Dopo Capitalism: A Love Story, Michael Moore torna al cinema con un film esilarante e scomodo: un documentario sugli Stati Uniti e le sue controversie ma anche e soprattutto sulle bellezze nascoste in altri Paesi del Mondo.

Il regista Premio Oscar s’immagina di dover gestire una crisi del Pentagono e si cala nel ruolo d’invasore con una missione particolare in cui nessun’arma è coinvolta e l’unico obiettivo è quello di “raccogliere fiori, anziché erbacce”. Moore ci accompagna a scoprire le bellezze di alcuni Paesi come l’Italia, la Francia e la Tunisia, invitando gli spettatori di qualunque nazionalità a riflettere su pregi e difetti della propria nazione.

È curioso osservare come il sogno americano è in realtà un’ideale prettamente europeo che nel Paese che gli dà il nome ha perso lo smalto. Per rimediare a tutto ciò, Moore ironicamente attraversa l’oceano e invade alcuni Paesi per riportare in patria diritti che europei e tunisini danno per scontati come, ad esempio, la maternità pagata o un sistema di salute pubblica gratuito, e che in America, invece, sono sconosciuti alla maggior parte della popolazione.

Se da un lato, il regista ci invita alla riflessione, dall’altro è impossibile non ridere di fronte alle sue reazioni di genuino stupore in situazioni che per noi sono del tutto naturali. Il documentario induce a riflettere sull’enorme discrepanza fra media americani e media europei: se i primi evitano di mostrare i difetti del proprio Paese, sottolineando come dall’altra sponda dell’oceano si paghino più tasse; i secondi sembrano sempre pronti ad esaltare i difetti del Vecchio Continente, decantando i pregi americani. Moore azzera queste differenze, alternando le sue esperienze in Europa a video autentici, a volte cruenti, e a spunti di riflessione più reali sulla grande America. Ne esce una visione autentica e controversa del Paese, in cui il tema della schiavitù è quasi ancora un tabù e l’educazione ha un prezzo altissimo. Gli argomenti trattati, inoltre, interessano qualunque società e forniscono uno spunto di riflessione attuale indipendentemente dalla nazionalità dello spettatore.

Nonostante le critiche, il regista riesce a mostrare un punto di vista ottimista, una visione del Mondo in cui tutto, anche il cambiamento più radicale e assoluto, sembra davvero possibile. Moore riesce nell’ardua impresa di mostrare i problemi del suo Paese in modo produttivo e quasi inusuale, ovvero attraverso le soluzioni a questi ultimi, infondendo allo spettatore una dose di fiducia verso il futuro. Dopo aver visto questo documentario, infatti, si esce dalla sala convinti che il proprio Paese non è sicuramente perfetto ma del tutto migliorabile.

Where to invade next è distribuito in Italia da Nexo Digital e Good Film e sarà nelle sale italiane solo per tre giorni, dal 9 all’11 maggio.

When You’re Strange è il documentario diretto da Tom Dicillo sui Doors, la band statunitense che in 54 mesi ha cambiato per sempre la storia del rock. Protagonista assoluto di When You’re Strange è Jim Morrison, da timido e sensibile poeta, a star eccessiva e incredibilmente carismatica, che è riuscito a splendere con tanta intensità da bruciarsi immediatamente, a 27 anni, con Jimi Hendrix e Janis Joplin, per sempre giovane nella memoria dei fan di tutto il mondo.

When You’re Strange prende le mosse dall’incontro di Morrison con Ray Manzarek e parla della successiva fondazione del gruppo, per il quale Jim scelse un nome dalle poesie di William Blake. La bruciante ascesa e il crollo immediato, parabola consueta delle star del rock, assume per Morrison la forma di un destino ineluttabile, costellato da alcool e draghe di ogni tipo che ne hanno alla fine determinato la caduta, e forse, anche la morte.

When You’re Strange, il film

Con uno stile piuttosto piatto Dicillo ci conduce in un montaggio di sequenze di repertorio, senza troppo aggiungere con la voce narrante che in originale è di Johnny Deep, mentre da noi è quella di Morgan. Una voce che si limita a raccontare quello che viene anche mostrato, lasciando inalterate le emozioni che le immagini offrono. When You’re Strange raggiunge i suoi livelli più alti solo quando lascia parlare la musica, che anche per coloro che non conoscono i Doors, o non ne sono fan appassionati, rappresenta un esempio particolare e interessante, degno del successo che ha avuto e che continua ad avere(80 milioni di dischi venduti nei 54 mesi di ‘vita’ della band e 10 milioni ancora oggi ogni anno).

