È stato a pieno titolo lo spaventapasseri dell’81° edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica della Biennale di Venezia The Brutalist, di Brady Corbet, che già nel 2018 aveva partecipato al Concorso del festival con Vox Lux. 215 minuti con tanto di intervallo programmato dallo stesso regista in fase di montaggio, una maratona ma anche un viaggio appassionante in una vita incredibile. Il film arriva in sala il 6 febbraio, distribuito da Universal, forse della vittoria di tre Golden Globes (regia, film drammatico, protagonista drammatico) e 10 nomination agli Oscar 2025.

La storia di The Brutalist

La storia segue la vita di László Tóth (Adrien Brody), un ebreo ungherese sopravvissuto al campo di concentramento che è riuscito ad arrivare in America. Il film si apre proprio con una scena che sembra una seconda nascita: László emerge dal ventre brulicante di anime speranzose della nave che lo ha portato a Ellis Island e inneggia alla Statua della Libertà. È riuscito ad arrivare nella terra che gli promette una nuova vita. Così, si reca a Philadelphia dove vive un suo cugino, Attila (Alessandro Nivola), e qui si sistema nel retro del suo negozio di mobili e comincia a lavorare con lui. Pian piano scopriamo piccoli frammenti della vita del protagonista: sembra una persona gentile e con la testa bassa, ha subito razzismo e odio e sembra che queste ferite non abbiano scalfito il suo animo disponibile e gentile. Scopriamo anche che è un architetto abilitato alla professione e che potrebbe essere di grande aiuto al cugino con il suo negozio di mobili su misura.

Corbet fornisce man mano piccoli pezzi per dipingere l’affresco della vita di Toth, arricchendo e ampliando sempre di più l’orizzonte della storia. L’incontro con Harry Lee (Joe Alwyn) apre un nuovo capitolo della vita di László, scopriamo non solo che è un architetto, ma che è un genio e che in Ungheria ancora restano in piedi degli edifici che lui ha progettato e di cui si parla sulle riviste di architettura. L’uomo viene incaricato di realizzare una sala lettura ristrutturando una vecchia e caotica libreria, per il giovane Harry Lee un regalo al padre.

Il “villain” di Guy Pearce

È in questo modo che entra in gioco Harrison Lee Van Buren (Guy Pearce) che diventa un contorcano potentissimo alla figura di Toth. Le due metà in cui il regista divide il film sono nettamente differenti: la prima offre una parabola ascendente, vincente della vita del personaggio e si conclude infatti con il suo risveglio artistico, la seconda si apre con l’arrivo negli Stati Uniti della moglie e della nipote, riuscite infine a sfuggire ai campi di concentramento e ad arrivare nella Terra Promessa.

A metà di The Brutalist, l’arrivo della moglie (Felicity Jones) cambia totalmente gli equilibri di László, il grande amore che li accomuna viene messo alla prova da imprevisti e ostacoli che ne condizionano le rispettive vite, in più la relazione tra l’architetto e il suo mecenate si complica, si trasforma e si stratifica. I due sono “artista/mecenate, ebreo immigrato/sangue blu americano, servitore/sfruttatore” e anche qualcosa di molto più oscuro. Van Buren vuole che costruisca qui: una combinazione di auditorium, palestra, biblioteca e cappella, fatta di cemento e marmo di Carrara, che sarà un monumento di lusso a Doylestown nella contea di Bucks.

Una relazione simbiotica tra artista e mecenate

Questo incarico, il dramma della costruzione dell’edificio, diventa un vero e proprio tormento per il protagonista, una ossessione, e il punto di svolta nella sua relazione con Van Buren. Per il magnate finanziatore si tratta di una estensione della sua persona, della sua eredità e anche di un modo per piegare al suo volere quel talento che tanto invidia nell’architetto. La relazione diventa quindi una simbiosi sempre più conflittuale, che culmina nella loro visita alle miniere di marmo di Carrara, in Italia, dove il tono diventa rarefatto, drammatico e onirico e dove si consuma un crimine che più che reale e fisico assume sfumature metaforiche. I due interpreti, sempre molto attenti a scegliersi i ruoli in un momento storico in cui le produzioni si fanno sempre più numerose e di vario livello, regalano allo spettatore delle interpretazioni di altissimo profilo, in cui Pierce conferma il suo fascino ambiguo e Brody pare dare continuità al personaggio che gli ha regalato il premio Oscar nel bellissimo Il Pianista di Roman Polanski.

