Dopo aver rivoluzionato il cinema dell’orrore con Saw e L’evocazione – The Conjuring, James Wan torna alla regia con Oltre i confini del male – Insidious 2, sequel diretto del fortunato Insidious del 2010. La nuova pellicola riporta sullo schermo la famiglia Lambert, ancora perseguitata dalle oscure presenze che avevano sconvolto la loro vita. Nel cast ritroviamo Patrick Wilson, Rose Byrne, Ty Simpkins, Lin Shaye, Leigh Whannell e Angus Sampson – gli stessi volti che hanno contribuito a rendere il primo capitolo un successo internazionale e uno dei capisaldi dell’horror contemporaneo.

Con questo film, Wan si conferma come uno dei registi più riconoscibili del genere, capace di mescolare tensione, estetica classica e ritmo cinematografico. In attesa di vederlo alle prese con un titolo d’azione come Fast & Furious 7, Oltre i confini del male – Insidious 2 rappresenta il suo ritorno a una dimensione più intima e gotica, dove il terrore è costruito sull’atmosfera e sulla tensione, più che sul sangue o sugli effetti speciali.

L’orrore domestico e l’eleganza della regia

La trama riprende due anni dopo gli eventi del primo film: la famiglia Lambert ha cambiato casa per lasciarsi alle spalle le esperienze traumatiche del passato. Ma la pace è solo apparente. Josh Lambert (Patrick Wilson), ancora scosso da quanto accaduto, è perseguitato da una nuova entità: la “signora velata”, che tenta di possederlo di nuovo e di distruggere ciò che resta della sua famiglia. Da questo punto di partenza semplice ma efficace, James Wan costruisce una classica ghost story che alterna suspense, jumpscare e suggestione visiva, senza mai tradire il gusto per il racconto gotico.

Il film si apre con un prologo incalzante che ristabilisce immediatamente il tono della saga: suoni inquietanti, luci soffuse, sguardi fuori campo e una macchina da presa in costante movimento che amplifica il senso di minaccia. Wan sa come far sobbalzare lo spettatore, ma lo fa con eleganza, usando la grammatica dell’horror tradizionale per costruire un ritmo narrativo moderno e perfettamente calibrato. Ogni inquadratura è funzionale alla tensione, ogni movimento di macchina una trappola visiva che gioca con la percezione.

Uno dei punti di forza del film è la fruibilità autonoma: anche chi non ha visto il primo capitolo può seguire la storia senza difficoltà, grazie a una sceneggiatura che rievoca gli eventi precedenti con naturalezza, senza ricorrere a lunghe spiegazioni. In questo senso, Insidious 2 riesce nell’impresa di essere sia un sequel coerente, sia un racconto indipendente. La continuità narrativa è mantenuta più dallo stile che dalla trama: il regista non costruisce un semplice seguito, ma un secondo movimento dello stesso racconto, in cui il tema della possessione diventa metafora della perdita del controllo e dell’invasione del male nella quotidianità.

Un sequel che spaventa, ma non sorprende

Pur mantenendo un ritmo serrato e un’atmosfera inquietante, Oltre i confini del male – Insidious 2 non è esente da difetti. Il costrutto narrativo, seppur solido nella prima parte, si appiattisce progressivamente, virando verso una deriva di eccessi e incoerenze. La drammaturgia tende a sacrificare la coerenza interna per privilegiare l’effetto immediato, e alcune svolte risultano forzate o addirittura involontariamente comiche. È un rischio tipico del cinema di Wan: la sua abilità tecnica nel creare paura è talmente efficace che, quando la storia vacilla, la messa in scena finisce per sostenerla più del necessario.

Nonostante questo, il regista riesce a conservare intatta la sua capacità di costruire il terrore attraverso il ritmo, non attraverso la violenza visiva. I momenti migliori sono quelli in cui l’horror si fa psicologico, quando il male non è un’entità visibile ma una presenza insinuante, percepita negli sguardi e nei suoni. L’uso del sonoro — rumori improvvisi, porte che si chiudono, respiri fuori campo — è calibrato al millimetro, rendendo l’esperienza immersiva e spaventosa anche nei momenti di apparente calma.

