La prima immagine di Ribelle – The Brave ha infiammato i cuori di milioni di fan, i suoi indomiti folti e crespi capelli rossi sono diventati da subito il simbolo di un carattere ribelle, un cuore indomito, uno spirito libero. Il suo nome entra di diritto nella lunga lista delle principesse cinematografiche, ma attenzione, perché Merida è una vera dura. 

In Ribelle – The Brave  Merida, principessa primogenita di re Fergus e della regina Elinor rifiuta il suo compito di scegliere un pretendente trai figli dei lord del Regno, nonostante le pressioni della madre che vorrebbe obbligarla a seguire il suo dovere. Ossessionata da questa situazione alla quale Merida è decisa a non sottostare, si rivolge ad un’eccentrica vecchia Strega. Ma le cose non vanno esattamente come Merida ha previsto, e così ora deve affrettarsi a sistemare la situazione.

L’evoluzione femminile è finalmente compiuta: da Biancaneve che cantava “un dì da me verrà…” facendo riferimento al principe senza nome, siamo arrivati fino alla plebea Tiara che come sogno da realizzare non ha più quello di sposare il principe azzurro ma di aprire un ristorante, siamo passati però per la giovane sirenetta Ariel che disobbedisce al padre per seguire il suo cuore a per Mulan che dopo aver salvato la Cina torna trai fornelli. Adesso la principessa è davvero un’eroina: ribelle, coraggiosa, forte, indipendente e con un unico sogno, la libertà.

Ribelle – The Brave (in originale solo Brave) è davvero un film eccezionale. E’ raro leggere (e scrivere) dichiarazioni così totalizzanti eppure non ci sono altre definizioni. Prima di tutto il film è tecnicamente magistrale: i paesaggi naturali, la pelliccia degli animali, i riflessi dell’acqua e soprattutto la consistenza dei capelli (la cosa più complicata da riprodurre in CGI) raggiungono in questo film vette mai toccate, e tutto in un 3D luminosissimo e sfruttato alla perfezione da una regia, quella di Mark Andrews, epica e sapiente che si presta con eleganza al servizio dei protagonisti, diventando più di una volta personaggio lei stessa. Oltre ai pregi tecnici, indiscutibili, il film presenta anche un discorso abbastanza impegnativo sul rapporti genitori-figli, nella misura in cui ne mette in scena le dinamiche con estremo realismo e, attraverso un pizzico di magia che complica sempre le cose, ne estremizza le conseguenze, giungendo alla sospirata conclusione in maniera profonda e soprattutto costruttiva.

Ribelle – The Brave è corredato da una colonna sonora intonata all’ambiente: cornamuse a iosa descrivono e accompagnano le atmosfere filo-scozzesi che si respirano in tutto il film, sia nei paesaggi selvaggi, sia in quelli della rozza ma spensierata corte di re Fergus. Piccolo gioiello di comicità per il film sono i tre fratelli gemelli di Merida, bambinetti piccoli e terribili, più spiritelli dispettosi che bambini rappresentano la totale mancanza di controllo e l’immancabile elemento comico che distingue una storia ben scritta.

Ribelle – The Brave è un film che i genitori dovrebbero far vedere ai propri figli, e soprattutto alle proprie figlie: racconta una storia di responsabilità e di scelta, di coraggio (quello di chiedere scusa, e quello di perdonare),  di destino e di ricerca del proprio posto nel mondo. Il destino non è scritto per ognuno, perché ogni nostra decisione contribuisce a costruirne un pezzo; Merida impara a sue spese cosa vuol dire essere liberi e dovrà anche riuscire a capire in che modo e in che misura la propria libertà potrà e dovrà essere preservata.

A tre anni di distanza da Proxima, Alice Winocour torna nei cinema con Riabbracciare Parigi, un nuovo ritratto di donna, quello di Mia, vittima di un attentato terroristico, che si aggira per Parigi come un fantasma, alla ricerca di una memoria sepolta e insondabile. Un vero e proprio film di fantasmi, quanto un pellegrinaggio interiore verso la luce. Scritto in collaborazione con il documentarista Jean-Stéphane Bron, Riabbracciare Parigi, presentato alla Quinzaine des Réalisateurs 2022, si basa sull’esperienza del fratello della regista, presente al Bataclan la sera del 13 novembre 2015. Il film arriva nelle sale italiane dal 9 novembre, distribuito da Movies Inspired.

