Avrebbe dovuto dirigere Scream VII Christopher Landon, ma ha infine abbandonato il progetto per via di problematiche sorte nel corso della realizzazione. Un vero peccato, dato quello che aveva già dimostrato con Auguri per la tua morte e che ribadisce ancor di più con il nuovo Drop – Accetta o rifiuta, ovvero di essere abilissimo nel muoversi del territorio del thriller, costruendo immagini e sequenze capaci di far dimenticare anche qualche leggerezza nella sceneggiatura. Con il nuovo film – scritto da Jillian Jacobs e Chris Roach (autori di Obbligo o verità e Fantasy Island) – entriamo infatti all’interno di un perverso gioco che, con pochi elementi, riesce a tenere in tensione per tutti i suoi 95 minuti di durata.

La trama di Drop – Accetta o rifiuta

Protagonista del film è Violet (Meghann Fahy, vista in The White Lotus), una madre vedova al suo primo appuntamento dopo anni. Arrivata nel ristorante di lusso dove si svolgerà la serata, si sente sollevata dal fatto che il suo accompagnatore, Henry (Brandon Sklenar, visto in 1923), è più affascinante e bello di quanto si aspettasse. Ma la loro intesa inizia a incrinarsi quando Violet inizia a essere irritata e poi terrorizzata da una serie di messaggi anonimi al suo telefono. La cosa prende infatti una brutta piega quando il misterioso disturbatore le fa capire che se non farà quello che dice, suo figlio verrà ucciso. Per Violet, ha così inizio il più inaspettato degli appuntamenti romantici.

Christopher Landon si diverte e convince con Drop – Accetta o rifiuta

Che la tecnologia si oggi la principale fonte di ispirazione per i generi thriller e horror è indubbio. Al di là di una serie come Black Mirror, film come Unfriended, M3GAN o il recente Companion sono solo alcuni degli esempi possibili su come queste tipologie di film stiano proponendo nuovi brividi appoggiandosi a realtà ormai diffuse e note a tutti, raccontandoci così anche delle degenerazioni della nostra società. Drop – Accetta o rifiuta fa altrettanto, proponendosi però non tanto con un commento sociale (che comunque c’è) quanto come un puro divertissement, conduncendoci all’interno di un giallo da risolvere a colpi di messaggi, meme e telecamere di sorveglianza.

Ecco allora che Landon dà sfogo alla sua creatività, modellando la messa in scena per rendere quanto più dinamico e accattivante possibile un film che si svolge grossomodo in un unico ambiente. Tra virtuosismi con la macchina da presa, giochi di luci ed efficaci scritte in sovraimpressione che ci permettono di sapere cosa viene scritto a Violet, siamo portati ad entrare sempre più nel vivo della situazione, iniziando a provare la stessa angoscia della protagonista. Perché ognuno dei presenti nel ristorante può essere il responsabile di quanto sta accadendo e così lo sguardo si impegna a fare attenzione ad ogni dettaglio in cerca della soluzione.

Landon si diverte così a proporre suggerimenti ma anche depistaggi, facendo bene attenzione a dosare gli ingredienti di questo thriller affinché il ritmo e la tensione non vengano mai meno. Riesce a farci sospettare di tutti (merito anche di convincenti interpretazioni, soprattutto di di Fahy e Sklenar), talvolta in modo non propriamente genuino, ma sempre con l’obiettivo di mantenere con sé quell’attenzione dello spettatore catturata sin dai seducenti titoli di testa del film. E come si diceva, si passa così anche sopra alcune ingenuità nella sceneggiatura, alcuni punti di essa che non tornano e anche sopra alcuni più ampi buchi. Perché qui più che mai l’importante non è il cosa, ma il come.