Sul fronte interpretativo, Patrick Wilson si conferma un interprete ideale per il cinema di Wan: la sua fisicità e il suo volto tormentato restituiscono perfettamente la fragilità del protagonista, un padre sospeso tra colpa e ossessione. Rose Byrne regala una prova intensa e sofferta, mentre Lin Shaye e Leigh Whannell portano con sé quel tono ironico e familiare che alleggerisce la tensione. Nel complesso, il cast si muove con disinvoltura all’interno di una narrazione che alterna paura, mistero e un tocco di humour nero.

L’eredità di James Wan nel cinema dell’orrore

Con Oltre i confini del male – Insidious 2, James Wan consolida la sua posizione come artigiano del terrore contemporaneo, un autore capace di muoversi con sicurezza tra tradizione e innovazione. Il film, pur non raggiungendo la perfezione di The Conjuring, conferma la sua sensibilità estetica e il suo controllo tecnico: ogni movimento di macchina, ogni pausa di silenzio è pensata per massimizzare la tensione. Wan conosce il linguaggio dell’horror classico e lo aggiorna al presente, mantenendo sempre una distanza rispettosa dal gore e puntando su ciò che non si vede, ma si immagina.

In definitiva, Oltre i confini del male – Insidious 2 è un sequel solido e spaventoso, che mantiene viva la mitologia della saga pur senza aggiungere elementi realmente innovativi.
Un film che funziona come intrattenimento, costruito con professionalità e passione, anche se penalizzato da una scrittura a tratti confusa. Per gli amanti del genere, resta una tappa imprescindibile nel percorso di un autore che ha ridefinito i canoni dell’horror moderno.

Se scappi ti sposo è un film del 1999 diretto da Garry Marshall e con protagonista Julia Roberts (Maggie Carpenter), Richard Gere (Ike Graham), Joan Cusack (Peggy), Hector Elizondo (Fisher), Rita Wilson (Ellie), Christopher Meloni (Bob), Paul Dooley (Walter Carpenter)

La Trama di  Se scappi ti sposo: Il fascinoso giornalista newyorkese Ike vuole scrivere un pezzo su Maggie Carpenter, una bella ferramenta del Maryland con uno strano vizio: scappare a due passi dall’altare, prima del fatidico sì. Ha già fatto tre “vittime”, con le sue fughe in abito da sposa.

Ike va a conoscerla personalmente, si ferma nel Maryland, indaga, cerca di capire. Guadagnerà anche lui un’avventura all’altare con Maggie, non senza sorprese!

Analisi di Se scappi ti sposo: A una decina d’anni da Pretty Woman, la coppia Richard Gere – Julia Roberts torna ad ammaliare il pubblico con Se scappi ti sposo. Alla regia, in entrambi i casi, il classe 1934 Garry Marshall, approdato alla regia ormai cinquantenne dopo meritata gloria come autore televisivo (Happy Days, Mork e Mindy). Se scappi ti sposo è una riuscita commedia con solide basi narrative e interessanti spunti tematici, trainata da due cavalli di razza belli e bravi. La Roberts nei panni della Belle Ferroniere provinciale, così rustica e così fragile, è irresistibile, anche per Ike, smaliziato pennivendolo della Grande Mela. L’incontro e la conoscenza tra i due è una reciproca e graduale terapia. Ike smette i panni dello scialacquatore d’inchiostro, e con occhio da vero cronista (senza più alcun articolo in programma!) indaga il mistero delle fughe croniche e smaschera la morbosa tranquillità con cui la comunità, famigliari compresi, pasteggia sul dramma della “mangia uomini”, della “portaerei”. Maggie, trova in Ike la leva e il movente della sua guarigione: nient’altro che una decisa pulizia interiore, per diventare grande, decidere, non farsi travolgere più da mille uomini e da altrettante ritirate matrimoniali.