Riabbracciare Parigi, la trama

L’attacco terroristico raccontato dal film avviene in una grande brasserie parigina dove Mia (Virginie Efira) è approdata per caso in attesa di un temporale. Tre mesi dopo la tragedia, la sua memoria è un buco nero. All’inizio esitante, si impegna a dissipare l’opacità del trauma. Poi, quando i primi fantasmi e flash le tornano in mente, deve ricomporre un macabro puzzle di sensazioni e suoni. Questa traduttrice professionista è costretta a interpretare i segnali del suo caos mentale.

Attraverso un’associazione di vittime che ogni lunedì organizza visite alla birreria per i sopravvissuti e i parenti dei morti, Mia confronta i propri ricordi frammentati con i punti di vista altrettanto sconnessi delle altre persone presenti quella sera. Il confronto è a volte violento: accecati dalla loro sofferenza, alcuni di loro le impongono testimonianze che lei non può o non vuole accettare. Altri, come Thomas, affetto da ipermnesia e da una gamba gravemente ferita, preferirebbero aver dimenticato tutto piuttosto che essere legati alla sua memoria. Félicia, invece, cerca disperatamente di afferrare un briciolo dell’ultimo respiro dei suoi genitori, esalato nel bel mezzo della cena. Di cosa stavano parlando poco prima di morire?

(Ri)scoprire una città e il proprio cuore

Per Mia, rivedere Parigi significa anche cambiare obiettivo, fare un bilancio della vita che conduceva prima. Concentrandosi sull’ossessione di ritrovare l’uomo che le ha tenuto la mano la notte della tragedia, Alice Winocour mostra l’importanza cruciale della collettività nella ricostruzione: la necessità per le vittime di riunirsi, per condividere il trauma e alleggerire il carico, ma anche, e soprattutto, per assicurarsi che lo sconosciuto di cui hanno incontrato lo sguardo terrorizzato sia sopravvissuto. Il movimento del film Riabbracciare Parigi, prima centrato su Mia, poi sempre più corale, abbraccia questo ritorno salvifico verso gli altri.

Rivisitare Parigi, ritrovarla, rivederla, ma anche ricordarla: sono queste le premesse del quarto lungometraggio di Alice Winocour, che si presenta come una testimonianza, un tributo e un’opera catartica per tutti coloro che hanno vissuto l’orrore e l’indicibile. La regista è attenta a non porre alcun segno temporale: vuole toccare una sorta di universalità nel dolore e nella ricostruzione, ed è attraverso il personaggio di Mia, una traduttrice russa per la radio francese, che riuscirà a raggiungere questo obiettivo.

Mia, un fantasma parigino

Mia attraversa la capitale con la sua moto, come un fantasma che emerge nell’oscurità della notte, lottando per sopravvivere. Tutto sembra diventare un simulacro in cui lei non è altro che un’apparizione, una figura fantasma di cui nessuno si accorge, un morto vivente che si evolve in questo inenarrabile mezzo, al confine con l’aldilà. Virginie Efira si dimostra ancora una volta magnifica, confermando il suo immenso talento nel muoversi tra diversi registri e trascinando lo spettatore in un unico flusso di coscienza, il tutto magistralmente orchestrato da Anna von Hausswolff, la cui colonna sonora serve solo a sublimare il viaggio di Mia verso la luce.

Alice Winocour prende come punto di partenza di Riabbracciare Parigi un attentato in una brasserie e racconta la complessa ricostruzione dei sopravvissuti attraverso gli occhi di due di loro. Mia, che ha perso la memoria di quella sera al punto da credere alla donna che la accusa di essersi chiusa nei bagni, impedendo agli altri di entrare e proteggendosi dai terroristi, e Thomas (Benoît Magimal), che ricorda tutto ma continua a soffrire nel suo corpo a distanza di mesi. Winocour (ri)dà voce e corpo a traumi che sono diventati molto di più – un fatto sociale, una questione politica – in un’opera tanto straziante quanto dignitosa e potentemente organica (notevole il lavoro sul suono), in cui la finzione incontra la società, raccontando l’amore tra i due sopravvissuti come filo rosso della loro resilienza.

Un caos disincantato

Con Maryland e Proxima, un thriller e un dramma sullo sfondo dell’esplorazione spaziale, la regista aveva raccontato mondi molto lontani dal mainstream della produzione francese. Nella sua nuova fatica ritroviamo questa sensazione di sradicamento disincantato. A tratti naturalistico, a tratti estremamente stilizzato, il film si preoccupa solo di tradurre il flusso di pensieri e i sentimenti a volte caotici della sua protagonista.

