Il cinema italiano ha sempre avuto un fascino particolare per le storie di ricchezza improvvisa. Dalle classiche rapine alle commedie contemporanee, il grande schermo ha saputo catturare quel momento magico in cui la vita di un personaggio cambia radicalmente grazie a un colpo di fortuna finanziario. Questa narrazione rispecchia un desiderio profondamente radicato nella società moderna: la gratificazione immediata.

Questo fenomeno non si limita solo al mondo cinematografico, ma si estende anche ad altre forme di intrattenimento che offrono l’emozione di risultati rapidi, per esempio i casinò che pagano subito, dove l’esperienza dell’attesa ridotta tra la vincita e la riscossione amplifica il piacere del gioco. La crescente popolarità di queste piattaforme digitali dimostra come il pubblico italiano sia sempre più attratto da esperienze che promettono non solo divertimento, ma anche la possibilità di ottenere ricompense immediate, proprio come i protagonisti dei film che tanto ammiriamo.

L’evoluzione del cinema italiano e la rappresentazione della ricchezza improvvisa

Il cinema italiano ha una lunga tradizione di film che esplorano il tema della ricchezza istantanea. Dalle commedie all’italiana degli anni ’60 fino alle produzioni contemporanee come “Poveri ma Ricchi” del 2016, i registi hanno utilizzato questo tema per esplorare non solo il fascino del denaro facile, ma anche le sue conseguenze sociali e personali. Questi film spesso mostrano personaggi comuni che si trovano improvvisamente catapultati in un mondo di lusso e possibilità, creando situazioni comiche o drammatiche che risuonano con il pubblico.

La crescita dell’industria cinematografica italiana testimonia l’interesse continuo per queste narrazioni. Nel 2023, sono stati prodotti 402 film, con un incremento del 13% rispetto all’anno precedente e superando i livelli pre-pandemia del 23,7% rispetto al 2019. Questo aumento nella produzione cinematografica riflette non solo la vitalità del settore, ma anche la continua rilevanza di storie che parlano di aspirazioni economiche e cambiamenti improvvisi di fortuna.

Il cinema italiano contemporaneo ha saputo rinnovare questi temi classici, adattandoli alle ansie e alle speranze dell’era digitale. I film recenti spesso esplorano non solo l’acquisizione della ricchezza, ma anche come questa modifica le relazioni interpersonali e l’identità personale in una società sempre più definita dal consumo e dall’apparenza.

Il parallelo tra cinema e intrattenimento digitale: la psicologia della gratificazione immediata

Il legame tra le rappresentazioni cinematografiche della ricchezza istantanea e la crescente domanda di forme di intrattenimento che offrono risultati immediati non è casuale. Entrambi attingono alla stessa psicologia umana: il desiderio di emozioni forti e ricompense rapide. I film che mostrano personaggi che vincono alla lotteria o realizzano colpi milionari soddisfano una fantasia collettiva di trasformazione rapida delle proprie circostanze.

Nel mercato italiano dell’intrattenimento digitale, si osserva una crescente preferenza per giochi ad alta volatilità che offrono esperienze emozionanti piuttosto che semplicemente pagamenti elevati. Questa tendenza rispecchia lo stesso comportamento di ricerca del brivido spesso ritratto nei film sulla ricchezza improvvisa. L’emozione dell’incertezza, la tensione dell’attesa e l’euforia del risultato positivo creano un’esperienza emotiva simile a quella vissuta dai protagonisti cinematografici.

L’impatto culturale e le implicazioni sociali

La rappresentazione della ricchezza istantanea nel cinema italiano non è solo un riflesso dei desideri collettivi, ma contribuisce anche a plasmare atteggiamenti culturali verso il denaro e il successo. Questi film spesso esplorano le contraddizioni della nuova ricchezza, mettendo in luce come il denaro possa risolvere alcuni problemi ma crearne altri completamente nuovi.

Il successo di questi temi cinematografici si inserisce in un contesto economico più ampio, dove l’incertezza finanziaria e la precarietà lavorativa alimentano fantasie di soluzioni rapide. Tra il 2016 e il 2023, ben 186 film hanno richiesto crediti d’imposta internazionali, per un totale di oltre 513 milioni di euro, dimostrando come l’industria cinematografica italiana stia investendo significativamente in produzioni che risuonano con le aspirazioni economiche del pubblico.

Il cinema diventa così non solo intrattenimento, ma anche uno spazio di riflessione collettiva sui valori sociali e sulle aspirazioni individuali. Attraverso storie di ricchezza improvvisa, i film italiani continuano a esplorare le tensioni tra desiderio materiale e realizzazione personale, tra successo esteriore e felicità autentica, offrendo al pubblico uno specchio delle proprie speranze e timori in un’epoca di rapidi cambiamenti economici e sociali.

A giudicare dalle ultime interpretazioni, sembra proprio che la carriera dell’attore britannico Dominic Cooper, stia vivendo un momento favorevole.

Attualmente è sui nostri schermi con il film di Simon Curtis, Marylin, al fianco di una splendida Michelle Williams che interpreta la diva di tutti i tempi: Marylin Monroe; e di Eddie Redmayne, il Colin Clark che con le sue memorie ha fornito un ritratto complesso e sofferente della giovane artista. Cooper  veste qui i panni del fotografo e assistente Milton H Green, cui l’attrice aveva un tempo spezzato il cuore; e, se pur in un ruolo marginale, si dimostra assolutamente maturo ed efficace nel contribuire, con il suo personaggio, alle atmosfere intime e malinconiche che percorrono l’intero film.

La prova successiva  lo chiama a far parte del cast di  La leggenda del cacciatore di vampiri, diretto dal russo Timur Bekmambetov e prodotto da Tim Burton. Il film, in Italia a partire dal 20 luglio e basato sull’omonimo romanzo di Seth Grahame Smith (sceneggiatore di Dark Shadows e autore di Orgoglio e Pregiudizio e Zombie), mette in scena un Abraham Lincoln che si improvvisa cacciatore di vampiri per vendicare l’assassinio della madre, ad opera di un succhia-sangue.

