L’ultimo epico The Green Knight offre una rivisitazione surreale di una leggenda arturiana, dimostrando che, nonostante sia in circolazione da secoli, c’è sempre un modo per dare una svolta ai racconti di Re Artù e dei suoi Cavalieri della Tavola Rotonda. I film ispirati a queste leggende spuntano da decenni, e qui difendiamo una rivisitazione molto, molto, costosa di Re Artù che merita di essere ricordata per qualcosa di più della sua implosione al botteghino: King Arthur – Il potere della spada (la recensione).

L’epopea fantasy diretta da Guy Ritchie doveva essere il primo di un universo condiviso di film, perché al giorno d’oggi sembra che tutto lo sia, e la Warner Bros. era così fiduciosa in questo progetto da aver investito circa 175 milioni di dollari nella produzione. Ma né il pubblico né la critica sono stati d’accordo e il film è stato bocciato con circa 140 milioni di dollari in tutto il mondo, perdendo decine di milioni per la WB. Sebbene il film sia stato relegato nella lista dei grandi fallimenti al botteghino, ci sono diverse ragioni per cui questo film è incredibilmente difficile da gestire, e qui ne elencherò alcune che spero vi convinceranno a dargli un’altra possibilità (o anche la prima) e a godervi questa stravagante rivisitazione della leggenda di Re Artù, unica nella vita.

Il fantastico design visivo/produttivo

King Arthur – Il potere della spada utilizza i minuti iniziali per mostrare elefanti che fanno sembrare i Mûmakil del Signore degli Anelli dei bulldog francesi, annientando completamente i soldati a terra e abbattendo le strutture. Guardando questa sequenza da urlo, così come le altre folli scenografie, non c’è da chiedersi quale sia stato il prezzo da pagare. Ma Ritchie e il suo team hanno usato ogni centesimo per creare un’avventura fantasy selvaggia che crea un mondo unico, pieno di creature spaventose, spade superpotenti, magia diabolica e un design di produzione e costumi sorprendente, in gran parte portato alla vita cinetica dal montaggio di James Herbert.

I film fantasy sono una scommessa (come è stato chiarito qui), ma tutto è stato messo in gioco per fare di King Arthur – Il potere della spada un blockbuster high-fantasy che ha portato il genere nel panorama cinematografico moderno, e sembra e sembra qualcosa che probabilmente non vedremo mai più a breve.

La regia di Guy Ritchie

Guy Ritchie è uno di quei registi che, anche se i suoi film non sono grandiosi, hanno comunque un senso dello stile e un’energia folle, e con King Arthur – Il potere della spada mette tutto insieme per infondere a quello che era probabilmente un assegno in bianco una sfacciata ferocia. I suoi tratti distintivi – dal tipo di azione vista in Sherlock Holmes all’interazione del cast di Snatch – contribuiscono a dare all’impressionante portata visiva l’energia necessaria per sembrare qualcosa di più di una vuota CGI, il tutto distinguendo la trama dai molti, moltissimi altri film di genere medievale.

La sua decisione, insieme al team di co-sceneggiatori, di dare a questa storia d’origine un’impronta grintosa, da gangster di bassa lega, avrebbe potuto essere un punto a sfavore per alcuni, ma questo stile è semplicemente qualcosa che gli riesce così bene che con l’arco di vita di Artù che va dai bassifondi alla grandezza funziona piuttosto bene, infondendo un’avventura fantasy con un’atmosfera da heist-movie che conferisce ulteriormente a Re Artù una personalità distinta in un’epoca in cui tanti blockbuster gonfiati sono più noiosi di un Excalibur di cartone.

Il cast di King Arthur – Il potere della spada

I grandi cast sono un’altra caratteristica di Guy Ritchie e, con Charlie Hunnam alla guida della squadra nel ruolo di Artù dalla parlantina veloce e dickensiana, l’intero cast è all’altezza della situazione per rendere i futuri Cavalieri della Tavola Rotonda una simpatica banda di furfanti. Djimon Hounsou, Aidan Gillen, Kingsley Ben-Adir, Tom Wu, Neil Maskell, Annabelle Wallis e Àstrid Bergès-Frisbey sono tutte personalità gradite che danno corpo al viaggio di Artù, con Eric Bana che sfrutta al meglio il suo breve tempo nei panni del cazzuto Uther Pendragon. Si tuffano a capofitto nei dialoghi scoppiettanti e nell’azione ad alta energia senza una spada spenta nel gruppo, ed è un peccato che non potremo vederli approfondire i loro personaggi in futuro.

Il cattivo

Ma il ruolo del cattivo è affidato a Jude Law, che interpreta Vortigern con energia seducente. Law interpreta il leader tirannico che fa salutare in massa i suoi soldati come un dittatore fascista con delizioso aplomb, il tutto indossando i costumi di Annie Symons. Giacche di velluto, pantaloni di pelle, lunghi cappotti di pelliccia, armature minacciose e allo stesso tempo cool: il Vortigern di Jude Law, sembra poter governare il mondo con un guanto di ferro e fare ancora in tempo a sfilare all’ultima sfilata di Tom Ford. Ma gioca anche con la riluttanza e l’agitazione dei cattivi, sacrificando la moglie per trasformarsi in un cavaliere demoniaco bambino per uccidere il fratello (Eric Bana). Il suo lavoro è misurato e tranquillamente malvagio rispetto al ritmo incalzante di tutto il resto, e fa sì che Law possa avere più ruoli malvagi da masticare, superando tutti quelli che lo circondano.

