L’Anticristo è il film 1974 diretto da Alberto De Martino con Carla Gravina, Mel Ferrer, Alida Valli, Mario Scaccia, Umberto Orsini.

La trama del film L’Anticristo

La storia ruota intorno alla giovane Ippolita Oderisi, rampolla di una nobile e ricca famiglia romana, con tanto di zio alto prelato, affetta da una paralisi nervosa alle gambe. Niente sembra guarirla, nemmeno la visita ad un santuario ciociaro e la visione degli indemoniati, gente apparentemente posseduta dal demonio che ha bisogno di un esorcismo. Anche l’intervento dell’affascinante psichiatra Marcello Sinibaldi serve a ben poco, anche se le sedute di ipnosi regressiva fanno riaffiorare i ricordi di una vita precedente legata ad una sua antenata condannata in quanto strega ed arsa sul rogo.

Lo spirito antico e malvagio –o il diavolo stesso?- sembrano possedere la ragazza che mostra all’improvviso una gamma di “strani” comportamenti (tutti tratti dal decalogo del bravo indemoniato: vomito verde, membra che appaiono e scompaiono, scandalosi turpiloqui e perfino un incesto col fratello minore) che sembra impossibile ricacciare nell’inferno dal quale sono venuti… almeno fino all’intervento di un inflessibile prete tedesco dall’aria teutonica che saprà ricacciare indietro il demone fin nell’inferno da dove è sbucato. 

Il film L’Anticristo

Negli anni ’70 L’esorcista ha segnato un’epoca diventando un vero e proprio spartiacque a partire dal quale cominciare a scrivere la storia dell’orrore quotidiano. Da quel momento in poi esorcismi, rituali, case infestate e gente posseduta (soprattutto bambini) non sono più stati un segreto per nessuno ed è proliferato un ricco sottogenere dalle scarse qualità.

Ma qualche eccezione c’è, come ben rappresenta la pellicola made in Italy L’anticristo diretta da Alberto De Martino in piena era seventies, ovvero il 1974, proprio cavalcando l’onda del successo della pellicola di Friedkin. Il film è sempre una mera imitazione dell’originale, gli effetti speciali sono qualitativamente inferiori ma regala un crescendo di suspense e disgusto degni dell’originale.

Per chi è un amante del genere o comunque apprezza il gusto gore e fortemente camp dell’horror exploitation anni ’70 L’anticristo non può che rappresentare una vera perla del genere: scandaloso per l’epoca, è stato marchiato dalla lettera scarlatta della censura italiana che non ha retto alle terribili scene che si presentavano sullo schermo ed è arrivato fino ad oggi con la sua fama di film “maledetto”, grottesco e splatter fino all’ennesima potenza, che ha fatto da apripista per un ricco genere nel quale hanno trionfato i tanti Fulci, Argento, Deodato, Bava.

Si sprecano le scene di sesso spinto lasciate ad intendere, come quella del Sabba infernale o del suddetto incesto tra consanguinei; la scena dell’indemoniata che incontra il ciarlatano mostra, da un lato, una carrellata di imbarazzanti effetti speciali “fatti in casa” che però sono funzionali a quella “scrittura della suspense” e che aiutano a fortificare man mano che si va avanti con la narrazione, per non parlare poi della straordinaria performance di Carla Gravina, indemoniata fascinosa e ammaliante, che nulla ha da invidiare alla piccola Regan de L’esorcista. Almeno lei non diventa verde e non è costretta a sottoporsi ad estenuanti sedute di make up prima di andare in scena per apparire al meglio nella sua forma infernale.

Fo Shan, Cina meridionale. Quando il grande maestro Gong Baoseng è costretto a trasferirsi in città, a causa della guerra cino-giapponese che imperversa nel nord, Ip Man verrà scelto per poter rappresentare le arti del sud e sfidare il maestro, pronto a tenere la sua cerimonia d’addio. Per l’occasione farà la conoscenza di Gong Er e Ma San, figlia e discepolo di Gong Baoseng. Uno solo di loro potrà raccoglierà l’eredità del maestro.