Il cinema e il teatro di Dominic Cooper

Nato a Greenwich, Londra, il 2 giugno del 1978, Dominic Cooper si è formato alla Thomas Tallis School di Akidbrooke; e successivamente ha conseguito la laurea presso la rinomata London Academy of Music and Dramatic Art.

Debutta a teatro nella piece “Mother Clap’s Molly Home”, diretta da Mark Ravenhill. Lo spettacolo, adattamento del libro omonimo di Rictor Norton, ha i toni della black comedy, e ruota attorno al tema della diversità sessuale.

Dopo una serie di partecipazioni televisive, tra cui ricordiamo quella nel The Gentleman Thief di Justin Hardy, approda al cinema nel 2001 con una piccola parte in La vera storia di Jack lo squartatore, diretto da Allen e Albert Hughes, e con protagonista Johnny Depp.

Senza mai abbandonare il teatro -per il momento la sua vera fonte di soddisfazione- nel 2006 ottiene la parte di uno dei protagonisti di The History Boys, tratto dall’omonima commedia di Alan Bennett, e trasposta al cinema da Nicholas Hytner. L’opera, vincitrice di sei Tony Award, è più che familiare al giovane attore, che l’ha già rappresentata in radio, e sul palcoscenico, guadagnandosi un Drama Desk Award.  Si tratta della storia di un gruppo di otto studenti (Cooper interpreta Dakin), aspiranti alle Università di Oxford e Cambridge; e delle loro bizzarre avventure per superare  la prova d’ammissione.

Nello stesso anno recita al fianco di James Mc Avoy e Rebecca Hall in Il quiz dell’amore (regia di Tom Vaughan), sempre ambientato in campo universitario, e dedicato a un promettente studente di letteratura alle prese con un prestigioso quiz televisivo, University Challenge, che finisce per mettere in crisi la buona condotta e la moralità del concorrente.

Il 2008 è un anno particolarmente prolifero per l’attore britannico, che lo vede impegnato in ben 3 set differenti, dimostrandosi, così, sempre più reattivo e convincente nell’interpretare ruoli molto diversi tra loro.  A cominciare da quello in Prison Escape, di Rupert Wyatt. Qui è James Lacey, prigioniero appena arrivato che, presto vittima di un insostenibile squallore e degrado, progetta e mette in atto la fuga, insieme al compagno Frank (Brian Cox). Il film, presentato al Sundance Film Festival, è stato accolto favorevolmente dalla critica e dal pubblico.

Segue la partecipazione al musical Mamma Mia!, diretto da Phillida Lloyd, e basato sulle musiche del gruppo svedese ABBA. Ad attenderlo è  ruolo di Sky, futuro sposo della bella Sophie, l’Amanda Seyfried che diventerà sua fidanzata nella vita reale.

Infine, recita al fianco di Keira Knigthley e Ralph Fiennes in La Duchessa, film storico dedicato a  Georgiana Cavendish, Duchessa del Devonshire, e ispirato alla biografia scritta da Amanda Foreman. Cooper è Charles Gray, politico britannico e seduttore, con cui Giorgiana ebbe una figlia illegittima.

Nel periodo successivo seguono diversi impegni importanti. In particolare ricordiamo la prova affrontata con intensità e delicatezza in  An Education, diretto da Lone Sherfig e sceneggiato dal frizzante Nick Hornby. Il film, candidato a tre premi oscar ( miglior film, miglior sceneggiatura non originale, e miglior attrice), narra della giovane Jenny Miller (una splendida Carey Mulligan), brillante studentessa e aspirante giornalista, destabilizzata però dall’amore profondo e totalizzante verso un uomo più grande di lei: il trentenne e affascinante David  interpretato da Cooper.

Ma forse la vera sfida che lo lancia alla ribalta è quella accolta con The Devil’s Double di Lee Tamahori, in cui l’attore si cala nei panni del figlio maggiore di Saddam, lo psicotico e sadico Uday, interpretando al tempo stesso,  l’uomo ingaggiato per fargli da sosia, Latif Yahia.

Come lui stesso ha ammesso in un’intervista rilasciata alla redazione di Filmit, le difficoltà non sono state poche nell’affrontare una parte così scomoda e complessa: “Ho dovuto fidarmi del regista perché per impersonare Uday, dovevo spingermi fino in fondo e poi toccava a lui dare forma alla mia performance con il montaggio”. A posteriori possiamo dire che ne è valsa la pena, considerato che è la sua prova a risollevare un film  per il resto piuttosto mediocre.

Sergio Castellitto, attore, scrittore, regista, icona e fiore all’occhiello del cinema italiano, è un attore eclettico che riempie lo schermo e riesce a gestire egregiamente sia ruoli drammatici sia comici. Egli è uno sperimentatore delle tecniche attoriali e di quelle registiche.

Sergio Castellitto, nato e cresciuto a Roma, sceglie fin da giovane di seguire la sua inclinazione iscrivendosi all’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica Silvio D’Amico.  Esordisce da giovanissimo in teatro, collaborando con registi importanti come Luigi Squarzina, Aldo Trionfo nel Candelaio (1981) ed Enzo Muzii nel Girotondo da Schnitzler (1985). Tra il 1984 e il 1985 recita in Le tre sorelle di Cechov, e conosce Margaret Mazzantini. Uniti nella vita e nel lavoro, si sposano nel 1987 e hanno quattro figli. Nel 1996 Sergio Castellitto debutta come regista teatrale con Manola, scritta e interpretata da Margaret Mazzantini e da Nancy Brilli. Nel 2004 ripete il successo con un’altra regia e interpretando un altro testo teatrale scritto dalla moglie, intitolato Zorro.

