Operazione U.N.C.L.E. è il nuovo film scritto e diretto da Guy Ritchie che dopo i due Shelock Holmes e Rock’n Rolla continua a usare l’ambientazione storica e personaggi già sviluppati per poterli rivisitare con il suo stile di regia accelerato e iconico in cui la spettacolarità visiva surclassa la narrazione. Ritchie e Lionel Wigram sceneggiano una sorta di prequel della omonima serie degli anni ’60 in cui venivano raccontati i casi di questa strana coppia che supera i problemi storico-politici con un rapporto di amicizia, il risultato è un film a metà tra una spy story patinata che fa l’occhiolino a James Bond e un buddy movie.

In Operazione U.N.C.L.E. l’agente Solo della CIA e l’agente Kurayakin del KGB sono costretti a mettere da parte le ostilità e fare squadra per fermare una misteriosa organizzazione criminale che minaccia di destabilizzare il fragile equilibrio mondiale. L’unica pista che possono seguire è quella di Gaby, figlia di uno scienziato tedesco scomparso nel nulla che può fermare la minaccia nucleare.

Operazione U.N.C.L.E., il film

Così dopo una palpitante presentazione di Napoleon Solo (Henry Cavill) e Illya Kuryakin (Armie Hammer) che ci trascinano in un inseguimento, sottolineato da prove di forza e intelligenza, per la Berlino nazista; assistiamo al dispiegarsi di una trama fin troppo lineare a cui si aggiungeranno una schiera convenzionale di personaggi tra cui la famme fatale Gaby (Alicia Vikander) che con il suo temperamento sarà l’esatto intermediario tra le caratteristiche dei due protagonisti, il magnate Waverly (Hugh Grant), il capo della CIA Sanders (Jared Harris) e l’ambiguo playboy Alexander (Luca Calvani). Proprio l’iterazione tra personaggi concatenerà le situazioni e le location in cui risalteranno l’ironia della battuta o la contrapposizione scenica, che fa leva su stereotipi nazionali e alterna i toni action con quelli comici che negli ultimi film di Ritchie sono diventati un marchio di fabbrica. Elemento che viene avvalorato anche dal lavoro di montaggio di James Herbert caratterizzato principalmente dalla moltiplicazione dei piani e ripetizioni temporali che marcano la modernità da videoclip del film.

Buona, ma non perfetta, è l’alchimia tra i due bellissimi di Hollywood che riescono a restituire a pieno il personaggio più nelle singole scene che nella stessa inquadratura, mentre perfetta è la glaciale Victoria (Elizabeth Debicki) che incarna una combinazione di cattiveria ed eleganza che in molte situazioni ingloba la scena. Operazione U.N.C.L.E. è un film che osa e sperimenta pochissimo giocando sui suoi punti di forza: uno stile di regia aggressivo e pensato per il montaggio e la moda di rivisitare cult cercando di lanciare un nuovo franchise che però subisce completamente la pesantezza di una sceneggiatura al servizio dell’intrattenimento.

Il nuovo film con Gerarld Butler è per la regia di Ric Roman Wugh, che l’aveva già diretto in Attacco al potere 3 e Greenland, di cui per entrambi sta lavorando a un prossimo capitolo. Il regista, che ha fatto anche lo stuntman durante gli anni 80 e i 90, è stato tra l’altro ingaggiato per un sequel di Cliffhanger, che aveva vissuto in quel periodo proprio dal punto di vista della controfigura, pur non avendo partecipato al progetto, ma empatizzando profondamente con la mole di allenamento che aveva comportato.

Per Operazione Kandahar resta sul genere action a cui, appunto, è tanto affezionato, aggiungendo un’intensa quota di spionaggio internazionale ficcandosi nelle spire della violenza del terrorismo islamico.