The Brutalist, una riflessione su cosa vuol dire essere un artista

The Brutalist è un racconto archetipico di immigrazione e ambizione, di cosa significhi essere un artista. Ma è anche un racconto che affronta l’essere ebrei in un mondo che vi si avvicina con estrema ambivalenza, un requisito storico, potremmo dire, dell’approccio verso questo popolo perseguitato. Appare anche intrigante la scelta del nome per il protagonista del film: László Tóth, lo stesso nome dell’operaio ungherese che vandalizzò La Pietà di Michelangelo a San Pietro. Come a voler dire che l’atto della creazione implica una distruzione di quello che già esiste, ed è quello che fa il protagonista, distruggendo quello che era per costruire un nuovo modo di concepire gli edifici, come espressione della propria interiorità.

A questi argomenti che vengono fuori con naturalezza dalla storia, sembra chiaro che il regista voglia aggiungere una componente di grandiosità, un grande romanzo biografico in cui la vita di un uomo straordinario ci passa davanti agli occhi, con le sue ascese e le sue cadute, in una continua ricerca della realizzazione personale con la sublimazione della propria esperienza personale attraverso l’architettura.

Il regista e sceneggiatore singaporeano Anthony Chen torna con The Breaking Ice, un’opera intensa e poetica che esplora il senso di smarrimento, solitudine e desiderio di evasione di tre giovani in una gelida città cinese al confine con la Corea del Nord. Il film si distingue per la sua atmosfera malinconica e contemplativa, in cui la neve e il ghiaccio diventano elementi simbolici di uno stato emotivo sospeso tra l’immobilità e il cambiamento.

The Breaking Ice è un racconto di anime perdute

La pellicola si apre con un’immagine evocativa: uomini intenti a tagliare blocchi di ghiaccio, una rappresentazione visiva del titolo stesso. Subito dopo incontriamo Li Haofeng (Haoran Liu), un giovane che partecipa con distacco al ricevimento di nozze di un collega coreano. La sua alienazione si manifesta nella solitudine con cui mastica il ghiaccio del suo drink, rompendolo sotto i denti, di nuovo si evoca il titolo e si racconta una difficoltà a inserirsi dentro un contesto vitale, come può essere un matrimonio. La sua esistenza si intreccia presto con quella di Nana (Dongyu Zhou), una guida turistica che accompagna visitatori alla scoperta della comunità coreana della regione, e Han Xiao (Chuxiao Qu), cuoco di un ristorante coreano che nutre sentimenti irrisolti per Nana.

Un incontro casuale e una notte di alcol e confidenze fanno nascere tra i tre una connessione insolita e temporanea, trasformandoli in una sorta di famiglia improvvisata. Il loro legame si cementa attraverso momenti di fuga dalla realtà: balli sfrenati, escursioni pericolose, sfide insensate e un viaggio fino al remoto e innevato sentiero che porta al Lago del Paradiso. Questo cammino non è solo fisico, ma anche metaforico: ciascuno di loro è alla ricerca di una via di fuga dalla propria esistenza stagnante e irrisolta.

Un film d’atmosfera

Chen si affida a un racconto fatto di frammenti, momenti sospesi e silenzi che parlano più delle parole, realizzando una composizione visiva che evoca più che raccontare, ricordando il cinema della Nouvelle Vague francese, con riferimenti espliciti a “Bande à part” e “Jules e Jim”. Le immagini costruite dal regista sono costantemente costruite per rimandare a un altro significato oltre a quello che mostrano: una gabbia di animali in uno zoo riflette la prigionia interiore dei protagonisti, mentre un orologio costoso che smette di funzionare sottolinea l’inesorabile scorrere del tempo in qualsiasi condizione socio economica si possa vivere. Quel ghiaccio che Li Haofeng mastica all’inizio del film diventa di nuovo un riferimento al titolo ma questa volta viene condiviso dagli altri, acquista una ulteriore simbologia: connessione e vulnerabilità.