Astenendosi dal giudizio umano, When You’re Strange mette in risalto la figura dell’artista, degli artisti, sottolineando in particolari sequenze proprio la natura ibrida della preparazione musicale di ogni componente del gruppo, alla quale si attribuisce lo stile e le sonorità originalissime che li hanno reso il gruppo famigerato. Tom Dicillo fa vivere il suo film soprattutto del grande mito dei Doors in sé, e di Morrison soprattutto, senza apportare grande valore aggiunto ad una storia che, per la sua eccezionalità, non ne ha affatto bisogno.

Il documentario uscirà al cinema il 21 giugno, il 3 luglio, anniversario della morte di Morrison, andrà in onda su Studio Universal e il 6 luglio uscirà in DVD in una doppia versione: la prima edita da Feltrinelli accoppiata al volume I Giorni del Caos, e la seconda edita da Universal.

Per il suo esordio dietro la macchina da presa Jesse Eisenberg ha scelto sotto molti aspetti di tornare alle atmosfere del film che lo ha lanciato, ovvero Il calamaro e la balena di Noah Baumbach. Anche When You Finish Saving the World – scritto dallo stesso regista – mette in scena le dinamiche e i conflitti interni a una normale famiglia americana.

When You Finish Saving the World, la trama

La trama si concentra in particolar modo sul difficile rapporto tra Evelyn (Julianne Moore) e suo figlio Ziggy (Finn Wolfhard): se la donna vive infatti una vita fin troppo impegnata nel gestire un istituto che accoglie donne vittime di abuso, il ragazzo passa i suoi giorni componendo canzoncine superficiali che lo hanno reso una piccola grande star dei social media. Lo stile di vita radicalmente diverso ha portato i due a sviluppare un rapporto fatto di incomprensioni e della difficoltà nell’ascolto dell’altro.

Nel suo film Jesse Eisenberg è riuscito a inserire quelle che fino a oggi sono state le sue migliori caratteristiche come attore: una gentilezza del tocco accompagnata da quel pizzico di nevrosi, di insicurezza esistenziale in grado di dare spessore a un personaggio anche dietro la facciata dell’ironia. Nel procedere col racconto Eisenberg dimostra di saper gestire con sapienza il tono delle situazioni e la dimensione emotiva delle figure rappresentate: il maggior pregio di When You Finish Saving the World è quello di non forzare mai la mano, esponendosi nella rappresentazione del dramma interiore dei personaggi senza però mai cadere nel tranello di farsi inutilmente melodrammatico.

Un film di grande delicatezza e pudore

Ecco allora che lo spettatore riesce a immedesimarsi con i pensieri, le azioni e anche con gli errori di Ziggy ed Evelyn: in questo modo il film mantiene un’atmosfera di verità che non viene mai a cadere, arrivando a toccare il cuore del pubblico con delicatezza e pudore. Se Eisenberg riesce nell’intento ciò è dovuto non soltanto alla lucidità e all’equilibrio della sua esposizione ma anche grazie all’interpretazione indiscutibilmente efficace dei due protagonisti.

Julianne Moore si dimostra come sempre una delle migliori interpreti del panorama americano contemporaneo quando si tratta di restituire i dilemmi e le frustrazioni di un personaggio femminile. E come al solito sa farlo soltanto attraverso brevi, precisi tratti: l’attrice compone la mimica, l’aspetto e il linguaggio del corpo di Evelyn in perfetta sintonia con il tono scelto dal regista, dimostrando sia ammirevole nel mettersi a disposizione del progetto attraverso una competenza attoriale davvero non comune. Sorprendente anche la prova di Wolfhard, il quale sa rendere il suo Ziggy superficiale e ingenuo senza però trasformarlo mai in un personaggio caricaturale. 

Un’opera molto matura per essere un esordio

When You Finish Saving the World nel suo essere un film “piccolo”, desideroso di raccontare una storia di frustrazioni e ordinarie infelicità, si dimostra al tempo stesso un’opera sorprendentemente matura per essere un esordio. Eisenberg compone un ritratto familiare vero, toccante nella sua semplicità, esplorando la complessità delle dinamiche umane senza necessariamente voler trovare una soluzione alla stessa. Ottimo esempio di cinema introspettivo. 