Un film che riflette sull’abuso di potere

Ma Drop – Accetta o rifiuta non è tutto muscoli e niente cervello, anzi. Il film, sin dalle primissime scene, stabilisce l’intenzione di parlare di violenza all’interno delle relazioni, di soprusi, di incapacità di reagire ai propri oppressori. È quello che caratterizza Violet, uscita da una relazione tossica che l’ha portata ad un passo dalla morte. Seppur non in modo esplicito e anzi apparentemente slegato da questo tema, il resto del film si basa sul suo ritrovarsi nuovamente in una situazione di subordinazione rispetto a qualcuno che la controlla in ogni sua mossa e la comanda minacciando ciò che lei ha di più caro. Così facendo la protagonista è costretta a confrontarsi con il proprio passato, cercando però di non rifare gli stessi errori.

Si tratta di un aspetto che, come già detto, rischia di passare in secondo piano rispetto alla brillante confezione con cui Landon impacchetta il tutto, ma è quel valore in più che permette al film di dotarsi di una carica ulteriore. Proprio alla luce di ciò, è difficile non pensare con malinconia a cosa avrebbe potuto realizzare con Scream VII (che con Drop – Accetta o rifiuta presenta diverse analogie, a partire dall’assassino che gioca con la propria vittima), ma ci si può rincuorare nel vedere questo suo nuovo film, che diverte, spaventa e, guardando a più riprese ad un modello come Alfred Hitchcock, porta in modo intelligente a stare col fiato sospeso in vista della risoluzione finale.

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A Venezia 75 viene presentato il film di chiusura, Driven di Nick Hamm, in conclusione di una maratona cinematografica assai ricca e piena di titoli interessanti. Driven arriva però alla fine di una giornata di proiezioni povera rispetto al palinsesto dei giorni precedenti, forse per una scelta mirata, visto l’accavallarsi con il festival di Toronto. Alla fine della proiezione è stato presentato anche il backstage, che racconta alcuni difficili momenti della realizzazione.

Driven è la storia intrecciata di due persone, molto distanti tra loro, ma che uno strano gioco del destino porterà a fondere le loro vite. Siamo nella metà degli anni Settanta, Jim Hoffman è un pilota, implicato in un colossale traffico di droga, nel quale non esita a coinvolgere la sua famiglia, mentre John DeLorean, suo vicino di casa, è un geniale e ricco progettista di automobili, con un passato glorioso e il sogno di produrre l’auto che rivoluzionerà per sempre il mercato. Jim è strettamente sorvegliato dall’FBI, che in cambio della libertà lo sfrutta come informatore. DeLorean invece è alla ricerca di capitali per finanziare il suo ambizioso progetto. Inutile dire che sarà l’inizio di un gioco complesso, che sfuggirà di mano, infrangendo le leggi, l’etica e l’amicizia.

Il regista Nick Hamm dice di aver voluto raccontare la storia di due uomini così bisognosi dell’essere vincitori, da arrivare a distruggere famiglia e amicizia.  L’interrogativo al centro del suo film è se DeLorean sia un truffatore o un genio della creatività e viceversa, se Jim sia un criminale o una persona sincera e di cuore.

Il film gioca bene con questi interrogativi, ruotando attorno a quell’automobile avveniristica dalle ali di gabbiano, diventata famosa solamente perché scelta come macchina del tempo in Ritorno al futuro di Robert Zemeckis. Peccato che in realtà quel costosissimo veicolo sia stato un autentico fallimento, pieno di problemi strutturali e malfunzionante fin dall’uscita dalla fabbrica. Nel film ci sono molti momenti con battute, neanche troppo velate, sulla DeLorean come macchina del tempo, futuro e viaggi lontani.

Driven è un film ben congeniato, diretto con mano sicura e ben interpretato, in maniera sorniona, beffarda, a volte esagerata, ma credibile. Nonostante la confezione appetitosa, la musica rock coinvolgente e perfettamente correlata al montaggio, la divertente ricostruzione caricaturale degli anni Settanta e l’imbastimento di un riuscito connubio tra commedia e poliziesco, stenta però a coinvolgere anche chi non è troppo appassionato all’industria delle automobili.

