“Never say Never, ecco il messaggio ottimista e incoraggiante di Justin Bieber, protagonista del documentario Justin Bieber: Never Say Never in uscita nei cinema italiani il 21 aprile. Justin Bieber: Never Say Never, misto di fotografie, interviste, video amatoriali fatti in casa e clip del grande concerto che il giovane divo ha tenuto al Madison Square Garden, racconta della sua ascesa al successo, di come da youtube è stato notato e di come grazie all’intercessione del famoso Usher ha cominciato ad incidere i suoi primi successi.

Justin Bieber: Never Say Never, il film

Diventando quasi subito un personaggio di richiamo per un pubblico femminile molto giovane, Justin vive il suo successo nella più normale delle maniere, continuando a vedere gli amici e mostrandosi molto generoso con le accanite fan, che in preda a vere e proprie tempeste ormonali si offrono a lui come possibili spose, urlando il loro amore. Isterismo collettivo quindi per questo ragazzino che muove le folle (di giovanissime e non solo…) e mostra, con grande realismo, come, un entourage ben assortito, dei manager capaci e la giusta dose di faccia tosta, possano fare molto di più di un grande talento, che in questo caso, se non completamente assente, sicuramente non eccelso come lo si vuol far credere.

Un fenomeno mediatico quindi, che nasce da internet ed arriva in vetta, Bieber arriva quindi anche in Italia, a furor di popolo in questo film Justin Bieber: Never Say Never in 3D. Sono in 3D per la verità solo le immagini del grande concerto del 31 agosto del 2010 che si mescolano, in una confeziona davvero notevole, con le dichiarazioni di chi, a diverso titolo ha fatto si che questo ragazzino dall’incredibile energia sia giunto così in alto. Due sono i momenti che sottolineano quest’ottima fattura: prima di tutto il momento in cui si racconta la rapida ascesa di Bieber sottolineata oltre che dal montaggio anche dal brano del norvegese Edvard Grieg, The Hall of the Mountain King, sentito da poco in versione ‘moderna’ nella soundtrack di The Social Network premiata con l’Oscar. Altro momento indicativo è la consapevole presa in giro del giovanotto in fatto di acconciature: scene al ralenti ed espressioni sognanti delle fans sono un mix davvero e volutamente divertente.

Ma a parte la bella confezione, c’è poco di interessante in questo film, troppo lungo per raccontare gli appena 16 anni del cantante famoso in tutto il mondo e troppo indirizzato verso un solo e ristretto target di pubblico per poter sperare di ottenere buoni incassi.

Arriva al cinema la seconda avventura di Winnie the Pooh targata Disney. Inventato da A. A. Milne nel 1926  e già portato sullo schermo da Walt Disney in persona nel 1977, ora Winnie ricompare in compagnia dei suoi amici Tigro, Tappo, Pimpi, Kangu, Ro e Ih-Oh, nella più classica tecnica di animazione Disney.

In Winnie the Pooh, nella quale compare anche Mr Pixar Jhon Lasseter in veste di produttore esecutivo, Pooh dovrà aiutare Ih- Oh a trovare la sua coda smarrita, ma poi la sua attenzione verrà indirizzata sulla ricerca del suo amico, il bambino Christopher Robin, rapito da un tremendo mostro, e pensare che Pooh era uscito di casa solo per cercare del miele. Non c’è nulla da fare, Winnie the Pooh è un tenero orsetto che piacerà quasi per forza ai più piccoli, le sue avventure sono tremendamente banali ma viste attraverso i suoi occhi, e quelli di Christopher Robin, diventano imprese epiche che solo lui, improbabile ed affamato eroe può compiere.

Proprio il bambino è l’artefice delle loro avventure, lui che immagina questo fantastico Bosco dei 100 Acri, ideale ‘set’ della vicenda, e ancora lui che da un’anima ad ogni cosa, da un peluche ad un palloncino rosso (Palloncino appunto), e non riesce ad immaginare altro come grande nefandezza che un mostro può compiere se non quella di bucare i calzini. Un’immagine di purezza e bellezza che sembra del tutto inattuale, ma che casa Disney, nonostante l’impero digitale che ci circonda, non esita a raccontarci, probabilmente senza farsi troppi conti in tasca, e regalando ai piccoli un po’ di magia della vecchia animazione, ed ai grandi un film dal sapore dell’infanzia.

Notizie degli scavi, tratto dall’omonimo racconto di Franco Lucentini, è l’ultima elegante e delicata opera di Emidio Greco. Il regista sembra voler comunicare come sia più facile “abitare il dolore” quando non si è soli. La condivisione diventa elemento necessario per l’esistenza umana, senza di essa nulla pare avere senso.

I due protagonisti di Notizie degli scavi s’incontrano nel dolore e insieme tentano di rimanere in equilibrio nella precarietà della vita. Giuseppe Battiston è perfetto nel ruolo del professore, dalla sua interpretazione emerge chiaramente il disagio di un uomo chiuso nel suo mondo, pronto a inseguire il filo di un pensiero spesso incongruo rispetto alle contingenze. Servile e dignitoso, vile e orgoglioso si muove con un’aria costantemente assorta e stupita.

