Arriverà con alle spalle un grande trionfo in terra natia, e tutti gli amanti del grande cinema qui in Italia lo aspettano trepidanti. È Lincoln, di Steven Spielberg, che dopo essere stato applaudito a scena aperta negli USA nei mesi passati, arriva da noi il prossimo 24 gennaio. L’amatissimo regista americano ritorna a splendere in tutto il suo talento registico dimostrando che il grande autore riesce a mettersi al servizio della storia senza per forza insistere per farne parte.

Lincoln racconta dei quattro mesi che hanno portato il Congresso degli Stati Uniti a votare in maniera favorevole il XIII Emendamento, quello che aboliva per sempre la schiavitù in territorio americano, e si conclude con la tragica morte dell’amatissimo Presidente. Steven Spielberg ci racconta “l’altro” Lincoln, quello che è disposto anche a giocare sporco per raggiungere il suo proposito, nel momento in cui ha il potere per cambiare in nome del bene il corso della Storia. Un taglio coraggioso che si sposa bene con il punto di vista adottato dal regista, ovvero quello dei salotti, degli interni e delle aule, dove i rapporti politici e umani si intrecciano e “fanno” la Storia della modernità, così come la conosciamo.

Spielberg realizza un vero e proprio trattato sulla politica, senza anteporre schieramenti ma sostenendo la validità della stessa come attività sociale alla base di uno Stato libero. La regia di conseguenza quasi sparisce, lascia andare le infinite possibilità spettacolari che il periodo storico raccontato (la Guerra di Secessione Americana) lasciava aperte, e preferisce spostarsi negli interni in cui la luce naturale che entra quasi con violenza dalle finestre, lotta contro l’ombra che si annida negli angoli delle camere. In Lincoln è la luce stessa a raccontare e commentare, come mirabilmente riesce a fare grazie al supporto di uno Janusz Kaminski in stato di grazia.

Ad una regia misurata e impeccabile si accompagna una prova collettiva del cast di straordinaria potenza comunicativa, a partire dal protagonista nei panni dell’altissimo e un po’ curvo Presidente Lincoln, Daniel Day-Lewis, passando per una Sally Field (Signora Lincoln) appassionata eppure sferzante, fino ad un incredibile Tommy Lee Jones, solido, granitico eppure incommensurabilmente dolce nel momento in cui con grande candore mostra le sue ragioni più personali e profonde. Pur presentandosi in maniera così intimamente sontuosa, Lincoln è un film di lenta carburazione, cominciando un po’ a fatica e proiettando solo in un secondo momento lo spettatore in una corsa contro il tempo, in una caccia all’ultimo voto, all’ultimo SI.

Ad accompagnare le immagini con la musica, ancora una volta, Spielberg ha chiamato il Maestro John Williams, che per una volta mette da parte i suoi potenti ottoni e le sue note concitate per dare voce a tonalità delicate e spesso addirittura malinconiche, discrete, che riescono a raccontare più di tante parole, insieme ai volti, alle rughe dei protagonisti. Lincoln è un film di una grande potenza emotiva, che in pochi momenti indulge nell’enfasi tanto cara al regista americano, ma che si colloca tra le migliori prove registiche di Spielberg. Daniel Day-Lewis è senza dubbio il miglior Lincoln cinematografico mai visto fino ad ora, e Lincoln è il miglior film mai realizzato sul 16° Presidente degli Stati Uniti d’America.

Anno: 2001

Regia: John A. Davis, Steve Oedekerk

Voci: Debi Derryberry (Jimmy Neutron), Rob Paulsen (Carl Wheezer), Patrick Stewart (Re Goobot), Martin Short (Ooblar)

Trama: Ambientato nell’immaginaria Retroville, cittadina del futuro ma dal sapore anni sessanta, Jimmy Neutron racconta la storia di un bambino geniale ma come spesso accade incompreso dai suoi coetanei e dalla stessa famiglia, che pur volendogli bene e incoraggiando il suo genio vorrebbe che vivesse la vita di un bambino normale e che non fosse preso in giro ed emarginato dai compagni: gli unici amici di Jimmy all’inizio della storia sono Carl, ragazzino ipocondriaco goffo e grassottello e un uno cagnolino robot costruito dallo stesso Jimmy di nome Goddard.

  Anno: 2003

Regia: Aaron Blaise, Robert Walker

Voci: Joaquin Phoenix (Kenai), Jeremy Suarez (Koda), Jason Raize (Denahi), Dave Thomas (Rocco), Rick Moranis (Fiocco), Joan Copeland (Tanana), Michael Clarke Duncan (Tug).