La colonna sonora

Lasciando il meglio per ultimo, la colonna sonora di Daniel Pemberton è la vera star di King Arthur – Il potere della spada. Anche tra tutte le impressionanti immagini e le ottime interpretazioni, la musica viscerale, cruda e mozzafiato le supera tutte con una cacofonia di suoni e influenze che probabilmente non dovrebbero funzionare insieme, ma che funzionano al 100%. Sia che si tratti dell’uso di strumenti medievali di ogni forma e dimensione, sia che si tratti di respiri e urla gutturali che conferiscono una gradita dose di fisicità alle scene più veloci, il livello di personalità che Pemberton inietta nella colonna sonora per rendere King Arthur – Il potere della spada diverso da qualsiasi altro genere è degno di infinite lodi. Probabilmente più del cast, delle immagini e del montaggio, la colonna sonora di Pemberton stabilisce il tono della selvaggia avventura che verrà, e se sarete travolti dall’avventura come lo sono stato io, dovrete ringraziare questa colonna sonora adeguatamente fantastica.

 

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Anche nelle imprese di Yorgos Lanthimos più facilmente digeribili e radicate, come La Favorita, ci si può aspettare qualcosa di gloriosamente particolare. The Lobster e Il Sacrificio del cervo sacro, due uscite che hanno portato le sue opere a un pubblico più vasto, sono esempi lampanti delle peculiarità discorsive di Lanthimos. All’inizio si potrebbe pensare che non ci si abituerà mai ai modelli di discorso e alle scelte lessicali stravaganti e ultraterrene. Tuttavia, i suoi interpreti si impegnano e accettano la forma in modo così completo che non passano più di pochi minuti prima che ci si senta completamente coinvolti.

Dopo che Poor Things ha fatto incetta di nomination agli Oscar, compresa la vittoria come miglior attrice per Emma Stone, è probabile che molti siano accorsi a vedere il sorprendente e immediato seguito, Kinds of Kindness, soprattutto ora che è in streaming su Disney+. Questo film si immerge in profondità nella sensibilità deliziosamente bizzarra di Lanthimos. È una commedia dark che non rifugge in alcun modo dall’inquietudine e dal disagio psicologico. Decifrarla potrebbe essere un compito difficile, ma non temete. Siamo qui per analizzare i finali (sì, al plurale) di Kinds of Kindness.

Di cosa parla “Kinds of Kindness”?

Kinds of Kindness è raccontato in tre parti. Sebbene le tre storie siano completamente separate, il cast principale appare in ruoli diversi e si possono certamente cogliere alcuni temi generali. Emma Stone e Jesse Plemons sono costantemente al centro dell’attenzione e offrono alcune delle loro migliori interpretazioni fino ad oggi, sorprendentemente dedicate alle prospettive contorte dei loro tre ruoli. Il cast ricorrente è completato da Willem Dafoe, Hong Chau, Margaret Qualley, Joe Alwyn e Mamoudou Athie. Poi c’è Yorgos Stefanakos nel ruolo di R.M.F., l’unico nome che si ripete in tutto il film. In modo assurdo, ogni parte affronta il tema dell’amore, delle connessioni personali intime e del tributo spesso dannoso della devozione.

La morte di R.M.F. confonde il confine tra amore e obbedienza

Parte 1 di “Kinds of Kindness” (I tipi di gentilezza)

Robert (Plemons) è assolutamente devoto al suo ambiguo capo, Raymond (Dafoe). Raymond ha dato a Robert sua moglie, Sarah (Chau), la sua auto, la sua casa e praticamente ogni aspetto prezioso della sua vita. In cambio, Robert esegue ogni ordine impartito da Raymond, compreso ciò che Robert mangia e quando può fare sesso con Sarah. Dopo che Raymond fa in modo che Robert abbia di proposito un incidente d’auto, speronando un uomo di nome R.M.F. a un incrocio (per il quale è stato reclutato, pienamente consapevole delle conseguenze), Robert rimane leggermente ferito ma non viene ricoverato completamente. Questo non soddisfa il desiderio di Raymond, che ordina di rifarlo. Questa volta, temendo che rendere l’incidente più estremo possa uccidere mortalmente R.M.F., Robert si rifiuta. Così, Raymond “licenzia” Robert, tagliando ogni legame e ogni residua connessione, compresa l’opportunità di andare a letto con Raymond e la sua amante, Vivian (Qualley). La vita di Robert va in pezzi. Sua moglie lo lascia e lui non riesce a trovare la sua strada.

Robert corteggia Rita (Stone), utilizzando gli stessi metodi che Raymond gli ha insegnato. Sembra funzionare, ma poi Rita finisce in ospedale. Robert scopre che è il nuovo soggetto di Raymond e che il suo incidente è stato il completamento dell’investimento di R.M.F. con la sua auto. Nella speranza di ricongiungersi a Raymond, Robert prende R.M.F. (che ha perso conoscenza a causa dell’incidente) e lo investe ripetutamente con la sua auto, uccidendolo. Questo soddisfa il desiderio di Raymond e Robert viene riaccolto nell’abbraccio di Raymond e Vivian.

Riuscite a immaginare uno scenario più sconfitto? Si riesce finalmente a sfuggire alla morsa del proprio vilipendio, ma invece di guarire, sembra che la rivendicazione abbia causato una valanga di dolore nella propria vita. In termini di relazioni abusive, nonostante Robert abbia raggiunto uno scenario di relativo benessere (l’abbraccio dei suoi autoritari), questo riempie perfettamente il ruolo del dilemma ciclico. Robert si riporta al punto di partenza, solo che ora ha meno di prima di tentare la libertà. Il comfort immediato è stato raggiunto, ma a quale scopo? Il vuoto continuerà e il dubbio provocato dalla sua indiscussa servitù probabilmente crescerà da qui in poi.