Ci sono horror che puntano sulla potenza delle atmosfere per arrivare a colpire l’immaginazione dello spettatore e scuoterla. Altri invece preferiscono puntare su una messa in scena maggiormente esplicita, capace magari di scioccare l’esposizione della violenza e della corruzione fisica e morale. L’argentino When Evil Lurks (in originale Cuando Acecha la Maldad) è tra i pochi che riesce a coniugare entrambi gli aspetti, principalmente grazie a una coerenza tra forma e contenuto che risulta sempre più difficile trovare in questo tipo di produzioni.

When Evil Lurks, la trama

La vicenda si svolge nelle campagne argentine: i due fratelli Pedro (Ezequiel Rodriguez) e Jimi (Demián Sallomón) scoprono un ragazzo posseduto da un demone che minaccia di infettare l’intero paese. Il tentativo di liberarsi del corpo martoriato dall’entità porterà allo spargimento di caos e violenza inaudita non soltanto nel piccolo paese ma anche nelle zone circostanti.

Lo sceneggiatore e regista Demián Rugna sa esattamente cosa raccontare e come farlo, senza scendere ad alcun tipo di compromesso. La sceneggiatura di When Evil Lurks possiede un’intensità narrativa del tutto particolare, la quale concentra l’azione nella prima parte quando i personaggi tentano di arginare il male che si propaga, mentre invece rallenta nel finale al fine di lasciare il dovuto spazio alla sensazione di predestinazione a cui i sopravvissuti vanno incontro. Si tratta di una scelta narrativa che possiede una sua efficacia specifica, la quale non sminuisce la tensione o la presa emotiva. E questo perché fin dal principio Rugna sviluppa una messa in scena capace di soffocare lo spettatore, fargli respirare l’aria infetta che i personaggi respirano, immergerlo in un’atmosfera di oppressione e follia malvagia. Visivamente When Evil Lurks è un film potente senza diventare mai eccessivo, anche quando sceglie di seguire alcune scelte narrative piuttosto radicali, anche per il genere stesso.

Il protagonista Pedro, un essere umano “tangibile”

Altro notevole punto a favore del lungometraggio è la definizione del protagonista Pedro, interpretato con adesione febbrile da Rodriguez: si tratta di un uomo con mezzi fisici, morali e mentali limitati che di fronte a una situazione molto più grande delle sue possibilità mostra tutti i propri limiti. Un uomo spaventato che registe in maniera più istintiva che logica, che cavalca la paura invece di sottometterla alla saggezza. I suoi sbagli nel corso del film sono quelli di un essere umano tangibile, non di un antieroe costruito per andare comunque incontro all’empatia del pubblico. Rodriguez aderisce a questo personaggio con una potenza emotiva ammirevole, fornendo una prova fisica e psicologica di spessore, rabbiosa quanto stridente. Quella di Pedro è una lenta e inesorabile discesa all’inferno a cui lui tenta di opporsi con la sua brutale umanità, opponendo una resistenza ottusa se non addirittura egoista. L’attore riesce ad esplicitare tutto questo con una prova destinata a mettere a disagio forse ancor più degli elementi propriamente terrificanti.

When Evil Lurks possiede poi la capacità di mettere in discussione quello che succede nel nostro presente attraverso momenti fortemente allegorici, i quali però mai perdono di coerenza rispetto alla trama o alla visione che il film stesso propone. Rugna ha avuto il coraggio di non piegare il genere alle esigenze di un pubblico più ampio che in fondo anela la catarsi attraverso questo tipo di prodotti. Al contrario When Evil Lurks si allinea con coerenza agli orrori che viviamo nel nostro tempo, dove anche coloro che dovrebbero essere comunque tutelati e tenuti al sicuro dalla violenza ne sono vittime innocenti. Il propagarsi incontrollato dell’odio irrazionale, infondato, o meglio fondato sulla menzogna, è un aspetto dei nostri giorni che Rugna sceglie di problematizzare senza assolutamente scendere a compromessi, anzi.