Trama: Immerso negli splendidi paesaggi del Nord America, il film racconta la storia di Kenai, giovane impaziente di diventare adulto e di prendere il posto che gli spetta nella tribù a cui appartiene proprio come i due fratelli: deluso dal fatto di aver ricevuto come totem guida dalla saggia del villaggio il poco interessante “orso dell’amore”, Kenai si lascia prendere dalla rabbia e dall’incoscienza finendo per perdere il fratello maggiore Sitka e per uccidere il suo stesso animale guida, suscitando il disappunto degli spiriti.

The Cell – la cellula è il film del 2000 di Tarsem Singh e con protagonisti Jennifer Lopez, Vince Vaughn, Vincent D’Onofrio, Jake Weber, e Dylan Baker.

Anno: 2000

Regia: Tarsem Singh

Cast: Jennifer Lopez, Vince Vaughn, Vincent D’Onofrio, Jake Weber, Dylan Baker

Trama: In un futuro non troppo lontano, una tecnologia sperimentale permette agli psicanalisti di entrare letteralmente all’interno dell’inconscio dei loro pazienti, per meglio indagare sulla loro mente e ricorrere a dalle terapie più efficaci. Catherine Deane (Jennifer Lopez) specializzata in questo tipo di tecnologia, viene incaricata dall’ ispettore di polizia Peter Novak (Vince Vaughn) di entrare all’interno della mente di Carl Stargher (Vincent D’Onofrio), un serial killer finito in coma,  per scoprire il luogo di prigionia della sua ultima vittima: dopo aver catturato le sue prede, le intrappola  in una sorta di ‘gabbia’ destinata a riempirsi d’acqua,  facendole così morire di annegamento,  non prima di averne abusato sessualmente.

La protagonista comincia così le sue indagini all’interno della mente del serial killer, scoprendo che le violenze subite nell’infanzia ne hanno scisso la psiche: da una parte un bambino, a riassumerne la parte buona, dall’altra un mostro dispotico a dare forma ai suoi peggiori istinti. Catherine conquista così la fiducia del bambino, finendo tuttavia per diventare prigioniera della sua metà criminale.

The Cell, l’analisi 

Dopo una discreta carriera nel settore dei videoclip musicali, Tarsem Singh decide di compiere il ‘grande salto’ sul grande schermo, con un thriller psicologico dai contorni futuristi che in fondo appare più che altro un pretesto per costruire scenografie ‘oniriche’, con ampi omaggi ad vari artisti contemporanei, da H.R. Giger a Damien Hirst.

Protagonista è una Jennifer Lopez tutto sommato a suo agio in scenari spesso simili a quelli dei videoclip musicali, affiancata da Vincent D’Onofrio nel ruolo del serial killer e Vince Vaughn in quello del poliziotto, tutti in interpretazioni non memorabili.

L’esito appare a dire il vero abbastanza contrastato: alla lunga si avverte un certo autocompiacimento (impressione rafforzata dall’esplicita autocitazione che il regista esibisce riproponendo in una sequenza l’ambientazione usata in precedenza per il video di Losing my religion dei REM), quasi che il film cerchi in tutti modi di voler essere collocato nella categoria del ‘cinema visionario’.

Il risultato è un’opera  con pretese forse eccessive,  che finisce per risentire forse troppo dei trascorsi del regista nel settore dei videoclip, risultando a tratti un pò manieristica, caratterizzata da un elemento ‘visionario’ troppo smaccatamente cercato. Tutto questo  finisce fatalmente per incidere sulla componente più squisitamente ‘thriller’, all’insegna di un finale prevedibile raggiunto con uno svolgimento macchinoso, proponendo personaggi alquanto stereotipati, dalla protagonista ‘sobria’ che le fantasie del serial killer  trasformano in una ‘dominatrix’, fino alla dicotomia bene – male, in cui tutto il positivo viene abbastanza banalmente identificato con l’infanzia.

Stroncato in larga parte  dalla critica e dagli appassionati, il film ha comunque ottenuto un risultato più che lusinghiero al botteghino, con ricavi pari a oltre il triplo dei trentatrè milioni di dollari di costo.

Nel 2009 ne è stato prodotto un sequel, per nulla memorabile, direttamente indirizzato al mercato dell’home video.

I Figli degli Uomini è il film cult del 2006 diretto da Alfonso Cuaròn e con protagonisti Clive Owen, Julianne Moore, Michael Caine, Clare-Hope Ashitey, Chiwetel Eljiofor e Danny Huston.

