Con Cherry, ultima sfida cinematografica dei fratelli Anthony e Joe Russo al di fuori del Marvel Cinematic Universe (The Winter Soldier, Civil War, Infinity War e Endgame) Tom Holland offre una sensazionale prestazione nei panni di un veterano di guerra, affetto dal Disturbo Post Traumatico e caduto in una spirale di criminalità e droghe sintetiche.

La trama di Cherry

Disponibile su Apple Tv dal 12 Marzo, Cherry, basato sull’omonimo romanzo semi-autobiografico del 2018 di Nico Walker, narra la storia di un ragazzo senza nome (Tom Holland) che, finito il college e a seguito di una delusione amorosa – la partner di Cherry, Emily, è interpretata da una straordinaria Ciara Bravo, vera e propria rivelazione – decide di arruolarsi come cadetto ai tempi della guerra in Iraq. Il film segue il percorso di vita di Cherry dal 2002 fino al 2021, dall’inizio di un amore che risveglia intense passioni, passando per gli anni della guerra, che lo segneranno a vita, e i traumi che ne conseguiranno.

L’appellativo Cherry – nomignolo designato a chi nell’esercito non ha ancora avuto esperienza in prima linea – contraddistingue il personaggio interpretato da Tom Holland, il cui percorso di crescita e formazione è un vortice di sfide, timori, riflessioni, disorientamento e tossicità. La fine del college, le speranze future condivise con la compagna, l’innocenza della prima maturità, tutto viene schiacciato dagli orrori della guerra e dal disturbo post traumatico che ne deriva, che per Cherry è possibile contrastare solo con l’ausilio di sostanze stupefacenti.

Viene inoltre sottolineato il disinteresse di istituzioni e società nei confronti di individui come Cherry, soprattutto tramite la messa in scena e la scenografia; negli ospedali, i cartellini dei dottori recano la dicitura “Dottore qualcuno”, ed è così anche per i sergenti degli eserciti, mentre le insegne delle banche che rapina Cherry recitano “Banca del cavolo” o “Banca che frega gli americani”.

Un film romanzo caratterizzato da un nuovo sguardo registico

L’impianto narrativo di Cherry consta di prologo, cinque capitoli ed epilogo: la struttura apparentemente lineare del film viene però soppiantata da un impianto registico piuttosto innovativo, in cui l’approccio estetico, il ritmo del racconto e il montaggio mutano continuamente, a seconda della situazione in cui si trovano i personaggi e della loro condizione psichica. La cinepresa apre e chiude parentesi a discrezione dell’occhio registico, si insinua in maniera distorta e allucinata nelle insidie dei personaggi, prende tutto lo spazio necessario per farci sondare la profondità psicologica di Cherry.

Infatti, sebbene la materia narrativa possa a tratti sembrare derivativa, già vista (Full Metal Jacket, Point Break, Trainspotting… numerosi sono i film che hanno affrontato queste tematiche) è la continua variazione, anche di genere, a rendere Cherry un prodotto vincente ed originale : si oscilla dal war movie al dramma, con qualche tocco di love story e perfino di heist movie, declinato anche in chiave comica; Cherry è un ibrido che riesce ad ergersi a nuova modalità di racconto di una vita intera, un film-romanzo che si innesta su diverse sfumature cromatiche e di vita, nonostante una scrittura che rivela, a tratti, qualche incertezza. “Ancora non capisco che cosa fanno le persone. È come se tutto questo fosse costruito sul nulla, e non ci sia niente a tenerlo insieme”: questa battuta pronunciata da Cherry ha una chiave di lettura personale, inerente la storia del protagonista, ma si pone anche come cifra stilistica del film. Cherry è, infatti, imprevedibile, un prodotto filmico non perfettamente incasellabile, tanto quanto il suo protagonista, che viene guidato dal momento.