Il teatro non è l’unica passione di Sergio Castellitto, tanto che già nel 1983, egli debutta a fianco di Marcello Mastroianni, nel tragico Il generale dell’armata morta di Luciano Tovoli, seguito da Magic Moments nel 1984.
Nel 1986 sfrutta l’opportunità unica di lavorare con il grande Ettore Scola in La famiglia. Ma la sua prova migliore in questo primo periodo è nel film Sembra morto… ma è solo svenuto di Felice Farina, di cui scrive anche il soggetto e collabora alla sceneggiatura, film che fu molto apprezzato in Francia e che lo consacra attore internazionale. Infatti, nel 1988 recita in Paura e amore con Fanny Ardant e Valeria Golino ma specialmente fa parte del cast del cult Le Grand Bleu, di Luc Besson. Poco dopo, Castellitto si rende noto al grande pubblico della commedia con Piccoli equivoci (1989) di Richy Tognazzi e con Stasera a casa di Alice (1990) di Carlo Verdone.
 Quest’ultimo film richiama direttamente la grande tradizione italica della commedia degli equivoci di Totò e Peppino. Castellitto e Verdone interpretano due personaggi tragicomici che si contendono una donna, Ornella Muti.

Negli anni Novanta Sergio Castellitto lavora con altri grandi del cinema italiano come Marco Ferreri e Mario Monicelli in Rossini! Rossini! (1991) e  con Francesca Archibugi che lo vuole nel suo Il grande cocomero (1993) con cui vince il David di Donatello come miglior attore. La vera proclamazione arriva poi nel 1996 con il pluripremiato L’uomo delle stelle di Giuseppe Tornatore con cui vince il suo primo Nastro d’Argento come miglior attore. Nel film Sergio Castellitto interpreta un regista alla ricerca di talenti nella Sicilia degli anni Cinquanta. Una terra che nonostante fosse allo sbando e già dominata dalla corruzione era in realtà piena di sogni e di speranze.

Il cinema di Sergio Castellitto

Da un film impegnato, Sergio Castellitto passa a un ruolo comico in cui interpreta il fratello di Paolo Rossi in Silenzio…si nasce (1996), per poi ritornare a un ruolo drammatico di un uomo in declino nell’opera prima di Renato De Maria Hotel Paura (1996).

Alla soglia degli anni Novanta, Sergio Castellitto scrive la sceneggiatura e dirige il suo primo film, Libero Burro, che racconta la storia di un uomo del Sud che si mette in gioco trasferendosi al Nord ma che fallisce di continuo fino a quando incontra una donna speciale, che nel film è interpretata da Margaret Mazzantini. Il film purtroppo non riceve i risultati sperati e si rivela un fiasco al botteghino; ma Castellitto non si arrende e recita in Padre Pio, film tv diretto da Carlo Carlei nel 2000, per il quale riceve un successo inaspettato.

Il 2001 poi è un anno molto produttivo per lui, è un professore ne L’ultimo bacio di Gabriele Muccino, e un ambiguo regista teatrale in Chi lo sa?, diretto dal maestro regista francese Jacques Rivette.

Nel 2002 altro anno d’oro per Sergio Castellitto, inizia la sua collaborazione con Marco Bellocchio che lo vuole per L’ora di religione, film che lo consacra ancora una volta grande attore e gli fa vincere la preziosa statuetta d’argento dell’European Film Award. Il film, che tratta la questione religiosa, ha suscitato numerose polemiche. L’ora di religione unisce due grandi del cinema italiano, Castellitto di Bellocchio dice: “Non è per complimentarmi con lui ma io raramente ho trovato un regista che suscitasse un tale entusiasmo nelle persone con le quali ha lavorato sul set. E, dato che fare un film non è soltanto fare delle riprese ma è anche un percorso umano – sono dieci-dodici settimane passate insieme –, allora la qualità di quelle giornate a lavorare insieme è un ricordo importante”.

Poi nel 2004 dirige un film, il più noto da regista, Non ti muovere, tratto dal best seller omonimo scritto dalla moglie Margaret Mazzantini. Il film è stato interpretato dallo stesso Sergio Castellitto, Penélope Cruz e Claudia Gerini e ha avuto un ottimo riscontro dalla critica e dal pubblico. Ha ottenuto due David di Donatello, migliore attrice protagonista (Penélope Cruz) e miglior attore protagonista (Sergio Castellitto) e quattro Nastri d’argento, migliore sceneggiatura, migliore scenografia, miglior montaggio e migliore canzone originale (Un senso di Vasco Rossi e Saverio Grandi) e uno Ioma come miglior film italiano in ex aequo con Buongiorno Notte. Una storia quella di Non ti muovere che parla di occasioni perdute. Timoteo è un padre di famiglia che mentre attende che sua figlia sia operata urgentemente, ripercorre con la mente una sua storia con una donna, Italia con la quale ha condiviso una passione intensa e contraddittoria, fatta di violenza e di amore. Timoteo rappresenta il ritratto dell’uomo contemporaneo, è un vigliacco che non sa decidere della sua vita. Italia è una donna di borgata che da sempre è soggetta alla povertà e alle violenze. Italia è interpretata da Penelope Cruz. Castellitto durante un’intervista ha usato queste parole per descriverla: “Penelope è brava come Giulietta Masina. E’ un’attrice generosa, umile e coraggiosa, si è lasciata guidare dal libro e ha dato vita ad un personaggio straordinario. Imbruttirsi per un’attrice bella non è un atto di coraggio, semmai è una possibilità in più. Ha imposto una sola condizione, recitare con la propria voce e il risultato è straordinario, una lezione di dizione per tante attrici italiane”.

Ma la carriera di Castellitto continua, nel 2006 partecipa all’episodio di Isabelle Coixet nel corale Paris, je t’aime, omaggio romantico alle bellezze anticonvenzionali della capitale francese. Poi in Italians, di Giovanni Veronesi, in cui recita con Riccardo Scamarcio. Un film che ritrae le caratteristiche più divertenti e paradossali dell’italiano medio, in cui Castellitto conferma la sua grande bravura e capacità eclettica Nel 2008 interpreta il re Miraz nel secondo capitolo de LE CRONACHE DI NARNIA: Il principe Caspian. Nel 2009 torna a lavorare con Jacques Rivette in Questione di punti di vista e in Tris di donne & abiti nuziali di Vincenzo Terracciano e in Alza la testa di Alessandro Angelini per cui vince il Premio Marc’Aurelio come Migliore attore al Festival del Cinema di Roma 2009.

Inoltre nel 2010 Sergio Castellitto ha l’onore di essere il Presidente della Giuria del Festival del Cinema di Roma; Gianluigi Rondi, Presidente del Festival, l’ha designato con queste parole: “Uno dei nostri più prestigiosi attori di cinema e di televisione”.

