Arriva anche in Italia distribuito da 01 Distribution il nuovo film del regista Mikael Hafstom Escape Plan. Il film che riunisce il duo action Sylvester Stallone e Arnold Schwarzenegger, insieme al resto del cast composto da Jim Caviezel, Amy Ryan, Sam Neill, Vinnie Jones e  Vincent D’Onofrio.

Escape Plan racconta di Ray Breslin (Sylvester Stallone) – una delle principali autorità mondiali nel campo della sicurezza delle strutture carcerarie – che decide di accettare un ultimo incarico: evadere dall’ultra-segreto e tecnologico penitenziario di ultimissima generazione, “The Tomb”. Ingannato ed ingiustamente imprigionato, Breslin si trova così a dover coinvolgere un altro detenuto, Emil Rottmayer (Arnold Schwarzenegger), per mettere in atto un audace piano di fuga, ai limiti dell’inverosimile, per evadere dal più sicuro ed inespugnabile carcere mai concepito e costruito dall’uomo.

Escape Plan, il film

Escape Plan è un prodotto di quelli che sorgono dalle ceneri dell’epoca d’oro dei film d’azione hollywodiani dominata da due attori che senza dubbio hanno incarnato lo stereotipo di eroe dalle spalle larghe, mascella squadrata e forza disumana. Ovviamente parliamo di Sylvester Stallone e Arnold Schwarzenegger, ma come già ampiamente mostrato proprio dai recenti film di Sly, spesso non basta un’accoppiata d’oro per produrre un’operazione vincente.

E’ questo il caso di Escape Plan, film che seppur mantenendo un certo gusto di puro cinema d’azione, è costruito su un’evoluzione narrativa un po’ piatta e sottotono. Le premesse sono quelle giuste, di due anti-eroi che dovranno vedersela con un nemico sovrumano: una prigione inviolabile e fin qui il film regge bene. Poi però il corso degli eventi si sposta sui personaggi di contorno che, non aiutati da una caratterizzazione, finiscono per rappresentare delle macchiette senza spessore, finendo per ricondurre tutto il gioco ad una corsa con un cattivo appena abbozzato e contro il “tradimento”, banale trovata finale che non fa altro che  spegnere definitivamente l’interesse dello spettatore.

La pecca più grande del film è una sceneggiatura blanda, poco originale e dei personaggi appena accennati, che poco si sposano con le esigenze del pubblico contemporaneo, ormai abituato e in cerca di qualcosa di molto più complesso e intrigante.  Purtroppo, su queste basi nulla può il cast di talento, a cominciare dai due protagonisti, passando per le certezze Jim Caviezel e Sam Neill, finendo per i caratteristi Vinnie Jones e Vincent D’Onofrio. Il debutto del duo di scrittori Miles Chapman e Arnell Jesko è amaro che probabilmente passerà inosservato anche a coloro che, nostalgici di quel cinema anni ’80, cercano emozioni forti e spettacolarità gratuita.

Il Corvo è il film culto del 1994 diretto da Alex Proyas e con protagonisti Brandon Lee, Ernie Hudson, Michael Wincott e Bai Ling.

• Anno: 1994 
• Regia: Alex Proyas 
• Cast: Brandon Lee, Ernie Hudson, Michael Wincott, Bai Ling

Il Corvo, la trama: Detroit, notte di Halloween: Eric e Shelley sono due fidanzati in procinto di sposarsi. Il loro sogno di una vita insieme viene violentemente spezzato dalla  banda criminale guidata da Top Dollar, che uccide lui e violenta lei, riducendola in fin di vita: finirà di soffriredopo trenta ore di agonia, in ospedale. Un anno dopo, grazie ai poteri del corvo imperiale, Eric tornerà in vita per poter compiere la propria vendetta e così riposare in pace.