R.M.F. Is Flying” mette alla prova se stessi con i test più crudi

Parte 2 di “Kinds of Kindness” (I tipi di gentilezza)

Daniel (Plemons), un agente di polizia, ha da poco perso la moglie Liz (Stone), scomparsa nell’oceano. R.M.F., un pilota di elicotteri, salva Liz, riportandola apparentemente illesa. Daniel la osserva attentamente e viene sopraffatto dalla paranoia, sospettando che la donna che è tornata da lui sia un’impostora. Le sue scarpe non vanno più bene, il comportamento del loro gatto nei suoi confronti è cambiato e lei improvvisamente ama il cioccolato, cosa che prima detestava. “Liz” dice a Daniel di essere incinta. Lui la costringe ad andarsene e da lì in poi va fuori di testa.

Durante un blocco del traffico, Daniel spara spontaneamente al passeggero (Alwyn) alla mano e, in uno scatto inquietante, ne lecca il sangue. Daniel e “Liz” rimangono insieme, nonostante il crescente disagio. “Liz” racconta uno strano sogno al padre (Dafoe) e dice al suo medico che Daniel l’ha picchiata (e lei incolpa i suoi farmaci). Daniel inizia a chiedere l’automutilazione alla sua presunta moglie. Prima dice che vuole che lei gli tagli un dito per mangiare (prima rifiutava i pasti per protesta). Lei lo accontenta e, quando Daniel gliene chiede ancora, lo fa di nuovo, questa volta asportando il fegato. Daniel torna a casa e trova “Liz” deceduta. Pochi istanti dopo, la vera Liz (una donna identica interpretata anche dalla Stone) arriva alla porta e lei e Daniel si abbracciano amorevolmente.

Due verità scorrono una accanto all’altra. Nel regno fantastico, Daniel è sospettoso della donna che è tornata. Credendo che stia accadendo qualcosa di nefasto, la mette alla prova con intense richieste fisiche. La donna si adegua, tagliando e staccando parti del suo corpo fino alla morte finale. Alla fine, il suo sospetto viene premiato e la morte dell’ “impostore” riporta magicamente a casa la sua vera moglie. Adattato alla lente della realtà, questo è un uomo sopraffatto dall’insoddisfazione – carenze personali che vengono poi proiettate sulla moglie. Essendo l’auto-riflessione e il miglioramento una montagna troppo alta, l’uomo si scaglia contro la moglie con aspettative impossibili. La vita di lei viene appesantita dal bisogno di compiacere e dimostrare il suo amore al marito, distruggendola alla fine. Se si uniscono le due versioni, si ottiene un uomo che ha giustificato i suoi abusi attraverso l’illusione.

Poiché la storia alterna i punti di vista di Daniel e Liz, ciò che dobbiamo credere è intenzionalmente lasciato in sospeso. Daniel soffriva di una forma di psicosi o si è verificato qualcosa di soprannaturale o sinistro? Nel sogno di Liz, i cani vivevano come noi, tenendo gli umani come animali domestici. La sua rivelazione del sogno: “È meglio mangiare qualcosa che è sempre disponibile quando si ha fame che dipendere da qualcosa che finisce presto ogni mattina”. Mentre scorrono i titoli di coda, vediamo i cani vivere come persone. Sebbene l’azione trainante provenga da Daniel, il sogno di Liz offre la visione più pura di come questo tipo di abuso persista. Daniel è il colpevole; la sua calma e le sue mosse calcolate non sono abbastanza persuasive da offuscare questa realtà. La moglie è riuscita a sopportare l’abuso in qualsiasi modo – in questo caso, giustificando le azioni del marito come lo scenario migliore in cui può sperare.

R.M.F. mangia un panino” mescola purezza e tossicità

Parte 3 di “Kinds of Kindness” (I tipi di gentilezza)

OMI (Dafoe) e AKA (Chau) sono a capo di una setta. I loro devoti sono vincolati da rapporti sessuali e relazioni intensamente intime con OMI e AKA, e hanno convinzioni rigorose sulle tossine. I membri del culto Emily (Stone) e Andrew (Plemons) vengono messi insieme e incaricati di trovare una donna che soddisfi dei criteri precisi: il più importante è che hanno una sorella gemella deceduta e che lei può rianimare i morti. Dopo aver fallito nel tentativo di trovare il pretendente, vengono avvicinati da Rebecca (Qualley), che in qualche modo è a conoscenza della profezia. Insiste che sua sorella gemella, Ruth, è la donna che stanno cercando.

Emily fa visita alla figlia e al marito estraneo, Joseph (Alwyn). Dopo averle fatto bere qualcosa, Joseph violenta Emily. Andrew informa l’OMI e l’AKA, che tentano una “decontaminazione” di Emily. Quando fallisce, Emily viene cacciata dalla setta. Emily fa visita a Rebecca, che si uccide subito, realizzando la profezia della “gemella defunta”. Emily taglia un cane randagio per giustificare la visita alla clinica veterinaria di Ruth. Miracolosamente, la ferita del cane guarisce rapidamente dopo il tocco di Ruth. Emily droga Ruth e la porta all’obitorio dove, anche se per lo più incapace, riporta in vita un cadavere (si tratta di R.M.F.). Emily festeggia con un ballo prima di portare Ruth all’OMI e all’AKA, ma la sua guida spericolata causa un incidente e Ruth rimane uccisa prima del loro arrivo. Mentre scorrono i titoli di coda, R.M.F. mangia un panino, sporcandosi di ketchup la camicia dove sono cucite le sue iniziali.

