Eraserhead – La mente che cancella è il film del 1977 di David Lynch con Jack Nance, Charlotte Stewart, Allen Joseph, Janne Bates, Laurel Near, Judith Anna Roberts, Jack Fisk, Thomas Coulson.

La trama di Eraserhead – La mente che cancella

Henry Spencer è uno strano omettino che lavora come tipografo in un surreale paesaggio industriale di un non ben specificato paese, dove tutto appare distorto e allucinato. Henry è innamorato di Mary, ragazza affetta da strani attacchi epilettici che vive con due strambi genitori. Durante una cena, Henry viene informato dalla ma dre che la figlia è rimasta misteriosamente incinta, senza però che i due avessero mai copulato. Il figlio che nasce però assomiglia ad un orribile girino gigante dalle fattezze orripilanti, sempre intento a piangere. Dopo alcuni giorni di convivenza Mary decide di lasciare Hery ed il bambino, costringendo l’uomo a doversi assumere il gravoso compito di allevare da solo la mostruosa creatura. Inizia così un viaggio allucinate in cui Hery non distingue più tra sogno e realtà, in cui egli intraprende una improbabile relazione con una donna mostruosa che vive nel suo termosifone.

L’Analisi

Allucinate, surreale, estremo, il film d’esordio del visionario David Lynch è una delle opere più complesse e psicoanalitiche che siano mai state tradotte su celluloide. Attraversato da numerosi travagli produttivi che ne hanno esteso la realizzazione pre ben cinque anni, dal 1972 al 1977, costringendo Lynch a ipotecare la casa e a dormire sul set per reperire i fondi necessari a ultimarlo, Erashead è un vero e proprio pugno nello stomaco (e nell’occhio) dello spettatore, letteralmente catapultato in un universo onirico e grottesco in cui tutto è distorto ed eccessivo, dove Hery, alter-ego (fisico e psicologico) di Lynch incarna le più ancestrali paure dell’uomo, prima fra tutti quella della paternità.

L’universo del film, virato in un metallico bianco e nero ed immerso in paesaggi postindustriali che anticipano Tzukamoto, Cronenberg e tutta la cultura cyberpunk, è ricco di personaggi grotteschi e archetipici che, come lo stesso Henry, paiono come marionette di uno strambo teatro dell’assurdo. Numerose sono le scene oniriche entrate degnamente nel subconscio cinematografico, tra cui l’incipit cosmogonico in cui un demiurgo-frankenstein in una decadente centrale elettrica dà vita al seminale mondo dell’orrore del film azionando una leva, così come l’onirico prologo in cui il cervello di Henry (dando il titolo al film) viene trasformato in tante gomme da cancellare per matite.

Anche l’orripilante creatura neonatale è uno dei simboli più reconditi del nostro io interiore, la paura della deformità e del caso (racconta Lynch che il feto era quello di un vitello). Ricco di messaggi sublimali impossibili da cogliere ad una prima visione (e nemmeno tutti alla centesima), il film si articola in spazi angusti e minimalisti, come ad esempio l’opprimente appartamento di Henry in cui piante crescono nei comodini e dove strani insetti vermiformi vengono segretamente custoditi in cassetti. 

La cacofonica colonna sonora, edita dallo stesso regista assieme all’amico Fats Waller è quanto di più disturbante i nostri orecchi possano assorbire, ricca di strumenti elettronici e sintetizzati. Un film maledetto, realizzato con poco o niente che non solo è diventato il simbolo dei midnight movies e dei circuiti d’essai, ma che si è presto a mille interpretazioni psicologiche e ha spianato la strada al nuovo filone del surrealismo cinematografico.