Analisi: Nei primi anni ’90 la Dimension Film decide di portare sullo schermo la miniserie a fumetti firmata da James O’Barr, sulla scorta del successo planetario arriso all’opera tra appassionati e non solo; alla regia viene chiamato il quasi esordiente Alex Proyas; il ruolo di Eric (dopo i rifiuti di River Phoenix e Christian Slater) va a Brandon Lee, figlio della leggenda delle arti marziali Bruce. Il 31 agosto 1993, a lavorazione quasi ultimata, Lee muore sul set, colpito dal proiettile vero sparato da una pistola che doveva essere caricata a salve.

Il film maledetto è servito, legato indissolubilmente alla tragica morte del suo protagonista, alla cui assenza in alcune sequenze del film si ovvia con l’uso di controfigure (come avvenuto col padre in L’ultimo combattimento di Chen) e con la rielaborazione al computer del materiale già girato.

Il risultato, al netto dell’aura oscura che ne ha segnato per sempre le sorti, è comunque largamente apprezzabile; pur con le inevitabili libertà prese rispetto all’originale cartaceo, Il Corvo finisce per essere trai migliori esempi del cinema ‘di genere’ prima dell’esplosione del filone nell’ultimo decennio.

L’ambientazione plumbea, in una metropoli trasfigurata che per certi versi ricorda una versione ante litteram della Sin City di Frank Miller e la prestazione di Lee, all’insegna di un’innegabile presenza scenica, unite ad una storia che mescola amore, morte, vendetta e violenza, sono le principali qualità di un film che alla fine sarebbe ingeneroso ricordare solo per quanto accaduto al suo protagonista; a fianco di Lee, un cast di semisconosciuti, trai quali Michael Wincott, Ernie Hudson e Bai Ling hanno poi proseguito una discreta carriera sul grande e piccolo schermo.

Grande successo al botteghino, ma apprezzato anche dalla critica, Il Corvo ha assistito a ben tre sequel (nessuno dei quali però firmato da Alex Proyas) e, in piena età di vigilanti e supereroi sul grande schermo, sarà prossima oggetto di un  reboot.

Menzione d’onore per la colonna sonora, vera testimonianza dell’epoca, in cui si ricorda soprattutto la cover di Dead Soul dei Joy Division  eseguita dai Nine Inch Nails, assieme a brani, tra gli altri di, Cure,  Rage Against The Machine e Stone Temple Pilots.

Marie Antoinette è un film del  2006 diretto da Sofia Coppola con protagonisti Kirsten Dunst, Jason Schwartzman, Judy Davis, Rip Torn, Asia Argento, Steve Coogan, Rose Byrne, Danny Huston

Trama: Ritratto inedito di Maria Antonietta, la leggendaria regina adolescente figlia dell’imperatrice d’Austria. Promessa sposa di Re Luigi XVI, a soli 14 anni l’ingenua Maria Antonietta giunge presso l’opulenta corte di Versailles. Sola e incompresa, la giovane regina di Francia si dedica a un’esistenza di frivolezze e rimane ingabbiata in una vita di scandali e congiure di palazzo fino alla Rivoluzione Francese, passando alla storia come la regina più incompresa.

Analisi: Figlia d’arte e maestra anticonformista del cinema, Sofia Coppola dipinge un ritratto originale e inedito della figura della celebre regina. Marie Antoinette non è un film storico, come espressamente indicato dalla regista, bensì una rappresentazione in chiave moderna della Regina di Francia.

Esorcizzandone il mito, la pellicola scritta e diretta da Sofia Coppola si propone di lasciare parte della Storia fuori dai cancelli di Versailles per focalizzare l’attenzione dello spettatore sull’interiorità di un’affascinante regina, riscoprendone la fragilità, la leggerezza, i palpiti da adolescente.

La Marie Antoniette di Sofia Coppola è brillantemente interpretata da Kirsten Dunst, la quale somiglia molto al personaggio grazie alle sue origini tedesche e vanta quella carnagione pallida e quasi abbagliante tipica della regina

L’attenzione dello spettatore è immediatamente catturata dagli accattivanti titoli di testa: di grande impatto è il contrasto tra il fondo nero e il rosa shocking dei titoli, che non sono accompagnati da una melodia austera che sarebbe peculiare in un film ambientato nella Francia del Settecento, bensì dal ritmo rock-punk che accompagna tutto il corso della pellicola. Marie Antoinette è infatti un’opera che va per dissonanze suggestive.