Se scappi ti sposo, Julia Roberts e Richard Gere nuovamente insieme

Se scappi, ti sposo tiene ben desti fino alla fine, per una domanda semplice e vitale: perché Maggie… è così? Non è una sempliciotta, una superficiale, una mantide, un’ingenua ninfomane con nocche e polpastrelli da meccanico e un sorriso intramontabile. Maggie è un enigma non privo di purezza, da proteggere e inseguire, da scoprire sequenza dopo sequenza in compagnia di Ike, a cui tornano a brillare gli occhietti bastonati da divorziato solitario, che pensava d’averle viste tutte. Se scappi ti sposo è un film che scorre, e lo spettatore spera di veder spiccare il volo d’amore a Richard e Julia, e benedire lo schermo.

Nota di merito per la ben cesellata schiera dei personaggi secondari. I compaesani e la famiglia di Maggie, la ex moglie di Ike e Fisher, il suo simpatico uomo, l’iperproteico Bob (fidanzato di Maggie), i tre “quasi mariti”. Questi, meno scolpiti in profondità, sono ottime sponde narrative, utilissimi nella prima parte per far decollare la storia e gettarne le basi. È proprio l’abbandonato n°3, un entomologo, a innescare l’azione spifferando ad Ike la storia della sposa che scappa, tra un singhiozzo d’ubriaco e un altro.

Ebbene, romantici, innamorati, cercatori e sognatori, Runaway Bride è un titolo da non perdere. Leggero come una bella piuma, e non come un fazzoletto gualcito e inutile. Leggero senza stancare, capace di insegnare ed emozionare.

Il trailer originale di Se scappi ti sposo di seguito:

Le migliori frasi di Se scappi ti sposo

• Lo sai che è strano! Per essere un bello fanno presto a scaricarti, l’avevi notato? (Barista) [a Ike]
• Salve sono io, lasciate un messaggio dopo il bip. Se volete inviare un fax, compratemi il fax! (Segreteria di Ike)
• Tu vuoi un uomo… che ti accompagni sulla spiaggia con una mano sugli occhi, per farti sentire la sensazione della sabbia sotto i piedi. Vuoi un uomo che… ti svegli all’alba… perché muore dalla voglia di parlarti e non può aspettare per sentire cosa dirai. Ho ragione? (Ike) [a Maggie]
• Eh, Ike, sono felice per te tesoro. C’è una macchina sul retro nel caso che lei decida di scappare! (Ellie)

Insonnia d’amore è un film del 1993 diretto da Nora Ephoron che vede protagonisti Tom Hanks (Sam Baldwin), Meg Ryan (Annie Reed), Bill Pullman (Walter), Ross Malinger (Jonah Baldwin), Rosie O’Donnell (Becky), Carey Lowell (Maggie Abbott Baldwin).

Trama: Sam Baldwin, giovane architetto rimasto vedovo, si trasferisce da Chicago a Seattle con il figlio Jonah, 8 anni, sperando che il cambio d’aria li aiuti a superare il dolore. A un anno e mezzo dalla perdita, Jonah, di nascosto, chiama una trasmissione radiofonica per parlare del padre, solo e triste. Spinto dal figlio, controvoglia, anche Sam parla alla radio della sua condizione. Tra gli ascoltatori c’è Annie, giovane giornalista di Baltimora ormai a un passo dal matrimonio con l’ipocondriaco Walter. La ragazza sente subito un magico feeling con il giovane vedovo, “l’insonne di Seattle”. Amore? Pietà? Un fragile e prevedibile desiderio di fuga dal matrimonio e dalle responsabilità? Senz’altro qualcosa che Annie non può ignorare…

Insonnia d’amore recensione

Analisi: Bravi interpreti, musiche sognanti, dialoghi frizzanti, l’amore, il destino (alleato fedele degli sceneggiatori!), il dolore: tutto questo è Insonnia d’amore, commedia sentimentale di Nora Ephron ispirato da Un amore splendido, titolo del 1957 (con Cary Grant e Deborah Kerr) che trova generosamente spazio nei televisori e nelle parole dei personaggi, con le storie dei due film che si inseguono senza creare eccessivi e sgradevoli corto circuiti.

La nascita di un amore che congiunge East e West Coast di un America piovosa e scintillante ha in Jonah Baldwin (Ross Malinger) il suo irriverente e precoce cupido di 8 anni. Il piccolo è davvero un gioiellino e strappa più di un sorriso. Irresistibili i siparietti con Victoria (Barbara Garrick), la iena che esce con papà Sam (Tom Hanks). E nei panni del messaggero d’amore, Jonah, non è niente male. Come biasimarlo: Annie (una Meg Ryan d’incanto), come nuova mamma, ce la vede proprio bene.