Tre protagonisti magnetici

A dare forma a questo cinema di suggestioni, intervengono i tre protagonisti: Dongyu Zhou dona a Nana un’intensità struggente, un personaggio che cerca di soffocare il dolore tra alcool e sesso privo di intimità. Haoran Liu interpreta Haofeng con una delicatezza toccante, incarnando il disagio di chi si sente fuori posto ovunque vada. Chuxiao Qu, nel ruolo di Han Xiao, trasmette una mascolinità ruvida ma ferita, mostrando il conflitto tra il desiderio di fuggire e l’incapacità di farlo. Tre voci che si uniscono in un coro di disagio e inadeguatezza, specchio di una generazione Z che chiede aiuto ma non sa a chi rivolgersi.

Chen dimostra ancora una volta la sua capacità di catturare i dettagli più sottili e significativi, come nel modo in cui posiziona i personaggi in un’ambientazione che ricorda il quadrante di un orologio, suggerendo ancora una volta l’inesorabile avanzare del tempo. Uno sforzo di composizione che viene accentuato dalla fotografia, con le sue tonalità fredde e una composizione meticolosa, che enfatizza il senso di isolamento.

The Breaking Ice ha un grande fascino visivo ma soprattutto emotivo, capace di trasmettere con estrema sensibilità la condizione di giovani che si sentono intrappolati nelle loro vite. Il film non manca di incongruenze, ma rimane un’opera di grande valore artistico. Il finale suggerisce poi una circolarità alla narrazione che sembra voler indicare che il senso di inadeguatezza e incertezza verso la strada da prendere non si supera, ma si impara a dare valore alla ricerca del cammino, non più alla destinazione del viaggio.

The Breaking Ice è un’opera che cattura con delicatezza la vulnerabilità dei suoi personaggi, immergendoli in un paesaggio invernale che riflette le loro anime alla deriva. Con una regia evocativa, Anthony Chen conferma la sua capacità di raccontare storie intime e profonde, regalandoci un film che lascia il segno con la sua bellezza visiva e il suo toccante ritratto di giovani alla ricerca di un senso di appartenenza.

I film e le serie tv destinati agli adolescenti sono da tempo un settore importante dell’industria cinematografica. Ma è con gli anni Ottanta che questo genere ha acquisito una sua autonomia ed ha trovato numerose fortunate strade, sia sul grande che sul piccolo schermo, lanciando attori e attrici che ancora oggi li popolano. Così hanno iniziato Michael J. Fox, John Cusack, Demi Moore e Leonardo DiCaprio, solo per citarne alcuni.

The Breakfast Club e il “brat pack” 

È il caso di The Breakfast Club, un piccolo cult del 1985 diretto da John Hughes, oggi disponibile su Netflix, che portò alla ribalta il cosiddetto “brat pack”, ovvero un manipolo di attori che divennero noti appunto per aver interpretato una serie di pellicole incentrate sugli adolescenti e le loro problematiche. Del gruppo facevano parte tutti i protagonisti del film: Molly Ringwald,  Emilio Estevez, Anthony Michael Hall, Judd Nelson e Ally Sheedy.

La Trama

Un gruppo di liceali, studenti alla Shermer High School di Chicago, è costretto a passare il sabato nella biblioteca della scuola per punizione. Il preside Richard Vernon, Paul Gleason, li sorveglia, non sempre con scrupolo, e assegna loro un tema dal titolo: chi sono io? Per spingerli a riflettere. Claire, Molly Ringwald, John, Judd Nelson, Andrew, Emilio Estevez, Brian, Anthony Michael Hall, e Allison, Ally Sheedy, sono molto diversi, ma tutti accomunati da un cattivo rapporto coi genitori e da problemi in famiglia, che pian piano li faranno avvicinare uno all’altro, rendendo quest’esperienza di condivisione un’opportunità per crescere, abbandonare i propri pregiudizi e aprirsi agli altri. Non mancheranno poi goliardate, balli e fumo per combattere la noia delle lunghe ore a scuola.