Il suo film più recente di cui lui stesso è il regista oltre che interprete è La bellezza del somaro, al cinema dal 17 dicembre, scritto da Castellitto e dalla moglie Margaret Mazzantini. Una commedia grottesca e sopra le righe con Laura Morante, Marco Giallini e Barbora Bobulova e Enzo Jannacci sul rapporto tra genitori e figli; Un film gagliardo – così definito da Castellitto – che tratta temi seri con una pernacchia. Una commedia che fa riflettere sulla nuova generazione: ragazzi adolescenti che non ne possono più di avere genitori che pretendono di essere “amici”.

Il cinema di Sergio Castellitto

Infine prossimamente al cinema uscirà un altro film diretto da Sergio Castellitto e tratto da un romanzo di Margaret Mazzantini, Venuto al mondo. Ancora una volta i due coniugi lavorano insieme ma questa volta Castellitto sarà regista, autore della sceneggiatura con Roberto Ciccutto, coproduttore, ma non interprete. Il film ripercorre, in un’alternanza tra presente e passato, il viaggio di una madre, Gemma (interpretata da Penelope Cruz), insieme al figlio adolescente Pietro attraverso la Bosnia dilaniata dalla guerra. Le riprese del film inizieranno nel febbraio 2011 e si volgeranno tra Roma, Sarajevo e Belgrado. L’attrice spagnola sarà anche coproduttrice della pellicola.

Questa è la carriera cinematografica di Sergio Castellitto, un uomo, un cineasta, una guida per tutti coloro che affrontano o vorrebbero affrontare questa carriera. Castellitto, con la sua creatività e professionalità, offre un’immagine positiva all’estero, continuando sulla scia dei grandi attori italiani del passato. Un motivo di orgoglio per tutti i cinefili italiani.

Oliver Stone è tra i pilastri della cinematografia americana: regista pluripremiato, ma anche capace di suscitare coi suoi film aspre controversie e dibattiti. La sua produzione è ricca – documentari, film, sceneggiature – e le sue esperienze di vita gli hanno spesso fornito spunti per le opere cinematografiche. Ma, andiamo per ordine.

William Oliver Stone nasce a New York il 15 settembre 1946, figlio di un agente di borsa ebreo e di una francese. Si iscrive all’università di Yale nel ’64, ma l’anno dopo la abbandona e parte alla volta del Vietnam, dove insegna inglese. Tornato in patria, nel ’67 si arruola nell’esercito e presta servizio militare proprio in Vietnam. La sua esperienza della guerra inizia il giorno dopo il suo 21° compleanno e termina nel novembre ’68. Il giovane Oliver Stone è ferito due volte e si guadagna due medaglie sul campo. Questa esperienza lo segnerà profondamente e lascerà una marcata impronta sul suo cinema. Al ritorno in patria, Oliver Stone riesce infatti ad elaborare il trauma dell’esperienza vietnamita proprio dedicandosi al cinema. Si forma alla New York University Film School, dove ha tra i suoi insegnanti Martin Scorsese. I primi frutti del lavoro svolto vedono la luce nel ’74 con l’horror “Seizure” e con il cortometraggio “One Year in Viet Nam”. Nel ’76 si trasferisce a Hollywood e inizia la sua attività come sceneggiatore, facendosi subito notare con l’adattamento cinematografico di “Fuga di Mezzanotte”, che gli vale il Premio Oscar per la sceneggiatura e segna la sua affermazione in questo campo. Seguono, nei primi anni ’80, altre sceneggiature importanti: su tutte “Scarface” di Brian De Palma (1983) e “L’anno del dragone” di Michael Cimino (1985). Nel frattempo, Oliver Stone continua il suo lavoro di regista: prima con il thriller “La mano” (1981) e poi con “Salvador” (1986), pellicola con James Woods sulla guerra in Salvador.

La produzione successiva del regista americano verte su quattro grandi temi, che mostrano il suo attaccamento all’America, la sua passione per i temi caldi della storia del paese, la sua finalità etica e il suo amore per la magniloquenza espressiva. Oliver Stone si occupa di Vietnam con una trilogia che comprende “Platoon” (1986), “Nato il quattro luglio” (1989) e “Tra cielo e terra” (1993). Si dedica poi ai presidenti Usa con “JFK – Un caso ancora aperto” (1991), “Gli intrighi del potere – Nixon” (1995) e “W.” (2008). Ha poi a cuore il tema del ruolo dei mass media nella società e il loro rapporto con la violenza, di cui si occupa in “Talk Radio” (1988) e in “Assassini nati” (1994). Infine, altro tema a lui caro è quello dei meccanismi che governano il mondo della finanza e le loro distorsioni, oggetto di “Wall Street” (1987) e “Wall Street – Il denaro non dorme mai” (2010).

Per quel che riguarda i film sul Vietnam, i più significativi sono senza dubbio i primi due. La fama internazionale come regista arriva infatti nel 1986 con “Platoon”, considerato tra le migliori pellicole sulla guerra del Vietnam, insieme ad “Apocalypse now” di Coppola e “Full metal jacket” di Kubrick. L’opera ottiene 7 premi Oscar, tra cui miglior film e miglior regia. In parte ispirata dall’esperienza personale del regista, la pellicola mostra le vicende di un plotone in Vietnam, protagonisti Charlie Sheen nei panni del giovane volontario, Tom Berenger in quelli del sergente senza scrupoli e Willem Defoe nel ruolo del sergente con scrupoli. Racconta un Vietnam  senza filtri, per ciò che è stato, per come il regista stesso l’ha vissuto,  e ne evidenzia l’assurdità, di cui la perdita di riferimenti e valori è conseguenza. Tre anni dopo arriva “Nato il quattro luglio”, ovvero, illusione e disillusione del giovane Ron Kovic (Tom Cruise) che, arruolatosi nell’esercito animato da autentico spirito patriottico, in Vietnam sperimenta l’orrore e l’abiezione umana. Tornato in patria su una sedia a rotelle si scontra con l’indifferenza di un’America che, dopo averli mandati a morire, non si cura dei suoi reduci, per non essere costretta a guardare in faccia la sconfitta subìta. Kovic sopravviverà a tutto questo trovando un altro ideale per cui combattere, non con le armi: quello pacifista. Il film, ispirato alla vera storia di Ron Kovic, è condotto in maniera appassionata da Stone e attira su di lui le prime critiche negative da parte dell’estabilishment, ma gli vale il secondo Oscar alla regia.