R.M.F. mangia un panino è il film che richiede la maggiore sospensione dell’incredulità. Tutti i film si basano su richieste enormi, che soddisfano una figura di spicco. In questo caso, i soggetti devono trovare una persona illusoria che si dice abbia la capacità di resuscitare i morti. Inoltre, funziona. La fede di Emily in Ruth si concretizza e Ruth riporta in vita R.M.F.. La resurrezione, di per sé, rappresenta la forma più alta di miracolo. Ma non c’è solo l’elemento fantastico da analizzare. L’acqua merita un’attenzione particolare. Tutti i membri della setta sono ossessionati dalla nozione di contaminazione e, nei momenti di maggiore debolezza, sono sopraffatti dalla sete. Solo l’acqua dei loro leader può placare la loro sete, e l’acqua che possono bere è stata benedetta dalle lacrime di OMI e AKA. C’è qualcosa di quasi biblico in questo atto: la loro sofferenza porta alla benedizione dei loro seguaci. Il sacrificio porta al sostentamento. Poiché Kinds of Kindness riflette sugli elementi di abuso e controllo che vengono scambiati per amore e nutrimento, questa sezione può essere un atto d’accusa contro la religione e la sua colpevolezza in questo tipo di inganno.

Cosa cerca di dire Kinds of Kindness?

Kinds of Kindness è una rete complessa da districare, ed è del tutto possibile che non siamo destinati a dare un senso totale a tutto questo. Cani, piedi, droghe, fame, sete e molto altro ancora sono elementi ricorrenti – immagini che potrebbero semplicemente essere un filo visivo per unire le storie. Ciò che rimane vero è che la disperazione di placare, nella speranza di essere amati e accettati, è una strada inevitabilmente sbagliata e spesso pericolosa. I parallelismi d’azione rendono evidente che i fili comuni sono da ricercare nei personaggi di ogni storia. Tutto inizia con l’arrivo di R.M.F. a casa di Raymond per quello che sembra essere un casting. Il ruolo: permettere a Robert di tamponarlo con la sua auto, cosa che Rita farà in seguito. Poi, la parte finale si conclude con l’incidente di Emily, che uccide Ruth sul sedile del passeggero. Anche se con scopi diversi, la guida è stata fatta nel tentativo di placare un leader, ed entrambe avrebbero provocato gravi lesioni o la morte.

Lanthimos ha chiarito che R.M.F. non significa nulla in particolare e non rappresenta un individuo specifico. È una costante per ricordarci che, sebbene le storie siano a sé stanti, si può trarre una lezione interconnessa. La gentilezza, come dice il titolo, può essere facilmente fraintesa con il controllo. I momenti scomodamente esilaranti abbinati a circostanze raccapriccianti sembrano strizzare l’occhio all’ironia, suggerendo che “Tipi di gentilezza” potrebbe essere intercambiabile con “Tipi di tirannia”, o forse “Servizi di egoismo”, o qualche altra serie di allitterazioni che ci fanno mettere in discussione le nostre devozioni e richieste.

 

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Nonostante l’interessante premessa narrativa, la fusione di più generi tra loro e il cast composto da noti attori di Hollywood, il film Kin è passato grossomodo inosservato. Diretto da Jonathan e Josh Baker, qui al loro primo lungometraggio, questo include al suo interno caratteristiche del thriller con elementi fantascientifici. Si costruisce così una vicenda particolarmente intricata e sorprendente, ricca di colpi di scena che non mancano di sorprendere continuamente. Per gli amanti del genere, dunque, si tratta di un titolo da riscoprire e apprezzare anche al netto dei suoi difetti.

Distribuito in sala nell’agosto 2018 (in Italia è in realtà arrivato nell’agosto del 2019), Kin è basato sul lungometraggio del 2014 Bag, diretto sempre dai fratelli Baker. Questo ha per protagonista un ragazzo diretto verso la periferia della metropoli in cui abita. Con sé porta solo una borsa, il cui contenuto rimane un mistero fino alla fine, come anche le intenzioni del ragazzo. Partendo da questo spunto, i Baker hanno costruito la sceneggiatura di Kin insieme a Daniel Casey (noto per aver scritto anche la sceneggiatura di Fast & Furious 9). Con un budget di 30 milioni, il film è così diventato realtà in modo del tutto indipendente dai grandi studios.

Inizialmente mal accolto dalla critica e snobbato dal pubblico, questo è poi lentamente divenuto un piccolo cult per gli appassionati del genere. In particolare, sorprendono certe ambientazioni e il modo in cui gli effetti speciali vengono utilizzati a fini narrativi. In questo articolo, approfondiamo dunque alcune delle principali curiosità relative a Kin. Proseguendo qui nella lettura sarà infatti possibile ritrovare ulteriori dettagli relativi alla trama, al cast di attori e alle fonti di ispirazione. Infine, si elencheranno anche le principali piattaforme streaming contenenti il film nel proprio catalogo.

La trama di Kin

Protagonista del film è il quattordicenne Elijah Solinski, che risiede a Detroit con il padre adottivo Hal. Un giorno, per puro caso, egli si ritrova ad essere testimone di uno scontro tra uomini armati di una tecnologia avanzata. Dopo lo scontro restano a terra soltanto i corpi privi di vita e una strana scatola di metallo. Elijah rientra a casa ma, come attratto dalla scena vissuta, decide di ritornare sul luogo e prelevare la scatola di cui ignora natura e funzione. Mentre cerca di capire con cosa a che fare, il figlio biologico di Hal, Jimmy Solinski, esce di prigione. La sua scarcerazione, però, non segna la fine dei suoi problemi, ma anzi si trova costretto a fare i conti con il criminale Taylor.