La sceneggiatura è infatti ad opera di Mitchell LaFortune, un ex ufficiale della Defense Intelligence Agency e analizzatore per i servizi segreti dell’esercito degli Stati Uniti che ha redatto la storia dietro ad Operazione Kandahar intitolandola inizialmente Burn Run. Gli eventi si basano sulla sua esperienza vissuta nel 2013 in Afghanistan durante la quale ci fu una pericolosa fuga di notizie da parte del consulente informatico americano Edward Snowden che diffuse dati altamente riservati di proprietà della National Security Agency.

Operazione Kandahar, la trama

Qui Gerard Butler è Tom Harris, un agente della CIA sotto copertura che sta portando avanti una delicata missione in Medio Oriente per cui deve impiantare dei virus nei sistemi di sicurezza arabi e metterli – per così dire – fuori uso. La sua vita privata è ovviamente a gambe all’aria e, ultimato il suo compito, cerca quindi di partire sbrigativamente per tornare a casa. Ma, mentre cerca di prendere il volo del ritorno, ritrova un vecchio amico (Travis Fimmel, l’attore di Vikings la cui carriera aveva visto le luci della ribalda agli inizi degli anni 2000 in uno spot per Calvin Klein, non dimentichiamolo mai) che gli affida una nuova missione che lui accetta. Tom si ritrova però improvvisamente braccato e in fuga nel deserto arabo insieme al suo interprete Mohammad Doud (Fahim Fazli) in una situazione spaventosa e sanguinaria che non gli lascerà tregua nemmeno per un attimo.

La descrizione delle violenze e i disastri lasciati in Medio Oriente

Il film di Ric Roman Waugh è un thriller di guerra a tensione continua, che ansima continuamente e a tratti dispera. Il regista indugia nel mostrare la violenza (anche se non esplicita) e i disastri lasciati in Paesi come l’Iran e l’Afghanistan dove le dinamiche di collaborazione con i nuclei terroristici esistono e sussistono anche tra le nazioni occidentali che fingono di non vedere finché la situazione permette loro un vantaggio. La struttura stessa delle riprese descrive perfettamente questa dinamica: da una plancia di comando, due alte cariche della CIA seguono i movimenti dei protagonisti osservandoli su un maxi schermo da cui si vede ogni cosa ripresa dall’alto, come se un drone seguisse sempre i protagonisti.

Esattamente come in un videogame

Il quadro che si vede alla fine è un po’ di più rispetto a una sola successione di sequenze d’azione. Certo, nell’andare in profondità non si spinge chissà quanto oltre, ma risulta interessante il modo in cui Waugh mette in scena quello che vuole raccontare. La CIA resta a guardare quello che succede: attacchi, violenze, torture, la scoperta dei covi di chi comanda e guadagna da una terra inzuppata del sangue dei civili, e non fa mai nulla. Gli uomini sembrano essere come insetti le cui vite non contano nulla.

La bravura dell’ex agente Mitchell LaFortune nel scrivere la storia e del regista nel tradurla in immagini, è per aver fatto una descrizione molto chiara di un’atmosfera attinente con la (terribile) realtà, all’interno di un film dal ritmo serrato e incalzante.

Messa da parte per il momento la volontà di confrontarsi con megaproduzioni delle dimensioni di Sherlock Holmes, Aladdin o King Arthur – che avrebbe a nostro avviso meritato maggior fortuna – Guy Ritchie ha riscoperto con Operation Fortune il gusto del genere e del B-movie che aveva contraddistinto i suoi inizi di carriera. Nel farlo però sta tentando un percorso diverso, e per più di un motivo. Prima di tutto sembra che stia cercando nuove soluzioni all’interno del “suo” cinema lavorando principalmente come esecutore, ovvero lasciando quasi del tutto da parte quel tocco personale che agli inizi lo aveva portato alla ribalta grazie a titoli quali Lock & Stock oppure Snatch. In secondo luogo, come ha dimostrato il precedente Wrath of Man, ha scelto di confrontarsi anche con i risvolti più seri se non addirittura drammatici del genere stesso.