I capitoli dell’esistenza di Cherry si colorano di tonalità più o meno vivide di rosso, il colore della ciliegia, e la tonalità si intensifica in base ai cambiamenti interiori e temporali. E lungo questo percorso di identificazione tra uomo e frutto si staglia il percorso di maturazione del nostro protagonista, da cadetto a soldato, da soldato a tossico, poi a ladro e criminale, infine a prigioniero e Uomo; nel mezzo, un vortice incessante di guerra, traumi, indecisioni, droghe, amore. Le peripezie vissute da Cherry plasmano la sua identità, non solo

tramite grandi eventi esterni ma anche, e soprattutto, attraverso momenti di intimità, parentesi su cui i fratelli Russo ci tengono a soffermarsi, che mettono al centro la sensibilità del protagonista, suo tratto distintivo: anche nei momenti più bui e apparentemente senza possibilità di redenzione, Cherry mantiene intatta la sensibilità e l’innocenza di cui subito veniamo a conoscenza, tratto caratteriale inizialmente causa di diversi problemi, ma che poi si dimostrerà risolutivo.

Cherry: nessuno si salva da solo

Unico punto fermo nell’esistenza di Cherry è Emily. Anche Emily si presenta come un personaggio innocente – il fiocchetto bianco che porta al collo nella prima parte del film ne è il correlativo oggettivo- tuttavia viene poi risucchiata dal malessere psicofisico del compagno; anche la loro storia è una lunga ed estenuante guerra, in cui, però, la presenza dell’altro è necessaria e, sembra suggerirci il finale, potenzialmente risolutiva. Nessuno si salva da solo, e questo film ne è la conferma, fin dalla scintilla che scatta subito con Emily. I due si completano, cambiano e si smarriscono, e l’incedere della loro relazione, tanto passionale quanto disfattista, è enfatizzato da una fotografia discontinua e di grande impatto che trasmette ogni genere di emozioni percepite dai protagonisti. E, nonostante i momenti peggiori, il tunnel della droga e della criminalità, le scelte giuste o sbagliate, l’unico modo per soccombere al caos è rimanere uniti, avere una casa dove poter far ritorno.

Menzione speciale alla magnifica colonna sonora di Henry Jackman, che ci accompagna nell’iter alla scoperta della consapevolezza di Cherry fino all’ultimo brano, quel “Vissi d’arte, vissi d’amore” di Puccini, nella versione di Maria Callas, che anticipa il confronto finale fra Cherry e l’amata Emily.

Arriva anche nelle nostre sale Chernobyl Diaries – La mutazione, nuova attesa creatura di Oren Peli, creatore del fenomeno, (poco fenomenale) Paranormal Activity.  Il film è tratto proprio da una storia originale di Oren Peli che  per l’occasione si è ispirato al più grave incidente nucleare della storia e prende spunto da i tragici eventi di Chernobyl e dalla famosa città fantasma Pripyat, nel cuore dell’Ucraina.

Chernobyl Diaries – La mutazione segue le vicende di sei giovani turisti che ingaggiano una guida specializzata in turismo estremo. La guida, ignorando tutti i segnali di pericolo, li porta a Pripyat città nella quale vivevano i dipendenti della centrale nucleare di Chernobyl, rimasta disabitata dopo il disastro di oltre 25 anni fa. Dopo una breve esplorazione, il gruppo, impossibilitato a ripartire, scopre di non essere solo…

Ricco di spunti interessanti, Chernobyl Diaries – La mutazione è sicuramente molto meglio del precedente film di Oren Peli, quel Paranormal Activity che era diventato quasi una moda più che un vero film dell’orrore. Sin da allora Peli aveva mostrato di saperci fare e in questo caso conferma tutte le sue potenzialità, superando se stesso e costruendo una storia ricca di fascino e suggestione nel cuore dell’Europa dell’Est. La pellicola seppur vittima di alcuni fastidiosi cliché del genere che proprio non vogliono scomparire, riesce nell’intento di suscitare inquietudine e tristezza, grazie alla buona messa in scena del viaggio nella città fantasma di Pripyat.