A questo Jimmy deve molti soldi, ma non avendoli decide di rubarli al padre. Qualcosa però va storto e sia Hal che il fratello di Taylor rimangono uccisi nel tentativo di rapina. Ciò spinge il criminale a voler ottenere una feroce vendetta, intraprendendo una vera e propria caccia nei confronti di Jimmy e il fratello Elijah. Mentre questi due tentano di nascondersi dalla furia del criminale, il quattordicenne inizia a fare una serie di incredibili scoperte sull’oggetto di cui è entrato in possesso. In breve, capirà che proprio quello è la loro unica speranza di salvezza e che potrà perfino aiutarlo a scoprire la verità sul suo destino e sulle sue origini.

Il cast del film e altre curiosità

Ad interpretare il protagonista del film, Elijah, vi è il giovane Myles Truitt, qui al suo debutto cinematografico e oggi noto per le serie Queen Sugar, Black Lightning, mentre si attende di vederlo nella quarta stagione di Stranger Things. Nei panni del suo fratellastro Jimmy vi è invece Jack Reynor, visto in Transformers 4 – L’era dell’estinzione e Il segreto. L’attore Dennis Quaid interpreta Hal, il padre dei due, mentre James Franco è il criminale Taylor. Completano il cast Zoë Kravitz nei panni della striper Milly, Carrie Coon in quelli di Morgan Hunter, agente FBI, e Michael B. Jordan in quelli del Cleaner maschio. Jordan, inoltre, è anche produttore esecutivo del film.

Ulteriori curiosità relative al film riguardano poi le fonti di ispirazione citate dai due registi. Oltre a basarsi sul loro già citato cortometraggio, il film trae spunto anche da un sogno fatto da uno dei due registi, dove un ragazzo seduto nel bagno di un hotel analizza una strana arma futuristica. Questa scena è poi stata inclusa nel film. Kin, inoltre, è un omaggio ai film di James Cameron, citato tanto in alcuni risvolti di trama quanto tramite alcuni easter eggs. La contea immaginaria in cui Jimmy ed Elijah vengonodetenuti alla stazione di polizia è la contea di Sulaco, un riferimento alla USS Sulaco di Aliens – Scontro finale, mentre la sparatoria nella stazione di polizia ricorda quella vista in Terminator.

Il trailer di Kin e dove vedere il film in streaming e in TV

È possibile fruire di Kin grazie alla sua presenza su alcune delle più popolari piattaforme streaming presenti oggi in rete. Questo è infatti disponibile nei cataloghi di Apple TV, Now e Prime Video. Per vederlo, una volta scelta la piattaforma di riferimento, basterà noleggiare il singolo film o sottoscrivere un abbonamento generale. Si avrà così modo di guardarlo in totale comodità e al meglio della qualità video. Il film è inoltre presente nel palinsesto televisivo di lunedì 29 luglio alle ore 21:20 sul canale Rai 4.

 

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Kim Rossi Stuart – Alto e slanciato, splendidi occhi azzurri, figlio di una ex mannequin di origine tedesco-olandese, Klara Müller e di Giacomo Rossi Stuart – attore italo-scozzese la cui fama è legata soprattutto ad horror come Operazione Paura di Mario Bava e al genere spaghetti western – da cui ha ereditato la passione per la recitazione, insieme con un gruppo di coetanei è oggi l’orgoglio del cinema italiano. Sarà nelle sale italiane dal prossimo 3 ottobre in Anni felici di Daniele Luchetti, accanto a Micaela Ramazzotti. E chissà che non sia la volta buona per aggiudicarsi quel David di Donatello che finora ha ottenuto “solo” col suo esordio da regista nel 2006 – Anche libero va bene – che ha convinto critica e pubblico, sebbene resti ancora senza un seguito.

Un fascino fuori dal comune e l’essere figlio d’arte potevano far pensare che si sarebbe fatto strada nel cinema solo per questo, ma sono bastate le prime prove impegnative – come Cuore cattivo e Senza pelle – per portare alla luce un talento e una sensibilità rari, affinati poi negli anni cimentandosi sempre in ruoli complicati e intensi. Severo e rigoroso, attento ai particolari e alle sfumature, è diventato uno specialista nel delineare personalità tormentate ed estreme, dal fascino contraddittorio, e nel rendere i molteplici aspetti di cui si compone l’animo umano. Chirurgico nella scelta dei ruoli, ha lavorato con Amelio, Placido, Benigni, Archibugi (senza dimenticare Antonioni e Wenders). La notorietà presso il grande pubblico è arrivata soprattutto grazie alla collaborazione con Michele Placido, che lo ha diretto in due magistrali interpretazioni in Romanzo criminale e Vallanzasca – Gli angeli del male.

Riservatissimo, tiene la sua vita privata ben lontana dai riflettori. Anche per quel che riguarda il suo lavoro, pesa ogni parola che pronuncia davanti alla stampa, e comunque preferisce pronunciarne poche e lasciare ai suoi film il compito di dirci qualcosa di lui.

Kim Rossi Stuart nasce a Roma il 31 ottobre del 1969. Quel nome particolare – si chiama come il protagonista di un noto romanzo di Kipling – gli porterà fortuna (oltre ad accordarsi bene con lo scozzese Stuart). L’attore romano ha tre sorelle. Negli anni dell’adolescenza si dedica allo sport, diventando campione di nuoto. All’età di quindici anni parte per l’America, col mito dell’Actor’s Studio e la voglia di diventare attore. Tornato, studia recitazione al Teatro Blu di Roma con Beatrice Bracco, e poi alla scuola di Francesca De Sapio, che proprio ai metodi dell’Actor’s Studio si ispira.