Anche la più semplice delle commedie, per essere di qualità, non deve cedere alla semplificazione estrema dei personaggi e delle situazioni. Una tentazione che Insonnia d’Amore rifugge agilmente. Lo dimostra, su tutto, la caratterizzazione di Walter (Bill Pullman), promesso sposo di Annie.

È carino, affermato (è vice direttore del giornale in cui lavora la Reed), elegante, ma è anche e soprattutto ipocondriaco, paranoico, poco avventuroso, ingessato. Tuttavia, questo sbilanciamento sul versante della noia e dell’ordinarietà, non lo rende un fantoccio insapore da sposare per una vita monotona. Non è l’uomo per Annie, probabilmente, e quando lei glielo fa capire, Walter non azzarda un “non sai che ti perdi”: la sparata tipica dei bellimbusti, tanto utili in certe pellicole magari piene di colore, ma paludate in un eterno bianco e nero sentimentale, morale, narrativo.

Ulteriore merito del film di Ephron è il non dimenticare mai il dramma all’origine della storia – la morte di una giovane moglie e madre – senza tuttavia zavorrare di amaro miele e strazi l’intero lungometraggio. E il messaggio è chiaro sin dall’inizio: c’è il diritto di cercare un’altra storia d’amore. Non il dovere di appaiarsi per forza con qualcuno, né di lasciarsi corrodere dall’insonnia e dal dolore. Né di accettare – è il caso di Annie – una relazione che non ha più niente da dire; accettarla magari solo per ragioni anagrafiche, per disincanto, per pigrizia, per quella ragion di stato che si accoccola sulle spalle dei trentenni e consiglia navigazioni rigorosamente sottocosta.

Anno: 2001

Regia: Peter Chelsom

Cast: John Cusack (Jonathan Trager), Kate Beckinsale (Sara Thomas), Jeremy Piven (Dean Kansky), Eugene Levy (commesso), John Corbett (Lars Hammond), Molly Shannon (Eve)

Trama: Le vite dell’americano Jonathan e dell’inglese Sara si incrociano in un grande magazzino di New York a Natale. Giovani e carini, entrambi mettono gli occhi su un paio di guanti da regalare ai rispettivi partner. Scocca la scintilla: giusto seguirla? Sara è convinta che sarà il destino a decidere se dovranno rincontrarsi. Si dividono, tornano alle loro vite. Ma qualche anno più tardi, ecco che una serie di tracce e le pieghe della vita fanno sì che i due, che non si sono più visti né sentiti, riprendano a pensarsi e cercarsi. Jonathan è a un passo da un matrimonio apparentemente da sogno, Sarah è una professionista realizzata, fidanzata con un musicista New Age di successo. Il destino chiama gli innamorati, difficile non ascoltarlo. 

Analisi: Un’ora e venti di romanticherie che scorrono senza troppo impegno sui concetti di Destino e Serendipità (trovare qualcosa mentre di sta cercando altro: nel film, trovare l’Amore, cercando regali di Natale), benché un certa superficialità sia concessa a una semplice commedia sentimentale. Non indimenticabile, ma nemmeno da buttare. I due protagonisti (Cusack e Beckinsale), soprattutto lei, sono chiamati a una recitazione quasi costantemente agitata e sopra le righe. Molto meglio gli elementi di contorno, che danno brio e originalità. Su tutti l’irresistibile commesso interpretato da Eugene Levy (il mitico papà Levenstein di American Pie), che si ritaglia un importante ruolo di “aiutante” dell’innamorato Jonathan, tormentando quest’ultimo con il suo folle mix di stachanovismo, stizza e senso degli affari. Non sono da meno Lars Hammond (John Corbett), il musicista New Age che sta con Sarah, villoso flautista che manda in visibilio pubblici di mezzo mondo, né Eve (Molly Shannon), sguaiata quarantenne amica della Beckinsale che finge interessi Flower Power e Bio per tenere su una baracca londinese tutta incensi, thè in foglie e manualetti profumati d’Oriente. Spassoso personaggio secondario è anche il fedelissimo scudiero di Trager, Dean (Jeremy Piven), orgoglioso del suo lavoro al mitico New York Times, dove però, si scopre, ha tra le mani più che altro un sacco di necrologi: e da vero amico, lascia indietro qualche accorato saluto a noti estinti per aiutare Jonathan nell’indagine che lo ricongiunge a Sara.