In quella che potremmo definire una “trilogia sui presidenti” è notevole il primo film: il discusso “JFK”. Il dibattito è molto acceso, trattandosi di una delle pagine più oscure della storia americana. Stone sfodera un cast assai corposo, con Kevin Costner protagonista nel ruolo del procuratore Garrison – ma ci sono anche Kevin Bacon, Donald Sutherland, Gary Oldman, Jack Lemmon, Walter Matthau. E si impegna in una ricostruzione minuziosa dell’intera vicenda dell’omicidio di John Kennedy, con piglio d’inchiesta. Ma soprattutto, ancora una volta, ci mette la faccia, si espone, si appassiona, sostenendo apertamente la tesi del complotto, in contrasto con le conclusioni raggiunte dall’inchiesta ufficiale, che avevano individuato Lee Oswald come unico responsabile. Il film dunque divide e ha senz’altro il merito di portare alla luce le incongruenze della versione ufficiale. Qui inoltre, Stone fa uso di pellicole di diverso tipo, utilizza colore e bianconero, altra caratteristica del suo cinema. La pellicola ottiene tre premi Oscar per fotografia e montaggio. Da ricordare, quattro anni dopo, il film su Nixon, altra figura controversa della storia americana recente (il presidente dello scandalo Watergate). Per l’occasione dirige Anthony Hopkins, dando anche qui un’interpretazione controcorrente dell’uomo politico: al centro di intrighi e vittima delle proprie debolezze, ma a cui Stone ascrive qualche merito e alcune qualità, sforzandosi di evitare riduzioni troppo semplicistiche.

Non solo la politica, però, è sinonimo di potere. Lo sono anche, a loro modo, i mezzi di comunicazione, sebbene in maniera più subdola e sottile. Stone ne aveva indagato i meccanismi fin dal 1988, con Talk Radio, sempre con un occhio al rapporto tra questi e la collettività e tra questi e violenza. Torna a farlo nel ‘94, su soggetto di Quentin Tarantino, e ne nasce “Assassini nati”. Protagonisti una coppia di pluriomicidi (Juliette Lewis e Woody Harrelson), i cui crimini vengono spettacolarizzati da Tv e media dagli scarsi scrupoli. Nel film convivono l’aspetto splatter – la ferocia, il sangue che scorre a fiumi – e la critica all’”intellighenzia” dei media, che danno inopinatamente popolarità ai due criminali. Il tutto è presentato in una veste nuova, che mescola linguaggi visivi disparati, alterna colore e bianconero, utilizza la chiave grottesca e parodica, in un turbinio delirante che fagocita lo spettatore. Accompagnano il film polemiche inesauribili (a partire da Tarantino, che accusa Stone di aver stravolto a tal punto il suo soggetto da non voler comparire nei credits del film) riguardoalla spettacolarizzazione della violenza e se sia corretto o meno esporla per criticarla, soprattutto perché si pensa che gli aspetti di critica non vengano colti dal pubblico più giovane. Il film finirà per essere vietato ai minori di 14 anni in molti paesi, ai minori di 18 in qualche caso.

Infine, il capitolo finanziario della filmografia del nostro si apre nell’87 con Wall Street. L’argomento, ben conosciuto da Stone, essendo il padre agente di borsa a Wall Street, gli ispira questa pellicola, nella quale Michael Douglas interpreta lo squalo della finanza Gordon Gekko, facendo incetta di premi: Oscar, Golden Globe, Nastro d’Argento e David di Donatello. Accanto a lui nei panni del giovane compagno di malefatte Charlie Sheen. Anche questo potrebbe essere semplicisticamente definito come un film a tesi, che si scaglia con furore contro le storture del mondo finanziario americano, i danni generati da un capitalismo distorto e malato, le speculazioni e l’avidità. Il personaggio di Douglas è però indubbiamente affascinante nella sua spregiudicatezza cinica e vincente, così come poi, nell’epilogo, nell’affrontare la giusta punizione per quella spregiudicatezza. Stone trattava il tema allora, a ridosso del crollo delle borse e torna a farlo adesso, dopo la crisi finanziaria più pesante dal ’29, sempre con Gekko/Douglas, affiancato stavolta da Shia LaBeouf, nei panni del giovane broker in Wall Street-Il denaro non dorme mai.

Il nostro vulcanico regista non si è fatto mancare, poi, pellicole che esulano dalla categorizzazione fin qui esposta, come “The Doors” (1991), in cui ripercorre la storia del gruppo rock americano e la vicenda umana del suo leader, Jim Morrison, anch’esso amato e odiato, considerato da alcuni il miglior tributo possibile alla figura di Morrison (Val Kilmer), da altri un film riduttivo, che scivola nello stereotipo della rock star maledetta e dissoluta per far presa sul pubblico senza rendere giustizia al genio creativo e alla sensibilità di Jim. Gli ex membri dei Doors, tra i secondi, presero decisamente le distanze dal film.

Nel ’99 ha diretto Al Pacino nel fortunato “Ogni maledetta domenica”, nel 2004 ha realizzato “Alexander”, sulla figura di Alessandro Magno, esplorandone le contraddizioni. Nel 2006 è tornato a parlare della sua America con “World Trade Centre”, omaggio alle vittime dell’11 settembre. Da segnalare anche la sua opera di documentarista, concretizzatasi soprattutto negli ultimi anni, con due documentari su Fidel Castro, “Comandante” (2003) e “Looking for Fidel” (2004) e uno sul presidente venezuelano Chavez, “South of the border” (2009).

Quello che certamente colpisce nel film di Todd Haynes La stanza delle meraviglie, è il complesso argomentare sul concetto di conservazione degli oggetti e della relativa memoria che ogni cosa riesce a trattenere. Si tratta di qualcosa così semplice e scontato da diventare spesso difficile da raccontare, perché facilmente fraintendibile con la passione o l’ossessione per il normale collezionismo.

