Cosa significa per un attore passare da
una lingua all’altra da un punto di vista della tecnica di
recitazione?
Marine Vacth: “Quello linguistico era l’aspetto che mi sembrava più difficile del mio personaggio, ma sul set si è rivelato tutto molto più facile del previsto, una volta impostato l’accento è stato tutto semplice, e poi la maggior parte di quelle scene erano con Francois Cluzet! Nei momenti in cui Margot finge l’accento inglese, c’è un aspetto ludico del personaggio che emerge, c’è una recita e una messa in scena, una recitazione dentro alla recitazione, che è una situazione divertente da interpretare.”
Laura Morante: “Molte cose nell’attore per fortuna avvengono istintivamente. Quando ho recitato ne La stanza del figlio, solo guardando il film mi sono accorta che avevo assunto degli atteggiamenti di mia madre, inconsciamente, perché interpretavo il ruolo della madre. Per fortuna una grande parte del lavoro dell’attore è inconsapevole. È pericoloso prendere troppa coscienza di sé, perché l’inconscia garantisce la grazia della performance. Ho visto molti attori diventare consapevoli e perdere la loro innocenza che è quello che a me personalmente commuove in un attore. Perdendo la grazia, perdi efficacia, secondo me. Per quello che mi riguarda preferisco la semi incoscienza.”
Laura Luchetti è l’unica regista italiana a partecipare al Toronto film festival. Fiore Gemello il secondo lungometraggio che racconta la storia d’amore tra due adolescenti: Lui un immigrato africano clandestino lei la figlia di un trafficante di migranti, sarà presentato in anteprima mondiale nella sezione Discovery domenica 8 settembre.
La Luchetti è insieme ad una rosa di grandi registi italiani tra Garrone, De Angelis, Sorrentino e Minervini. Il copione e film è stato selezionato all’ Atelier del Festival di Cannes e al Sundance Screenwriters Lab. Con l’opportunità di essere presentato al festival di Toronto con Laura si chiude un trio di registe italiane su cui il cinema internazionale pone molta aspettativa dopo Laura Bispuri a Berlino e Alice Rohrwacher a Cannes.
“Fiore Gemello” è la storia due adolescenti, Anna e Basim. Lei scappa dal suo passato, lui rincorre il proprio futuro. Un immigrato africano clandestino e la figlia di un trafficante di migranti. Non parlano la stessa lingua, vengono da mondi lontanissimi, entrambi in fuga da un passato che vogliono dimenticare. Tutte le circostanze gli sono avverse.
Laura Luchetti negli anni ha girato cortometraggi premiati in vari Festival Internazionali, video musicali, e pubblicità. Ha scritto e diretto due opere teatrali legate al mondo della musica classica (“Il Giardino del Maestro” con Alessio Boni e l’adattamento di “Histoire du Soldat” con Andrea Bosca). Ha diretto e prodotto un documentario per Channel Four e Miramax sul regista inglese Anthony Minghella. Nel 2014 negli Stati Uniti ha fatto parte del progetto Consenses Art International Exhbition con la sua prima Video Installazione “Searching”.
Il suo primo lungometraggio “Febbre da Fieno” e’ stato selezionato e premiato in importanti Festival internazionali. “Fiore Gemello” il suo secondo lungometraggio, è stato selezionato all’Atelier del Festival di Cannes 2015 e al Sundance Screenwriters Lab 2015. Il suo primo progetto in animazione a passo uno “Bagni” è entrato nella Cinquina dei Nastri D’Argento 2016 ed è stato selezionato in concorso in numerosi festival internazionali ricevendo numerosi premi.
“SUGARLOVE” il suo ultimo progetto in animazione a passo uno sarà presente al Festival di Venezia come Evento Speciale della Settimana della Critica.
Considerata una delle migliori interpreti della sua generazione, Laura Linney ha negli anni raggiunto importanti riconoscimenti grazie alla sua partecipazione in celebri film per il cinema. Allo stesso tempo, si è sempre distinta anche per i suoi ruoli televisivi, che le hanno permesso di affermare il proprio status all’interno dell’industria. Carismatica e versatile, l’attrice può essere ritrovata in alcuni dei migliori film degli ultimi anni.
Ecco 10 cose che non sai di Laura Linney.
10. Ha recitato in celebri lungometraggi. L’attrice debutta sul grande schermo con il film L’olio di Lorenzo (1992), per poi distinguersi in pellicole come Schegge di paura (1996), The Truman Show (1998), con Jim Carrey, e Conta su di me (2000). Una volta affermatasi, prende parte a titoli come Mystic River (2003), di Clint Eastwood, The Life of David Gale (2003), Love Actually – L’amore davvero (2003), Kinsey (2004), Il calamaro e la balena (2005), L’uomo dell’anno (2006), con Robin Williams, La famiglia Savage (2007), A Royal Weekend (2013), Mr. Holmes (2015), Genius (2016), Animali notturni (2016), Sully (2016) e Falling (2020), di Viggo Mortensen.
9. Si è distinta grazie ad alcune serie TV. Tra i primi ruoli televisivi dell’attrice si annovera quello nelle miniserie Tales of the City (1993), More Tales of the City (1998) Further Tales of the City (2001). Successivamente si distingue nel film Wild Iris (2001), e nelle serie Frasier (2004), John Adams (2008), con Paul Giamatti, e The Big C (2010-2013). Dal 2017 è protagonista della popolare serie Netflix Ozark, dove recita accanto all’attore Jason Bateman. Nel 2019 riprende nuovamente il ruolo di Mary Ann Singleton per la nuova miniserie dedicata a Tales of the City, dove recita accanto ad Ellen Page.
8. Ha ottenuto importanti riconoscimenti. Dimostrazione del suo essere particolarmente apprezzata all’interno dell’industria, sono anche i numerosi premi a cui l’attrice è stata nominata o ha vinto. La Linney vanta infatti tre nomination all’Oscar, ricevute per i film Conta su di me, Kinsey e La famiglia Savages. Detiene poi sei nomination al premio Golden Globe, dove ha riportato vittorie come miglior attrice per le serie John Adams e The Big C. Ha inoltre ricevuto sei nomination agli Emmy Awards, vincendo il premio ben quattro volte.
7. Ha avuto un figlio dal nuovo marito. Dal 1995 al 2000 l’attrice è stata sposata con l’attore David Adkins, ma la coppia non ha avuto figli. Nel 2009, invece, dopo cinque anni di fidanzamento, la Linney sposa in seconde nozze l’agente immobiliare Marc Schauer. La coppia, particolarmente riservata, non è solita rilasciare notizie sulla propria vita privata, ma non ha mancato di comunicare la nascita del loro primo figlio, nel 2014.
6. Per il suo ruolo si è ispirata a sua madre. Nel film The Truman Show, la Linney ha dato vita al personaggio di Hannah Hart, attrice che recita la parte di Meryl Burbank, moglie del protagonista e infermiera presso l’ospedale locale. Per poter essere realistica nell’interpretazione di una recitazione, la Linney si è ispirata a sua madre, la quale svolgeva la professione di infermiera. Da lei ha potuto infatti acquisire le caratteristiche base per poter affrontare il ruolo.
5. Si è divisa tra due set pur di partecipare al film. Per il film Mystic River l’attrice ha ricoperto il ruolo dell’influente moglie del personaggio interpretato da Sean Penn. La Linney, però, per assumere il ruolo fu costretta a fare alcuni sacrifici. In quello stesso periodo, infatti, era impegnata anche sul set di Love Actually, e pur di prendere parte al film di Eastwood accettò di dividersi tra i due progetti compiendo viaggi aerei dall’Inghilterra agli Stati Uniti.
4. Ha opinioni contastanti sul suo personaggio. Nella serie Ozark, l’attrice interpreta Wendy, moglie del protagonista, la quale finisce con l’assumersi le responsabilità del cartello di droga, divenendo una vera e propria manipolatrice. Parlando del personaggio, la Linney ha affetto di provare grande divertimento nell’interpretare il personaggio, il quale si rivela sempre più complesso e ricco di sfumature. Ha però aggiunto di non pensarla allo stesso modo riguardo all’essere amica di Wendy. L’attrice ha infatti affermato che non vorrebbe mai avere a che fare con una donna come lei.
3. Ha accettato di recitare nella serie per via di Jason Bateman. Sarebbe oggi impensabile immaginare Ozark senza la Linney a dare volto al personaggio di Wendy. Eppure, l’attrice ha raccontato di non essere stata da subito sicura del progetto. Pur trovando la sceneggiatura ottima, la Linney non era alla ricerca di una serie TV in cui recitare, spaventata forse dall’impegno che ciò comporta. A convincerla, tuttavia, fu la presenza dell’attore Jason Bateman, da lei particolarmente ammirato e con il quale desiderava lavorare.
2. Non sa cosa prevede il futuro del suo personaggio. Al termine della terza stagione, il personaggio di Wendy sembra essere diventata la vera mente criminale della serie. Allo stesso tempo, però, questo si trova a vivere una crisi non indifferente, che sarà la base di partenza per l’annunciata quarta stagione. L’attrice, a riguardo, ha affermato di non sapere ancora quali risvolti prenderà il personaggio, né cosa potrebbe capitarvi nei prossimi episodi.