Si può guardare un film per il contorno, visto che vale più del nocciolo? Probabilmente sì, ma con un po’ di fatica. Perché il discorso sul Destino non è soltanto superficiale (ma forse è superficiale l’idea stessa di Destino), ma spinge i belli di turno, e con loro il film, in indesiderati spazi tra il finto filosofico e la caccia al tesoro. Magari chi ama i film romantici non chiede certe cose, ma si accontenta che la complessità la faccia – ne è ben capace – la presenza dell’Amore, con tutte le sfide che pone agli individui, su tutte il saper mollare ogni tranquillità per seguire il vero fuoco, anche se incontrato (o rincontrato) a trentacinque anni suonati, con un matrimonio in calendario, tanta stabilità, genitori felici, suoceri illuminati e una bellissima sposa. Tutto questo c’è, in Serendipity, ma fa il paio con la fragile e a tratti fastidiosa base “concettuale” dell’intero film di Peter Chelsom. Senza, è chiaro, sarebbe un’altra cosa, con un altro titolo.

Prima dell’alba è un film del 1995 di Richard Linklater con protagonista Ethan Hawke e Julie Delpy e film indipendente americano.

Trama: Jesse è uno studente americano di ritorno a casa. Celine una ragazza francese diretta a Parigi. Si incontrano su un treno e subito si piacciono. Jesse propone di scendere insieme a Vienna, dove lui deve aspettare una coincidenza fino all’indomani mattina. Celine si fa convincere. Passano le ore successive a conoscersi; parlano di tutto, confrontando sogni e visioni della vita. S’innamorano, sapendo che all’alba dovranno separarsi. L’indomani alla stazione si salutano, ma decidono di darsi appuntamento a quello stesso binario dopo sei mesi.

Analisi: Prima dell’alba  è per il suo regista, l’americano Richard Linklater, una scommessa vinta: nato come piccolo progetto indipendente, il suo successo ne travalica abbondantemente i confini. Linklater è premiato come miglior regista al Festival di Berlino e il film è oggi un cult del cinema romantico degli ultimi vent’anni, che ha dato vita a una trilogia (Prima del tramonto – 2004 e Before Midnight, 2013). A questa riuscita commedia sentimentale va anche il merito di aver dato la popolarità ai due protagonisti: Ethan Hawke e Julie Delpy. Il primo, già apparso ne L’attimo fuggente e Giovani, carini e disoccupati. La seconda, scoperta in Francia da Godard, poi diretta da Kieslowski e infine approdata ad Hollywood.

Prima dell’alba recensione del film di Richard Linklater

I motivi della sua fortuna sono vari: innanzitutto, la spontaneità e naturalezza dei due attori, rivelatisi una perfetta coppia cinematografica, capace di sostenere sulle proprie spalle l’intero film, sulla carta non facile da rendere entusiasmante.

La pellicola si basa infatti sui lunghi dialoghi che i protagonisti si scambiano mentre passeggiano per le vie di Vienna, e che hanno per oggetto le più svariate tematiche (amore, ma anche religione, famiglia, e quant’altro). Dunque una struttura limitata, che riesce però a coinvolgere lo spettatore per l’estrema autenticità dei protagonisti, dovuta anche al fatto che gli attori (qui solo Delpy, ma successivamente anche Hawke) scrivono parte delle battute dei loro personaggi, cercando di restituire in esse le proprie vere convinzioni.