Difficilmente nel cinema si è toccato in maniera così esatta il tema della raccolta delle tracce del quotidiano attraverso la sensazione di meraviglia. Viene certamente in mente il protagonista del delicato e struggente Ogni cosa è illuminata (2005) di Liev Schreiber, interpretato da un Elija Wood in stato di grazia, che raccoglieva normali oggetti legati al quotidiano e carichi di energia mnemonica, per poi conservarli appesi in bustine di plastica su una personalissima parete delle meraviglie.

La stanza delle meraviglie va oltre e forse per la prima volta in un film destinato alla grande distribuzione spiega, in maniera semplice e comprensibile, il concetto di wunderkammer. Certo, molti film d’autore sono stati strutturati attorno al concetto di camera delle meraviglie, come ad esempio Něco z Alenky (1987) di Jan Svankmajer, o molti film di Peter Greenaway, come Prospero’s Books (1991), ma la loro diffusione di nicchia non ha mai portato ad una conoscenza diffusa del tema in questione.

Wunderkammer letteralmente significa “camera delle meraviglie”. Il nome, appartenente ad un’antica tradizione europea, indica una sorta di museo dove viene accumulata senza ordine prestabilito qualsiasi cosa che possa destare stupore, meraviglia. Le wunderkammer sono considerate i prototipi degli odierni musei di storia naturale e possono essere accomunate ai “gabinetti delle curiosità” tipici del rinascimento italiano.  Quello che spingeva alla creazione di una wunderkammer era il desiderio, o forse il bisogno irrefrenabile, di riunire in un luogo protettivo e magicamente astratto dalla realtà una campionatura del mondo il più possibile estesa. La wunderkammer era un microcosmo a parte generato secondo le regole di un demiurgo che attingeva dal mondo circostante, trasformando una comune stanza in un museo del mondo, in un tempio consacrato all’accumulo e al possesso.

La stanza delle meraviglie, recensione del film di Todd Haynes

Esistevano wunderkammer d’ogni foggia e dimensione, potevano essere allestite in una piccola stanza, essere contenute all’interno di un armadio o interessare un intero edificio.

L’epoca di massimo splendore delle camere delle meraviglie terminò verso la metà del settecento, con l’avvento del moderno pensiero scientifico, anche se l’ impulso che spinge alla loro creazione sopravvive tutt’oggi forte come non mai, forse poiché coincide con un bisogno antico quanto l’uomo: quello di possedere e controllare l’universo in cui vive.

Ci furono wunderkammer famose e storicamente documentate come quella di Ferrante Imperato, di Basilius Besler, di Francesco Calceolari, di Ole Worm, di Manfredo Settala, del duca di Gottorp, di Ferdinando Cospi, dei duchi diWurttemberg, di Athanasius Kircher, di Vincent Levin  e di Pietro il Grande, Zar delle Russie, la cui wunderkammer è la più famosa mai esistita.

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E La stanza delle meraviglie di Todd Haynes attinge a piene mani a tutto questo, utilizzandolo come struttura narrativa per orchestrare le storie parallele di due bambini, entrambi privi di udito, che vivono la loro fuga da una vita spietata, verso un sogno che scaturisce nel cuore più profondo del Museo di Storia Naturale di New York. Disseminate nel corso della vicenda si colgono spiegazioni sulla storia delle wunderkammer e sul concetto di curatore, ovvero di colui che per scelta professionale o per vocazione decine di intraprendere la raccolta.

Il film è tratto dal romanzo illustrato Wonderstruck di Brian Selznick, già autore del libro da cui è tratto Hugo Cabret (2011) di Martin Scorsese, altra pellicola dove il concetto di camera delle meraviglie si affaccia timidamente. Selznick ha lavorato personalmente sulla sceneggiatura del film, potendosi cosi permettere di difendere i concetti base più importanti, pericolosamente a rischio in un sistema produttivo che aborrisce gli approfondimenti culturali, avulsi dalla mera spettacolarizzazione.

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L’aspetto più sorprendente de La stanza delle meraviglie di Todd Haynes è l’attenta e preziosa ricostruzione di una vera wunderkammer allestita in occasione di una mostra sull’origine dei musei all’interno del Museo di Storia Naturale di New York, nel 1927. Il lavoro di visulizazzione è stupefacente, in ogni dettaglio, dai singoli pezzi esposti nella collezione, al catalogo d’epoca, pieno di antiche stampe e precise spiegazioni didattiche. Le scenografie sono firmate da Mark Friedberg, prezioso collaboratore di autori del calibro di Wes Andeson, Martin Scorsese e Jim Jarmush e sono sapientemente spalleggiate dai costumi di Sandy Powell, qui in veste anche di produttore esecutivo.

Per avere un idea precisa del lavoro di ricerca e successiva ricostruzione è possibile ammirare un pregiato backstage dove Friedberg, Haynes e Selznick raccontano il loro viaggio alla scoperta della wunderkammer.

Emoziona vedere al cinema qualcosa che coincide con l’essenza del cinema stesso, in fondo un film altro non è che una camera delle meraviglie, nella quale l’autore racchiude tutto ciò che per lui rappresenta forma di stupore e meraviglia. Ed è peculiare che spesso la stessa cinepresa venga chiamata camera.

Crani che esplodono, uomini che si trasformano in mosche, individui che intrattengono colloqui  più o meno amicali con alieni al bancone di un bar: non stiamo elencando gli incubi di un pazzo visionario ma alcuni dei temi “storici” presenti nei film di David Cronemberg.

David Cronenberg è nato a Toronto, Ontario (Canada), il 15 marzo 1943. Cresciuto in una famiglia di artisti, inizia giovanissimo a scrivere racconti e a suonare la chitarra classica; dopo gli studi liceali, frequenta l’Università di Toronto, dove si laurea in letteratura inglese;si avvicina alla cinepresa producendo cortometraggi: Transfer (1966), From the Drain (1967), seguiti poi da alcuni film indipendenti (Stereo 1969). Sposato a Margaret Hindson (1970-1971), diventa padre dell’assistente regista Cassandra Cronenberg.