1. Laura Linney è nata a New York, Stati Uniti, il 5 febbraio 1964. L’attrice è alta complessivamente 170 centimetri.
Fonte: IMDb
Clint Eastwood arruola Laura
Linney per il suo Sully, biopic
sul pilota d’aerei americano che nel 2009 riuscì ad ammarare con
successo sul fiume Hudson evitando il disastro.
L’attrice, che ha lavorato con Eastwood già
diverse volte, sarà una dei protagonisti al fianco di
Tom Hanks e Aaron Eckhart.
La Linney interpreterà infatti Lorena Sullenberger, la moglie di Chesley Sully, presenza di grande importanza nella vita del pilota, e anche colei che nonostante tutto lo ha saputo tenere sempre con i piedi per terra (si dice che chiacchierando con il presidente Obama in occasione del suo insediamento gli abbia detto: “Signor Presidente, il mondo lo può pensare come un eroe, ma russa ancora!”)
Il film racconterà la
storia del capitano Chesley “Sully” Sullenberger, l’uomo che
salvando i passeggeri del volo US Airways 1549, diventò per
l’America simbolo di coraggio e professionalità di fronte alle
avversità. Il suo momento di fama lo ha portato a scrivere un libro
di memorie, Highest Duty: My Search For What Really
Matters, i cui diritti sono stati poi acquistati dal
produttore Frank Marshall. Todd
Komarnicki è autore della sceneggiatura del film che
vede Tom Hanks nel ruolo di Sully e
Aaron Eckhart in quello del suo co-pilota,
Jeff Skiles, che lo ha aiutato nell’operazione di atterraggio.
Laura Linney, apparsa recentemente in Mr. Holmes – Il mistero del caso irrisolto, a breve tornerà sugli schermi anche con il biopic Genius e con Teenage Mutant Ninja Turtles 2.
Fonte: empireonline
Laura Linney andrà ad arricchire il cast di Tartarughe Ninja 2 che si sta girando a New York. Nel sequel, diretto da Dave Green, torneranno Megan Fox (April), Will Arnett (Vern Fenwick), ma ci saranno anche delle novità, rappresentate da Stephen Amell (Casey Jones) e Tyler Perry (Baxter Stockman).
Per Laura Linney, tre volte candidata all’Oscar e apprezzata come interprete drammatica e protagonista di film maggiormente orientati a un pubblico adulto, si apre una nuova fase della sua carriera che la farà conoscere alle giovani generazioni e a una platea più trasversale. Il suo ruolo in Tartarughe Ninja 2 resta però top secret.
La Platinum Dunes di Michael Bay, Brad Fuller e Andrew Form tornerà a produrre il sequel Tartarughe Ninja – Fuori dall’ombra che avrà uno script realizzato ancora dagli sceneggiatori Josh Appelbaum e André Nemec. Megan Fox riprende il suo ruolo di April O’Neil insieme a William Fichtner come Eric Sacks. Nel cast anche Stephen Amell eLaura Linney. Il film originale aveva tra i protagonisti anche Will Arnett, Alan Ritchson, Jeremy Howard, Pete Ploszek, Noel Fisher, Danny Woodburn, Johnny Knoxville e Tony Shalhoub. Ha incassato più di 477 milioni dollari al box office in tutto il mondo. Bebop e Rocksteady faranno il loro debutto al cinema in questo nuovo adattamento e con loro ci sarà anche di Krang nei panni dell’antagonista.
Nel film Michelangelo, Donatello, Leonardo, Raffaello tornano al cinema per combattere il più cattivo dei cattivi, al fianco di April O’Neil, Vern Fenwick e di un nuovo arrivato: il vigilante mascherato da gocatore di hockey Casey Jones. Dopo la sua fuga il supercriminale Shredder unisce le proprie forze allo scienziato pazzo Baxter Stockman e ai due sciocchi scagnozzi, Bebop e Rocksteady, per scatenare un piano diabolico alla conquista del mondo. Quando le tartarughe si preparano ad affrontare Shredder e il suo nuovo team, si trovano di fronte ad un male ancora più grande ma con simili intenzioni: il famigerato Krang. Tartarughe Ninja – Fuori dall’ombra è previsto in uscita il 7 luglio 2016.
Fonte: Comicbookmovie
Non vediamo l’ora di vedere due
attori come Bill Murray e Laura Linney insieme sul grande schermo.
Soprattutto perché è da tanto tempo che l’attrice, vincitrice di 3
Emmy Awards
Attrice di indubbio fascino e talento, Laura Dern ha nell’arco delle sua carriera partecipato ad alcuni tra i più importanti film degli ultimi anni, mettendo d’accordo critica e pubblico sulle sue grandi capacità attoriali. L’attrice è infatti considerata tra le più brave e degne di nota della sua generazione, e a conferma di ciò vi sono i numerosi premi che le sono stati riconosciuti durante gli anni.
Ecco 10 cose che non sai di Laura Dern.
1 I film. La carriera cinematografica dell’attrice ha inizio nel 1908, quando prende parte al lungometraggio A donne con gli amici. Tra i titoli più celebri della sua carriera si annoverano poi Dietro la maschera (1985), Velluto blu (1986), Cuore selvaggio (1990), Rosa scompiglio e i suoi amanti (1991), Jurassic Park (1993), Un mondo perfetto (1993), Il dottor T e le donne (2000), Inland Empire (2006), The Master (2012), Wild (2014), The Founder (2016), Star Wars – Gli ultimi Jedi (2017), Storia di un matrimonio (2019) e Piccole donne (2019).
2 Le serie TV. Particolarmente ricca è anche la carriera televisiva dell’attrice, che negli anni ha preso parte a progetti come Recount (2008), Enlightened (2011-2013), Drunk History (2014), The Mindy Project (2015), The Last Man on Earth (2017), Twin Peak (2017), e Big Little Lies (2017-2019), dove interpreta il ruolo di Renata Klein accanto alle attrici Reese Witherspoon, Nicole Kidman, Shailene Woodley e Meryl Streep.
3 È figlia d’arte. L’attrice è la figlia dell’attore Bruce Dern, celebre per i suoi ruoli in Il grande Gatsby (1975), Tornando a casa (1979), Nebraska (2014) e The Hateful Eight (2015), e dell’attrice Diane Ladd, celebre invece per i suoi ruoli in Alice non abita più qui (1974), Cuore selvaggio (1990) e Rosa scompiglio e i suoi amanti (1991).
4 È stata sposata. Dopo cinque anni di fidanzamento, il 23 dicembre del 2005 l’attrice ha sposato il famoso musicista Ben Harper, da cui ha poi divorziato nel 2013. I due anno avuto due figli. Dal 2016 l’attrice ha invece annunciato la sua relazione con il rapper Common. In precedenza l’attrice ha avuto importanti relazioni sentimentali con gli attori Kyle MacLachlan, Jeff Goldblum, e Billy Bob Thornton.
5 È stata nominata all’Oscar. Per il suo ruolo nel film Rosa scompiglio e i suoi amanti la Dern viene nominata come miglior attrice ai Premi Oscar del 1992. Nel 2015 viene invece nominata come miglior attrice non protagonista per il film Wild. L’attrice ha poi vinto nel 2017 un Emmy Award come miglior attrice non protagonista per la miniserie Big Little Lies.
6 Sostiene numerose cause. L’attrice è molto attiva nel campo della beneficenza, e sostiene attivamente associazioni come Healthy Child Healthy World e The Children’s Healt Environmental Coalition, che mirano ad accrescere la consapevolezza sulle sostanze tossiche che possono colpire la salute dei bambini.
7 Spielberg le diede un prezioso consiglio. Nel 1993 l’attrice lavorò con il celebre regista al film Jurassic Park. Prima di girare un primo piano del volto della Dern, Spielberg le diede un prezioso consiglio: “Le persone ti diranno cosa dovresti fare al tuo viso tra qualche anno. Non modificarlo mai. Il tuo volto è perfetto, è femminile, è pieno di emozioni.” Ovviamente l’attrice seguì il consiglio, e il suo particolare volto le ha sempre portato fortuna.
8 Si è preparata a lungo per la parte. Laura Dern è nota per la grande preparazione che dedica ad ogni nuovo ruolo. Per interpretare Renata Klein in Big Little Lies, l’attrice ha intervistato a lungo numerose donne che lavorano nel settore della tecnologia, traendo da loro suggerimenti su come ci si comporta una donna che lavora in un settore prevalentemente maschile. Grazie al suo studio della parte l’attrice ottenne poi numerosi riconoscimenti.
9 Hanno lavorato insieme più volte. L’attrice ha condiviso la scena per ben cinque volte con la sua reale madre, e sempre ricoprendo ruoli che avevano un rapporto di parentela madre-figlia. I film in questione sono Rosa scompiglio e i suoi amanti, Cuore selvaggio, La storia di Ruth, Daddy and Them e McKlusky metà uomo e metà odio.
10 Laura Dern è nata a Los Angeles, negli Stati Uniti, il 10 febbraio 1967. L’altezza complessiva dell’attrice è di 178 centimetri.
Fonti: IMDb
Laura Dern, Glen Powell, Anthony Mackie hanno firmato per recitare in “Monsanto”, l’ultimo film dello sceneggiatore e regista John Lee Hancock (“The Blind Side”, “Saving Mr. Banks”).