Notizie degli scavi, il film

Il regista, attraverso un atto di profonda generosità, ci permette di entrare nel “mondo privato” del protagonista. Lo fa attraverso le numerose soggettive, che si soffermano su vari particolari, come un piccolo bignè, un angolo della cucina o una semplice zuppa, che stimolano l’immaginazione di un uomo apparentemente chiuso alla coscienza. A risvegliarlo il tenero incontro con la Marchesa (Ambra Angiolini), una prostituta che ha tentato di suicidarsi dopo una delusione d’amore e la visita agli scavi di Villa Adriana a Tivoli. Il perdersi all’interno di antichi ruderi è metafora del perdersi nei meandri della propria mente, per poi però ritrovarsi con una nuova consapevolezza.

Uno stile minimalista quello del regista Emidio Greco che ci accompagna nella quotidianità dell’esistenza umana. Senza mai forzare la mano i personaggi si svelano lentamente attraverso dei gesti semplici, come il pettinarsi i capelli o rispondere al telefono. I dialoghi sono semplici e pacati, il dolore e le sofferenze dei protagonisti non vengono raccontate esplicitamente, ma si percepiscono dal tono della voce, dagli sguardi, dalle lacrime e dai silenzi. Sono esseri umani che conservano una forte dignità senza fuggire dal proprio tormento, rimanendo nell’attrito non si arrendono comunicando allo spettatore che ogni esistenza, anche la più misera, vale la pena di essere vissuta.

In The Housemaid Eun-yi è una giovane che viene assunta per fare da cameriera e bambinaia nella lussuosa casa di una coppia ricchissima. Quando il padrone le richiederà anche altri servigi, lei accetta, rimanendo però incinta, e così all’interno della casa si alterano gli equilibri e le donne della famiglia faranno di tutto per difendere la loro posizione dall’intrusa.

La cinematografia coreana è avvezza a storie di vendetta, tuttavia, nel caso del film di Im Sang-soo (remake di un omonimo classico coreano diretto nel 1960 da Kim Ki-young) la vendetta è solo una conseguenza di una storia forse più diluita, o almeno ‘allungata’, che conduce lo spettatore al suo esito inevitabile e tragico. The Housemaid seguendo gli stilemi cari al cinema orientale, procede per inquadrature fisse o comunque con movimenti molto lenti, a volte prediligendo lo sbilanciamento del piano dello sguardo a favore dell’indagine dello spazio.

Proprio questa dimensione è fondamentale e principalmente occupata dalla grande e lussuosa villa dei ricchi protagonisti: marmo e vetro, a simulare una gigante cappella funeraria, all’interno della quale tutto sembra svolgersi nel più classico dei modi. The Housemaid che mantiene quindi questa forma impeccabile che sfocia nel manierismo, si affida soprattutto alla recitazione di attori davvero bravi, su tutti l’anziana domestica interpretata da Yoon Yeo-jeong, che con sguardi e gesti avvolge lo spettatore e conosce ogni cosa che avviene sotto il tetto di quella gabbia dorata. Oltre ai toni drammatici, sottaciuti sotto una apparente perfezione dei corpi che si muovono nello spazio, il film si rivela un thriller che parte dalle dinamiche di dominio tra padrone e lavoratore e sfocia poi nella violenta ed efferata ‘conservazione della specie’ ad opera delle bellissime e malefiche donne di casa, che si vedono minacciate dalla sprovveduta protagonista interpretata da Jeon Do-youn.

Nella prima parte di The Housemaid si cogli un vago tentativo, da parte del regista, di provare a destabilizzare, inquietare lo spettatore che tuttavia, di fronte all’ultima scena, che dovrebbe forse essere quella maggiormente d’effetto, resta più che altro perplesso e forse confuso dalla volontà di dire troppe cose, nel corso di un film che, se fosse durato anche 20 minuti di meno, non avrebbe tolto nulla alla storia. Soprattutto considerando che il tentativo di realizzare un approfondito ritratto psicologico di questa persona comune in una situazione straordinaria non ha nessun effetto se non quello di annoiare.

WES CRAVEN RIMETTE LA MASCHERA DI GHOST-FACE. Dopo undici anni dall’ultimo capitolo della trilogia torna Wes Craven con Scream 4 ed il suo psicopatico omicida con la maschera di fantasma. Neve Campbell, Courtney Cox e David Arquette già protagonisti del primo e fortunatissimo film della serie, ormai datato 1996, si ritrovano nella cittadina di Woodsboro dove ad essere vittime del misterioso serial killer saranno adesso i giovani studenti del college e non solo.

Dopo anni di assenza Sidney (Neve Campbell) ritorna nella cittadina di Woodsboro, a suo tempo teatro degli eccidi di Ghost-face, l’omicida che con la maschera da fantasma aveva fatto strage tra amici e parenti della ragazza.