Raccontare Eraserhead – La mente che cancella non è possibile, tanto meno interpretarlo. Bisogna vederlo e godere delle sue atmosfere malate e ansiogene, dei suoi personaggi surreali che trovano nella Donna del Termosifone la loro forma più estrema e piacevole al contempo. Il film ha di fatto aperto le porte della visionarietà di Lynch al suo mondo fatto di incubi e di distorsioni, divenendo il compendio dei suoi precedenti lavori di cortometraggio, iniziati con The Alphabet e culminati con The Grandmother. Basti dire che era il film preferito di Stanley Kubrick!

Cube – Il Cubo è un film del 1997 diretto da Vincenzo Natali e con protagonisti Nicole de Boer, Nicky Guadagni, David Hewlett, Andrei Miller, Julian Richings, Wayne Robson e Maurice Dean Wint.

Trama Cube – Il Cubo: Un poliziotto, un criminale, un medico, un impiegato e una studentessa di matematica si risvegliano all’interno di uno strano ambiente cubico formato da sei portelli su cui sono incisi dei numeri. Senza sapere come e perché ci siano finiti, i cinque individui iniziano a collaborare, seppur con le consuete frizioni, per trovare un modo per uscire. Ben presto scoprono che alcuni dei pannelli sono mobili e si aprono su altri ambienti cubici simili al precedente, ma altri contengono trappole mortai. La studentessa capisce che solo i portelli su cui non sono indicati numeri primi conducono alla salvezza, e durante uno dei trasbordi da un ambiente all’altro, entrano in contatto con un giovane ragazzo affetto da autismo, che però pare l’unico in grado di aiutarli. Inizia così un terribile viaggio in cui il gruppo tenta di evadere da questo misterioso cubo.

Analisi: Esordio col botto per Vincenzo Natali, regista canadese di origini italiane, che reinventa il genere di unknown awakening (risveglio sconosciuto) miscelando tra loro i generi del thriller e della fantascienza, proponendoci un labirintico e opprimente universo dove l’apparente tranquillità e armonia della perfezione geometrica della matematica diventa qui simbolo di paura e caos totale.

Facendo leva sull’indefinito e sulla mancanza di informazioni spazio-temporali, in Cube – Il Cubo Natali tesse una stupenda trama in cui gli esseri umani paiono vere e proprie cavie da laboratorio in un perfido gioco di quella che pare essere un’entità superiore indefinita estremamente rigorosa e calcolatrice (nella versione originale della sceneggiatura si parlava addirittura di un’intelligenza aliena).

Ne il Cube – Il Cubo i cinque personaggi, ognuno con un nome che rimanda ad un penitenziario americano (Quentin, Rennes, Hollaway, Worth e Leaven) rappresentano l’alter ego tematico della loro condizione di prigionia, in cui però ognuno, con le sue peculiari qualità individuali, diventa un tassello prezioso nella risoluzione dell’enigma e nella possibile fuga.  Solo Kazan, il ragazzo artistico, pare un pesce fuor d’acqua, finendo però con il rivelasi il faro di salvezza del gruppo. Utilizzando una satura fotografia a colori primari edita da Derek Rogers e un unico set cubico di 14 piedi x 14 in cui i colori delle pareti cambiano a seconda della sezione, Natali sviluppa appieno il tema del topo in trappola, lavorando più per sottrazione che per aggiunta, utilizzando un montaggio minimale in favore di lunghi piani sequenza che ben rendono, assieme alle inquadrature grandangolari (marchio di fabbrica del regista), tutto il soffocamento della storia e dell’ambiente. Le stupende musiche di sintesi di Mark Korven aggiungo un tocco in più, sposandosi alla perfezioni con il rigore matematico su cui l’intera opera si basa.

Usando un cast di semi-sconosciuti (almeno per l’epoca) il regista ci immerge assieme ai personaggi, portandoci inconsciamente a provare il loro stesso sentimento di claustrofobia e di oppressione, in una vera forma di immedesimazione da manuale cinematografico.