Il film segue la storia vera del giovane e inesperto avvocato Brent Wisner (Powell), che nel 2019 ha sposato una causa apparentemente insormontabile contro il colosso chimico statunitense Monsanto per conto di Dewayne “Lee” Johnson (Mackie) che ha utilizzato i migliori strumenti dell’azienda, il noto prodotto Roundup, un pesticida di grande successo finanziario, come parte del suo lavoro di giardiniere del liceo. Laura Dern interpreta la dottoressa Melinda Rogers, la principale tossicologa della Monsanto Company, che testimonia con certezza che Roundup è sicuro durante lo storico studio sul cancro.
“Sono stato attratto da questa vera storia contemporanea di Davide contro Golia perché l’ho trovata drammatica, commovente, piuttosto divertente e di fondamentale importanza nel mondo di oggi”, ha affermato Hancock. “Le mie ambizioni sono realizzare un legal drama intelligente, ponderato e commerciale che porti il pubblico in un viaggio umano”.
La sceneggiatura del film è stata sviluppata in collaborazione con la Zurich Avenue di Karl Spoerri e scritta da Michael Wisner, Alexandra Duparc, Ned Benson e Hancock. Il progetto è prodotto da Moritz Borman, Eric Kopeloff, Philip Schulz-Deyle e Jon Levin insieme a Adam McKay e Kevin Messick di HyperObject Industries.
“Al giorno d’oggi le storie di “piccoli ragazzi” che affrontano enormi istituzioni sembrano poche e rare. Sia nella vita reale che sul grande schermo. Quindi, quando una storia avvincente e stimolante come questa arriva sulle nostre scrivanie, ci entusiasmiamo. Perché? Perché le persone amano e hanno bisogno di questi film. Lo hanno sempre fatto e lo faranno sempre”, ha detto McKay, citando “Erin Brockovich”, “Silkwood”, “La vita è meravigliosa”, “Spotlight”, “12 Angry Men”, “Moneyball” e “Norma Rae” come primi esempi. “Penso legittimamente di poter elencare 200 film amati e di grande successo su persone reali che si oppongono a difficoltà schiaccianti con solo l’equità e la verità dalla loro parte. Quindi, facciamo il numero 201”.
Secondo The Hollywood Reporter, Laura Dern (Wild, Jurassic Park) è in trattative per entrare, assieme a Michael Keaton (Birdman), nel cast di The Founder, film diretto da John Lee Hancock (The Blindside).
The Founder racconterà la storia di Ray Kroc, venditore che si mise in società con i fratelli Richard e Maurice per lanciare quella che sarebbe presto diventata la catena internazionale di fast food più famosa del pianeta: la McDonald. Hancock svilupperà una sceneggiatura realizzata da Robert Siegel (Big Fan, The Wrestler); il film sarà prodotto dalla FilmNation assieme alla The Combine di Don Handfield e Jeremy Renner.
Laura Dern
interpreterà la trascurata prima moglie di Ray, Ethel, dalla quale
l’uomo divorziò nel 1961. Prima di morire, nel 1984, Kroc si sposò
altre due volte.
L’attrice è al momento impegnata con le riprese di un film
drammatico (ancora senza titolo) per la regia di Kelly
Reichardt (Meek’s Cutoff, Wendy and
Lucy) con Kristin Stewart e
Michelle Williams. Presto sarà nelle sale
americane con 99 Homes, film presentato alla
scorsa edizione del Festival del cinema di Venezia, con
Andrew Garfield e Michael
Shannon.
L’uscita di The Founder è prevista per il novembre 2016.
Fonte: Comingsoon.net
Laura Dern, Billy Crudup e Riley Keough si uniranno a George Clooney e Adam Sandler in un nuovo film senza titolo di Netflix diretto da Noah Baumbach. Baumbach ha anche scritto la sceneggiatura insieme a Emily Mortimer e produrrà con Amy Pascal e David Heyman.
Ricordiamo che nell’ambito del suo accordo esclusivo con Netflix, Baumbach ha già realizzato The Meyerowitz Stories, in cui ha recitato anche Sandler, nonché il film candidato agli Oscar Storia di un matrimonio, con Adam Driver e Scarlett Johansson per il quale proprio Laura Dern ha vinto la sua statuetta.
Successivamente, sempre per Netflix, Baumbach ha realizzato White Noise, adattato dal romanzo di Don DeLillo e interpretato da Drive e Greta Gerwig. Ad oggi, questo è dunque l’ultimo lungometraggio realizzato come regista da Baumbach, che sempre però dunque pronto a tornare alla regia di un nuovo lungometraggio di cui però, ad oggi, oltre ai due attori protagonisti, non sono state fornite altre informazioni. Netflix non ha infatti rilasciato commenti a riguardo per ora, ma Scott Stuber, capo della società, aveva precedentemente descritto il prossimo film di Baumbach come una “divertente ed emozionante storia di adulti che arrivano all’età adulta“.
Laura Dern e Sam Neill sono stati i volti del film di successo di Steven Spielberg del 1993 Jurassic Park rispettivamente nei panni della paleobotanica Ellie Sattler e del paleontologo Alan Grant (insieme allo Ian Malcolm di Jeff Goldblum).
I due personaggi si innamorano durante il film nonostante la differenza di età di 20 anni che esisteva tra Dern e Niell durante la realizzazione del film. Dern aveva 23 anni quando sono iniziate le riprese e 26 quando il film è uscito nel 1993. Niell, d’altra parte, aveva 43 anni durante le riprese. Nessuno dei due attori era troppo preoccupato per la loro differenza di età e la storia d’amore dei loro personaggi.
“Ho 20 anni più di Laura!” Sam Neill ha recentemente detto al Sunday Times. “Che all’epoca era una differenza di età del tutto appropriata per un uomo e una donna protagonisti. [Che il divario di età fosse inappropriato] non mi è mai venuto in mente fino a quando non ho aperto una rivista e c’era un articolo intitolato “Old Geezers and Gals”. Persone come Harrison Ford e Sean Connery recitavano con persone molto più giovani. Ed eccomi lì, sulla lista. Ho pensato: ‘Andiamo. Non può essere vero.'”
“Beh, è stato del tutto appropriato innamorarsi di Sam Neill”, ha aggiunto Dern riguardo al divario di età. “Ed è stato solo ora, quando siamo tornati in un momento di consapevolezza culturale sul patriarcato, che ho pensato, ‘Wow! Non abbiamo la stessa età?’”
Durante la realizzazione di Jurassic World – Il dominio, Laura Dern era meno concentrata sulla sua età e più concentrata nel garantire che il suo personaggio, Ellie Sattler, portasse avanti la rappresentazione femminile sul grande schermo. Dern cita Ellie nella stessa categoria di Ripley di Sigourney Weaver del franchise Alien come personaggi cinematografici che hanno cambiato il punto di vista di Hollywood sulle eroine d’azione femminili.
“È davvero commovente”, ha detto Dern. “Molte donne nel campo della tecnologia e della scienza indicano una somiglianza tra l’eroismo di Ellie e le donne nel loro campo”.
Sia Dern che Neill riprenderanno i loro personaggi nel prossimo episodio della Universal Jurassic World – Il dominio, in uscita nelle sale italiane il 2 giugno.
In Jurassic World – Il dominio vedrà sia Chris Pratt che Bryce Dallas Howard tornare nei loro ruoli. Insieme a loro, ritroveremo anche Justice Smith, Daniella Pineda, Jake Johnson e Omar Sy. Laura Dern e Sam Neill riprenderanno rispettivamente i ruoli che avevano in Jurassic Park, rispettivamente la Dr. Ellie Sattler e il Dr. Alan Grant. I personaggi sono stati visti per l’ultima volta nel Jurassic Park 3 del 2001. Un altro eroe originale, Ian Malcolm, interpretato da Jeff Goldblum, ha firmato per tornare in Jurassic World 3. Goldblum è stato visto l’ultima volta in Jurassic World: Il Regno Distrutto.
Il Dominio si svolge quattro anni dopo la distruzione di Isla Nublar. I dinosauri ora vivono e cacciano insieme agli umani in tutto il mondo. Questo equilibrio fragile rimodellerà il futuro e determinerà, una volta per tutte, se gli esseri umani rimarranno i predatori dominanti su un pianeta che ora condividono con le creature più temibili della storia.
Jurassic World – Il dominio arriverà in sala il 2 giugno 2022.
Chui Mui Tan, la regista e protagonista di Barbarian Invasion, prima donna protagonista del cinema malese, e Laura Citarella, l’acclamata autrice e produttrice argentina, protagonista alla Mostra del 2022 con Trenque Lauquen e che i Cahiers du Cinéma segnalano come la più potente voce femminile del nuovo cinema argentino, sono le registe 2024 del progetto “Miu Miu Women’s Tales”. I loro film brevi saranno presentati alle Giornate degli Autori sabato 31 agosto alla Sala Perla del Palazzo del Casinò.
Il progetto Miu Miu Women’s Tales nasce nel 2012 ed è un illuminato esempio di collaborazione artistica tra due realtà diverse che condividono il fine comune della valorizzazione del talento e della creatività al femminile. Ogni anno Miu Miu, come Creative Partner delle Giornate degli Autori, affida e sponsorizza a due registe la realizzazione di un cortometraggio in cui raccontare il mondo delle donne; i corti vengono proiettati durante la Mostra, alla presenza delle registe e del cast.