Driver è un uomo gentile e silenzioso, fa lo stuntman professionista e per arrotondare si presta a fare da ‘autista’ ai rapinatori che devono lasciare il luogo del crimine in pochi minuti. Ma per tutti arriva il momento delle scelte sbagliate, e per Driver sarà la rapina sbagliata, che lo trascinerà in un bagno di sangue.

Il decantato Drive del bravissimo Nicolas Winding Refn arriva anche in Italia, in 300 copie, con tutte le aspettative che gli hanno messo addosso i critici che l’hanno già visto a Cannes e soprattutto la Palma alla regia per l’olandese Refn. Il film, con atmosfere che ricordano molto gli anni ’80, e un cast in stato di grazia racconta con ansiolitica lentezza una storia cruda e nemmeno troppo complessa, ma sullo schermo straordinaria. Una città cupa, almeno quanto gli animi dei protagonisti, fa da perfetta cornice a un uomo con la sua auto e a tutta la violenza che riesce a scatenare la vendetta e la paura, ma anche l’amore. Un amore che per brevissime sequenze regala al film una profondità emotiva davvero impensabile, un contrasto interessante che impreziosisce la storia. Grande importanza viene data alla musica, molto invadente ed onnipresente che aiuta la costruzione della suspance, cifra distintiva si dall’inconsapevole inizio.

Drive, il film

Bellissime le interpretazioni, a partire dalla delicata Carey Mulligan, passando dal truce Ron Perlman, fino al grande silenzioso protagonista, Ryan Gosling che ipnotizza con i suoi silenzi e folgora con le sue parole. Intrecciando in diversi punti il presente con il prossimo futuro, Refn realizza una struttura filmica molto dinamica, che non sacrifica il peso e la durata di ogni inquadratura e che coinvolge e stravolge.

Lo scoppio della brutale violenza che si concentra in diversi momenti paralizza e disgusta ma mai ci fa mettere in dubbio la fondamentale gentilezza di questo laconico Driver. Con una grande leggerezza Refn si muove sia nello stretto abitacolo di una macchina sia alle sue spalle, segue con movimenti fluidi i personaggi in camere e corridoi, senza mai alterare il suo racconto anche quando il sangue scorre a fiumi. Belle le luci, cupe e calde, che raccontano, insieme agli intensi sguardi di Gosling una vita in bilico.

Quando si ha a che fare con un duo di registi dallo stile fortemente distintivo, si può essere portati a chiedersi se certe loro caratteristiche siano proprie di entrambi o se siano da attribuire all’uno o all’altro. Per quanto riguarda i fratelli Joel e Ethan Coen, sappiamo che entrambi condividono il gusto per il grottesco, per l’umorismo nero, per i personaggi sopra le righe ma anche per la profonda drammaticità di certe situazioni. Quando hanno annunciato una pausa nella loro collaborazione, è però inevitabilmente sorta la curiosità di scoprire in che modo la rispettive personalità si sarebbero manifestate negli annunciati progetti in solitaria. Con Drive-Away Dolls, diretto da Ethan, abbiamo ora una prima risposta.

Primo lavoro da regista per il Coen più giovane, che lo ha anche scritto a quattro mani insieme alla moglie Tricia Cooke, questo si presenta come un compendio delle cifre stilistiche per cui i due fratelli sono conosciuti, con una però forte prevalenza di umorismo grottesco se non talvolta anche demenziale. Con Drive-Away Dolls siamo infatti dalle parti di Burn After Reading o di Ave, Cesare!, con un tono dunque leggero e scanzonato che accompagna un buddy movie che è anche road movie e che, tra elementi di assurdità e nonsense per cui si chiede allo spettatore di stare al gioco, arriva a svelarsi come un’opera più che godibile.

La trama di Drive-Away Dolls

Protagoniste di questa folle pellicola sono Jamie (Margaret Qualley), una ragazza del Texas, lesbica e dallo spirito estremamente libero, da poco tornata single a seguito dell’ennesimo tradimento; e la sua timida e rigida amica Marian (Geraldine Viswanathan), che ha invece un disperato bisogno di ritrovare la felicità e, secondo Jamie, anche finire a letto con una donna. In cerca di un nuovo inizio, le due si avventurano in un improvvisato viaggio con un auto a noleggio verso Tallahassee, ma le cose precipitano rapidamente quando scoprono che nel portabagagli c’è una valigetta dal contenuto estremamente importante e che un gruppo di ambigui personaggi sono alle loro calcagna per cercare di recuperarla.