Sidney, accompagnata dal cinico agente Rebecca ( Alison Brie ), è in procinto di presentare il suo nuovo libro di autodifesa personale che prende ovviamente spunto dalle proprie passate vicissitudini. A Woodsboro Sidney ha occasione di rincontrare Linus (David Arquette) ora diventato sceriffo così come ritrova Gale Weathers (Courtney Cox) ora moglie di Linus ed ex giornalista d’inchiesta ai tempi dei primi omicidi.

Gale, autrice di vari best-sellers ispirati proprio a quei tragici accadimenti vive con sempre maggior insofferenza quella piccola realtà di provincia nonostante la fortuna accumulata dai libri su Ghost-face poi diventati anche una celebre serie cinematografica. Sidney constata come le vicende orribili che la videro protagonista anni prima siano oggi solo materiale per film di quarta serie e come attorno alla lugubre figura di Ghost-face si sia creato una sorta di idolo giovanile.

Ma nel momento stesso del suo ritorno a Woodsboro ricomincia puntuale la serie di orribili uccisioni ed a essere bersaglio del nuovo psicopatico di turno ci sono ancora i giovani studenti del college tra cui la cugina di Sidney, Jill (Emma Roberts).

Ricomincia per Sidney, Linus e Gale il solito valzer di sangue, la caccia al serial killer che avvisa le vittime attraverso macabre conversazioni telefoniche; sangue, coltellacci da cucina, giovani vittime impotenti e la solita maschera di fantasma che appare e scompare misteriosamente nel buio della notte. Sidney sa che lei è e sarà sempre al centro di questo gioco dell’orrore ma adesso ha imparato a convivere con il terrore ed invece di scappare decide di affrontarlo.

Per rimettere in scena un nuovo capitolo della serie, Wes Craven ha voluto che nessuno mancasse all’appello tra coloro che erano stati artefici a suo tempo del primo celebre e fortunatissimo episodio del 1996, Scream – Chi urla muore.

Dai tre amatissimi protagonisti Neve Campbell, Courtney Cox e David Arquette sino allo sceneggiatore Kevin Williamson che ha affiancato Craven in tutti e quattro i film della serie, Scream 4 ripropone la squadra vincente dei primi tre episodi con l’aggiunta, ovviamente,  di nuovi e giovani interpreti.

Scream 4 apre con una serie di sequenze che rappresentano una sorta di caricatura dei  sequel-horror cinematografici quasi a volersi prendere in giro con un’ammirevole dose di autoironia. Ed è proprio la leggerezza e l’ironia dei dialoghi a rappresentare uno dei tratti distintivi del film che a conti fatti suscita sicuramente più risate che paure e considerato che si presenta, teoricamente, come un film horror, questo aspetto non contribuisce di certo alle finalità del film.

Wes Craven riprende la solita struttura che aveva caratterizzato i film precedenti e che, sopratutto nel primo “Scream – l’urlo che uccide”, aveva inaugurato un seguitissimo e copiatissimo filone horror ritenuto al tempo piuttosto innovativo. Il regista palesa l’intenzione di voler attualizzare la storia ambientata ora ai giorni nostri e con protagonisti i giovani dell’ultima generazione quindi ponendo come elemento chiave del film la tecnologia ed i nuovi mezzi di comunicazione.

Internet, videofonini, e-pod e telecamere miniaturizzate sono elementi cui lo stesso Ghost-face fa largo uso per riprendere in presa diretta le sue terribili gesta, l’omicidio trasmesso in rete senza filtri e come fosse un film.

Wes Craven punta volutamente l’attenzione su questi aspetti e sul come la nuova leva di ragazzi e ragazze siano sempre più schiavi ed oggetto di questa incontrollabile ed invasiva tecnologia moderna che prevarica gradualmente ed immancabilmente la privacy di ognuno.

Ma se possiamo anche apprezzare questo aspetto analitico del film non possiamo trascendere dalla sceneggiatura e dalla struttura narrativa del film stesso; e qui non si capisce cosa di nuovo questo quarto capitolo dia o proponga rispetto agli episodi precedenti.  

Sopratutto in confronto con il primogenito della serie, Scream 4 propone troppe analogie e troppe comunanze da scansare il pericolo della ripetitività e della prevedibilità. Se con “Scream- l’urlo che uccide” del 1996 Wes Craven aveva dato vita ad un nuovo filone del cinema horror, poi ampiamente copiato anche in chiave parodistica, questo suo ultimo lavoro è caduto nel temuto errore di esserne una copia poco originale.

Con il susseguirsi delle scene lo spettatore è invaso da una sensazione sempre più nitida del “già visto” e del “già fatto”. La paura e la tensione che dovrebbe suscitare latitano anche perché il confine tra horror e parodia che in questi anni ha anche contribuito alle fortune di Scream e del suo ideatore, ormai è stato inevitabilmente abbattuto ed il film che dovrebbe far tremare o sussultare sulle poltroncine ormai suscita quasi più ilarità che altro.