Nel frattempo, inizia a lavorare per la tv e per il cinema, sebbene l’esordio sul grande schermo risalga all’età di cinque anni, quando debuttò accanto al padre Giacomo e a molti altri attori illustri – basti citare Giancarlo Giannini e Catherine Deneuve – in Fatti di gente perbene di Mauro Bolognini (1974). È il 1984 quando appare sul piccolo schermo nella miniserie I ragazzi della valle misteriosa  di Marcello Aliprandi, mentre tre anni dopo torna al cinema interpretando il personaggio di Anthony Scott, protagonista de Il ragazzo dal kimono d’oro di Fabrizio De Angelis, che avrà due sequel, sulla scia del successo del precedente Karate kid. È certo a questo punto che il pubblico più giovane conosce Kim, solo diciottenne eppure già dotato di un magnetico talento. Sembra destinato a diventare il nuovo idolo delle  teenagers, il che pare confermato quando lo stesso pubblico lo segue nelle avventure fiabesche di Fantaghirò, di nuovo in tv, per la regia di Lamberto Bava, accanto ad Alessandra Martinez. La saga della principessa guerriera innamorata di un giovane cavaliere del regno rivale, Romualdo, interpretato dall’attore romano, avrà  ben cinque capitoli. Ma Rossi Stuart non disdegna partecipazioni televisive  di altro genere, come quella ne La famiglia Ricordi (1993), dove offre un’ottima prova del suo talento nei panni di Vincenzo Bellini.

È questo il momento del salto di qualità: dai film e serie tv destinati a un pubblico giovane, a lavori più impegnativi, a ruoli più  complessi, in cui Kim dà prova delle sue notevoli capacità interpretative, e che lo lanciano verso il cinema d’autore. Nel 1994 è infatti protagonista di Cuore cattivo di Umberto Marino e Senza pelle di Alessandro D’Alatri. In Cuore cattivo incarna la rabbia e il malessere di un giovane nella periferia romana, Claudio Scalise: un emarginato che ricorre alla piccola delinquenza e finirà malissimo. Il film si svolge per la maggior parte in uno spazio chiuso, claustrofobico, in cui la tensione cresce fino all’inevitabile scioglimento tragico. Assieme a lui, Esther (Cecilia Genovesi), la ragazza paraplegica che ha preso in ostaggio nell’appartamento di quest’ultima. L’attore regge il film quasi interamente sulle proprie spalle con un’interpretazione di grande forza e intensità, mostrandosi capace di dar corpo alle molte sfaccettature di un’anima tormentata: dalla rabbia, all’accusa, all’esaltazione, dalla comprensione alla solidarietà e alla complicità che si crea tra lui ed Esther, entrambi emarginati e soli. La tesi del film è forse un po’ scontata: che la “cattiveria” non sia propria del protagonista – che tiene in ostaggio la ragazza con una pistola scarica e non si dimostra capace di uccidere letteralmente neppure una mosca – ma indotta da una società che non aiuta chi è in difficoltà, che non accoglie e non capisce il disagio. La naturalezza e l’aderenza con cui Rossi Stuart s’immedesima nel personaggio fanno del film un cult che si fa ricordare a distanza di anni con estrema vivezza.

Lo stesso può dirsi di Senza Pelle, opera seconda di Alessandro D’Alatri. Qui l’attore si confronta con gli abissi mentali di un giovane psicotico, Saverio, sensibile e fragile, privo di un limite che gli impedisca di manifestare apertamente, senza alcun contegno, tutte le emozioni che lo scuotono. Sconvolge gli equilibri di una modesta e tranquilla famiglia innamorandosi di Gina (Anna Galiena). Anche in questo caso, l’interpretazione offerta è toccante e mostra la duttilità espressiva dell’attore alle prese con un ampio spettro di emozioni non facili da rendere. Stavolta arrivano anche i riconoscimenti della critica. Riceve infatti sia il Premio Flaiano che il Ciack d’Oro. Il film, oltre ad essere presentato al Festival di Cannes, ottiene in Italia il David di Donatello, il Nastro d’Argento e il Ciack d’Oro per la migliore sceneggiatura.

Intanto, assieme a cinema e tv, Kim prosegue brillantemente anche la carriera teatrale. Al palcoscenico era infatti approdato nell’ ’87. Negli anni Novanta si distinguerà interpretando con successo diversi personaggi shakespeariani in prove di grande impegno: lavorerà in Re Lear, sotto la direzione di Ronconi, ma sarà anche protagonista in Amleto e Macbeth. Intensa interpretazione sul palco offrirà anche ne Il visitatore di Schmitt, diretto da Antonio Calenda.

Al cinema, la sua carriera prosegue in piena ascesa. Viene notato e scelto da una coppia di registi illustri come Antonioni e Wenders per prendere parte ad Aldilà delle nuvole (1995). Nel 1998 torna a lavorare con D’Alatri ne I giardini dell’Eden, dove ha il non facile compito di interpretare Gesù.

Il nuovo millennio si apre con un lavoro televisivo: Rossi Stuart è stavolta nei panni di un giovane poliziotto sulle tracce della cosiddetta “banda della Uno bianca”, nell’omonima miniserie diretta da Michele Soavi. Si tratta solo del primo caso in cui la sua carriera d’attore si intersecherà con rilevanti fatti di cronaca della nostra storia recente.