Ethan Coen è un regista divertito che diverte

Come si accennava, gli elementi propri del cinema dei Coen ci sono tutti: personaggi sopra le righe – su cui spicca la personalità larger than life di Jamie -, una catena di imprevisti ed equivoci e anche quella comicità spesso illogica che però proprio per questo diverte. Ethan Coen ambienta inoltre il film nel 1999 e vi fa così confluire volentieri anche tutta un’altra serie di caratteristiche proprie di un certo cinema di quel decennio, tra elementi queer, pulp e da film indie. Impossibile non riconoscere certi omaggi al cinema di Quentin Tarantino, da precise inquadrature alla scrittura di certi personaggi, come anche alla celebre valigetta di Pulp Fiction. Coen dunque si sbizzarrisce e si diverte, adottando anche soluzioni estetiche ardite con cui omaggia l’estetica dei B-Movies e riuscendo a trasmettere il proprio entusiasmo.

Drive-Away Dolls si svela quindi come compendio di un’epoca e del suo cinema, collocando tutto ciò in un racconto volutamente esile, privo di particolari sovrastrutture ma che prendendo a piene mani da certi stereotipi si concentra sul lavorare all’interno di essi per ricavarne qualcosa di nuovo. Jamie e Marian non sono infatti altro che una strana coppia, l’estroversa casinara e l’introversa amante della lettura, ma per entrambe nel corso del racconto si sviluppano situazioni che permettono una loro non banale evoluzione. La bravura e la generosità di Qualley e Viswanathan permette inoltre di far sì che gli angoli dei rispettivi stereotipi vengano smussati, restituendo due personaggi a cui ci si affeziona subito.

Le irresistibili protagoniste di Drive-Away Dolls

Se Drive-Away Dolls è il film divertente e riuscito che è, il merito va dunque anche alle due protagoniste. Margaret Qualley, che già negli ultimi anni si è fatta notare tra C’era una volta a… Hollywood e la miniserie Maid, si confronta stavolta con un personaggio difficile, continuamente sopra le righe ma da lei caratterizzato nella misura in cui non risulta né fastidioso né irrealistico. Geraldine Viswanathan, vista invece in Giù le mani dalle nostre figlie e nella serie Miracle Workers, è al contrario chiamata a lavorare in sottrazione, in opposizione alla strabordante fisicità della sua co-protagonista, riuscendo ad evitare il rischio di venirne oscurata infondendo tanta umanità e fragilità nella rigidità di Marian.

E mentre attorno a loro si alternano cameo di Pedro Pascal e Matt Damon, la nevrotica ex di Jamie (interpretata da una sempre magnifica Beanie Feldstein), l’esilarante pedinamento di due loschi ceffi, sequenze psichedeliche in cui fa capolino Miley Cyrus e sesso saffico a gogo, si arricchisce sempre di più il rapporto che le lega e che conferisce una nota di dolcezza e sensualità a tutte le assurdità e il nonsense che Drive-Away Dolls offre. Probabilmente un racconto di questo tipo potrebbe non essere da tutti ben accetto, ma come già visto succedere nella filmografia dei Coen, si chiede qui di sospendere la propria reticenza o incredulità, abbandonandosi ad un viaggio coinvolgente proprio per svincolato da ogni regola.

Il regista giapponese Ryusuke Hamaguchi con il suo Drive my car, in uscita il 23 settembre, distribuito da Tucker Film, accompagna lo spettatore in un viaggio a bordo di una Saab rossa, che è anche viaggio interiore, utile ai protagonisti a scoprire aspetti di sé fino ad allora ignorati e a risolvere conflitti interiori. 