Un film senza sorprese, che però si riscatta nel finale

Dopo Sixteen candles – Un compleanno da ricordare, che nel 1984 aveva fatto conoscere al pubblico la giovane Molly Ringwald e portato sullo schermo un altrettanto giovane John Cusack in una delle sue prime apparizioni, Hughes ci riprovò l’anno successivo con questo The Breakfast Club, costruendo attorno ai giovani attori del brat pack un film per teenagers corale e senza grosse sorprese.

La prima parte del film è piuttosto scontata e poco coinvolgente, a tratti perfino fastidiosa, in particolare il personaggio di John, interpretato da Judd Nelson, è davvero sgradevole. L’attore interpreta anche bene il classico giovanotto spavaldo e strafottente, dai modi bruschi e aggressivi, ma senza neppure quella vena di ironia o simpatia che lo possa rendere in qualche modo accattivante. Le dinamiche fra i vari personaggi sono fin troppo prevedibili e rendono il film piatto. Ognuno è intrappolato in uno stereotipo: c’è Claire la snob, Brian il secchione, Andrew lo sportivo, Allison la pazza e appunto John, lo spaccone aggressivo.  Ciascuno guarda gli altri dall’alto in basso, sentendosi migliore. Nulla di nuovo o di particolarmente esaltante.

Nella seconda parte e verso il finale il film si riscatta, acquista un po’ di spessore e riesce a catturare l’attenzione perché Hughes, anche sceneggiatore e produttore, scompagina le carte e toglie le certezze, rimescolando tutto. Soprattutto, scopre il vero animo dei protagonisti e le loro fragilità. Qui entra finalmente in gioco un po’ di empatia che coinvolge lo spettatore. Cadono così i pregiudizi e nessuno si sente più diverso o meglio dei compagni.

Nell’interminabile giornata a scuola, poi, non mancano momenti goliardici, balletti in stile Footloose o Saranno Famosi, inevitabili figli dell’epoca. Nella colonna sonora, da segnalare Don’t you (forget about me), scritta appositamente per il film da Keith Forsey e Steve Schiff che accompagna i titoli di testa e quelli di coda ed è diventata uno dei maggiori successi dei Simple Minds.

Molly Ringwald e compagni oggi

Che fine hanno fatto oggi Molly Ringwald e compagni? La bella Claire è apparsa di recente in due prodotti di successo come la serie tv Riverdale, dove ha interpretato la madre di Archie – KJ Apa – Mary Andrews, e nel film Netflix The Kissing Booth (2018) che, seppur non apprezzato dalla critica, ha raccolto un buon successo di pubblico sulla piattaforma.

Emilio Estevez, figlio d’arte, non sembra aver avuto la stessa fortuna professionale del padre Martin Sheen. Oltre a quella di attore ha intrapreso la carriera di regista, ma il suo nome resta legato ai lavori degli anni Ottanta. Tra gli altri, fu nel cast de I ragazzi della 56a strada di Francis Ford Coppola già nel 1983, poi in Young guns – Giovani pistole di Christopher Cain (1988). Più recentemente è stato regista di un film su Bob Kennedy, Bobby (2006) e ha diretto sé stesso e il padre ne Il cammino per Santiago (2010).

Per quel che riguarda  Judd Nelson, si ricorda la sua partecipazione in Fandango accanto a Kevin Costner (1985). Prosegue poi la sua carriera di attore, che lo ha visto recentemente prendere parte al film di James Cox Billionaire Boys Club con Emma Roberts, Kevin Spacey e Ansel Elgort.

Anthony Michael Hall ha partecipato a film come Edward mani di forbice di Tim Burton (1990) ed è apparso come guest star in diverse serie tv. Recentemente è entrato nel cast di Foxcatcher – Una storia americana di Bennett Miller ed ha partecipato ad un episodio della serie Riverdale.

Infine, il nome di Ally Sheedy è rimasto principalmente legato alle pellicole anni Ottanta. Oltre a The Breakfast Club, vi sono St. Elmo’s Fire di Joel Shumacher e Wargames – Giochi di guerra di John Batham.