Dal 1971 in poi, si fa autore di softcore e horror che evidenziano da subito il suo gusto per il sangue, il sesso e gli esperimenti mutageni. Si risposa, nel 1979, con la produttrice e regista Caroline Zeifman, dalla quale ha due figli (entrambi addetti ai lavori cinematografici: Caitlin e Brandon Cronenberg). Nel 1981 Scanners diventa il capostipite di una lunga, lunghissima serie di film dell’orrore, tutti di grandissimo impatto visivo e narrativo; il regista è lanciatissimo e si permette perfino di bistrattare offerte estremamente remunerative (rifiuta la direzione de Il ritorno dello Jedi).

Proseguendo nel suo personalissimo percorso creativo lontano anni luce da cliché collaudati, sforna Videodrome (1983) con James Wood (intensissimo) e La zona Morta (1983) con Christopher Walken tratto dal romanzo omonimo di Stephen King.

Nel 1986, quando La Mosca diventa  un enorme successo internazionale David Cronemberg è isolatissimo: Hollywood lo snobba perché fuori dal coro e caratterialmente poco malleabile, ma a proteggerlo dagli attacchi della critica è il suo pubblico. Dopo Inseparabili (1988) con il suo pupillo Jeremy Irons, Hollywood ci riprova, chiedendogli di dirigere Atto di Forza (1990), ma Cronenberg ,dopo essersi occupato della prima stesura della sceneggiatura rinuncia ancora una volta per impegnarsi nella sua sfida più grande: portare sullo schermo quel delirio paranoico che è Il pasto nudo di William Burroughs: film disarmante. Il successo della critica è finalmente dietro l’angolo, dopo M.Butterfy con il solito Irons è il momento di Crash (1996) che gli vale il  primo riconoscimento dopo anni di vuoto. Sullo scaffale di casa sua, fa bella mostra di sé il Premio Speciale della Giuria, vinto al Festival di Cannes.

Il film esplora le perversioni amorose, meccaniche e mortali di un gruppo di persone con la passione per gli incidenti stradali; la commistione individuo-macchina è ancora una volta protagonista. Nel 1999, è lui stesso il presidente della Giuria del Festival di Cannes e nel frattempo firma quello che è considerato il suo capolavoro: eXsistenZ in cui sogno, videogioco e realtà sono sapientemente mescolati (tratto dal romanzo di James G. Ballard sarà Orso d’Argento a Berlino). Le successive pellicole vedono il regista danese in vago affanno, Spider e La promessa dell’assassino non sfiorano per profondità ed intensità i passati gioielli cinematografici, ancor meno il suo più recente A dangerous method che ci è apparso quasi film per la tv. Non resta che attendere il suo ultimo lavoro Cosmopolis sperando in un ritrovato vigore artistico.

La filmografia di Darren Aronofsky include finali che richiedono molteplici interpretazioni e il finale di Il cigno nero (leggi qui la nostra recensione) non fa eccezione. Con la vincitrice dell’Oscar Natalie Portman nei panni di una ballerina che cerca la perfezione fino all’estremo, il film è stato considerato un importante studio dei personaggi e un’esplorazione del tema dell’“artista tormentato”. Il thriller psicologico approfondisce le nozioni tossiche di genialità artistica e il prezzo che le persone pagano per raggiungerla attraverso la protagonista interpretata da Portman, Nina Sayers. In una rivisitazione del Lago dei cigni di Čajkovskij, Nina interpreta il doppio ruolo del Cigno bianco (Odette) e del Cigno nero (Odile) con Lily, interpretata da Mila Kunis, che funge da ballerina sostituta.

Temendo di essere sostituita da Lily, Nina sprofonda nella follia, perfettamente esemplificata dal finale aperto. Mentre Il cigno nero si conclude con Nina che sorride alla telecamera, gli spettatori hanno diverse teorie. Il finale di May December con Natalie Portman ricorda la conclusione oscura di Il cigno nero, che ancora oggi, a più di dieci anni dalla sua uscita, è oggetto di discussioni e dibattiti con grande curiosità. Dato che Aronofsky ricorre spesso ad allegorie e sequenze surreali, anche la realtà del finale è messa in discussione: la scena finale è realmente accaduta o è solo una illusione della tormentata protagonista?

Nina ha avuto un’allucinazione in cui uccideva Lily

La dualità gioca un ruolo importante nell’atmosfera da film horror di Il cigno nero, con Nina che interpreta l’innocente Odette e la malvagia Odile. Verso il secondo atto del balletto, Nina sembra vacillare nel ruolo di Odette, ma senza tempo da perdere, si precipita nel camerino per cambiarsi, dove affronta la sua rivale Lily, la pugnala a morte e continua la sua performance nei panni di Odile. Il colpo di scena finale rivela che Nina aveva avuto un’allucinazione sulla morte di Lily e invece si era pugnalata all’addome. Tuttavia, da vera artista qual è, continua a recitare l’atto finale del balletto nei panni di Odette morente, atterrando su un materasso tra gli applausi scroscianti.

Come altri finali dei film di Aronofsky, anche questo incorpora elementi surrealisti, poiché la morte di Lily era un’allucinazione. Ciò non sorprende gli spettatori, poiché la storia aveva già accennato a un comportamento simile da parte della protagonista in passato. Le scene in cui Nina fa l’amore con Lily e si trasforma letteralmente nel Cigno Nero dello spettacolo ne sono la testimonianza. Il fatto che Lily si sia trasformata nel doppelgänger di Nina mentre la protagonista la pugnalava aggiunge ulteriore significato metaforico alla sceneggiatura. Il momento è ulteriormente anticipato dalle scene precedenti che rivelano anche dei graffi sulla schiena di Nina dopo che le sue allucinazioni hanno mostrato un comportamento autolesionista.