Hamaguchi è un regista molto amato dalle giurie dei festival internazionali e con il suo precedente lavoro, Il gioco del destino e della fantasia, si è aggiudicato l’Orso d’Argento al Festival di Berlino. Drive my car, tratto dall’omonimo racconto di Murakami, inserito nella raccolta Uomini senza donne, è stato premiato a Cannes 2021 per la Migliore sceneggiatura. 

La trama di Drive my car

Kafuku, Hidetoshi Nishijima, è un regista e attore teatrale, sua moglie Oto, Reika Kirishima, una sceneggiatrice per la tv. I due si amano e tra loro c’è una buona intesa. Lei inventa spesso storie fantastiche dopo l’amore. Quando Kafuku, rientrato a casa prima del previsto, scopre che Oto lo tradisce con un giovane attore, non ha il coraggio di parlargliene. Dopo la morte improvvisa di lei, però, Kafuku resta solo e rimpiange di non averle parlato. Chiamato a dirigere uno spettacolo ad Hiroshima, Zio Vanja di Cechov, il suo cavallo di battaglia – ha interpretato spesso il protagonista – gli viene affidata come autista una ragazza ventenne silenziosa e assai discreta, Misaki, Toko Miura. Durante i viaggi nella Saab 900 turbo cui Kafuku tiene tanto, i due iniziano a conoscersi e si instaura un rapporto profondo, nutrito dalle reciproche solitudini. Intanto Kafuku ha scelto gli attori per il suo spettacolo e ha affidato il ruolo di Vanja proprio all’ex amante della moglie. Mentre Cechov spinge tutti a guardarsi dentro e confrontarsi, il protagonista cerca di elaborare il suo dolore e percorrere nuove strade, anche grazie alla presenza di Misaki, che apre a nuovi punti di vista.  

La sceneggiatura di Drive my car

E’ stata la capacità del regista e sceneggiatore Hamaguchi nel costruire storie, caratteristica anche di uno dei personaggi di Drive my car, a conquistare Cannes. Storie nella storia, narrazioni nella narrazione, letteratura e teatro nel cinema. Il film, scritto a quattro mani dal regista con Takamasa Oe , trae ispirazione dal racconto di Murakami contenuto nella raccolta Uomini senza donne, mescolandovi altri spunti provenienti dallo scrittore nipponico. A ciò si aggiunge, ed è prtagonista, il teatro di Cechov, con Zio Vanja, e non si rinuncia ad un accenno al Beckett di Aspettando Godot. Il regista innesca così un gioco di rispecchiamenti tra Kafuku e Vanja, ma anche tra gli altri attori, interpreti della piece, e i rispettivi personaggi, tra il viaggio in macchina che porta Kafuku e Misaki a condividere uno spazio in cui si aprono l’un l’altro e il viaggio metaforico della compagnia di attori che condividono il palco, il luogo delle prove, dando qualcosa di sé stessi agli altri.

Questa materia densissima di riferimenti letterari e teatrali è usata dal regista per affrontare la solitudine, la morte, la perdita, la disabilità, ma anche la passività, la tendenza a nascondere, la paura e l’incapacità di aprirsi.  

La recensione di Drive my car

Drive my car non è un film per tutti. I suoi 179 minuti richiedono uno spettatore avvezzo a un andamento lento, non frenetico e che sappia prescindere dai colpi di scena a ogni piè sospinto, che piuttosto, sappia appassionarsi a viaggi interiori e silenzi significativi. 

La storia è divisa nitidamente in quattro fasi – vita di Kafuku con la moglie fino alla sua morte, preparazione e messa in scena di Zio Vanja, viaggio di Kafuku e Misaki sui luoghi del passato, attualità. Questi cambi di scenario con passaggi di tempo, oltre che segnare le tappe emotive del percorso del protagonista, hanno l’obiettivo di tenere viva l’attenzione dello spettatore lungo un film eminentemente di parola, figlio di Murakami e Cechov. 