Marie Antoinette recensione del film di Sofia Coppola

Giunta a Versailles poco più che ragazzina, Marie Antoinette è alle prese con i pettegolezzi di corte e con le disattenzioni del marito, non si sente apprezzata a sufficienza e percepisce un grande senso di inadeguatezza, reso in modo credibile nella commovente scena del suo sfogo solitario.

Tuttavia, quando era ancora ‘la Delfina’, Marie Antoinette era anche amata e popolare, come ci mostra la pellicola nella prima scena all’Opéra, mentre un’entusiasta principessa si abbandona a un caloroso applauso rivoluzionando le consuetudini e destando stupore tra gli spettatori, i quali sono influenzati dal suo impeto e rivolgono i loro applausi all’amata Delfina.

Divenuta regina di Francia all’età di 19 anni, Marie Antoinette regge con difficoltà le responsabilità che ora sono sulle sue spalle, così come il ventenne Luigi XVI muove passi incerti nella politica.

Così la regina, frustrata dalla monotonia del marito e prigioniera di un mondo che le volta le spalle alla prima occasione – spesso veniva denominata ‘l’Austriaca’, disprezzandone le origini straniere – si abbandona a una serie di frivolezze, rese eccessive dalla posizione di prestigio occupata: è un’adolescente ingenua e smarrita che trova rifugio nel piacere edonistico, nel lusso più sfrenato. Maria Antonietta è dedita agli amici, al gioco, ai balli, alla passione con l’affascinante conte Fersen, conosciuto a un ballo in maschera. La relazione con il conte è trattata in poche scene, mentre la storia ci insegna che i due furono amanti per diversi anni.

In questo periodo di spensieratezza, la leggerezza di Maria Antonietta si riflette nel tripudio di colori delle scenografie, della glassa colante dei dolci, dei fuochi d’artificio, dei sontuosi costumi realizzati da Milena Canonero e meritatamente premiati con l’Oscar. Inoltre i costumi della regina lasciano trasparire la sua progressiva maturazione, sino a diventare una donna molto sofisticata.

A Sofia Coppola basta un solo elemento per accostare Maria Antonietta alle teenager del ventunesimo secolo: una scarpa Converse è posta ‘casualmente’ accanto alle innumerevoli paia di scarpette della regina in una delle sequenze più memorabili del film sulle note di “I Want Candy”.

La strepitosa colonna sonora è uno dei principali elementi di forza di Marie Antoinette, una miscela di suoni che spazia tra rock, punk, new-romantic, musica degli anni ottanta che coglie lo spirito adolescenziale proprio del film.

Pertanto la Marie Antoinette di Sofia Coppola è molto diversa dal personaggio dipinto dalla storia, che ce la descrive come un’arrogante sovrana che non si cura minimamente degli interessi del suo popolo; anzi, mentre i suoi sudditi soffrivano la fame, ebbe l’audacia di rispondere: “Se non hanno pane, che mangino brioches”.

Tale aneddoto, oggi riconosciuto come frutto delle maldicenze popolari nei confronti della spendacciona regina, viene rinnegato nell’opera della Coppola, quando un’ingenua e fragile Maria Antonietta afferma con stupore: “Io non avrei mai detto queste parole”. La giovane regina preferisce piuttosto contemplare l’alba insieme agli amici

Ma all’alba della Rivoluzione Francese entra in scena la Storia e il tono della pellicola si incupisce, come è sottolineato dalle tonalità più scure degli abiti di Marie Antoinette.