La proiezione è seguita nei due giorni successivi da quattro conversazioni, ospitate nello Spazio della Regione del Veneto all’Hotel Excelsior, in cui ospiti internazionali del mondo dello spettacolo dialogano con il pubblico sul proprio mestiere da un punto di vista femminile. Tra le 90 protagoniste degli scorsi anni: Liliana Cavani, Mira Nair, Alice Rohrwacher, Kate Mara, Sia, Hailee Steinfeld, Agnes Varda, Dakota Fanning, Juno Temple, Kate Bosworth, Zosia Mamet, Chloë Sevigny, Tessa Thompson, Brigitte Lacombe, Vanessa Kirby, Nathalie Emmanuel, Carla Simón, Maggie Gyllenhaal.
I due film di quest’anno, parte di una collezione ormai diventata un simbolo di eccellenza artistica, sono:
Malesia, Italia, 2024, 21’
Con Jo Kukathas, Sdanny Lee, Zhiny Ooi, Jean Seizure
Produzione: HiProduction, Da Huang Pictures
Gita lascia il suo lavoro in Cina e si trasferisce in Malesia. Voleva prendersi una pausa per ripensare la sua vita. Grazie all’amicizia e ai combattimenti, finalmente si lascia andare liberando la sua forza interiore.
Argentina, 2024, anteprima mondiale
Con Elisa Carricajo, Verónica Llinás, Juliana Muras, Laura Paredes, Ezequiel Pierri, Cecilia Rainero, Rafael
Spregelburd, Guillermina Villa Simon
Produzione: HiProduction, El Pampero Cine
In El affaire Miu Miu si raccontano una storia, una donna e un mistero. Una fusione tra un personaggio, un abito e un luogo.
Laura Chiatti è una di quelle attrici che ha contribuito a fare la storia del cinema italiano recente grazie alle sue interpretazioni. Versatile e brillante, l’attrice è anche un’ottima cantante e doppiatrice, tanto da essere subito riconosciuta dal pubblico che la segue con affetto da molti anni.
Ecco dieci cose da sapere su Laura Chiatti.
1. Ha recitato in celebri film. La carriera cinematografica dell’attrice inizia nel 1998, quando debutta sul grande schermo in Laura non c’è, per poi proseguire con Vacanze sulla neve (1999), Pazzo d’amore (1999), Via del Corso (2000), Passo a due (2005) e Mai + come prima (2005). In seguito, appare in L’amico di famiglia (2006), A casa nostra (2006), Ho voglia di te (2007), Il mattino ha l’oro in bocca (2008), Iago (2009), Il caso dell’infedele Klara (2009), Gli amici del bar Margherita (2009), Baarìa (2009), Io, loro e Lara (2009), Somewhere (2010) e Manuale d’amore 3 (2011). Tra i suoi ultimi film, vi sono Romanzo di una strage (2012), Il peggior Natale della mia vita (2012), Il volto di un’altra (2013), Pane e burlesque (2014), Io che amo solo te (2015), Il professor Cenerentolo (2015), La cena di Natale (2016), Un’avventura (2019), Gli infedeli (2020), Addio al nubilato (2021) e Ero in guerra ma non lo sapevo (2022).
2. È apparsa in molte serie tv. Oltre che la sua carriera al cinema, l’attrice ha recitato in molti progetti televisivi. Infatti, ha debuttato sul piccolo schermo in Un posto al sole nel 2000, per poi proseguire apparendo in Compagni di scuola (2001), Carabinieri (2002), Incantesimo 7 (2004), Don Matteo 4 (2004) e Diritto di difesa (2004). In seguito, è apparsa in Braccialetti rossi (2014-2015) e 1993 (2017). Inoltre, ha preso parte anche ai film tv Angelo il custode (2001), Padri (2002), Arrivano i Rossi (2003), Rino Gaetano – Ma il cielo è sempre più blu (2007) e Il sogno del maratoneta (2012). Di recente ha invece recitato nella miniserie Più forti del destino (2022).
3. È anche doppiatrice. Nel corso della sua carriera, l’attrice ha sperimentato altri mestieri attinenti alla sua professione. Infatti, ha vestito i panni della doppiatrice, partecipando al doppiaggio e al canto di film come Rapunzel – L’intreccio della torre (2010), Gladiatori di Roma (2012), Pets – Vita da animali (2016) e Pets 2 – Vita da animali (2019).
4. Ha un profilo molto seguito. L’attrice possiede un account personale su Instagram che è seguito da 1,1 milioni di persone. Sul suo profilo sono molti gli scatti e gli autoscatti che la ritraggono tra momenti lavorativi e di svago, ma sono molte anche quelle dedicate alla sua famiglia. Seguendola si può dunque rimanere aggiornati su tutte le sue attività dentro e fuori dal set.
5. È sposata da qualche anno. L’attrice si è sposata per la prima volta il 5 luglio del 2014 con l’attore e collega Marco Bocci. I due si erano conosciuti l’anno prima e hanno ufficializzato il fidanzamento nel gennaio del 2014.
6. È madre di due figli. Dall’unione con il marito Marco Bocci, l’attrice è poi diventata madre di due figli: nel 2015 è nato il primo figlio, Enea, mentre nel 2016 è nato il secondo figlio della coppia, Pablo.
7. Ha avuto dei fidanzati famosi. Prima di trovare la stabilità sentimentale con il suo attuale marito, l’attrice ha frequentato alcuni uomini famosi. Infatti, nel 2006 ha avuto una breve relazione con Silvio Muccino, mentre poco dopo ha iniziato una storia con Francesco Arca, lasciandosi nel 2009 e rimanendo in ottimi rapporti. In seguito, ha frequentato il cestista Davide Lamma dal 2010 al 2013.
8. Ha recitato di nuovo con un suo collega. Grazie a questo film, l’attrice ha potuto recitare nuovamente con il collega Riccardo Scamarcio, con il quale aveva condiviso il set qualche anno prima per il film Ho voglia di te e nel film precedente a questo, Io che amo solo te.
9. Ha contribuito alla moda dei lucchetti. Grazie anche alla sua interpretazione in questo film, insieme a Riccardo Scamarcio ha contribuito a lanciare la moda di agganciare i lucchetti a Ponte Milvio, a Roma, come gesto d’amore.
10. Laura Chiatti è nata il 15 luglio del 1982 a Castiglione del Lago, a Perugia. La sua altezza complessiva corrisponde a 166 centimetri.
Fonte: IMDb
Celebre attrice italiana degli anni Settanta e Ottanta, Laura Antonelli raggiunse grande notorietà grazie alla sua versatilità come interprete. Si trovò infatti a percorrere generi diversi della cinematografia nazionale, passando dalla commedia erotica al dramma e fino al film d’autore. Con la sua femminilità, la Antonelli è diventata una vera e propria icona, capace di far sognare intere generazioni di spettatori. Ancora oggi, inoltre, viene ricordata come uno dei nomi di maggior rilievo del genere che l’ha resa celebre.
Ecco 10 cose che non sai di Laura Antonelli.
10. Ha recitato in celebri lungometraggi. L’attrice intraprende la propria carriera cinematografica recitando nel film Il magnifico cornuto (1964), e in seguito prende parte a titoli come Le sedicenni (1965), La rivoluzione sessuale (1968), Le malizie di Venere (1969), Il merlo maschio (1971), e Trappola per un lupo (1972). Il film che la consacra è però Malizia (1973), cult del cinema erotico di quegli anni. Successivamente, prende parte ad altre note pellicole come Sessomatto (1973), Mio Dio, come sono caduta in basso! (1974), Divina creatura (1975), con Michele Placido, L’innocente (1976), Letti selvaggi (1979), Passione d’amore (1981), di Ettore Scola, Casta e pura (1981), Viuuulentemente mia (1982), Sesso e volentieri (1982), con Gloria Guida, La gabbia (1985), Grandi magazzini (1986), con Lino Banfi, Roba da ricchi (1987), con Paolo Villaggio, L’avaro (1990) e Malizia 2mila (1991).
9. Ha preso parte ad alcuni prodotti per la TV. Nel 1988 la Antonelli compie il suo debutto in un’opera televisiva, prendendo parte alla miniserie Gli indifferenti, composta di due episodi e basata sull’omonimo romanzo di Alberto Moravia, con la colonna sonora curata dal premio Oscar Ennio Morricone. L’anno seguente ricopre invece il ruolo di Carmen Milkovic nella miniserie Disperatamente Giulia, composta da sei episodi e tratta dall’omonimo romanzo di Sveva Casati Modignani. Grazie a tali titoli, l’attrice consolida la propria popolarità anche sul piccolo schermo, confermandosi un’attrice particolarmente amata.
8. Ha ottenuto importanti riconoscimenti. La Antonelli non vantava soltanto un favore di pubblico, ma anzi diversi furono i riconoscimenti che la critica e l’industria le tributarono nel corso degli anni. L’attrice arrivò infatti a vincere due Globo d’oro come miglior attrice rivelazione per Malizia, nel 1974, e come miglior attrice per Mio Dio, come sono caduta in basso!, nel 1975. Sempre per il suo ruolo in Malizia le venne poi assegnato anche il Nastro d’argento come miglior attrice. Nel 1981 ha invece vinto il David di Donatello alla miglior attrice per il film Passione d’amore.