I Figli degli Uomini, la trama

Nel 2027 il mondo assiste impotente all’assassinio del  diciottenne Baby Diego. Il motivo è molto semplice: il ragazzo è infatti l’ultimo nato della specie umana, colpita dall’infertilità che sembra averla condannata rapidamente all’estinzione.  In un mondo caotico, nel quale i flussi migratori son fuori controllo (portando alla creazione di enormi campi profughi) e in cui bande di ribelli spadroneggiano in lungo e in largo, sullo sfondo di una società dominata da un potere che ha assunto connotati dittatoriali, Theo (Clive Owen) è un ex attivista disilluso che viene contattato da un gruppo terroristico, i Pesci: leader di questi è l’ex moglie di Theo, Julian (Julianne Moore), il quale gli chiede di aiutarla a imbarcare una giovane ragazza (Clare Hope Ashitey) immigrata sulla nave Domani, diretta alle Azzorre, dove un gruppo di scienziati, riunitisi nel ‘Progetto Umano’ sta cercando di trovare una cura all’infertilità di massa che ha colpito il genere umano. La ragazza potrebbe infatti rappresentare una nuova speranza per l’umanità, dato che è incinta; da qui, comincerà il classico viaggio pieno di rischi e insidie, verso un finale agrodolce…

I Figli degli Uomini, l’analisi

Fattosi conoscere con Y tu mama tambien, giunto alla notorietà internazionale con Harry Potter e il prigioniero di Azkaban, Alfonso Cuaròn sceglie l’adattamento dell’omonimo romanzo firmato P.D. James per scrollarsi di dosso la pesante eredità di Harry & Co. I Figli degli Uomini segue abbastanza fedelmente la traccia del libro, per quanto con alcune importanti variazioni (l’infertilità, originariamente maschile, nel film colpisce invece le donne).

Clive Owen,  al tempo in piena fase di lancio dopo la partecipazione a Sin City e prima di Inside Man, è il protagonista, nel classico ruolo dell’eroe suo malgrado che nel corso della storia si convince della bontà della propria ‘missione’, fino alle più estreme conseguenze; a fianco a lui una Julianne Moore che confermava la sua poliedricità. Nel cast – come spesso avviene  in questi casi – anche un attore ‘navigato’ nel classico ruolo ‘breve ma intenso’: qui è Michael Caine, nella parte di un canuto ex hippie e vignettista satirico, ritiratosi a vivere in campagna, prendendosi cura della moglie, caduta in stato catatonico dopo essere stata torturata dalle autorità.

Alfonso Cuaròn riprende e attualizza il tema portante del libro, una società condotta alla barbarie dalla consapevolezza da parte della specie umana di non avere un futuro, ampliando la riflessione a temi caldi dell’attualità, come l’immigrazione, o il rischio di deriva autoritaria delle democrazia:  i campi in cui sono tenuti i rifugiati alludono in maniera scoperta ai casi delle carceri Abu Grahib o di Guantanamo, piuttosto che ai campi profughi risultato delle tante guerre che percorrono il continente africano.

Il risultato, pur nello scenario futuristico / futuribile,  è un’aderenza alla realtà accresciuta dallo stile documentaristico con cui è girato il film, che ha ottenuto tre nomination all’Oscar (miglior fotografia, sceneggiatura non originale e montaggio). Il tutto sullo sfondo di un ampissimo numero di riferimenti religiosi, all’insegna di una simbologia cristiana, ma non solo.  Presentato a Venezia, il film ha ottenuto un ottimo risconto di pubblico, accompagnato da giudizi egualmente lusinghieri.

Ampia ed abbondante la colonna sonora, che affianca autori classici come Mahler ed Handel alla Threnody to the Victims of Hiroshima del polacco Krzysztof Penderecki, ma nella quale hanno trovato posto anche Aphex Twin, alfiere dell’elettronica degli anni ’90 a fianco dei Radiohead e di gruppi storici come Deep Purple e King Crimson.

Brood – la covata malefica è il film del 1979 di David Cronenberg con protagonisti nel cast Oliver Reed, Samantha Eggar, Art Hindle e Henry Beckman.

La trama del film Brood – la covata malefica

Trama: A seguito del ricovero di Nola Carveth (Samantha Eggan) nella clinica del professor Raglan, ideatore di una rivoluzionaria terapia per la cura dei disturbi psichici, le vite della figlia e del marito di lei vengono sconvolte da una serie di atroci eventi, portati a compimento da strani esseri, simili a bambini; sarà lo stesso Raglan a rivelare lo sconcertante collegamento tra le creature e la sua paziente, portando il marito a una drammatica e definitiva scelta.

Reduce dall’action movie Fast Company, nel 1979 David Cronenberg riprende l’esplorazione di territori più orrorifici e disturbanti, già avviata nel 1977 con Rabid.