I sudditi odiano la Regina di Francia per la sua noncuranza nei confronti dei loro bisogni: mentre la crisi finanziaria dilagava in Francia, Marie Antoinette non rinunciava a spese talmente ingenti da procurarle l’appellativo di ‘Madame Deficit’. Inoltre è disprezzata dalla corte per aver privilegiato una ristretta cerchia di amici, cadendo vittima di una serie di infamie e calunnie che alimentarono l’insofferenza del popolo francese.

Di fronte all’aggravarsi dell’irrequietezza popolare, Luigi XVI e Marie Antoinette decidono di non fuggire dalla reggia, pronti ad accogliere qualsiasi evenienza. Così, alle cinque del mattino del 6 ottobre 1789, la folla parigina invade il palazzo di Versailles per uccidere la regina o quantomeno per portare a Parigi la famiglia reale.

La drammaticità di questi frangenti è tangibile, commovente il gesto di Marie Antoinette che si inchina al suo popolo con somma dignità in un finale che, malgrado il brio che caratterizza gran parte del film, non può evitare di cedere al dramma.

Tuttavia non c’è alcun bisogno di mostrare il processo, la ghigliottina, e di giungere al giorno fatale del 16 ottobre 1793: sono sufficienti la malinconia degli sguardi di Luigi e Maria Antonietta e la loro muta commozione per far parlare la Storia.

Gennaro si ritrova su di un’isola molto particolare, in cui uomini in divisa vagano senza memoria sotto il controllo di uno strano staff. Manicomio? Carcere? In realtà è il luogo in cui le anime, senza memoria, attendono di nascere, gestite da una multinazionale aliena. Quel che è certo è che Gennaro sconvolge l’ordine vigente con l’unica arma in suo possesso: la semplicità.

Il secondo capitolo di Luciano Capponi sull’aldilà si ispira al netturbino di origini napoletane di Totò ne La livella ma la sceneggiatura che l’autore propone è una favola complessa e articolata tra i sentimenti umani e quello che le anime vivono e provano in questo limbo, fatto di ostacoli e avversità proposte da questi alieni che odiano gli esseri umani. La storia si contraddistingue per la sua ricchezza di maschere e personaggi vicini alla commedia dell’arte, che nel loro porsi, rappresentano i vizi e i problemi della nostra modernità. L’azione narrativa si articola sul punto di vista di Gennaro (Patrick Oliva) e il suo modo semplice e naturale di accettare questa morte e quella dei suoi compagni, manipolati e classificati in stereotipi contemporanei. Ciò che il film non riesce a trasmettere in tutta questa complessa allegoria è la sospensione e l’illusione di quello che viene visto. Lo spettatore rimane fin troppo cosciente nell’apprendere questa dimensione ultraterrena, non accettando sempre il compromesso che il regista ci propone e muovendo dubbi e critiche sull’ingenuità che molto spesso Gennaro commette nelle scelte che gli capitano.

La storia volutamente non sceglie un genere ma per le sue battute predilige i tempi della commedia, che spesso non aiutano a creare l’illusione della favola che ci viene proposta, bensì ci portano fuori nella realtà spezzando così la storia in piccoli sipari ma contribuendo in qualche modo al ritmo interno del film. Dal punto della regia Capponi cura molto bene la fotografia e le inquadrature, così come i movimenti di dolly non sono mai banali ma ricercati nel dare un’altra lettura della sceneggiatura così ricca di metafore come ci viene mostrato nella sequenza della preghiera di Gennaro in cui successivamente la croce diventa il flauto. I raccordi di montaggio così come gli effetti visivi del film sono ciò che restituisce unità alla storia a differenza delle musiche e i testi delle canzoni scritte dallo stesso regista, che danno un contribuito prezioso alla morale del film ma che non uniscono la struttura del film.

Il Flauto è un film con delle chiare metafore sulla società moderna e i valori che ha perso con il suo evolversi e mutarsi, ma questo non è sufficiente ad ammaliare lo spettatore in questa sospensione temporale mancando così l’appuntamento per spingersi a riflettere di più sulle emozioni essenziali, molto spesso sfuggenti e effimere.

Dal 17 Ottobre al cinema.