Operation Fortune, la trama

Questo lungo preambolo serve per confermare che il suo nuovo Operation Fortune segue piuttosto pedissequamente questo nuovo percorso, proponendo comunque un paio di variazioni sul tema interessanti. La trama è quella del classico film alla Guy Ritchie, con il solito gruppo di antieroi che devono recuperare l’ancora più classica valigetta che potrebbe distruggere gli ordini e gli equilibri del mondo come lo conosciamo. Insomma, davvero nulla di nuovo, tutt’altro. Solo che stavolta Ritchie sceglie di “nascondere” il più possibile l’azione e lo spettacolo della stessa, tenendola addirittura fuori campo in almeno un paio di occasioni.

Il risultato soprattutto all’inizio è molto interessante, è come se Operation Fortune venisse “congelato” dentro il suo stesso involucro per permettere allo spettatore di gustarsi il gioco, il meccanismo a incastro più che la spettacolarità fine a se stessa. A parte un paio di ovvii momenti concessi alla star Jason Statham per fare a cazzotti con gli sprovveduti di turno, la prima metà del film si sviluppa come uno spy-movie leggero e intento a far divertire gli attori nei propri personaggi. Il tono è alterno, non tutto funziona, ma almeno ci si diverte in particolar modo ad ammirare Hugh Grant che si trova sempre più a suo agio in ruoli da villain e una Aubrey Plaza che fonde con maestria simpatia e presenza scenica.

Una commedia d’azione che picchia duro

L’altro aspetto interessante di Operation Fortune è che, trattandosi di un lungometraggio costruito con l’anima della commedia d’azione, quando decide di mettere in scena la violenza necessaria per lo sviluppo dell’azione lo fa in maniera molto più seria. Man mano che la tensione tra le parti cresce anche il tono scema la leggerezza in favore di momenti maggiormente drammatici, sapientemente sottolineati dalla colonna sonora. Non siamo ai livelli di Wrath of Man, ma il senso ludico dello sparare e uccidere viene abbastanza accantonato. Alla fine il risultato è un ibrido che possiede una sua strana e particolare energia, che non propone davvero nulla di nuovo ma sa come lavorare sugli stereotipi del genere tradendoli almeno un minimo, in modo da lasciare tracce di piccola originalità per chi sa dove cercarle. Non ci sentiamo di scrivere che sia un prodotto totalmente riuscito, ma altrettanto certamente non annoia.

Come sempre poi Ritchie si dimostra efficace direttore di attori. Ai migliori in scena, ovvero Plaza e Grant, abbiamo già accennato. Jason Statham propone ancora una volta il suo “tipo fisso”, prendere o lasciare. Bisogna dire che quando viene diretto da Ritchie però sembra cazzeggiare meno, il che lo rende un filo maggiormente efficace. Buona l’idea di rispolverare Cary Elwes nel ruolo della mente del gruppo, e come sempre i pochi momenti in cui compare in scena Eddie Marsan sono sempre godibili. Josh Hartnett è Josh Hartnett quando si confronta con la commedia, ovvero tanto simpatico quanto innocuo. È il cast affiatato e giocoso il cuore di Operation Fortune, Richie sembra averlo capito fin dalle prime scene e abbraccia l’idea concedendo loro tutto lo spazio disponibile anche a scapito dello spettacolo roboante. Una scelta che in fondo ci sentiamo di condividere.

Dopo Eternity’s Gate di Schnabel, a Venezia si riflette ancora sul concetto di arte ne film di Florian Henckel von Donnersmarck Werk ohne Autor (Opere senza autore), presentato in concorso.

È la storia di Kurt, dalla sua infanzia, durante la Seconda Guerra mondiale, fino alla metà degli anni Sessanta. Trent’anni di vita, di traversie e di ricerca interiore ed espressiva, passando per i vari cambiamenti epocali che hanno caratterizzato quell’intenso e burrascoso periodo della storia del ventesimo secolo. Vengono attraversate tre epoche distinte della storia tedesca: il nazismo, l’occupazione sovietica post-guerra e la divisione tra le due Germanie.