Gioca con noi Natali, gioca e si diverte a far scontrare i suoi personaggi per testare le loro reazioni e per vedere come la loro intelligenza li porterà a risolvere un problema, proprio come un test scientifico sui topolini bianchi. Anticipando di gran carriera i grandi capolavori del filone che avranno in Saw la loro consacrazione, Cube – Il Cubo reinventa l’immaginario delle paure umane, propinandoci inoltre concetti matematici molto complessi in una maniera così semplice e razionale che, dopo la visione, non stupisce che i voti scolastici nella materia subiscano una brusca impennata.

Anno: 2002

Regia: Kurt Wimer

Cast:  Christian Bale, Sean Bean, Taye Diggs, Dominic Purcell, Emily Watson.

Trama: Dopo la terza guerra mondiale dei primi anni del XXI secolo, la razza umana ha sentito il bisogno di darsi una regolata bandendo le proprie emozioni, ritenute le principali colpevoli dei crimini di violenza ed odio.

Sotto questa legge è sorta Libria, una società-stato governata da Il Padre, un dittatore carismatico e onnipresente, che attraverso l’utilizzo di un farmaco inibitore di emozioni, il Prozium, controlla la vita dei cittadini. Per evitare rappresaglie e per combattere i ribelli, cittadini non consoni all’uso del Prozium, vengono messi al rogo tutte quelle cose, dai libri alla musica, che possano suscitare emozioni e viene costituito un corpo speciale, formato dagli agenti Cleric, dedito alla salvaguardia della società. Ma sarà proprio un cleric, John Preston (Christian Bale), a mettere in dubbio questo sistema dopo aver provato egli stesso delle emozioni.

Analisi: Cosa saremmo noi umani senza emozioni? Come sarebbero i nostri risvegli senza un accompagnamento musicale? E che valore avrebbero le nostre giornate senza la lettura di un libro, di un abbraccio, di una risata e, perché no, di un litigio? Equilibrium esplora questa possibile realtà, trasportandoci in un futuro freddo e schematico, dove gli esseri umani sono ridotti ad una schiavitù mediatica e chimica. Libria ha tutti i connotati di città senza emozioni: edifici imponenti monocromatici, strade grigie, abiti uguali per tutti, lo stessa saturazione azzurra del cielo porta con sé un senso di anedonia. E’ un’ambientazione già vista, in diverse misure, in altri film, e letta nei romanzi futuristici. Equilibrium sembra essere una via di mezzo di tante opere, che si intersecano e coesistono per un breve istante, e poi vanno a morire in qualche forzatura di sceneggiatura o in qualche scelta registica orientata ad un prodotto che preferisce la forma piuttosto che la sostanza. In effetti, quello che Kurt Wimer ci propone è una giusta contrapposizione tra trama e azione. Se la prima è vacillante, la seconda sembra essere il punto forte del film. Spettacolari, istantanee e dosate alla perfezione, intervallate spesso da momenti più introspettivi, le scene d’azione convincono egregiamente, emulando un po’ gli effetti tipici del capostipite del genere (Matrix) ma senza strafare e rendendosi appetibili con coreografie quanto mai azzeccate e innovative.

Christian Bale sopperisce come può ad un ruolo che, per sua natura, deve conferire una faccia asettica e quantomeno priva di espressione. Peccato che quando debba mostrarle, le emozioni e le espressioni, sembri sia impiastricciato nel personaggio, come se il prozium lo usasse davvero. Non la sua miglior prova ma, sicuramente, superiore al resto del cast, svantaggiato da una sceneggiatura che lascia ai rispettivi personaggi solo ruoli marginali o di comparsa; patetico, è per esempio, il breve utilizzo di un ottimo attore come Sean Bean.

Equilibrium lascia un po’ l’amaro in bocca dopo averlo visto. C’erano potenzialità da sfruttare meglio; lo stesso finale, un veloce e scontato epilogo verso una vittoria senza connotati riflessivi, fa storcere un po’ il naso a chi, come me, oltre alla potenza scenica vuole anche una trama da mordere.