Words with Gods mostra nove potenti storie in cui le credenze religiose giocano un ruolo centrale nella vita dei protagonisti che sono accomunatati dall’esperienza di nascita e di morte, di fede perduta e ritrovata. Le nove diverse culture si incontrano nell’originalità delle firme dei nove registi internazionali che attraverso il loro sguardo raccontano: la spiritualità aborigena (Warwik Thoron), la religione umbanda (Héctor Bebnco), l’induismo (Mira Nair), il buddismo (Hideo Nakata), l’ebraismo (Amos Gitai), il cattolicesimo (Álex de la Iglesia), il cristianesimo ortodosso (Emir Kustica), l’islam (Bahman Gobadhi) e infine l’ateismo (Guillermo Arriga).

Presentato Fuori concorso alla 71° Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia e basato su un’idea di Guillermo Arriaga con la supervisione a cura di Mario Vargas Llosa, il documentario trascina lo spettatore in un racconto esistenzialista, che sottolinea la filosofia predominante di ogni religione in maniera tale da cogliere l’essenza e di far conoscere quel “diverso” che tanto fa paura.
Contraddistinto da tratti ironici, allegorici con un accurata e precisa idea registica, i nove capitoli rendono il documentario comprensibile a tutti andando a creare un forte legame tra un episodio e l’altro. I grandi silenzi, le musiche, le domande della quotidianità rendono la visione un immersione in una conoscenza che supera la barriera linguistica trovandoci a seguire questi personaggi che riflettono sui grandi eventi della vita. La macchina da presa diventa l’occhio, che si esime da ogni concetto che potrebbe spostare il discorso in questioni socio-politiche e che preferisce suggestionare con le sue inquadrature. Si attraversano così i silenziosi e interminabili scenari australiani della cultura aborigena che si oppongono alla frenesia della parentesi induista, caricata di ironia e metafore. Mentre dall’altra parte de la Iglesia predilige il paradosso in chiave tragicomica sul sacramento cattolico della Confessione che inevitabilmente si contrasta con il bellissimo piano sequenza con movimento laterale del Libro di Amos per l’ebraismo. Ma il documentario non perde di vista il suo scopo universale, ovvero mostrare come la religione affronta le perdite o i grandi cambiamenti epocali, come ci mostra Bebnco nella storia del padre che perde il figlio o vivendo le emozioni di un superstite dello Tsunami del 2011 con Nakata.

Seppur le storie siano caratterizzate da un grande dramma narrativo, la maestria di questi registi sta nel tessere storie di religione e non trattati di teologia, ideate con un taglio attuale e fresco fatto di esempi a noi vicini senza ricordare trascorsi storici. Si elimina così tutto lo sconcerto a cui ci ha abituato il rimpallo mediatico della cronaca di guerra e presentando una bella fotografia globale sulle diversità e il significato delle religioni.

Anime Nere, di Francesco Munzi parte da una base letteraria, l’omonimo romanzo di Gioacchino Criaco, e mette in scena una storia che ricorda molto l’approccio neo-realista del cinema italiano, con volti anche abbastanza noti, tutti in perfetta simbiosi con la vicenda narrata e con le atmosfere e le ambientazioni tipiche dell’Aspromonte e della zona meridionale della Calabria. La ricerca della “verità”o del realismo si trova anche in una regia poco virtuosa e molto “semplice”, fatta di primi piani e priva di movimenti narrativi veri e propri.

Al centro della storia c’è una vicenda di famiglia che diventa, per scelte o per circostanza altre, strettamente legata agli affari della malavita organizzata che, volente o nolente, in quelle realtà determinano il destino di tutti. Se da un punto di vista della costruzione della messa in scena Anime Nere rimane piuttosto credibile in tutto il suo evolversi, dal punto di vista della ricostruzione dell’ambiente mafioso calabrese dimostra tutta la sua debolezza. Ci sono molte dissonanze tra quella che realmente è la concezione della “famiglia” calabrese, come lo stesso Paolo Borsellino la definì, e quello che vediamo nel film, compreso l’evento scatenante, ovvero una discussione tra ragazzi che si trasforma in una faida tra clan rivali.

Tra elementi caratteristici del film sulla mafia e personaggi che invece vogliono completamente distaccarsi dal violento ambiente rappresentato, la vera ‘anima nera’ del film è un diffuso senso di banalitàe di ‘già  visto’ che trasformano il lavoro di Munzi in progetto poco  interessante, che non riesce ad avere la  marcia  in più che ha fatto grandi altri film appartenenti allo stesso filone.

Anime Nere è un progetto riuscito a metà, molto buono per quanto riguarda il lavoro degli attori, ma inadempiente per tutto quello che concerne la narrazione e il coinvolgimento dello spettatore.

Strane storie si intrecciano. Jason, un cameramen vuole dirigere un film dell’orrore, ma per convincere un produttore deve trovare l’urlo più convincente che si sia mai udito in una sala cinematografica. Un conduttore televisivo vestito da lurido topo di peluche comincia a grattarsi in diretta, convinto di essere affetto da una terribile forma di eritema. Una bambina trova una misteriosa videocassetta nelle interiora di un cinghiale cacciato dal padre. Cosa lega le stranianti vicissitudini di questi personaggi?

Quentin Dupieux costruisce una vicenda surreale, onirica, straniante, che a tratti ricorda il miglior Lynch, se non fosse per una vena ironica e grottesca che conferisce al suo stile un tocco personale e scanzonato. La normalità o meglio la realtà viene dopo poche sequenze divelta violentemente dall’irruzione del sogno, che strada facendo degenera nell’incubo e assume anche le sembianze di allucinazione ad occhi aperti. Tutto si mescola in un viaggio agghiacciante, che, come una inarrestabile massa di fango, prende sempre più velocità invischiando tutto quello che incontra sulla sua strada. Tutto procede inesorabile con una soluzione di continuità che sorprende e stupisce. Le storie e le vita dei vari personaggi si intrecciano l’una con l’altra e tutto diviene parte di un misterioso vortice del destino che non può essere spiegato, se non grazie alla magia e all’incomprensibilità palese dello stesso mezzo cinematografico, sicuramente altro protagonista principale del film.

Gli interpreti Alain Chabat, Jonathan Lambert, Elodie Bouchez e tutto il resto del cast appaiono naturali ed estremamente convincenti nel vestire i panni di personaggi assurdi, alle prese con le proprie ossessioni e con le rispettive visioni. Su tutti, come un beffardo demiurgo, svetta il personaggio del regista che rivendica prepotentemente la politica dell’autore in un film che mescola finzione e verità in un ambiente lontano anni luce dal cinema libero, quello fatto di idee ed espressione pura, dove questo non sarebbe, o non è, neanche minimamente pensabile.