Kurt,fin da bambino appassionato al disegno e alla pittura, diviene uno studente all’Accademia di Belle arti, dove si innamora di Ellie, studentessa del corso di moda. Il severo padre della ragazza, il professor Seeband, rinomato medico, specializzato in ginecologia e ostetricia, disapprova però l’amore sbocciato tra i due ragazzi e ordisce un orribile sistema per mettere fine alla loro relazione. Ma Kurt ed Ellie non possono minimamente immaginare quale terribile passato giace sepolto e minaccia nell’ombra la loro ricerca di serenità, ovvero un orrendo crimine di guerra compiuto dal professor Seeband, durante la messa in atto delle deliranti politiche di Hitler.

Parallelamente alla storia di Kurt e attraverso i suoi occhi si assiste al faticoso cammino dell’arte del ventesimo secolo, imbrigliata dalla politica, dall’ideologia e dalla follia della guerra; dalle avanguardie storiche del novecento, in particolare l’espressionismo tedesco, passando poi per le arti al servizio dei regimi, fino ad arrivare alla catartica liberazione delle idee e dell’espressività esplosa negli anni Sessanta.

Florian Henckel von Donnersmarck realizza un affresco potente, intrigante, velato di mistero e portatore di un messaggio crudele, raccontando tre decenni della storia tedesca attraverso personaggi chiave, costretti continuamente a adattarsi e a trasformarsi per sopravvivere agli ineluttabili cambiamenti imposti dalla guerra e dalla successiva occupazione da parte dei vincitori. Il regista aveva già sapientemente affrontato un periodo della sua Germania, con lo struggente e indimenticabile Le vite degli altri (2006), ambientato durante gli anni del Muro di Berlino, ma qui va ancora più indietro, addentrandosi nella oscura ascesa del nazismo, pur mantenendo un’ampia parte della vicenda il quel contesto storico a lui caro e congeniale narrativamente.

Von Donnersmarck affronta il tema del controllo genetico della razza ariana, mostrando in maniera spietata come anche sui cittadini tedeschi fosse operata una spietata selezione, in base allo stato di salute, mentale o alle tare genetiche. Ed è agghiacciante vedere come una giovane ragazza ritenuta schizofrenica viene prima sterilizzata e poi soppressa, per impedire alla razza perfetta di acquisire eventuali eredità sgradite. Il film si muove attorno a questo doloroso abominio, caricando le spalle del giovane protagonista, il bravissimo Tom Schilling, di un pesante fardello e di un intricato enigma che dovrà sbrogliare dolorosamente, al fianco della sua compagna, interpretata dalla convincente Paula Beer, parallelamente alla sua spasmodica e dolorosa ricerca come artista. Per spiegare il tormentato percorso di Karl, Florian Henckel von Donnersmarck si appropria di una frase di Elia Kazan: “Il talento dei geni è la crosta sulle ferite ricevute nella loro infanzia. Ciò significa che gli esseri umani hanno una capacità quasi alchemica di trasformare un trauma in qualcosa di glorioso.”

Il discorso operato attorno all’arte e alle sue trasformazioni è forse l’elemento più originale dell’opera di Florian Henckel von Donnersmarck. Si inizia con un’esposizione a Dresda sulla pittura degenerata, dove sono esposti e derisi i capolavori di Grotz, Dix, Kandisky, Picasso e tanti altri, passando poi per la pittura utilizzata a mero consumo dell’ideologia, prima nazista e poi comunista, che diviene così freddo mestiere, per arrivare alla necessaria rottura liberatoria e alla ricerca libera, istintiva, lontana dalla tecnica e da qualsiasi finalizzazione. Si giunge fino a quell’opera senza autore che darà una risposta e un punto di arrivo al cammino faticoso e irto di insidie percorso dal protagonista.

Opera senza autore è una storia potente, struggente, crudele, a tratti scabrosa, che costringe a ricordare un passato apparentemente lontano, ma purtroppo ancora così attuale. Costringe a riflettere profondamente sul concetto di arte, di come questa dovrebbe essere totalmente libera, ma invece continuamente soggiogata dall’ottusità di chi ha l’ardire di imporsi sugli altri.