Nel 2002 torna al cinema per interpretare Lucignolo nel Pinocchio di Roberto Benigni.

Due anni dopo, l’incontro col regista Gianni Amelio, che lo sceglie come protagonista de Le chiavi di casa. Liberamente ispirato a un romanzo di Giuseppe Pontiggia, il film indaga il rapporto fra un giovane padre, Gianni (Kim Rossi Stuart), e il figlio Paolo (Andrea Rossi) disabile fisico e psichico. Un rapporto tutto da costruire, perché Gianni alla nascita di Paolo non se l’era sentita di prendersi cura di lui, dopo che la moglie era morta nel darlo alla luce. Dopo quindici anni, decide di incontrarlo e cominciare a conoscerlo. Il film, che oltre al soggetto di Pontiggia conta sulla sceneggiatura di Stefano Rulli e Sandro Petraglia – assieme allo  stesso Amelio – ha il pregio di non essere scontatamente moralistico nell’affrontare il tema della disabilità. Non suggerisce un dover essere – curare, capire, accogliere, sacrificare sé stessi per l’altro – bensì si pone in maniera problematica di fronte al tema, lo guarda da più prospettive, ci fa immedesimare nei dubbi, nelle ansie, nei momenti di scoramento e rabbia che un genitore in una simile situazione inevitabilmente vive. Le ottime interpretazioni di Kim Rossi Stuart e di Andrea Rossi, oltre che di Charlotte Rampling e Pierfrancesco Favino, fanno il resto, offrendo momenti intensi e toccanti.

Il film è corteggiato dai festival internazionali, partecipa in concorso a Venezia, dove però, seppure tra i favoriti, non ottiene i riconoscimenti sperati. Questi arrivano invece dalla critica: quella internazionale premia col Globo d’Oro Kim Rossi Stuart, mentre quella nostrana premia Amelio come migliore regista col Nastro d’Argento, ma anche gli sceneggiatori, Luca Bigazzi per la fotografia e Alessandro Zanon per il suono in presa diretta.

Il 2005 è l’anno di Romanzo criminale. Kim aveva già lavorato con Michele Placido anni prima in un film di Giulio Base (Polizziotti 1994). Ora è invece il Michele Placido regista di appassionate pellicole sulla più controversa storia italiana che vuole l’attore romano per interpretare il Freddo nel film tratto dal libro di Giancarlo De Cataldo, liberamente ispirato alle vicende della banda della Magliana, riproposte in chiave romanzata. In questa rievocazione della parabola criminale della banda entra anche, e non potrebbe essere altrimenti, uno spaccato dell’Italia di quegli anni, in cui la delinquenza comune s’intreccia alla mafia, al terrorismo ed emergono lati oscuri, che coinvolgono sfere più alte, ombre che si allungano fino all’oggi. I tre protagonisti  – Libanese (Pierfrancesco Favino), Freddo (Kim Rossi Stuart), Dandi (Claudio Santamaria) sono amici d’infanzia che scelgono la strada della malavita. Vogliono ottenere denaro e potere ad ogni costo, e al prezzo di efferati crimini ci riusciranno. Ma vediamo anche il loro lato umano, indispensabile per farne personaggi vividi e realistici. Quindi, violenza e ferocia, ma anche coraggio, lealtà, debolezze e fragilità. Placido riserva una fine tragica e violenta a tutti i suoi protagonisti, in un crescendo vorticosamente avvincente. Impeccabile l’interpretazione del Freddo da parte di Kim Rossi Stuart, così come quella degli altri protagonisti  – tutti premiati col Nastro D’Argento, mentre a Pierfrancesco Favino va anche il David – e dell’intero cast. Ne fanno parte anche Stefano Accorsi, Riccardo Scamarcio, Jasmine Trinca, Elio Germano. Il film ha un enorme successo e fa incetta di riconoscimenti – premiati anche gli sceneggiatori Rulli, Pertraglia e De Cataldo per uno script senza pecche. Dalla pellicola sarà tratta un’altrettanto fortunata serie televisiva. Arrivano però anche molte polemiche per il rischio d’identificazione con i personaggi negativi, di cui si teme restino vittime soprattutto i giovani spettatori. Certo, il rischio di subire il fascino del male c’è, ma è insito nella natura umana perché, come Placido ha ricordato spesso pure riguardo al suo Vallanzasca – gli angeli del male, esso è una parte di noi che nascondiamo anche a noi stessi, ma riemerge quando vediamo il male agito da qualcun altro.

Venezia 73: Tommaso recensione del film di e con Kim Rossi Stuart

Il 2005 per Kim Rossi Stuart è però anche l’anno di un grave incidente stradale, di cui resta vittima mentre è in moto, fermo a un semaforo a Roma: viene travolto da un’auto che fa un’inversione a “U” e finisce in rianimazione con un trauma toracico, entrambe le gambe e i polsi fratturati. Dopo una lunga riabilitazione, si riprende perfettamente dall’incidente, che in seguito ricorda così: “Fu rischioso e mi è andata anche molto bene. Tutto ciò che è accaduto dopo l’ho preso quasi come una vacanza”.

Della “vacanza” che è seguita, dunque, fa parte anche la decisione di esordire dietro la macchina da presa. È il 2006 quando Rossi Stuart dirige e  interpreta Anche libero va bene, intenso e verosimile ritratto familiare: Renato – da lui stesso interpretato – è un padre in difficoltà economica ed esistenziale, alle prese con due figli da crescere, Viola e Tommi (Alessandro Morace), cui è molto legato e con una moglie, Stefania (un’ottima Barbora Bobulova), che, come dice il figlio, “va e viene”. Rossi Stuart ci conduce con sicurezza nella loro vita: vera, fatta di piccoli gesti quotidiani, apparentemente semplici e banali, ma importanti – anche grazie a un’attenzione per i particolari non comune, mostrandoci una fase difficile, piena di incomprensioni. Queste nascono soprattutto perché, ecco il tema del film, i genitori, ciascuno a suo modo, sono più immaturi dei figli e commettono spesso, egoisticamente, l’errore di considerarli già grandi.