Il metodo trasforma il lavoro in un’opera ancor più collettiva, in cui gli attori sono anche sceneggiatori. Vedendo Jesse e Celine scambiarsi opinioni ed esperienze, fare bislacchi incontri per le vie di una Vienna cornice ideale – romantica ma anche piccola e raccolta attorno ai protagonisti, affascinante ma non così tanto da rubare loro la scena – si riesce a respirare quell’atmosfera di speranza e apertura al futuro tipica dei vent’anni ed anche quel tanto d’incoscienza e ingenuità che rende possibile vivere una storia d’amore in poco più di dodici ore.

Altro aspetto curioso e intrigante per lo spettatore è proprio la ristretta unità di tempo in cui si svolge l’azione e il luogo prescelto, Vienna appunto, città di passaggio per entrambi. Limiti spazio temporali ben precisi, che circoscrivono la vicenda, rendendola una parentesi stra-ordinaria nelle vite dei protagonisti, sospesa al di fuori delle normali regole dell’esistenza, in cui perciò tutto può accadere. Il finale aperto lascia poi spazio alle congetture su se e come l’avventura romantica possa continuare.

Lo stile rimanda più alla tradizione europea  – e francese in particolare, come la sua protagonista –  che a quella della commedia americana.

50 volte il primo bacio (50 First Dates) è il film del 2004 diretto da Peter Segal e con protagonisti Adam Sandler e Drew Barrymore, Rob Schneider (Ula), Dan Aykroyd (Dr. Keats), Sean Astin (Doug Whitmore), Blake Clark (Marlin Whitmore).

La trama di 50 volte il primo bacio

Trama: Harry Roth, veterinario alle Hawaii, è un infaticabile donnaiolo. L’incontro con Lucy Whitmore, giovane insegnante d’arte, gli scombina i soliti piani da gran seduttore di turiste. Se ne innamora a prima vista, e pensa già in grande. Ma, nonostante il primo approccio con Lucy sia positivo, ben presto Harry scopre un colossale problema: Lucy, a causa di un brutto incidente che le ha causato danni cerebrali, ogni notte dimentica cosa ha fatto e chi ha incontrato il giorno precedente. E ogni giorno per Lucy – almeno finché regge l’amorevole finzione organizzata da famigliari e amici – è sempre quel dannato 13 ottobre, data dello schianto. Una situazione difficile, un amore apparentemente impossibile… ma Harry non può tirarsi indietro! 

Il film di Peter Segal

Analisi: Tante risate e qualche singhiozzo con 50 volte il primo bacio, commedia sentimentale firmata Peter Segal (Terapia d’urto) che coccola lo spettatore con un’intelligente costrutto narrativo, temi profondi, un finale non cartoonistico. E una serie di trovate comiche gustose e spesso felicemente sconfinanti nella più goduriosa scorrettezza; un autentico bombardamento di gag che ha in uno straordinario Rob Schneider (nei panni dell’hawaiiano Ula), nella famelica e mascolina Alexa (Lusia Strus), assistente russa di Roth, e in Doug, fratello palestrato e tardo di Lucy, tre infallibili portabandiera del buon umore. C’è anche Dan Aykroyd, un po’ nascosto. 

Affinità con Il giorno della marmotta, storica pellicola con Bill Murray e Andy MacDowell, diretta da Harold Ramis, nella quale una specie di incantesimo punitivo rende letteralmente tutte uguali le giornate dello scorbutico meteorologo Murray, che soltanto diventando un uomo migliore riesce a evadere dalla gabbia temporale. Una costrizione simile, in 50 volte il primo bacio, la affronta inconsapevolmente Lucy (Drew Barrymore), e di riflesso Harry (Adam Sandler). Ma non c’è alcun sortilegio da interrompere. C’è un danno cerebrale irreparabile. E il veterinario delle Hawaii che, pur non essendo un cinico antipatico alla Murray, ha tanto da imparare, fa il salto verso la vita adulta quando, scoperto l’amore, sceglie di far di tutto per il bene di Lucy.