When Evil Lurks non scende a compromessi

Dotato di un paio di sequenze portentose e di altre capaci di mettere a dura prova lo spettatore più smaliziato quando si tratta di horror, When Evil Lurks si è rivelato una delle sorprese horror del recente passato. Dopo l’attenzione ricevuta giustamente dal pubblico di affezionati in giro per il mondo, fa veramente piacere veder arrivare nelle sale italiane un horror che rispetta il genere stesso nell’evitare di scendere a compromessi.

What’s Love è il nuovo film del regista indiano Shekhar Kapur, che ha raggiunto la fama internazionale dirigendo il celebre Elizabeth del 1998, il suo seguito Elizabeth: The Golden Age e Le quattro piume del 2002, quest’ultimo con protagonista lo splendido Heath Ledger.

Scritto dalla giornalista e produttrice Jemima Khan, What’s Love ha il titolo che in inglese aggiunge Got to do with it, ed è proprio ispirato a parte della vita personale della sceneggiatrice inglese che dal 1995 al 2004 è stata sposata con l’ex giocatore di cricket e primo ministro pakistano Imran Khan. Il respiro festoso e folkloristico è dunque appartenente ad un’esperienza diretta, che vuole mostrare una facciata della cultura varia e arricchente del Pakistan, per quanto si tratti sempre del contesto di una commedia.

Il regista ha abbracciato appieno il progetto e quello che ne è emerso è una riflessione sull’amore combinato – “assistito”, come diranno i protagonisti – in una Gran Bretagna che si ritrova a doversi soffermare di fronte a idee e credenze estremamente distanti dal proprio pensiero anglosassone.

What’s Love, la trama

La talentuosa Lily James è Zoe, amica d’infanzia di Kaz (Shazad Latif). Lui è un medico professionalmente stabile e affermato, lei invece è una documentarista poco apprezzata finché, però, non riesce per il rotto della cuffia ad attirare l’attenzione dei suoi produttori proprio con l’idea di girare un documentario sul suo amico.

Vicini di casa, cresciuti insieme giocando su una casetta su un albero, Zoe e Kaz sono in realtà molto diversi perché mentre la famiglia di lei è inglese, e la sua mamma è un’esilarante e magnifica Emma Thompson, quella di lui è pakistana dalle tradizioni molto vive alle quali tiene molto e che osserva con passione e senza le minime diluizioni causate dal contesto. È perciò che Zoe decide di seguirlo con la sua macchina da presa. Infatti, dopo una chiacchierata fatta insieme proprio su quella casetta sull’albero nel giardino di Kaz, lui le confessa di aver deliberatamente aderito all’idea di un matrimonio combinato con una giovane pakistana, con tanto di agente preposto alla selezione della candidata. L’incredulità di Zoe sarà l’oggetto del documentario che lei girerà, alla quale ci affiancheremo noi spettatori durante tutta la durata del film.

What’s Love è veramente una commedia godibile, che alterna le varianti di colori in base al personaggio di cui segue la storia affiancandole alla leggerezza con qualche punta d’indagine su alcuni temi per nulla superficiale. La videocamera di Zoe segue Kaz e il suo bizzarro percorso sentimentale, mentre noi seguiamo lei e il suo ben più caotico mondo affettivo.

Una romcom affatto banale

Shekar Kapur gira una romcom affatto banale, che abbraccia tante delle note attribuite all’idea di amore del nostro secolo. Il senso della vita di coppia viene scandagliato ascoltando tantissime voci, dalle più tradizionaliste a quelle più scanzonate, passando per (quasi) ogni fascia d’età e raccogliendo più d’una massima, che non hanno niente a che vedere con i Baci Perugina.

La piccola rincorsa del cinema di Zoe nel cinema del regista indiano, fa specchiare l’uno nell’altro, evocando evidentemente l’esperienza di Jemima Khan, ma anche le decine di modi di stare al mondo dei personaggi con i microcosmi che incarnano. La messa in scena, il ritmo, i colori, le luci e gli spazi sono posizionati sempre in maniera armoniosa e guidati con piacevolezza, senza sbavature o incoerenze.

La riprova della riuscita di What’s Love è la conferma di quanto uno strumento come quello della commedia riesca a veicolare e stimolare tematiche molto più serie e attuali di quanto vengano vendute. Così i dubbi, le confusioni, le ritrosie di due trentenni, diventano molto facilmente quelle di milioni di donne e uomini del nostro tempo. Con tutta la giocosa semplicità dei codici di stile.