Ciò nonostante, l’incedere del film è e resta lento. Il testo finisce spesso per dominare sull’azione davanti alla macchina da presa, raffreddando le emozioni che arrivano allo spettatore. Vi sono, certo, momenti intensi ed emotivamente coinvolgenti, e sono soprattutto quelli dei silenzi, dove acquista importanza il primo piano che coglie le emozioni o l’inquadratura dell’elemento emblematico: snodi stradali come gli snodi dell’esistenza; due mani vicine, che compiono lo stesso gesto. Restano però momenti, sparsi all’interno di un racconto dove è pur sempre il testo a veicolare riflessioni e concetti, ma anche emozioni, che sarebbero potute arrivare in maniera molto più naturale, spontanea e fruibile, se svincolate da esso. In particolare, la parte dedicata alla preparzione e alla messa in scena di Zio Vanja, che descrive minuziosamente tutto il processo, dalla selezione del cast, fino alla sera della prima, appare davvero troppo ampia. Ragione ne è, si potrebbe dire, il meccanismo di rispecchiamento di Kafuku nel personaggio di Vanja, il che è evidente. Tuttavia, sembra che il regista abbia difficoltà a staccarsi dalle proprie matrici d’ispirazione, il che invece, avrebbe dato al film una maggiore agilità, rendendolo anche più coinvolgente. 

Il cast offre buone prove, soprattutto Nishijima e Miura. Non è facile interpretare la solitudine introversa che li contraddistingue, la loro passività di fronte alla vita, lasciando trasparire però la voglia e la speranza di cambiare. Tuttavia, l’interpretazione, soprattutto quella del protagonista, soffre del fatto che non debba valicare quasi mai i rigidi confini letterari e teatrali, restandone in certi frangenti, appesantita. 

Con Drive my car, in sala dal 23 settembre, Hamaguchi lancia però un messaggio di speranza nel futuro. Ogni ferita, anche la più dura, è sanabile, ma non da soli. Occorre aprirsi all’altro, abbandonare le proprie sicurezze e accettare di far entrare l’altro nel proprio mondo, dandogliene le chiavi. Proprio come fa Kafuku con Misaki, affidandole quelle della sua Saab 900 turbo rossa. Solo attraverso lo scambio con l’altro si possono capire i propri errori, far proprie prospettive nuove e pensare di cambiare, in meglio, la propria vita.  

ll regista Patrick Lussier dirige questo nuovo, ennesimo film minestrone dal titolo Drive Angry 3D, e dopo il primo San Valentino di Sangue riprova a fare il pienone di pubblico, ma questa volta il 3D non è certo una novità.

Con un’opera come questa le pretese non sono altissime ma ben chiare e delineate: voler mettere insieme un film ritmato che ha come unico scopo quello di intrattenere il pubblico.Il film racconta la storia di Milton, scappato dall’Inferno per un’ultima occasione di redenzione. L’uomo deve fermare una pericolosa setta che ha ucciso sua figlia ed ha tre giorni di tempo prima che questa setta sacrifichi suo nipote neonato sotto la luna piena. Si aggiunge alla sua crociata Piper (Amber Heard), una giovane e sexy cameriera che si è liberata della macchina rossa del suo ex per aiutare Milton. I due sono sulle tracce del leader di questo culto mortale, Jonah King (Burke), che crede sia il suo destino usare il bambino per portare in terra l’inferno. Ma il culto assettato di sangue è l’ultimo dei problemi di Milton. La polizia è sulle sue tracce. A peggiorare la situazione c’è un enigmatico assassino conosciuto come il Contabile (Fichtner), che è stato mandato dal diavolo a recuperare Milton e a riportarlo all’inferno.

Il risultato è un discreto B movie con un buon senso dell’humor che a tratti riesce ad essere degno di nota, strizzando l’occhio certamente a quel cinema degli anni 70’ che ha reso tanto celebre attori del calibro di Charles Bronson. Tra una sequenza d’inseguimento, una bella dose si sesso e bibbia, manco fossimo in un film di De Mille, il film rimane ingabbiato forse in alcuni stereotipi troppo rigidi che non aiutano la narrazione. Nella fattispecie il personaggio interpretato da Fichtner, che certamente rappresenta una notevole presenza scenica, limita però il talento dell’attore, che realizza una fotocopia già vista di un estensione demoniaca in terra. O ancora il personaggio di Burke, Jonah King, che sembra essere una brutta copia dei cattivi che hanno dominato un certo cinema degli anno 80’, pessimo, fuori ruolo e impalpabile.