7. Si sposò molto giovane. L’attrice è stata negli anni molto riservata circa la propria vita privata, evitando di condividere con la stampa dettagli a riguardo. Si sa però che si sposò molto giovane, all’età di 24 anni con Enrico Piacentini, di professione antiquario. Il loro matrimonio, tuttavia, fu di breve durata e senza figli. Celebre è poi l’intensa storia d’amore che ha legato la Antonelli al celebre attore francese Jean-Paul Belmondo, conosciuto sul set del film Gli sposi dell’anno secondo, e durata dal 1972 al 1980, ovvero negli anni di maggior successo per l’attrice.
6. Ha adottato un figlio. Se della vita sentimentale dell’attrice non si sa molto, ancora meno sono le notizie riguardanti il figlio da lei adottato. Questi sembra chiamarsi Germano, ma di lui non è dato sapere molto altro. Sembra che negli ultimi anni abbia vissuto un turbolento rapporto con la madre adottiva, tuttavia mai realmente chiarito. Nonostante le diverse relazioni amorose, infine, la Antonelli non ha mai avuto un figlio che fosse nato proprio da lei.
5. Fu esule durante la Seconda Guerra Mondiale. Nata a Pola, città istriana all’epoca italiana, l’attrice si ritrovò ad essere una profuga, insieme alla sua famiglia, durante l’esodo istriano, conseguenza della sconfitta italiana durante la Seconda Guerra Mondiale. Insieme ai parenti, la Antonelli si trasferì così a Napoli, dove, dopo aver frequentato le scuole superiori si diplomò presso l’Istituto superiore di educazione fisica. Sarà proprio questa materia che la futura attrice si ritroverà ad insegnare a Roma, prima di dar vita alla propria carriera nel mondo dello spettacolo.
4. Ottenne successo grazie a Malizia. Dopo neanche un decennio di ruoli più o meno di rilievo, l’attrice venne scelta dal regista Salvatore Samperi per essere la protagonista dell’erotico Malizia. Il film si rivelò un successo straordinario, con un incasso di oltre 6 miliardi di lire, e permise alla Antonelli di diventare una vera e propria icona. Il suo cachet passò da 4 a 100 milioni di lire, facendo di lei una delle celebrità più pagate dell’epoca. Lei, tuttavia, affermò di non aver mai compreso del tutto il motivo per cui piacesse tanto, ritrovando in sé tanti difetti.
3. Ebbe problemi con la giustizia. Sfortunatamente, la carriera dell’interprete si interruppe nel momento in cui, nel 1991, venne ingiustamente accusata di spaccio di stupefacenti, essendone stati ritrovati nella sua villa. Ci vollero 9 anni perché l’attrice venisse assolta dalla Corte d’appello, che la riconobbe consumatrice ma non rivenditrice. Una modifica nella legge a riguardo, infatti, non prevedeva più il consumo come un reato. Ciò, tuttavia, finì con il segnare irrimediabilmente la carriera dell’attrice.
2. Si era riavvicinata alla fede religiosa. Negli ultimi anni della sua vita l’attrice visse profondi crisi personali, che la portarono ad allontanarsi del tutto dal mondo dello spettacolo. Ad aiutarla significativamente in tale periodo fu il suo riavvicinamento alla fede e alla pratica religiosa. La frequentazione di luoghi sacri, così, le permise di ritrovare un certo equilibrio, che le permise di vivere in una discreta tranquillità gli ultimi anni della sua vita.
1. Laura Antonelli nacque a Pola, il 28 novembre del 1941, ed è deceduta a Ladispoli, il 22 giugno del 2015. L’attrice morì per un infarto nella sua abitazione, all’età di 73 anni. I funerali si tennero pochi giorni dopo, nella chiesa di Santa Maria del Rosario, dalla Antonelli molto frequentata. All’evento erano presenti centinaia di persone, tra cui i numerosi amici e colleghi conosciuti nel corso della sua carriera.
Fonte: IMDb
Disney+ ha diffuso il trailer della seconda stagione di Launchpad, una collezione di sei cortometraggi di registi provenienti da background sotto rappresentati le cui voci uniche portano nuove prospettive alla narrazione. Disney+ ha inoltre rilasciato un’immagine di ciascuno di questi emozionanti cortometraggi.
La seconda stagione di Launchpad, targata Disney, è una collezione di cortometraggi live-action di una nuova generazione di registi. Questa stagione vede la presenza di sei sceneggiatori, cinque registi e una sceneggiatrice-regista provenienti da background sottorappresentati, ai quali è stata data l’opportunità di condividere le proprie prospettive e visioni creative. Portando avanti l’obiettivo della prima stagione di Launchpad, targata Disney, che era quello di diversificare i tipi di storie che vengono raccontate dando accesso a coloro che storicamente non l’hanno avuto, questa seconda stagione è orgogliosa di presentare sei nuovi cortometraggi per Disney+ basati sul tema della “connessione”.
Phillip Domfeh, Sr. Manager and Producer of Disney Launchpad, ha dichiarato: “I registi della seconda stagione di Disney Launchpad hanno portato la loro narrazione a nuovi livelli, sviluppando sei storie fantasiose e stimolanti per Disney+”. Mahin Ibrahim, Director, RISE Creative Talent Pathways and Executive Producer, ha aggiunto: “Non vediamo l’ora di dare a questi sceneggiatori, registi, produttori, cast e troupe di incredibile talento l’opportunità di mostrare la loro passione creativa e la loro eccellenza nel proprio mestiere”.
Panavision ha nuovamente fornito le telecamere e gli obiettivi per i sei cortometraggi originali, mentre Light Iron, la divisione di post-produzione di Panavision, ha fornito i servizi di produzione giornaliera, color correction e rifinitura per tutta la seconda stagione. “Panavision e Light Iron sono orgogliosi di sostenere gli incredibili registi di talento della seconda stagione del programma Launchpad”, ha affermato Kim Snyder, Panavision President and CEO. “Ci sta a cuore dare potere agli storyteller delle comunità sottorappresentate, fornendo loro l’accesso agli strumenti e alle competenze che possono supportare le loro visioni creative durante la produzione e la post-produzione”. La seconda stagione di Launchpad, targata Disney, debutterà il 29 settembre in esclusiva su Disney+.
Ecco una preview di Rush, film diretto da Ron Howard sulla rivalità sportiva nel mondo della Formula 1 tra Niki Lauda (Daniel Brühl) e James Hunt (Chris Hemsworth). Come è successo per le prime foto dal set e per tutte le successive, a diffondere il video è stato Howard stesso tramite il suo account Twitter.
Ecco il video:
Nel cast di Rush insieme a Chris Hemsworth e Daniel Brühl anche Alexandra Maria Lara, Christian McKay, James Michael Rankin, Jensen Freeman, Natalie Dormer e, nel ruolo della moglie di Hunt, Olivia Wilde.
Ecco la trama del film: Il racconto di una delle più celebri rivalità sportive della storia, quella tra i piloti di Formula 1 James Hunt e Niki Lauda. Nato da un ambiente privelgiato, carismatico e affascinante, Hunt non poteva essere più diverso dal metodico e riservato Lauda: la loro rivalità nacque fin dai tempi della Formual 3 e continuò per anni, fermata nemmeno dal terribile incidente che vide protagonista Lauda nel 1976 al Nürburgring. Il film nasce da un soggetto di Peter Morgan, autore anche della sceneggiatura, ed è prodotto da Ron Howard stesso con la sua Imagine Brian Grazer, insieme a Brian Oliver della Cross Creek e Tim Bevan e Eric Fellner della Working Title.
A quattro anni di distanza da Quando la notte, Cristina Comencini compie un ulteriore passo avanti nella sua carriera e regala al pubblico italiano un film sì sulle donne, ma anche su quell’irresistibile fascino che da sempre appartiene al mondo del cinema. In Latin Lover si racconta la storia delle quattro figlie, avute da mogli diverse in altrettante parti del mondo, del grande attore italiano Saverio Crispo (nato dalla mente della stessa Comencini e di Giulia Calenda). In occasione del decennale della morte di Crispo, le figlie, insieme anche alle due vedove, si radunano nella grande casa del paesino pugliese dove l’attore è nato. Tra conferenze stampa, proiezioni e rivelazioni notturne, le donne del “grande divo” si affronteranno l’un l’altra in un crescendo di emozioni e situazioni tragicomiche…
Cristina Comencini dipinge un grande ritratto femminile a più voci, e racconta non solo “le donne” di un grande attore di cinema (che nel film ha il volto di Francesco Scianna), ma soprattutto l’influenza che quel grande divo, così amato e così desiderato, ha avuto nella vita di ognuna di quelle donne. Servendosi di un registro armonicamente prima comico, dopo drammatico, e poi di nuovo comico, la regista mescola consapevolmente due epoche diverse: quella più lontana, relativa agli anni ’50 e ’60, grazie alla quale il film diventa una vera e propria metafora sul cinema, sulle sue meraviglie ma anche sui suoi segreti; e quella odierna, inerente alla ricerca di una nuova identità femminile, così ben incarnata da queste figure straordinarie che vogliono soltanto riscoprire la gioia di essere se stesse e godere della libertà da una figura imponente che, prima di essere un divo, era soprattutto un padre.