Le atmosfere spettrali e grigie, rimangono sempre credibili e realistiche. Ma la vera sorpresa è la buona costruzione drammaturgica del film che fa della suspence il suo asso nella manica. Il regista Brad Parker si dimostra abile nel costruire sequenza per sequenza il film, senza tralasciare i momenti di sospensione che carica al punto giusto la tensione, aiutato da un’apprezzabile e servizievole sceneggiatura. Forse l’unico punto debole del film è come già anticipato l’utilizzo di alcuni cliché del genere e dei personaggi poco approfonditi e completamente travolti dagli avvenimenti.

Chernobyl Diaries – La mutazione, nonostante questo, è un buon condensatore di tensione, adrenalina, che farà saltare  lo spettatore sulla poltrona a più riprese.

Tradizionale, ricercata, tipica, all’avanguardia… quanti altri aggettivi potremmo attribuire alla cucina? Forse non c’è argomento più inflazionato al mondo: parlata ed assaggiata, la cucina è – comprensibilmente – ovunque… basti pensare agli innumerevoli programmi televisivi, e addirittura reality che ne fanno l’argomento centrale. Al cinema, dopo i vari Ricette d’amore, Ratatouille e il più recente Julia&Julie, arriva Chef, che si pone immediatamente su tutt’altro versante: inizia in una cucina e mantiene la tacita promessa di restarci.

Dunque, un’immersione inedita nel mondo dell’arte culinaria, che scopriamo competitivo come pochi altri mondi, dove si crea l’inimmaginabile, pur di non perdere una stella. Jean Reno è Alexandre Lagarde, chef pluripremiato, messo duramente alla prova dal gruppo finanziario proprietario dei suoi ristoranti. Lagarde è accusato di essere troppo retrogrado, poco aperto alle novità culinarie che invadono il mondo dell’alta cucina e totalmente inadatto ad approfittarsi del potenziale industriale della sua catena di ristoranti.

Chef, il film

La cucina che si fa business, totalmente votata al guadagno e poco attenta alla qualità dei prodotti, proprio non va d’accordo con i tradizionalisti e puristi del sapore come Lagarde, che ha passato troppo tempo teso nello sforzo di piacere a “quelli che se ne intendono”, dimenticando il piacere di cucinare per chi si ama. E’ qui che entra in gioco Jacky Bonnot (Michael Youn), trentaduenne perennemente disoccupato, devoto alla buona cucina fino all’inverosimile e dotato di un estro fuori dal comune, proprio quello necessario a salvare la fama del suo maestro. 81 minuti che scorrono tra una pietanza e l’altra, crudelmente messa sotto gli occhi dello spettatore, senza che questi possa assaporarla davvero, ma di cui si riesce quasi a sentire il profumo.

I prelibati e raffinatissimi menù del Cargo-Lagarde riempiono, dunque, l’intero film, lasciando poco spazio ai personaggi, che sembrano abbozzati e decisamente poco accattivanti. Insomma, nulla a che vedere con personalità come la Martha di Sandra Nettlebeck o Julia Child, ma una commedia di tutt’altro genere che, seppur debole nelle poche scene che non riguardano prettamente il campo culinario, scorre piacevole e perfettamente godibile. Diretto da Daniel Cohen, Chef sarà nelle sale a partire dal 22 giugno.

Se state per andare a vedere il film come Chef – La ricetta perfetta, assicuratevi di prenotare nel vostro ristorante preferito, perché uscirete dal cinema con un acquolina in bocca che dovrete assolutamente soddisfare!