Per raggiungere questo obiettivo, la regista fa riferimento di continuo alla “sua” attrice, la cui interpretazione è ancora una volta ammirevole. Tuttavia, Efira deve anche fare i conti con le debolezze di una sceneggiatura che a tratti si perde. In effetti, il personaggio di Mia conferisce una sensibilità così tenera al contesto in genere, che l’arco che la vede indagare sull’identità di una vittima, estremamente maldestro, viene rapidamente messo in ombra dalla potenza evocativa dell’insieme.

Avvicinandosi a un’eroina complessa in modo da non dimenticare nessuna delle sue sfaccettature, e abbracciando le più fragili, il film si identifica come uno specchio in frantumi, i cui frammenti non sono tutti ugualmente riflettenti. Resta il fatto che, nonostante una sottotrama dal tono un po’ paternalistico e un candore che sfiora l’ingenuità prefabbricata, il viaggio di Mia contiene abbastanza speranza irrefragabile da tenerci, se non vivi, almeno sempre sul filo del rasoio.

Sarà lo stesso Frankie hi-nrg mc, autore degli adattamenti delle canzoni originali del film, ad accompagnare il Rheingold di Fatih Akin in alcune delle sale italiane dove I Wonder Pictures lo distribuisce dal 27 luglio. Una introduzione che potrebbe vincere la curiosità di molti e rinfrescare il ricordo della presentazione all’ultima Festa del Cinema di Roma di un film duro e incredibile, come la storia vera che racconta: quella del rapper e produttore discografico – ex profugo ed ex criminale – Xatar, che ha collaborato strettamente alla realizzazione del film con il regista turco vincitore dell’Orso d’Oro al Festival di Berlino 2004 per La sposa turca, Leone d’Argento a Venezia 2009 con Soul Kitchen e Golden Globe come Migliore film straniero nel 2017 per Oltre la notte.

Rheingold, la storia di Xatar

Dall’inferno di una prigione irachena alla Siria, per poi fuggire a Parigi con la famiglia e successivamente ad Amsterdam, Giwar Hajabi arriva in Germania ancora ragazzino a metà degli anni ’80. Sono solo le tappe principali del drammatico e avventuroso percorso del rapper oggi noto come Xatar (“pericoloso”), del quale Rheingold ripercorre la parabola esistenziale a partire dalla sua stessa autobiografia “Alles oder Nix: Bei uns sagt man, die Welt gehört dir” (“All or nothing: We say the world belongs to you”).

Dal ghetto alla vetta delle classifiche musicali, il ragazzo di origine curda vive ogni tipo di repressione e violenza, superando molte avversità e scalando la scena della criminalità locale fino a diventare uno spacciatore di riferimento. Almeno fino a quando non progetta con i suoi amici e complici di sempre un leggendario furto d’oro che gli permetterà di saldare i suoi debiti con il cartello per un carico di droga perduto e realizzare il suo sogno di fare musica.

Una vita difficile

“Qual è il tuo primo ricordo?” chiede Xatar/Giwar Hajabi (Emilio Sakraya), “qual è il nostro?” viene spontaneo pensare dopo aver a lungo assistito al crescendo di una vita spericolata e sempre al limite – come viene presentato questo biopic crime nel quale tutto sembra finzione, soprattutto i momenti più duri e veri. Una vita segnata dalla tortura e dalla persecuzione – quella dei curdi, come si vede nella prima parte della narrazione, incentrata sulle questioni familiari degli Hajabi – che troppo spesso siamo portati a giudicare a partire dalla punta di iceberg inimmaginabili.

Questo solo uno degli spunti che offre il lungo e dettagliato racconto di redenzione, o vendetta e successo, nel quale Fatih Akin ammette di aver visto “il potenziale per un film epico” e che alla fine scopriamo essere dedicato al padre del regista. Non a caso, per quanto sarebbe interessante sapere i motivi della scelta, vista l’importanza delle figure paterne, assenti o poco esemplari, almeno inizialmente. Ennesimi modelli scartati in una ricerca incessante e frustrata che il protagonista risolve come può, affidandosi ad amici faccendieri, sognatori violenti come lui o paternalistici boss dello spaccio.

Un personaggio e un film ‘larger than life’

Sono molte le figure che si succedono sullo schermo nelle oltre due ore di durata di una vicenda alla quale avrebbe certo giovato una maggior sintesi (e un maggior spazio alla eroica figura della madre e alla sua vita di sacrificio). Nonostante i temi principali emergano comunque con grande forza, Akin si dilunga molto nella costruzione del profilo criminale di Xatar, ben oltre le necessità di caratterizzazione del personaggio.