Il lavoro più incredibile viene dunque fatto da un cast femminile grandissimo che include, oltre all’intramontabile Virna Lisi (qui alla sua ultima fatica) e alla musa di Almodóvar Marisa Paredes, nei rispettivi ruoli delle ex mogli di Saverio, anche Angela Finocchiaro, Valeria Bruni Tedeschi, Candela Peña, Pihla Viitala e Nadeah Miranda. È a loro che Latin Lover appartiene: alla loro spontaneità, alla loro isteria, alla loro passione, alla loro bellezza, alle loro crisi esistenziali. Tutte donne solo in apparenza diverse, unite nel profondo dal bisogno di liberarsi di uno sguardo maschile che le sovrasta e le schiaccia, per poter essere ancora felici al di là del dolore.
Tra momenti scrupolosamente architettati e altri lasciati all’improvvisazione, Latin Lover dimostra di conoscere la strada e di essere capace di arrivare a destinazione. Anche se un attimo prima è un nevrotico, acceso e divertente sguardo sull’universo femminile, e un secondo dopo un tributo nostalgico ad un mondo, quello del cinema, fatto di luci e di ombre, che continuerà ad esercitare il suo fascino in eterno.
Dietro le quinte del film
Latin Lover di Cristina
Comencini, unacommedia corale che segna l’ultima
apparizione cinematografica di
Virna Lisi al fianco di un cast
internazionale composto da: Marisa Paredes, Angela
Finocchiaro, Valeria Bruni Tedeschi, Candela Peña, Pihla Viitala,
Nadeah Miranda, Cecilia Zingaro, Francesco Scianna, LLuis Homar,
Neri Marcorè, Claudio Gioè, Toni Bertorelli e Jordi
Molla.
Il film, prodotto da Lumière & CO. con Rai Cinema, arriverà in sala
il 19 marzo distribuito da 01 Distribution.
SINOSSI
Saverio Crispo, il grande attore del cinema italiano, un genio,
come lo definisce il critico Picci, è morto dieci anni fa. Le sue
quattro figlie, avute da mogli diverse in altrettante parti del
mondo, si radunano nella grande casa del paesino pugliese dove
l’attore è nato. La figlia italiana con il compagno di cui è
fidanzata clandestina. La figlia francese, con il più piccolo dei
tre figli avuti da tre padri diversi. La figlia spagnola, l’unica
sposata, con un marito impenitente traditore. E l’ultima figlia
svedese che il padre non l’ha quasi mai visto. Arrivano anche le
due vedove, la prima moglie italiana che se lo è ripreso e curato
in vecchiaia, e l’attrice spagnola che lo ha sposato ai tempi dei
western all’italiana. Nessuna delle figlie ha conosciuto veramente
il grande padre che ognuna ha mitizzato e amato nelle epoche
diverse della sua trionfale carriera. Nel mezzo dei festeggiamenti,
quando ancora è attesa la quinta figlia, l’americana riconosciuta
con la prova del Dna, irrompe invece Pedro del Rio, lo stunt che
pare conoscere l’attore meglio di chiunque altro. Tra conferenze
stampa, proiezioni, rivelazioni notturne di segreti, le donne del
grande divo rivaleggiano, si affrontano, in un crescendo di
emozioni e situazioni tragicomiche.
È stato presentato questa mattina alla stampa italiana Latin Lover, la nuova commedia di Cristina Comencini (Va’ dove ti porta il cuore, La bestia nel cuore) con protagonisti Virna Lisi, Marisa Paredes, Angela Finocchiaro, Valeria Bruni Tedeschi, Francesco Scianna e Neri Marcorè.
Sull’idea alla base del film, Cristina Comencini, tornata al cinema dopo ben quattro anni dall’ultimo Quando la notte, ha raccontato: “Per tutte noi la figura paterna è un vero e proprio mito. In questo film si parla di un figura maschile che era sì un divo, ma anche e soprattutto un padre. Siamo tutte innamorate di nostro padre e lo percepiamo sempre come una figura sfuggente, che non si conosce mai veramente. Soprattutto, è una figura che col tempo mitizziamo. Nella vita cerchiamo sempre di liberarci dal peso che questa figura ha nella nostra esistenza, è così accade in questo film. In questo film le protagoniste ricercano la libertà individuale. Vogliono liberarsi dalla figura del loro padre. Il fatto che questa figura appartenesse al mondo del cinema ha reso poi tutto ancora più divertente e allo stesso tempo folle. Perché anche il cinema stesso è un po’ così”.
A proposito del cinema degli anni ’50 e ’60, la regista ha aggiunto: “Il cinema di quelli anni era davvero mitico. E mitici erano gli attori, nel senso di veri e propri divi. Era anche un cinema pieno di diversità. Un attore poteva recitare in un western e subito dopo essere il protagonista di un film più impegnato. Gli attori, in generale, non avevano paura di rischiare. Al di là del “divismo” di un’epoca, quello che ho voluto raccontare in questo film è l’importanza di essere se stessi, di imparare ad esserlo, e l’importanza di riconnettersi con la propria vita”.
Sull’importanza della femminilità all’interno di Latin Lover, la Comencini ha dichiarato: “Credo che al centro di questa storia vi sia la subalternità femminile. Si tratta di una subalternità affettuosa e passionale rispetto all’uomo. Queste donne sono sì libere, ma lo sono fino a un certo punto, perché hanno questo legame così forte con quest’attore che è anche però il loro ex marito o padre. E solo quando scoprono che quest’uomo, al di là dell’attore, era una persona fragile con tantissime problematiche, solo allora si liberano veramente. Scoprono di essere capaci di poter vivere la loro vita e di sentirsi libere al di là del dolore”.
Interviene Francesco Scianna, che ha così parlato del personaggio da lui interpretato nel film, Saverio Crispo: “Quello che Cristina mi ha fatto è stato un regalo. È raro per un attore avere la possibilità di interpretare vari ruoli all’interno di un solo film. Capita in teatro, ma al cinema è più raro. Qui sono un attore che interpreta un attore. È stato molto divertente, anche perché Cristiana, durante le riprese, mi ha spinto molto al gioco. Ed è forse questo che gli attori dell’epoca facevano: giocavano. Al di là del divismo, però, quello che mi interessava cogliere di questo personaggio era la sua umanità. È un latin lover, è vero, ma è solo un modo di essere, uno status. Dietro tutto questo si nascondeva soltanto un grandissimo bisogno di amore. E Saverio è un uomo che ha sempre cercato di dare amore, nonostante tutto. Perché credo che un grande attore, sia all’epoca ma anche oggi, sia sempre fuori dai binari, e combatta ogni giorno per mettere d’accordo la sua follia con tutto quello che lo circonda”.
Cristina Comencini ha poi parlato della realizzazione del film: “All’inizio volevo ambientarlo nella campagna romana. Poi la Puglia mi sembrava più adatta. È una regione che ha dato tantissimo al nostro cinema. Volevo un paese che fosse realmente tale, che trasmettesse il senso profondo di “Italia”. Paola Comencini (la scenografia del film, ndr.) ha fatto un lavoro straordinario. Quando abbiamo poi girato a Cinecittà, con i tecnici che avevano realizzato i film dell’epoca e che non vedevano l’ora di ritornare a girarli per questo nuovo film, è stato incredibile. Credo che questo sia uno degli aspetti più interessanti del film: mettere in scena la magia del cinema e al tempo stesso guarda alla piccolezza dell’essere umano. La verità, però, è che non ho mai pensato ad un dramma. Amo la commedia e nonostante in fase iniziale di scrittura i toni erano più quelli di una tragedia, alla fine io e Giulia Calenda (la co-sceneggiatrice del film, ndr.) abbiamo optato per la commedia. Il film, però, ha due anime: sfiora soltanto la tragedia, ma è molto divertente e al tempo stesso commuove. E la cosa che più di tutte mi interessa quando realizzo un film è mantenere lo stesso registro dall’inizio alla fine”.
In ricordo di Virna Lisi, scomparsa il 18 dicembre 2014, di cui Latin Lover rappresenta l’ultima fatica, la Comencini ha detto: “Virna manca tanto. Era un’amica. Abbiamo lavorato diverse volte insieme. Nessuno si era accorto che stava male. Neanche lei lo sapeva. Ci ha lasciato all’improvviso. Abbiamo lavorato benissimo insieme anche questa volta. Una delle scene più belle secondo me è quando la vediamo ubriaca, perché lì viene fuori tutto il retaggio di una donna che il cinema l’ha vissuto ma lo ha anche fatto. È così che voglio ricordarla: con le sue risate”.
Latin Lover uscirà al cinema il 19 marzo distribuito in oltre 300 copie da 01Distribution.
Guarda una clip del film Latin Lover di Cristina Comencini, una commedia corale che segna l’ultima apparizione cinematografica di Virna Lisi al fianco di un cast internazionale composto da: Marisa Paredes, Angela Finocchiaro, Valeria Bruni Tedeschi, Candela Peña, Pihla Viitala, Nadeah Miranda, Cecilia Zingaro, Francesco Scianna, LLuis Homar, Neri Marcorè, Claudio Gioè, Toni Bertorelli e Jordi Molla.
Il film, prodotto da Lumière & CO. con Rai Cinema, arriverà in sala il 19 marzo distribuito da 01 Distribution.