In Chef – La ricetta perfetta lo stellato e acclamato chef Carl Casper (John Favreau) un giorno perde il suo posto a capo di una delle cucine più importanti di Los Angeles, messo alle strette dal suo boss (Dustin Hoffman) che pensa solo alle entrate soffocando la sua creatività culinaria. Re della cucina, ma pessimo come padre e marito, Carl si troverà senza soldi, senza cucina e con una reputazione stracciata da un food blogger. Ma quasi come una benedizione, più che una disgrazia, lo Chef si ritroverà a tornare alle basi, all’origine della sua passione e alla libertà creativa di essere in proprio. Grazie alla ex-moglie Inez (Sofia Vergara) che crede nel suo talento, Carl insieme all’aiuto cuoco Martin (John Leguizamo) e al figlio Percy (Emjay Anthony) partirà a bordo di un food-truck da Miami fino a Los Angeles, riscoprendo non solo la vera cucina di strada ma anche il senso dell’essere padre e amico.

John Favreau dopo i blockburster di Iron Man, si prende una pausa per regalarci questo piccolo gioiellino da godere lentamente come un buon pranzo. I colori vivi degli ingredienti freschi, le inquadrature strette su un coltello velocissimo che sminuzza verdure, il lento soffriggere e cuocere sulla piastra perfetti e succulenti pezzi di maiale ti fa quasi credere di sentirne l’aroma grazie ad un posto d’onore che John Favreau ci riserva accanto allo chef. Con un cast scelto da lui (anche Scarlett Johansson e Robert Downey Jr.) e centrato in ogni ruolo e sfumatura, il film scorre in modo piacevole, con scambi di battute brillanti, a volte sopra le righe ma che ti regalano una saporita commedia condita da buona musica e bei sentimenti.

John Favreau in Chef – La ricetta perfetta  rappresenta il suo Chef come una rockstar del nostro tempo, bandana e groupie comprese (e si, riesce a rendere sexy anche una spaghettata aglio,olio e peperoncino!), e su questo non si sbaglia. Non c’è canale televisivo che non proponga uno show sulla cucina, oramai invasi da personaggi qualsiasi che ti rifilano la ricetta della nonna e da gare di velocità e creatività su piatti che poi verranno giudicati da chef annoiati e frustrati. John Favreau esplora molto questa tendenza, buttando in mezzo nomi ( l’antipatico food blogger, Ramsey Michel … vi ricorda qualcuno?) e proposte di gare culinarie quando, professionalmente in declino, la fama di Carl Casper cresce a causa di un video e un tweet ormai diventati virali. Non critica e di certo non innalza il suo Chef al di fuori del meccanismo, ma sottolinea la difficoltà di esprimersi in modo creativo se non si vuole scendere a compromessi, le stesse difficoltà che probabilmente incontra lo stesso John Favreau a Hollywood, diviso tra filmoni Marvel ma ansioso di tornare alle origini con commedie semplici come questa.

Tre anni dopo la sua ultima comparsa nel film Jojo Rabbit (Taika Waititi), Rebel Wilson (Attenti a quelle due, The Hustle) torna in scena con una commedia rosa firmata Netflix: Senior Year – Cheerleader per sempre. Il lungometraggio, diretto da Alex Hardcastle, è un ironico racconto dell’adolescenza e delle leggi che governano la vita tra i banchi delle superiori, dinamiche che non sono poi così diverse da quelle della vita adulta…

La trama di Cheerleader per sempre

Nel 2002, Stephanie (Rebel Wilson) ha 17 anni, frequenta l’ultimo anno di liceo ed è tra le ragazze più celebri della scuola. La sua vita adolescenziale è apparentemente perfetta: è il capo delle cheerleader della scuola, è fidanzata con il ragazzo più carino – ovviamente il quarterback della squadra di football – ed è ammirata da tutti. Fin dalla morte della madre, avvenuta qualche anno prima, Stephanie sogna di diventare reginetta del ballo e di iniziare con questo primo passo la sua vita perfetta. Steph ha tutte le carte in regola per realizzare il suo desiderio, ma durante una spettacolo da cheerleader, cade malamente ed entra in coma.

