Spesso il trailer di un film è ingannevole, per questo bisognerebbe evitare di guardare il video promozionale del film, prima di andarlo a vedere. È quello che succede con La dolce arte di esistere. Il film di Pietro Reggiani (L’Estate di mio fratello, Asino chi legge) è una ventata d’orginalità che resiste all’appiattimento di un certo cinema italiano.

Roberta e Massimo soffrono di “invisibilità psicosomatica” una patologia ufficialmente riconosciuta nel mondo in cui si muove il film, che li rende letteralmente invisibili, l’una quando si sente trascurata e ignorata, l’altro quando è al centro dell’attenzione.

La scelta narrativa di mettere da parte l’eccezionalità oggettiva che risiede nella capacità di diventare invisibili, rendendola una malattia riconosciuta, dà la possibilità di entrare nell’intimo dei personaggi. Quello di Roberta e Massima è un intimo che, data l’origine della patologia, non si esplica del tutto nelle relazioni con gli altri personaggi, ma si svolge soprattutto nella testa dei protagonisti e deve quindi essere portato al di fuori di loro per poter essere “visibile” allo spettatore.

Una sfida non facile che Reggiani vince brillantemente prima in sede di sceneggiatura, accompagnando i protagonisti con un’onnipresente voce narrante e riducendo all’osso i dialoghi; poi in sede di regia, dove riesce a calare gli attori in situazioni che si adattano alla perfezione al loro dialogo interiore, permettendogli di rendere materiali i pensieri pur non proferendo parola.

Il film, che il trailer fa sembrare uno spot che si protrae per un’ora e mezza, si rivela una dolcissima sorpresa. Divertente e intelligente, svela una qualità di scrittura poco comune anche se leggermente prolissa. Gli attori, quasi totalmente privati della parola e con il rischio di cadere in un ritratto macchiettistico del personaggio che pende su di loro come una spada di Damocle, riescono a superare la prova e a farci riflettere.

In uscita il 9 Aprile, La dolce arte di esistere è un film sul coraggio, quello che tutti dobbiamo riprometterci di avere ogni giorno, e sul mondo che ci circonda, soffocante e alienante allo stesso tempo. E, soprattutto, è un film sull’originalità e sui cosidetti “strambi”, quelli che ci salvano dall’etichettare e catalogare le sensazioni, le persone, l’arte e il coraggio dei cineasti italiani.

Adriana è una donna di quasi 60 anni: francese di nascita, vive da molto tempo in Italia, in Puglia per la precisione, ha una figlia grande, un nipote e un lavoro da infermiera all’ospedale della sua città. Un giorno in corsia conosce Mohamed, un giovane uomo di Tangeri, di circa 30 anni. Tra i due nasce una storia destinata a dare scandalo.

Il melodramma è insito nella natura umana, su questo si basa quasi tutta la tradizione scritta e orale dei racconti da Omero a Shakespeare e oltre. In tutti questi racconti (prima di arrivare ad Harold e Maude) i protagonisti sono giovani e prestanti, a cui il destino avverso impedisce di essere felici.

Nel 2015, Mohamed e Adriana non possono essere felici perchè la società lo impedisce loro, per il “buon gusto” e per l’idea che una donna, dopo una certa età non posso più provare un sentimento passionale ed erotico, soprattutto se rivolto verso un uomo di 30 anni più giovane.

Insieme a Gloria, la cui attrice protagonista vinse un premio al Festival di Berlino 2013 e Party girl, questa è un’altra pellicola che parla della forza e della voglia di vita delle donne che già hanno attaversato buona parte dell’esistenza, ma che non sono ancora morte.

Adriana, interpretata dall’attrice Ariane Ascaride, che abbiamo visto in molti film del regista Robert Guédiguian, autore impegnato soprattutto sul fronte umano dei diritti sociali, ricorda per espressioni, movimenti, libertà di interpretazione, le attrici della Nouvelle vague di Godard e Truffaut, i primi che descrissero donne libere, indipendenti e in pieno possesso di se stesse e della propria sessualità.

Il mondo che circonda Mohamed e Adriana è squallido e grigio, sono i palazzoni di periferia, in cui le persone abitano e vivono tutte allo stesso modo, e una variazione a questa norma autoimposta è vista come scandalosa.

Come avveniva nelle storie del passato, tutto gioca a sfavore dell’amore, che però è inevitabile, e, come rivela lo stesso titolo, non perdona.

L’amore non perdona esce in sala il 9 Aprile.

Una giovane famiglia svedese decide di trascorrere una settimana bianca sulle alpi francesi. Il secondo giorno, dopo una mattinata sugli sci, l’allegra famigliola si gode un bel pranzo sulla terrazza del ristorante che da sulle piste. Improvvisamente una valanga passa accanto alla terrazza coprendola con le sue nuvole di neve; Ebba (Lisa Loven Kongsli), la madre, istintivamente si accuccia in protezione dei figli mentre Tomas (Johannes Bah Kuhnke), il padre, scappa a gambe elevate senza darsi cura dei propri cari. Nessuno rimane ferito, solo un grande spavento, ma qualcosa nel rapporto tra Tomas e la sua famiglia si è rotto ed ora sarà dura rimediare.

Ruben Ostlund con questo Forza Maggiore ha già fatto incetta di premi e riconoscimenti, sia dal pubblico che dalla critica; premio della Giuria nella sezione Un certain regard all’ultimo Festival di Cannes ed una candidatura, da favorito, al prossimo European Films Award. Stando alle prime battute si fa fatica a capire il perchè di tanto successo, il film di Ostland parte lento e senza grandi strappi narrativi all’infuori dell’episodio chiave, la valanga e la reazione vigliacca di Tomas, ma ben presto si capisce come il film sia destinato ad un’accelerazione costante.

Forza maggiore vuole dimostrare come non tutti gli uomini possano essere sicuri delle reazioni che possono avere di fronte a situazioni imprevedibili, anche quando di mezzo c’è la sicurezza dei propri cari. L’istinto è qualcosa di imprescrutabile e non governabile e può succedere che ti faccia agire in contrasto con quello che faresti razionalmente. Tomas reagisce in modo vigliacco e per questo perde la stima e la fiducia della moglie, lui stesso, dopo un primo rifiuto, dovrà affrontare quello che ha fatto e confrontarsi con il suo io più intimo, più nascosto. Tomas è un anti-eroe, non rappresenta per nulla il classico profilo di padre forte e coraggioso, rambo dell’ultimo minuto, che spesso ci viene passato dalla cinematografia tradizionale; Tomas è un uomo normale, e come uomo normale non può sottrarsi ai suoi istinti.

Il grande merito del film di Ostlund è l’aver deciso di raccontare questa storia in modo non eccessivamente pedante; quando lo spettatore meno se lo aspetta, viene sorpreso da una serie di dialoghi, situazioni e trovate estremamente brillanti, lucide, comiche al limite del farsesco. Ma è proprio questa capacità di prendersi in giro che rappresenta la forza del film, il quale, altrimenti, avrebbe rischiato la barbosaggine. Personaggi ben definiti e perfettamente integrati, come la giovane coppia di amici Mats (Kristofer Hivju) e Fanni (Fanni Matelius) che regalano forse i momenti più spassosi del film. Tutti molto bravi e tutto molto piacevole, un film da vedere e che finalmente racconta qualcosa di diverso ed in modo diverso. Forse ad uscire male siamo solo noi italiani che, in una delle battute più esilaranti del film, veniamo etichettati come un popolo di stalloni alla Alberto Tomba che non sanno parlare inglese. Dal prossimo 7 maggio nei cinema.