Pronto a tagliare il traguardo della sua VIII edizione, Laterale Film Festival si conferma come uno degli appuntamenti più interessanti del panorama festivaliero italiano e non solo. Un evento culturale, promosso dall’Associazione Culturale Laterale, che ha riscritto la storia cinematografica calabrese e che ogni anno offre al pubblico l’opportunità di scoprire una produzione audiovisiva vivace e coraggiosa, spesso trascurata.
In programma nei giorni 29, 30 e 31 agosto negli spazi del Cinema San Nicola di Cosenza, la rassegna prosegue con passione la sua attività di diffusione di cortometraggi d’autore. Tre giorni dedicati a proiezioni, incontri e approfondimenti, durante i quali le dinamiche del mercato e della competizione lasciano spazio a un confronto sincero e alla condivisione di idee.
“Perché non serve a niente, davvero, che tu ti tieni gli occhi spalancati” è lo slogan, ispirato a un testo di Edoardo Sanguineti, che identifica l’edizione 2024: un invito a socchiudere le palpebre per immaginare nuove possibilità, inedite configurazioni del mondo. Un’esortazione a ricercare le visioni che si celano dall’altra parte degli occhi.
Sono 19 le opere che compongono la Selezione Laterale 2024, 19 sguardi originali provenienti da Austria, Brasile, Canada, Corea, Francia, Germania, Grecia, Italia, Polonia, Portogallo, Singapore, Stati Uniti. Impreziosiscono il cartellone i film brevi Trailer of the film that will never exist: “Phony Wars” di Jean-Luc Godard (presentato al festival di Cannes del 2023), This is how a child becomes a poet di Céline Sciamma, The Tomb of Kafka di Jean-Claude Rousseau e Shrine di Robert Todd.
I curatori della manifestazione svolgono il loro compito nella convinzione che il cinema d’artista sia ancora in grado di sviluppare sensibilità e pensiero critico. Le forme della sperimentazione sono la linfa vitale del panorama creativo contemporaneo e il cinema deve essere l’invenzione di un nuovo linguaggio, non solo la ripetizione di vecchi schemi. I film laterali sono espressione di un processo umano, non condizionato dalla produzione industriale, e stimolano attivamente gli spettatori coinvolgendoli in modo autentico.
Il Laterale Film Festival si rivela, dunque, un’occasione imperdibile per chiunque desideri interrogarsi sulla natura e il significato delle immagini in movimento.
L’uso dell’intelligenza artificiale nel cinema e nella televisione è diventato un argomento scottante negli ultimi tempi e tutti i registi o gli studios che decidono di utilizzare questa tecnologia rischiano di subire un forte contraccolpo da parte di coloro che ritengono che non abbia posto nel settore e che stia rubando il lavoro agli artisti veri e propri. Recentemente è emerso che il nuovo film horror Late Night With the Devil include arte generata dall’intelligenza artificiale e i registi Cameron e Colin Cairnes hanno risposto rilasciando una dichiarazione (via Variety).
“In collaborazione con il nostro straordinario team di grafica e design di produzione, che ha lavorato instancabilmente per dare a questo film l’estetica anni ’70 che avevamo sempre immaginato, abbiamo sperimentato l’IA per tre immagini fisse che abbiamo modificato ulteriormente e che alla fine sono apparse come brevissimi intermezzi nel film. Ci sentiamo incredibilmente fortunati ad aver avuto un cast, una troupe e un team di produzione così talentuosi e appassionati che hanno fatto di tutto per dare vita a questo film. Non vediamo l’ora che tutti lo vedano di persona questo fine settimana“.
Mentre molti sono rimasti favorevoli al film indipendente Late Night With the Devil, altri invitano a boicottare Late Night With the Devil e ritengono che il fatto di dare il via libera anche a casi apparentemente minori di utilizzo dell’intelligenza artificiale sia un terreno scivoloso.
La star David Dastmalchian è stata interpellata sulla controversia dell’IA durante una recente intervista e, pur rimanendo al fianco dei registi, riconosce che la conversazione sull’IA è “importante da fare“.
Late Night With the Devil ha ottenuto recensioni entusiastiche da parte della critica e attualmente si trova al 97% su Rotten Tomatoes. Questo sicuramente attirerà il pubblico in sala, ma sarà interessante vedere se la controversia sull’IA avrà un impatto sulla vendita dei biglietti.
L’attore di Suicide Squad interpreta Jack Delroy, conduttore di un fittizio varietà e talk show notturno degli anni ’70 intitolato Night Owls with Jack Delroy.
“Il film sostiene di essere derivato da un nastro master riscoperto di un episodio della sesta stagione dello show, trasmesso ad Halloween del 1977. Durante questa trasmissione televisiva in diretta, si scatena il caos quando Delroy intervista una parapsicologa (Laura Gordon) e il soggetto del suo recente libro, una giovane adolescente (Ingrid Torelli) che è stata l’unica sopravvissuta al suicidio di massa di una chiesa satanica“.
Dopo una serie di horror a bassissimo budget che hanno permesso loro di attirare l’attenzione degli spettatori maggiormente affezionati al genere, i fratelli Cameron e Colin Cairnes approdano a una produzione di dimensioni leggermente superiori grazie a Late Night with The Devil, lungometraggio che vede protagonista assoluto quel David Dastmalchian che sta diventando un volto sempre più iconico del cinema dell’orrore contemporaneo.
Interamente ambientato nel 1977 durante la produzione di una puntata di noto un talk show televisivo, Late Night With the Devil è incentrato sull’anchorman in crisi Jack Delroy (Dastmalchian), il quale per risollevare la sua carriera in declino e scongiurare l’ipotesi di una chiusura dello show organizza una puntata speciale a Halloween, dedicata all’occulto e i suoi pericoli. Tra gli ospiti figura anche una giovane in cura da una psichiatra perché potenzialmente posseduta da un’entità sconosciuta. Una serata già carica di tensioni e drammi personali inizia a diventare ancor più sinistra quando strani fenomeni cominciano a minare la riuscita del programma…
Conoscere le regole di un genere, prima di tutto quelle che riguardano il ritmo della narrazione, può fare davvero la differenza tra un prodotto riuscito e uno sbagliato. Soprattutto quando non si punta magari sull’originalità quanto invece sull’efficacia di uno spettacolo che punta proprio su un pubblico che conosce, accetta e apprezza quelle regole stesse. I fratelli Cairnes riescono a rendere Late Night With the Devil uno degli horror più riusciti e stuzzicanti degli ultimi mesi proprio lavorando sulle basi, a cominciare da quelle di una sceneggiatura – da loro stessi scritta – che per almeno tre quarti di film sa costruire una tensione crescente palpabile e potente, lavorando sulla presentazione dei piccoli dettagli “sbagliati”, distorti, che mettono lo spettatore in una crescente e costante condizione di disagio.
L’idea di mettere in scena la vicenda attraverso un mix di found-footage e di estetica prettamente da tubo catodico vecchio stile si rivela poi la cornice perfetta per ovviare alle limitazioni di un budget contenuto. Ecco allora che i possibili punti deboli del film a livello di trucchi ed effetti speciali diventano al contrario elementi coerenti dell’ambientazione e del periodo storico, a cominciare dal make-up della ragazza indemoniata: una scena di svelamento che se magari estrapolata dal contesto può apparire dozzinale, mentre risulta seriamente terrificante quando inserita all’interno di un live-show del 1977.
Late Night with the
Devil sembra conoscere perfettamente le proprie dimensioni
– soprattutto produttive, e non poteva essere altrimenti – ma
guarda ad esse come possibilità di “esplorare” cosa può essere
raccontato, magri anche soltanto accennato dietro la superficie
dell’immagine. Ecco allora che il lungometraggio, in particolar
modo negli ultimi venti minuti convulsi ed ipnotici, diventa quasi
una riflessione impazzita sulla comunicazione di massa,
sull’ambiguità del mezzo mediatico, sulla necessità di testare la
veridicità non soltanto dei fatti ma anche di chi lavora con e su
quei fatti. In alcuni brevi momenti è tornato alla memoria il
discorso metaforico sui media portato avanti da David
Cronenberg e il suo Videodrome, tanto per
cercare un referente ‘alto’ a cui avvicinare questo
horror. Il finale
di Late Night with the Devil potrebbe essere
percepito addirittura come troppo “coraggioso” ed oscuro, e magari
lo è. Di sicuro dissipa tutta la notevole tensione costruita in
precedenza, ma non rovina di certo l’efficacia di un prodotto a
tratti davvero esemplare quanto a lucidità di esposizione dentro i
canoni del genere di appartenenza.
Ultimo, doveroso tributo va poi dato alla prova di David Dastmalchian, il quale costruisce scena dopo scena un protagonista umano, umanissimo in principio che pian piano si lascia sedurre dall’idea di un ritrovato successo, perdendo di vista quello che sta realmente succedendo nel suo show. Da figura in chiaroscuro, quasi dolorosa, il suo Jack Delroy diventa il vero carnefice/vittima di Late Night with the Devil, grazie principalmente alla verosimiglianza con cui l’attore lo sviluppa. Finalmente un ruolo da protagonista che questo caratterista raffinato sfrutta al meglio. Da applausi convinti, come quelli che tutto sommato merita il film intero.