Efficaci e curiose le strategie temporali del film, naturalmente influenzate dalla disgraziata condizione della protagonista femminile. Il racconto si avvale di  significative accelerazioni: la prima, dopo i minuti iniziali, racchiude rapidamente una serie di incontri ex novo (per lei!) tra Lucy e Harry. Un’altra, permeata di una fragilissima serenità, mette in fila i tanti primi baci tra i due; una sequenza dolorosa, perché al di là di tutti gli stratagemmi orchestrati per fornire artigianalmente a Lucy una memoria di appunti e VHS, lo spettatore vive con Harry il dramma palpabile della totale precarietà. A questi sommari si alternano momenti di deciso rallentamento, che racchiudono gli snodi narrativi del film: su tutti, si staglia la sequenza chiave in cui i due protagonisti decidono di dividersi e metter fine a una recita che ha i lineamenti della tortura.

Il finale conquista. È solenne, prezioso, merita qualche lacrima e insegna. È l’invenzione di una vita come continua e ciclica opera d’amore, di rinnovato amore.

  Anno: 1989

Regia: Rob Reiner

Cast: Billy Crystal, Meg Ryan, Carrie Fisher, Bruno Kirby

Trama: Harry Burns incontra per la prima volta Sally Albright nel 1977. I due hanno appena finito l’università e si stanno trasferendo a New York per realizzare i propri sogni. Il destino li separerà e li farà riavvicinare più volte, e nonostante entrambi vivranno storie d’amore importanti con altre persone, capiranno solo alla fine, pur essendo molto diversi, di essere fatti l’uno per l’altra.

Analisi: Dieci anni per dirsi “ti amo”. Oppure: l’amicizia tra uomo e donna forse non esiste. La commedia famosa per la “scena del finto orgasmo”, ma godibile anche e soprattutto per molti altri aspetti, si potrebbe riassumere in queste due frasi. I film come Harry ti presento Sally provocano nello spettatore di oggi una sottile e bonaria invidia. Non tanto per l’emozione che regala una storia d’amore, quanto per il contesto sociale ed economico in cui essa si sviluppa: un ambiente in cui il benessere illumina la realtà dei protagonisti di una luce così benevola e ovvia, da lasciar loro tutto il tempo per pensare solo ed esclusivamente a beghe sentimentali di varia natura.

Per chi ha voglia di leggerezza e desidera staccarsi dalla realtà odierna, gustandosi gli ingarbugliamenti amorosi di chi, a 30 anni, è più che realizzato professionalmente, di rado le commedie americane degli anni Ottanta deludono le aspettative. Harry ti presento Sally (titolo originale When Harry met Sally, Quando Harry incontrò Sally), è uno dei capofila del genere, punto di riferimento di numerose altre commedie romantiche in cui i due protagonisti si accorgono di essere innamorati solo dopo mille tribolazioni ed equivoci. Non a caso, per la parte di Sally, Rob Reiner e la sceneggiatrice Nora Ephron, avevano puntato la rossa Molly Ringwald, ex sedicenne di Bella in rosa, Un compleanno da ricordare e tutto il filone della cinematografia per teenager degli anni Ottanta, firmata John Hughes. Ma Molly, avvezza a interpretare le storie in cui il/la migliore amico/a ha una cotta per quello/a che neanche si accorge di lui tranne che nel finale, dimostrò poca lungimiranza, e la parte fu assegnata Meg Ryan, che, tre anni prima, era riuscita a farsi notare in Top Gun.

Pur non essendo una commedia romantica con grandi caratteristiche distintive rispetto ad altre, è carina l’idea di inserire dei siparietti in cui anziane coppie raccontano come si sono conosciute, che fungono da spartiacque tra gli incontri di Harry e Sally. L’idea è stata poi ripresa anche da altre commedie – vedi La verità è che non gli piaci abbastanza, anche se lì le testimonianze sono di persone lasciate e single incalliti.

Buona anche la costruzione del rapporto fra i due, così diversi, ma che, alla fine, subiranno uno scambio di ruoli. Lei, apparentemente precisa, metodica e assertiva – il suo tratto caratteristico è fare impazzire camerieri e hostess quando ordina un drink o un’insalata – sarà quella che reagirà con maggiore shock alla trasformazione della relazione. Lui, così cinico e disilluso, sarà quello che deciderà di dare una svolta alla situazione.

Un plauso particolare va alla scelta della colonna sonora: le voci di Frank Sinatra, Louis Armstrong, Ray Charles ed Ella Fitzgerald calzano alla commedia come un guanto.