Stephanie si risveglia vent’anni dopo: nel 2022, in un corpo da donna di 37 anni e circondata da una tecnologia e una cultura completamente rinnovata. Il mondo è andato avanti, ma dentro di sè Steph è rimasta una ragazzina che vuole essere la più bella della scuola. Con l’aiuto dell’amica Martha, ormai diventata preside del liceo, la protagonista torna tra i banchi. La scuola non sembra però avere le stesse regole di popolarità di un tempo. Stephenanie riuscirà, a distanza di vent’anni, a realizzare il suo sogno e a diventare reginetta?

Ascesa e discesa di una ”popular”

Quando aveva 14 anni, Stephanie non era affatto cool. Ha però deciso di diventarlo e in 3 anni ci è riuscita. L’incidente che ha avuto ha distrutto i suoi piani: 20 anni dopo, il suo ex-ragazzo (Justin Hartley) è sposato con la sua più acerrima nemica. I due sono benestanti e vivono nella casa dei suoi sogni, mentre Stephanie si trova alle prese con un corpo troppo adulto e con un sistema scolastico che, per evitare la competizione malsana tra gli studenti, ha cancellato la nomina del re e della reginetta del ballo.

Ad un primo impatto, Cheerleader per sempre non sembra troppo diverso dai tanti teen movie visti e rivisti. Da Clueless a Mean Girls, di film più o meno moralistici sulle reginette del ballo e sulla popolarità ce ne sono a decine. Anche il tema dell’adulto nel corpo da ragazzo (o viceversa) è già stato trattato tante volte, si pensi a 17 again o a 30 anni in secondo. Nonostante tutti i cliché e gli stereotipi del genere, il Cheerleader per sempre ha dei tratti distintivi interessanti.

Satira sul politically correct e sulla cultura americana

Cheerleader per sempre è prima di tutto una commedia americana, divertente e leggera. Tuttavia, nel suo modo di rappresentare i tratti più coloriti di una società consumistica e superficiale, il film riesce a fare della satira sottile su una serie di aspetti. Per prima cosa, Cheerleader per sempre cita e prende in giro il teen movie dei primi anni 2000, kitsch, pieno di ragazzine bionde con il lucidalabbra e di brutti anatroccoli che diventano reginette. Il regista mette a confronto quel genere di film con la cultura in cui siamo immersi oggi: Stephanie non sa nulla dell’inclusività, della comunità LGBTQ+, del politicamente corretto, ma si trova catapultata in una scuola in cui invece questi temi sono all’ordine del giorno.

Mettendo in contatto due momenti storici così vicini ma anche così differenti, il regista enfatizza non solo i progressi e le differenze tra ieri e oggi, ma anche i tratti più estremi e surreali di entrambi i lati. Tutto questo viene fatto con una buona dose di ironia e di battute, alcune fin troppo assurde, ma a loro modo apprezzabili ed efficaci.

Rebel Wilson è la protagonista indiscussa

Dopo un film più impregnato come Jojo Rabbit, e dopo due anni di pausa dal grande schermo, Rebel Wilson torna a fare cinema nel suo campo: la commedia rosa. L’attrice, nota al grande pubblico per il ruolo di Ciccia Amy nei film di Pitch Perfect e per quello da co-protagonista in Single ma non troppo, è l’eccentrica star di Cheerleader per sempre. Rebel Wilson porta nel film tutto il suo stile chiassoso e appariscente ed è perfetta nei panni della donna-adolescente. Vestita in abiti da teenager anni Novanta, la Wilson ha un’estrema confidenza con il proprio corpo – l’attrice è dimagrita parecchio negli ultimi anni – e si muove agilmente nei panni del suo personaggio. Stephanie è perfettamente sgraziata in alcune scene e coordinata in altre, soprattutto in quelle di ballo, riuscendo ad intrattenere in entrambe le situazioni.

Per un’ora e mezza di spensieratezza, ironia e critica pungente sulla cultura di ieri e di oggi, Cheerleader per sempre vi aspetta su Netflix.

Edoardo Leo torna al cinema dal 9 Novembre con Che Vuoi Che Sia prodotta da Fulvio e Federica Lucisano per la Warner Bros., una divertente commedia che ci porta a porci l’eterna e spinosa domanda di “Cosa siamo disposti a fare per la felicità?”.