The Grandmaster si discosta dai film di arti marziali degli ultimi anni, rielaborando il genere secondo la visione di Wong Kar Wai. La pellicola è una sintesi del suo modo di fare cinema, con atmosfere cariche di sentimenti, giochi di luci e ombre, primi piani e rallenty esasperato. Esteticamente elegante, il film è impreziosito dai numerosi duelli, costruiti dal coreografo Yuen Wo Ping (Matrix e Kill Bill), capace di donare musicalità alle performance acrobatiche dei contendenti mostrando, allo stesso tempo, i sentimenti dei protagonisti. L’utilizzo del rallenty mostra ogni movimento, incorniciato da gradevoli zoom sugli elementi che circondano il combattimento, in special modo quelli naturali, come le frequenti gocce di pioggia. La pellicola possiede una grande eleganza non solo visiva, ma anche dal punto di vista formale. I temi ricorrenti della cinematografia di Wong Kar Wai tornano anche in The Grandmaster. L’inevitabilità del destino, l’impossibilità di poter tornare indietro, la malinconica consapevolezza dei propri doveri, spesso in contrasto con i desideri, argomenti già trattati in In the mood for love e 2046. I volti sono di Tony Leung (Ip Man), uno degli attori più espressivi del cinema orientale, e Zhang Ziyi, maturata e capace di dare spessore al personaggio di Gong Er. Se la pellicola trova i suoi punti di forza nell’eleganza e nella capacità dei suoi attori, la struttura narrativa proposta ne limita l’assimilazione, dilungando in modo eccessivo passaggi di secondaria importanza, adagiandosi senza mai accelerare il ritmo dl racconto. Anche la profondità dei dialoghi non è allo stesso livello dei lavori precedenti del regista, banali in alcune sequenze, prima di riprendersi nel finale.

The Grandmaster non riesce a completare l’egregio lavoro fatto a livello grafico e di costruzione dei personaggi. Il film emoziona solo a tratti, i protagonisti modellano il malinconico mondo di relazione tra uomo e donna tanto caro al regista, ma la struttura ne limita l’assimilazione, in particolar modo per gli spettatori non avvezzi al genere. Nonostante Wong Kar Wai abbia da sempre catturato il pubblico con atmosfere e sentimenti, più che con il succedersi degli avvenimenti, The Grandmaster non riesce a prendere come altre opere del regista, risultando un buon film tuttavia lontano da capolavori come In the mood for love.

Tratto dall’opera “Un romanzetto canaglia” dello scrittore cileno Roberto Bolaño, Il Futuro racconta le vicende di due fratelli, Bianca/Manuela Martelli e Tomás/Luigi Ciardo, rimasti completamente soli dopo l’indicente stradale in cui muoiono i genitori. I due passano le giornate davanti alla tv, abbandonano la scuola e cercano un lavoro, perdendo man mano il controllo sulla loro vita fino al punto di ospitare in casa due giovani bodybuilder (Nicolas Vaporidis e Alessandro Giallocosta), che si fingono amici di Tomás. I soldi sono sempre di meno e i due ragazzi escogitano un piano: far entrare Bianca in casa del vecchio e cieco Maciste/Rutger Hauer, ex-stella del cinema, per trovare la cassaforte e rubarne il contenuto. La vita migliore, che lei e il fratello avrebbero con quei soldi, spinge Bianca ad accettare senza riserbo il ruolo di concubina, ma il tempo trascorso con Maciste, uomo ancora affascinante e dal cuore grande, la aiuterà a crescere e a vedere con chiarezza il suo futuro.

Il film esordisce con una sequenza che sembra proiettarci in un noir d’altri tempi: la musica, i titoli di testa, la voce off della protagonista che spiega come la sua storia ha avuto inizio. Tuttavia, non ci sono omicidi su cui investigare e assassini da fermare, l’unico mistero da svelare è il futuro di Bianca. Le due parti in cui si divide il film, prima e dopo l’incontro con Maciste, non sono distinte da un cambio di ritmo, la narrazione rimane fluida, segue il pensiero della protagonista e a volte si ferma con esso. Il disagio di Bianca si manifesta nella fotosensibilità che acquisisce dopo la morte dei genitori e che, di rimando, influenza la fotografia del film. I posti in cui la ragazza si sente al sicuro sono la sua stanza sempre buia e la casa tenebrosa di Maciste, in cui va di notte. Invece, i luoghi ampi, luminosi di Roma evidenziano l’insicurezza di Bianca, che riconosce il fallimento e la criminalità in quello che sta facendo.

La sceneggiatrice e regista cilena Alicia Scherson (Play, Turistas) ci regala un nuovo sguardo su Roma e, nell’insieme, un prodotto intimo, vitale e coraggioso, come l’interpretazione della protagonista, anch’essa cilena, Manuela Martinelli. Gli interpreti maschili, Hauer (Blade Runner), Ciardo (L’Estate di Martino), Vaporidis (Notte prima degli esami) e Giallocosta (Matrimonio e altri disastri), si dimostrano adatti ai rispettivi ruoli, rappresentando concretamente gli ostacoli e le opportunità sul cammino di Bianca.

Da vedere per chi apprezza prodotti internazionali che danno nuovo respiro alle piccole ma comuni storie adolescenziali.

Al cinema dal 19 Settembre.