È una sorta di rituale obbligato e irrinunciabile, quello che Ila (Nimrat Kaur) mette in atto quotidianamente per far sì che il marito – lavoratore – riceva tutti i giorni il pranzo. Una preparazione meticolosa  di differenti e saporite pietanze, poi sistemate con cura e amore nel cosiddetto “lunchbox”: una tradizione che accomuna le donne e mogli indiane e che trova nel gesto ripetitivo e familiare del cucinare, una dimostrazione di affetto e di attenzione verso il proprio compagno. Ma per la protagonista femminile non si tratta soltanto di questo: è un modo per comunicare, a distanza, i suoi pensieri, i suoi stati d’animo; per raccontarsi all’altro ed esprimere se stessa. È per questa ragione che allega puntualmente una lettera al pacchetto alimentare, che spetterà al fattorino di turno dover ricapitare. Ma cosa succede se, per uno scambio di “missive”, sarà l’ impiegato sbagliato a riceverle? È così che ha inizio una privata e romantica corrispondenza tra Ila e Saajan (Irrfan Khan): quest’ultimo un uomo malinconico e che, ormai, pare aver smesso di cercare qualsiasi gioia della vita, qualsiasi cambiamento. Una condizione che in parte li avvicina, rendendoli fidati confidenti, l’uno dell’altra e viceversa.

È un film sobrio, delicato e originale, Lunchbox, diretto dall’esordiente Ritesh Batra: una regia che prende immediatamente le distanze dalla commedia tipica della Bollywood, scartando alla radice eccessi, ridondanze e fatuità. L’autore sceglie infatti di concentrarsi sugli aspetti più dimessi e profondi della narrazione, privilegiando l’interiorità dei personaggi, il loro bisogno di comunicare e, soprattutto di sentirsi meno soli. Quello che più conta restituire e riportare, anche attraverso la costruzione della messa in scena, è il loro più intimo sentire, il loro disagio di fronte a un’esistenza vuota e sempre uguale. Così il loro agire minimale – per lo più costituito dalle abitudini culinarie di lei, e da quelle professionali di lui-  si coniuga con il peso e il significato della parola scritta e della riflessione; e, parallelamente, si alterna, nel montaggio, alle riprese della vita cittadina, caotica e opprimente: quella delle piazze, quella delle strade e dei mezzi di trasporto. La macchina da presa interviene dunque nel sottolineare ed isolare l’unicità della loro relazione epistolare,  offrendo loro uno spessore, umano e spirituale, che risalta dallo sfondo metropolitano, freddo e indifferente. Un distacco che si esprime anche nei colori: tonalità di grigio e di colori scuri caratterizzano le immagini d’ambiente; mentre sfumature più calde, accoglienti e vivaci pertengono il cibo, nelle sue varie articolazioni.

Heat – La Sfida è il film cult del 1995 diretto da Michael Mann e con protagonista nel cast Al Pacino (Vincent Hanna), Robert De Niro (Neil McCauley), Val Kilmer (Chris Shiherlis), Jon Voight (Nate), Diane Venora (Justine Hanna) e Natalie Portman (Lauren).

La trama di Heat – La Sfida

Neil McCauley (Robert De Niro) e la sua banda mettono a segno una sanguinosa rapina a un portavalori. Il Tenente Vincent Hanna (Al Pacino) si mette sulle tracce dei criminali, intenzionato ad andare fino in fondo. Tra pallottole, indagini e affanni individuali, la caccia diventerà una faccenda a due tra McCauley e Hanna.

Analisi: Prendi gli Oceans di Soderbergh, ma togli tutte le spiritosaggini e le fiches. Aggiungi I Soliti Sospetti, con tutto il suo fascino corale, ma senza il puzzle e tutta quella fatica cervellotica. Dopo un’ora e venti, a metà film, mettila sul personale: Robert De Niro contro Al Pacino. Ecco Heat – La Sfida, thriller del maestro Michael Mann, ispirato al noir francese Tutte le ore feriscono… l’ultima uccide (1966) di Jean Pierre Melville.

Non una sbavatura, non un personaggio che somigli a una figurina di carta, né una parola fuori posto. Quasi tre ore che filano dritte e maestose, con scariche di adrenalina che hanno fatto scuola – la rapina finita in macelleria urbana ha ispirato Christopher Nolan ne Il Cavaliere Oscuro – e che costellano quella che è (anche) una grande dissertazione audiovisiva sull’Amore nelle vite degli stakanovisti del crimine e della giustizia: un sentimento tutto sommato impossibile per uomini che vivono soltanto nella propria e per la propria vocazione, non importa da quale lato della barricata. Non per quanto riguarda i sentimenti.