Nina probabilmente muore nel finale

Nell’ultima esibizione di balletto nel finale di Il cigno nero, Nina è impeccabile e sembra aver raggiunto la perfezione che ha cercato per così tanto tempo. Tuttavia, dato che la ferita all’addome era ancora aperta e sanguinante, molto probabilmente ha ceduto all’emorragia mentre cadeva nell’aria e atterrava sul materasso. Anche se il suo direttore Thomas e gli altri membri della troupe iniziano a farsi prendere dal panico e chiamano un’ambulanza, Nina appare serena mentre mormora: “Perfetta. Ero perfetta”. È altamente probabile che i soccorsi siano arrivati in tempo e l’abbiano salvata, ma la dissolvenza finale in bianco potrebbe invece suggerire la sua morte.

Mentre Nina, sanguinante, guarda le luci del palcoscenico, Aronofsky lascia incerto il destino della sua protagonista. Che si tratti di The Fountain o madre!, i film di Darren Aronofsky non hanno mai evitato di cimentarsi con immagini e temi religiosi. Le luci che cadono su di lei e il suo sguardo rivolto verso l’alto potrebbero persino incorporare una discesa verso il paradiso. La sua ultima battuta e l’espressione di soddisfazione sul suo volto potrebbero implicare che Nina sia finalmente contenta delle sue capacità artistiche e che per lei non abbia più importanza sopravvivere o meno. Lo scopo della sua vita è stato ora raggiunto nella sua mente.

Il cigno nero è una sovversione del Lago dei cigni di Čajkovskij

La performance impegnata di Natalie Portman trasmette il percorso artistico di Nina, ma è anche efficace come sovversione della stessa opera in cui recita. Classico del teatro balletto, Il lago dei cigni è stato scritto dal compositore russo Pyotr Tchaikovsky e si svolge come una tragica fiaba in cui il principe Siegfried si innamora di Odette. Tuttavia, i problemi sorgono quando un malvagio stregone la trasforma in un cigno bianco. Il principe finisce per innamorarsi della figlia dello stregone, Odile, che lui trasforma in una gemella identica a Odette. Con il principe che si innamora erroneamente del “Cigno Nero”, il “Cigno Bianco” si toglie la vita per il dolore.

Molti degli elementi della storia di Tchaikovsky sono citati nel film candidato all’Oscar come miglior film, come la doppelganger di Nina che fa da gemella malvagia. Se il film di Aronofsky rispecchia davvero gli eventi del Lago dei cigni, allora Nina alla fine muore davvero. Sia l’opera teatrale che il film hanno come tema centrale la metamorfosi. Mentre Odette si trasforma in un cigno, Nina assume le sembianze del personaggio che interpretava sul palcoscenico, morendo ironicamente nelle vesti del Cigno Bianco. La tristezza di Odette per essere stata sostituita da Odile ricorda anche i timori di Nina che Lily possa prendere il suo posto, timori che si manifestano nelle sue terrificanti allucinazioni.

Il vero significato del finale di Il cigno nero

Il cigno nero racconta dunque la storia di un’artista tormentata la cui ricerca della perfezione la rende mentalmente instabile. In questo senso, il film è paragonabile ad altri drammi che misurano il prezzo della perfezione, come si vede anche nel finale di Whiplash. Infatti, la lotta per la perfezione e il finale ambiguo lo rendono un perfetto complemento al dramma del 2008 dello stesso Aronofsky, The Wrestler, in cui Micky Rourke interpreta un wrestler anziano che tenta un ritorno alla ribalta. Con le sue capacità fisiche ormai esaurite, il wrestler protagonista tenta comunque di fare un ultimo salto sul ring, alludendo alla sua morte.

Oltre ad esplorare le oscure dinamiche politiche dietro le produzioni di balletto e le sfide fisiche affrontate dalle ballerine, Il cigno nero funge anche da forte commento sulla malattia mentale. Mentre i film che trattano di artisti tormentati potrebbero feticizzare o addirittura tradire la malattia mentale, i problemi di Nina sono mostrati con un livello di sensibilità e preoccupazione. La madre iperprotettiva di Nina sembra aver contribuito ai suoi problemi di immagine corporea e all’ansia da prestazione. Con l’azione di sua madre, un direttore teatrale che non rispetta i confini personali e le sue paure di essere sostituita da Lily, Nina subisce una tragica ascesa verso la perfezione artistica in tutto il film, fino a un finale che induce sia stupore che empatia.

Perché il finale di Il cigno nero è perfetto

Il cigno nero è stato uno dei film più acclamati dalla critica degli anni 2010, sia per la trama che per le interpretazioni esemplari del cast (in particolare Natalie Portman) e il talento registico di Darren Aronofsky. Fin dall’inizio, la narrazione di Il cigno nero è stata complessa, una storia raccontata tanto attraverso i suoi messaggi tematici e le metafore nascoste quanto attraverso gli eventi letterali che accadono ai personaggi. È per questo motivo che il finale del film è stato perfetto, poiché ha portato avanti questo stile di narrazione fino agli ultimi momenti.

Nina sta soffrendo molto e sta perdendo conoscenza mentre esala i suoi ultimi respiri, ma per lei l’unica cosa che conta è essere riuscita a toccare brevemente il senso di totale realizzazione che aveva cercato con tutte le sue forze. I temi chiave esplorati dal film sono la ricerca della perfezione e il prezzo che gli artisti e gli interpreti pagano durante il loro percorso. Concludere la storia con la morte insinuata di Nina era, ovviamente, la destinazione appropriata. Tuttavia, la morte di Nina (probabile, dato che non è effettivamente confermata) non è il punto di forza del finale di Il cigno nero.

La morte di Nina non è il colpo di genio qui, ma piuttosto la sua reazione ad essa, il fatto che sia stata lei stessa a causarla e che culmini nel momento in cui Odette si getta da una scogliera nel Lago dei cigni. Le ultime parole di Nina “L’ho sentito, era perfetto” mentre lo schermo diventa bianco sono un’espressione completa e totale della psicosi causata dalla sua ricerca della performance perfetta. Nina sta soffrendo molto e sta perdendo conoscenza mentre esala i suoi ultimi respiri, ma per lei l’unica cosa che conta è che è riuscita a toccare brevemente il senso di totale realizzazione che aveva cercato con tutte le sue forze. Se Il cigno nero fosse finito con Nina semplicemente svenuta sul materasso su cui era caduta durante la sua scena finale nei panni di Odette, il momento non avrebbe avuto lo stesso impatto.