In Che Vuoi Che Sia Anna (Anna Foglietta) e Claudio (Edoardo Leo) sono una coppia di trentenni come tanti, lei insegnante senza cattedra e lui informatico che invece che avere un lavoro adeguato alle sue competenze passa le giornate a riparare computer infetti, insomma… Due precari! Ma nonostante i problemi, le insoddisfazioni professionali, la necessità di affittare un stanza allo zio Franco (Rocco Papaleo) per pagare l’affitto e la voglia di avere un figlio che non si possono permettere, i due si amano molto. Claudio ha un idea per un app che può aiutare altri lavoratori, ma il consiglio di un guru del web è quello di provare con il crowdfunding.

Ma si sa, le idee semplici non attirano, meglio finanziare quelle stravaganti. Così una sera, da ubriachi, Anna e Claudio registrano un video in cui invitano il “popolo del web” a donare per la loro campagna e li provocano promettendo un video hard (di loro due) in caso di raggiungimento della cifra necessaria. E cosa c’è di meglio su Internet se non promettere del sesso? Le donazioni iniziano così ad arrivare, come anche la popolarità, i regali in cambio di un selfie, le sponsorizzazioni e gli inviti in discoteca. Anna è spaventata e vorrebbe mettere fine a questa storia, come anche Claudio che non è sicuro di voler andare avanti. Ma i soldi continuano ad aumentare e i due cambiano idea con l’unico obiettivo di poter riuscire così finalmente a costruire una famiglia. Ma dare via così la loro intimità, potrà essere per davvero la chiave per la felicità?

Al suo quarto film da regista, Edoardo Leo, con un approccio leggero e divertente porta in scena temi forti e scelte di vita importanti, che non sono più così rare. Parla della situazione dei precari, portati in ginocchio da una società che non è disposta ad aiutarli, della difficoltà di mettere al mondo un figlio in una situazione del genere (anche se scritto con molto anticipo, non vi ricorda le argomentazioni contro il #FertilityDay?), di come è difficile oggi finanziare una buona idea e di come invece sia estremamente facile finanziare “personaggi” e situazioni che possono portare visibilità, tutto il mondo del nuovo marketing che gira intorno a queste “celebrities” uscite dal nulla e di come questa situazione porti all’esasperazione e a valutare in modo concreto anche proposte “indecenti”, come fare un filmino porno per soldi (che servono).

Che vuoi che sia, il film

Ma come sempre Leo riesce a non farci pesare tutto questo: fa arrivare il messaggio ma fa anche ridere. Porta il peso del film sulle sue spalle insieme ad Anna Foglietta, collega e amica con cui riesce a trasmettere la vera intimità di una coppia e allo stesso tempo i problemi. Ma viene anche aiutato da un corollario di personaggi ben studiati che riescono ad esprimere i diversi tipi di reazione ad una proposta assurda come quella del video hard, senza però sembrare forzati o farci pesare la loro idea: espone i loro pensieri, senza giudicare o puntare il dito. Dopo tutto, noi cosa faremmo al posto loro?

Rocco Papaleo, svogliato e cinico nel suo personaggio, è la spalla perfetta per l’ingenuo personaggio di Leo, che con battute taglienti ed espressioni esilaranti, più volte ruba la scena. Marina Massironi, nel ruolo della ex-moglie che vuole fare le cose moderne, brilla per la sua simpatia, come anche Massimo Wertmuller, che con tanto rumore arriva sullo schermo e sconvolge gli animi dei personaggi parlando in modo diretto e senza peli sulla lingua.

Edoardo Leo si conferma una delle voci più interessanti e adatte a raccontare la sua generazione, perché con leggerezza e una commedia dai toni giusti, mai volgare ma mai banale, riesce a far arrivare ad un vasto pubblico argomenti seri che possono portate a discussioni e domande.