L’analisi del film di David Cronenberg

Brood – la covata malefica (uscito in Italia col solito discutibile sottotitolo: La covata malefica) continua a tessere quelli che saranno i fili conduttori di gran parte dell’opera del regista canadese: l’ossessione per le mutazioni, il potere della mente sul corpo e sulla materia (tema poi ulteriormente sviluppato nel successivo Scanners), gli interrogativi su una società sempre più guidata dal progresso scientifico e dai suoi eccessi.

Per dare vita ai suoi incubi, David Cronenberg sceglie un attore già affermato, Oliver Reed, affiancandolo alla protagonista Samantha Eggar, attrice dalle alterne fortune, culminata con vari premi e una nomination all’Oscar per Il collezionista (1965) di William Wyler. I cinefili italiani la ricordano forse per la partecipazione ad alcuni cult come Il Grande attacco di Lenzi o L’etrusco uccide ancora di Armando Crispino.

Il terzetto dei protagonisti è completato da Art Hindle, che avrebbe presto abbandonato il grande schermo per un più proficua carriera di caratterista in serie tv.

Brood – la covata malefica ancora oggi può essere ricordato come uno dei più felici esempi di horror à la David Cronenberg, caratterizzato da un riuscito mix tra il pathos più gradito agli amanti della suspence e le trovate orrorifiche più apprezzate dagli appassionati del ‘repellente’, tanto  da venire censurato – scatenando  ovviamente le ire del regista canadese – negli   Stati Uniti, in Canada e in Gran Bretagna, in particolare,  col taglio della scena che sul finale coinvolge la protagonista e una delle ‘creature’.

Brood – la covata malefica ha ottenuto un buon successo di pubblico, che col passare del tempo non si è affatto affievolito, portando anzi il film e alcune delle sue sequenze ad essere puntualmente citati nelle graduatorie all-time del genere.

In linea di massima positivo anche il giudizio della critica, anche se la componente più ‘disturbante’ ha suscitato più di un riscontro negativo; Brood – la covata malefica è stato inoltre tacciato da alcuni di  essere reazionario, con aperte accuse di misoginia.

Brood – la covata malefica segna l’inizio della collaborazione tra David Cronenberg e il produttore esecutivo Solnicki, che proseguirà anche per Scanners e Videodrome; la colonna sonora rappresenta il primo lavoro per il cinema di Howard Shore, che poi sarebbe diventato un collaboratore abituale di Cronenberg e che ha vinto due Oscar per La compagnia dell’Anello e Il ritorno del Re.

Blob – Fluido mortale è il film cult del 1958 diretto da Irvin Yeaworth e con protagonisti sono Cast: Steve McQueen (Steve), Aneta Corsaut (Jane), Earl Rowe (Tenente Dave), Alden Chase (Dottor Allen), John Benson (Agente Bert), James Bonnett (Mooch Miller), Robert Fields (Tony Gressette).

Blob – Fluido mortale, la trama: Mentre scorre una tranquilla e tiepida nottata americana da innamorati e stelle cadenti, piove dal cielo una specie di grande uovo. Un anziano contadino lo schiude, scoprendovi una palla di melma scura: e ha l’onore di diventarne la prima vittima.

La viscida entità, partendo dalla mano con cui è stata curiosamente toccata, si impossessa dell’intero sventurato, avvolgendolo e fagocitandolo. Stessa sorte tocca al dottore e all’infermiera  che al vecchio provano a fornire aiuto. E per ogni vittima che miete e assimila, Blob cresce, rendendosi minaccia sempre più temibile per il tranquillo scorcio di provincia USA che ha avuto in sorte di battezzarne le gesta terrestri, e che alla creatura dovrà pagare un sostanzioso tributo in vite umane.

A fronteggiare la minaccia c’è innanzitutto Steve Andrews (Steve McQueen), intrepido giovanotto, aiutato dalla sua bella, Jane (Aneta Corsaut), e dal comprensivo tenente Dave (Earl Rowe). E Blob, alla fine, sgominato a colpi di gelo, sarà scaraventato da un aereo militare nell’Artide per non nuocere più a nessuno. Anche se il punto di domanda che chiude il film lascia le porte aperte a una rivincita del fluido…

Blob – Fluido mortale, analisi

Film più noto tra i pochi realizzati da Irvin Yeaworth (1926-2004), Blob – Fluido mortale merita di essere conosciuto e apprezzato per intero: un peccato contentarsi dei gustosi inserti nell’omonimo e storico programma di Rai Tre, ispirato a questo cult dell’horror. Un film raffinato, che muove personaggi dalle psicologie lavorate (giustamente) appena in superficie in una provincia americana che è un colorato e artigianale teatrino. La paura (moderata: si parla di oltre 50 anni fa) è costruita con maestria nel primo quarto d’ora, quando, già atterrato il fluido mortale, il film dondola lo spettatore tra le schermaglie molto fifties  – occhiate alla bella Jane, sfide motoristiche e beffe alla polizia – che vedono impegnati il protagonista e un gruppetto di blandi bulletti che, fattasi più concreta (e corpulenta) la minaccia di trasformeranno in altrettanto blandi aiutanti.