Tolti i panni da critico, il film risulta essere piacevolmente godibile, forse eccessivamente lungo ma ben confezionato. Menzioni speciali vanno dedicate alla qualità del 3D, che se fino ad ora aveva troppe volte deluso, diventando solo espediente per incrementare gli incassi; invece questo film  si distinguerà per un ulteriore passo in avanti verso un 3D che letteralmente buca lo schermo e finalmente aggiunge qualcosa all’opera, aiutato certamente da una scrittura servizievole alla causa stereoscopica.  Altra nota positiva è l’attrice  Amber Heard, di ritorno dall’ultimo Carpenter in ordine di tempo, adatta al ruolo e buona spalla per il protagonista Nicolas Cage, che fa sempre il suo, fresco della splendida prova data in Kick Ass, in attesa di lidi migliori in cui ammirarlo.

Tutto sommato Drive Angry è un discreto blockbuster che può essere apprezzato per il 3D, ma resta tuttavia vittima di alcuni stereotipi che lo limitano, rendendolo abbastanza prevedibile e scontato.

Joe Swanberg, regista semi sconosciuto al grande pubblico di Drinking Buddies ma famoso tra gli amanti del mumblecore, scrive e dirige questa smart comedy romantica che gioca con i canoni del genere andando a sfiorarli ma mai sfruttandoli realmente.

In Drinking Buddies Kate e Luke sono due amici e colleghi in un birrificio artigianale; i due amano scherzare tra loro, prendersi in giro, bere birra e soprattutto amano stare insieme senza bisogno di essere fidanzati. Entrambi infatti hanno una dolce metà che li attende a casa e con la quale hanno buonissimi rapporti. Un week end al mare però cambierà qualcosa in una coppia complicando scelte e percorsi. Ricorda un po’ Sideways, il capolavoro di Alexander Payne, per il modo di cui parla dei piaceri della vita proprio attraverso essi e per come riesce a far sorridere compiaciuto lo spettatore con la relazioni tra i personaggi, la differenza però sta tutta nella classe (registica e di scrittura), il regista di Paradiso Amaro in questo senso è molto più dotato del collega e per questo Drinking Buddies rimane inferiore.

Drinking Buddies, il film

Joe Swanberg comunque sfrutta bene i suoi personaggi per indagare il labile confine che vi è tra amore e amicizia, utilizzando dialoghi improvvisati che producono così reazioni molto spontanee nei protagonisti e botta e risposta che paiono  discussioni nate sul momento. L’impressione d’improvvisazione è costante tant’è che da un certo punto della trama non si sa mai dove potrebbe andare, vuoi per la situazione creatasi o per eccessi alcolici. Swanberg infatti inserisce quasi ovunque la birra utilizzandola come fine mezzo per le relazioni sociali e senza troppi moralismi ci dice come l’alcool sia un vero e proprio collante sociale(pare inoltre che durante le riprese gli attori fossero veramente brilli per facilitare al regista la situazione d’improvvisazione).

Il cast è valido ed ognuno dà un contributo più che sufficiente con Olivia Wilde che dimostra di non essere solo un bel viso e regala la sua migliore interpretazione in carriera riuscendo a distribuire una gamma di emozioni variegata e convincente, l’amalgama con Jake Johnson è ben riuscita, con l’attore di New Girl che sicuramente guadagnerà posizioni all’interno dello star system con questo film, mentre Anna Kendrick rimane la solita certezza. Joe Swanberg così confeziona un film semplice, leggero e ben recitato, che parla di temi classici aggiungendo qualche particolarità, ma soprattutto ricorda allo spettatore che la vita è ben più complessa di una commedia romantica hollywoodiana.