Heat – La Sfida fim

Per il resto, naturalmente, non c’è storia: un Al Pacino/Vincent Hanna magnificamente gualcito e sopra le righe è l’eroe positivo, il migliore che uno spettatore attento possa desiderare. Un duro, sì, ma non con quel solito vizio di prendere strade brevi e ruvide in barba a qualche carrierista. Un duro con mente da accademico, un fuoriclasse. Il suo glaciale avversario Bob De Niro/Neil McCauley, rapinatore dalla vita disadorna che si fa strappare un pezzetto di cuore metallico da una bella grafica, è tagliente e quadrato tanto quanto il piedipiatti che gli dà la caccia è scapigliato e travolgente.

Ma se i due compari sono un sicuro portento, è grande merito del film occuparsi anche di altro e non accontentarsi di divertire il pubblico – chissà fino a che punto – con un lungo O.K. Corral tra assolute rockstar della settima arte.

Le donne dei duellanti sono ben più che comparse, ed è incisiva la figura di Lauren, figliastra disturbata del tenente Hanna interpretata da una Natalie Portman poco più che bambina, ma già bravissima; lascia il segno il personaggio del fragile rapinatore Chris (Val Kilmer), la sua storia nella storia, ed è indimenticabile il vecchio, affidabile e squallido Nate (John Voight). Ulteriore nota di merito per la colonna sonora, capace di accompagnare scorribande e proiettili con sonorità ai limiti del videogame o di scavare le giuste profondità, quando il film si prende una meritata pausa, e riflette. Imperdibile.

American Zero – South African Hero con questa frase può essere riassunta la vicenda di Sixto Rodriguez, cantante folk di Detroit, ma originario del Messico, che all’inizio degli anni70 provò a sfondare nel mondo della canzone d’autore ma senza risultati, almeno negli Stati Uniti. Perché, mentre i produttori americani pur impressionati dal suo talento lasciavano perdere l’ardua impresa di farlo piacere al pubblico yankee, in Sud Africa Rodriguez guidava con le sue canzoni (e a sua insaputa) il vivace movimento giovanile che in quel periodo lottava contro l’apartheid. Canzoni come Estabilishing Blues o I Wonder diventarono manifesto di un intera generazione senza però che i fan sapessero nulla del loro cantante preferito e viceversa. La storia raccontata dal documentario Searching for Sugarman di Malik Bendjelloul parte da questo mistero. I due album registrati da Rodriguez infatti diventarono con gli anni patrimonio di ogni Sudafricano: “In ogni casa c’era una disco dei Beatles, uno degli Stones e poi Rodriguez. Ma nessuno di noi sapeva davvero chi lui fosse”. Questo il racconto di Stephen Segermen, fan e proprietario di uno dei negozi di dischi di Cape Town che contribuì alla diffusione di quelle canzoni così ispiranti per lui e i suoi coetanei. E da questi misteri inizia la sua ricerca sulle tracce dello sconosciuto Sugarman. Studiando i testi delle canzoni, osservando minuziosamente le copertine dei dischi, inondando di lettere e telefonate redazioni di giornali, case di produzione e tv americane.

Il documentario, uscito negli Stati Uniti nel 2012 e vincitore dell’Academy Award nell’anno successivo, è in Italia solo da pochi mesi e resiste imperterrito in poche ma tenaci sale cinematografiche che ogni sera si riempiono di curiosi, attratti dall’enorme passaparola che è circolato intorno a questo piccolo gioiello del cinema documentario. Trasmesso qualche settimana fa dalla piattaforma satellitare Sky (non a caso sul canale Sky Arte) ha registrato un ottimo seguito. Ciò che forse attrae di più di questa storia, oltre alla colonna sonora stupefacente e al mistero che per la maggior parte del film aleggia intorno alla figura di Rodriguez, è la visione nuova e controcorrente che l’autore riesce a dare dell’artista. Molte infatti erano le leggende che circolavano su di lui, che in quanto artista doveva necessariamente essere problematico, e per questo irraggiungibile. “Si è ucciso con un colpo di pistola” oppure “Si è dato fuoco durante un concerto, ed è morto di fronte al pubblico. Per questo non fa più dischi”. L’immagine collettiva lo voleva “pazzo come tutti i geni” e invece questa storia (e soprattutto il suo finale, che non sveleremo) ridà una nuova dignità alla figura dell’artista: sereno, impegnato, intelligente soprattutto quando sicuro di sé e del proprio valore.