Avrebbe dovuto partecipare al Festival di Cannes del 2020, quando l’edizione fu annullata a causa della pandemia Covid, tra i vari film inseriti in una selezione ufficiale virtuale e non competitiva, ma da allora il Last Words di Jonathan Nossiter (Sunday, Mondovino) ha continuato a viaggiare nel circuito: da Deauville a Sitges, a partire da Il Cinema Ritrovato, promosso dalla Cineteca di Bologna, che dal 15 giugno lo distribuisce nei nostri cinema. Dando finalmente la possibilità al pubblico italiano di vedere una favola profetica dal cast importante, visto che intorno al sorprendente Kalipha Touray – diciannovenne esordiente scoperto dal regista nel campo dei rifugiati di Palermo – vediamo ruotare Nick Nolte, Charlotte Rampling, Stellan Skarsgaard e Alba Rohrwacher.
Solo alcuni tra gli abitanti del Pianeta ricordati dal protagonista – e ultimo sopravvissuto – nel suo racconto. Che dal 2086 ci riporta indietro a due anni prima, su una Terra abbandonata nella quale non ci sono più elettricità o macchinari e i pochi sopravvissuti al disastroso declino dell’Umanità e alle grandi alluvioni si aggirano guidati da una misteriosa “Chiamata“. Che da Londra a Parigi, dove viveva con la sorella in una stanza tappezzata di film, spinge Kal (Touray) verso Bologna, in cerca della Cineteca. Qui trova Shakespeare, un vecchio dallo sguardo selvaggio che vive nei sotterranei del palazzo ormai abbandonato e che lo introduce a un mondo fatto di immagini e ricordi. Quelli stessi che i due inizieranno a ricreare una volta arrivati in Grecia in quella che sembra essere una comunità di uomini e donne destinata all’estinzione.
Come nel libro Mis últimas palabras di Santiago H. Amigorena, la causa dell’apocalisse sembra esser stata un virus, della tosse, come ci dice Nossiter, che ci racconta di un mondo bagnato da un mare rosso nel quale agli sono concessi solo cibo in polvere e un litro d’acqua a settimana. Una favola ecologica con la quale il regista di Washington cerca di trasmettere amore e solidarietà anche nella catastrofe, ambientale prima di tutto, tema a lui molto caro, vista l’esperienza accumulata nel suo orto-laboratorio in Italia, dove coltiva centinaia di varietà di vegetali frutto della ricerca di semi ancestrali, tramandati da generazioni.
Dove lo ha bloccato la pandemia, a Bolsena, alla fine della lavorazione, dopo che durante le riprese la stessa Rampling aveva convinto Nolte a non tornare oltreoceano nonostante l’incendio della sua villa di Malibu. Una conferma della forte comunione di intenti che ha unito tutto il cast e dell’amore per il nostro Paese, dove è stato girato il film – tra il Parco Archeologico di Paestum e Bologna – e che vediamo citato a più riprese (come nel murales dedicato a Lucio Dalla o gli spezzoni di Risate di gioia con Totò e Anna Magnani).
Cinema, libri, musica e pittura sono le armi con le quali il regista sceglie di combattere, e alle quali si affidano i momenti più edificanti in questa lunga apologia dell’ingegno umano e della capacità creativa, anche della Natura. Una cronaca di una morte annunciata, stando a quanto ci viene spiegato nel prologo, che mentre non consente speranza allo spettatore, lo lascia con un monito, e un suggerimento. Che il regista esplicita: “il pianeta è lì, a mezzo millimetro dal crollo totale, che può succedere dal un giorno all’altro. Ho voluto mettere il pubblico davanti a un futuro possibile, per spingerlo a pensare a tutte le ragioni per lottare e non ritrovarsi a quel punto”.
Un messaggio che sarebbe bello credere qualcuno potesse cogliere, o almeno estrapolare ed evidenziare in una narrazione troppo prolissa e involuta, che alterna momenti di regressione belluina e di violenza, ma che poi insiste sulla capacità espressiva della triade di vecchie glorie Nolte, Rampling & Skarsgaard affidandosi ai loro virtuosismi più che privilegiare equilibrio e coerenza. Anche perché nemmeno la rappresentazione idilliaca di una comune tanto elevata etica e spiritualmente riesce a spazzare via la disperazione, anzi la acuisce.
Analogamente, il coinvolgimento intellettuale resta piuttosto fine a se stesso in questa distopia d’autore nella quale il cinema è insieme mezzo e fine, nella quale la vita resta sullo schermo, bidimensionale. Almeno fino alla definitiva consapevolezza dell’inutilità di una tanto magra consolazione e della solo apparente centralità del racconto per la sopravvivenza della specie. Tutti elementi che fanno di questo Last Words un film utopico fuori tempo massimo, al quale abbandonarsi, nel quale fuggire, ma lontano dal mondo al quale vorrebbe parlare, forse non solo stilisticamente.
Ecco nuove clip da The Last Witch Hunter – L’ultimo cacciatore di streghe, film con protagonista Vin Diesel. Nelle clip possiamo vedere anche Rose Leslie (Downton Abbey, Il Trono di Spade).
A seguire invece due nuovi tv spot:
[nggallery id=1071]
The Last Witch Hunter è diretto da Breck Eisner e vede nel cast principale Vin Diesel, Rose Leslie, Elijah Wood e Michael Caine. Il film parla di un cacciatore di streghe immortale che combatte con una potente strega per fermare una potente congrega di New York che sta per orchestrare una piaga contro l’umanità.
Last Vegas è un film diretto da Jon Turteltaub che uscirà nelle sale italiane a partire dal prossimo 23 di gennaio. Un cast “reale” che affianca sul medesimo set sei statuette e nove nomination agli Oscar, quattro fuoriclasse che per la prima volta lavorano uno al fianco dell’altro: Micheal Douglas, Morgan Freeman, Kevin Kline e Robert De Niro. Il regista e la produzione di questa commedia dolce-amara hanno indubbiamente puntato sulla risonanza di un cast unico per attirare spettatori al botteghino e, c’è da scommetterci, la mossa sarà probabilmente vincente. Last Vegas L’ultimo week-end racconta la storia di un’amicizia, una lunga amicizia che sopravvive all’inesorabile scorrere del tempo e soprattutto alle varie vicissitudini di una vita. La forza dell’amicizia, più forte dell’amore per una donna o della rabbia per antiche delusioni, è il tema centrale e che sorregge l’intera sceneggiatura.
I quattro pezzi da 90 sembrano parecchio divertiti ad improvvisare una sorta di competizione reciproca e nel ritrovarsi gli uni accanto agli altri dopo intere carriere vissute parallelamente.
Azzardando un audace parere, ci sentiamo di indicare nel vecchio e bravissimo Freeman il più in forma ed ispirato dei quattro: nei panni di Archie, un anziano vedovo con problemi di cuore marcato a vista da un figlio iper-protettivo, Freeman alterna impennate di classe cristallina a sequenze deliziose come la scena del ballo nella festa finale, una vera chicca. Simpatico e istrionico come sempre Kevin Kline, nella parte di Sam, spinto dalla moglie stessa al tradimento per ritrovare il sorriso perduto, meno coinvolto ed entusiasmante Bob De Niro, cui personaggio richiede un contegno maggiore. Una giuria sensibile premierebbe probabilmente il quasi settantenne Micheal Douglas, ottimo come sempre ma dal volto ancora scavato dalla recente malattia, fortunatamente vinta; un film che celebra il suo graditissimo ritorno alle scene e che riconsegna al cinema uno dei suoi interpreti più amati.
Last Vegas L’ultimo week-end, al di là del cast stellare, non si può propriamente considerare una versione senior di Una notte da leoni, anche se alcune assonanze sono innegabili. Il film di Turteltaub cerca di proporre qualcosa di più, qualcosa di livello superiore dove ironia e sequenze al limite del grottesco e del comico si alternano sullo sfondo di una storia più profonda e complessa in cui si intreccia la paura di una vecchiaia solitaria o monotona, ad un mai sopito desiderio di godersi ancora la vita…nonostante i capelli grigi.
A poche ore dalla notizia
dell’ingresso di Michael Douglas nella commedia Last Vegas, arriva
la piacevole voce del reclutamento quasi ufficiale di Robert De
Niro per il nuovo prodotto della CBS. Last Vegas racconterà
E’ Mary Steenburgen la prima attrice a entrate nel cast di Last Vegas: la commedia diretta da Jon Turtletaub, vedrà protagonisti quattro autentici pezzi da 90: Robert De Niro, Micheal Douglas, Morgan Freeman e Kevin Kline, nel ruolo di quattro attempati amici che si riuniscono nella ‘capitale del vizio’ per l’addio al celibato di uno di loro.
Steenburgen interpreterà Diana, la cantante di un night club che nel corso del film sviluppa una particolare sintonia col personaggio del prossimo sposo, interpretato da Douglas, suscitandoanche l’attenzione di De Niro. L’attrice originaria dell’Arkansas ha vinto un Oscar come non protagonista nel 1980, per Melvin ed Howard (uscito in Italia come Una volta ho incontrato un miliardario), vanta partecipazioni a film come Ritorno al Futuro III e, molto più recentemente, The Help, oltre ad aver avuto una parte nella più recente stagione della serie 30 Rock.
Fonte: ComingSoon.Net