Il mostro in sé non desta timore; anzi, qualche sorriso, così alla buona, modellato con effetti speciali estremamente grezzi. Un rinforzo all’orrore lo dà con prontezza la colonna sonora, capace di sottolineare con interventi gravi e taglienti il precipitare delle cose. E l’audio fa il suo dovere anche nell’aprire il film con un brano da party – preparando spettatore e personaggi a una festa della paura – e nel chiuderlo con note rassicuranti sulle immagini dell’Artide, tomba del mostro. Peccato che il punto di domanda che cala dalle impalpabile e sacre altitudini del racconto sbugiardi i segni di quiete e gloria che provengono sia dalla colonna sonora (pur con qualche venatura), sia dalle immagini.

Blob – Fluido mortale è un film da recuperare e rispettare. Un lavoro al contempo semplice e ben cesellato, fluido quanto la brutale creatura che gli dà il titolo.

Leopold Socha (Robert Wickiewicz) è un operaio che arrotonda il suo stipendio con qualche furto. Conosce le fognature di Lvov come le sue tasche: quei cunicoli sotterranei dove nessuno metterebbe piede sono sia il suo posto di lavoro, sia il nascondiglio per la sua refurtiva.

Durante il 1943 l’uomo, in ricognizione tra i canali, si imbatte in un gruppo di ebrei che vuole nascondersi nelle fogne per sfuggire all’imminente rastrellamento del ghetto. Deciso a non farsi sfuggire un’occasione di guadagno, stringe un patto con loro: non li denuncerà e, anzi, li aiuterà a orientarsi nel labirinto sotterraneo, solo in cambio di una grossa somma di denaro.

Gli ebrei, soprattutto il giovane Mundek (Benno Fürmann), sono inizialmente rassegnati e diffidenti nei confronti del polacco, ma poco a poco, testimoni dei rischi crescenti che l’operaio si assume nel tentativo di salvarli, si affezionano a lui.

Recensione film In Darkness di Agnieszka Holland

Il tempo passato nell’oscurità, la mancanza d’aria e la convivenza forzata tra i rifugiati, portano lentamente alla luce gli aspetti migliori e quelli peggiori dell’animo umano, l’amore e la follia, la disperazione e la tenerezza, la fiducia e l’odio, in un affresco potente che riesce nell’intento di ricordare al pubblico una delle pagine più nere della storia del Novecento.

In Darkness, infatti, porta sullo schermo la vera storia degli ebrei salvati da Leopold Socha, ed è tratto da un libro, Nelle fogne di Lvov di Robert Marshall, che narra proprio di quei 14 mesi di prigionia forzata messa in atto per evitare la deportazione.

La regista Agnieszka Holland, però, in accordo con lo sceneggiatore David F. Shamoon, evita di trasporre nel film gli orrori del libro e cerca piuttosto di sondare i sentimenti di alcuni uomini e donne trovatisi a dover fare delle scelte difficili al limite del comprensibile e a vivere in condizioni quasi inumane.

Con un uso della fotografia decisamente metaforico, che vede scene buie e soffocanti nelle fogne con il solo Socha illuminato costantemente (come portatore di luce) e una durata notevole, due ore e mezza, la Holland lascia a chi guarda il compito di immedesimarsi nei corpi dei rifugiati e trascina, anche per poco, il pubblico sottoterra, preda della paura, della noia, del freddo.

Un film non facile, talvolta claustrofobico, che prova a usare diversi registri e a mettere a fuoco personaggi complessi, per narrare la non banalità del bene e l’eroismo di un uomo lontano dai canoni dell’eroe.

Da sottolineare soprattutto i contrasti, resi con dei dolly che sembrano spezzare il confine che divide la città dalle fognature, tra il mondo luminoso in cui scorre la vita della città di Vlov e la condizione di Mundek, Klara e degli altri ebrei.

In Darkness è un film da vedere per riflettere, per scuotersi dal torpore, per porsi delle domande.

In uscita il 24 gennaio, non a caso in prossimità del Giorno della Memoria.