Così i figli – il punto di vista adottato è quello del piccolo Tommi – sentono gravare su di loro pesi enormi, mentre vorrebbero spazio e attenzione da parte dei genitori e un clima sereno per crescere. È Tommi, alla fine, a dimostrare una inattesa capacità di comprendere e sostenere il padre. Si trova a consolarlo, chiedendogli però, in cambio,  di imparare ad ascoltare le sue esigenze di bambino. Rossi Stuart è al solito impeccabile nei panni di Renato, un uomo profondamente provato dalla vita, stanco, con un carattere difficile, orgoglioso, che vuol mostrarsi tutto d’un pezzo ma rischia di andare in frantumi da un momento all’altro. Il film ha momenti anche molto duri e riesce ad evitare i facili sentimentalismi, bagnandosi continuamente nel reale. Piace sia in Italia che all’estero. Il regista riceve il David di Donatello, il Nastro d’Argento e il Premio Flaiano come miglior esordiente; mentre il film è premiato col Globo d’Oro e il Ciack d’Oro come migliore opera prima. Passa al Festival di Cannes, dove è accolto calorosamente. Infine Kim riceve dal Capo dello Stato, Giorgio Napolitano, il Premio Vittorio De Sica 2006.

Dopo le soddisfazioni della regia, torna solo attore nel film di Riccardo Milani dedicato alla vita del jazzista Luca Flores, Piano solo: grande musicista dalla personalità sensibile e tormentata, afflitto da una depressione che lo ha portato a togliersi la vita a trentanove anni. Ancora una volta una prova estremamente ardua affrontata con esiti di commovente intensità. Nel cast anche una sorprendente Paola Cortellesi, perfettamente a suo agio anche in veste drammatica, nel ruolo della sorella di Luca.

Nel 2009 Kim è in Questione di cuore di Francesca Archibugi, metà dramma e metà commedia, in cui può mostrare anche la vena più ironica del suo talento, accanto ad un Antonio Albanese in ottima forma, con cui compone una coppia comico-tragica di indubbia efficacia. La figura di Angelo, meccanico romano quarantenne, infartuato grave che in ospedale stringe un’inconsueta amicizia con lo sceneggiatore Alberto (Albanese),  è tratteggiata con spontaneità e misura impeccabile sia nei frangenti ironici e addirittura comici, che nei risvolti più tragici, profittando anche dell’immediatezza con cui l’attore sa calarsi in un certo tipo di romanità, pragmatica, a volte cinica o caustica, ma anche di affetti e legami sinceri.

Del film ha parlato come di “un altro viaggio in una certa romanità che io amo molto e che quindi amo anche rappresentare”. La pellicola ha infatti il pregio di riportare al cinema la Roma verace dei quartieri popolari (qui, il Pigneto, dove si trova l’officina di Angelo e dove sono state girate molte scene). Rossi Stuart ha anche voluto sottolineare come in questo e in altri suoi personaggi recenti, abbia cercato di “esplorare ed esaltare gli aspetti ironici”.

Di Micaela Ramazzotti, che nel film offre un’intensa interpretazione della moglie di Angelo, Rossana, parla come di “una compagna di viaggio ideale, un’attrice collaborativa e intelligente”. La collaborazione tra i due attori ha infatti funzionato tanto, che sembra Rossi Stuart debba essere il protagonista di un film di Paolo Virzì, accanto proprio a Micaela Ramazzotti e Stefania Sandrelli (lo dichiara lo stesso attore in diverse interviste dell’epoca ed evidentemente si tratta de La prima cosa bella). Il progetto però non si concretizza (quel ruolo andrà, poi, a Valerio Mastandrea).

A concretizzarsi invece, è un altro progetto e nel 2010 vediamo Kim in una straordinaria prova d’attore nei panni di Renato Vallanzasca in Vallanzasca – gli angeli del male, che Michele Placido dirige con uno stile in tutto e per tutto simile a quello già scelto per Romanzo criminale, avvalendosi della collaborazione dell’attore romano anche per la sceneggiatura. Ascesa e caduta della banda della Comasina, che negli anni Settanta terrorizzò Milano con rapine e omicidi, e del suo leader, il bel René, ladro per scelta e per vocazione, assassino, ma anche uomo misterioso e affascinante, che ha fatto innamorare centinaia di donne italiane, come testimonia la copiosa corrispondenza ricevuta in carcere. L’ennesima figura controversa e sfaccettata, alla cui interpretazione Rossi Stuart dice di essersi accostato con questo spirito: “mi sono posto di fronte a questo personaggio, come a tutti quelli che ho fatto, in maniera molto laica, senza nessuna necessità di giudicare”, ma solo, dice, “per cercare di capire”. Mentre a proposito della complessità di questa figura ha dichiarato: “penso che nell’anima di ognuno non ci siano solo due “io”, due propensioni; penso che ce ne siano decine”.

“In questo personaggio ci sono tante voci (…),  tutte voci molto estreme, radicali. L’interesse del personaggio risiede proprio in questo, è ciò che ne fa un personaggio di statura shakespeariana in qualche modo, nel bene e nel male”. “E’ una personalità camaleontica, dalla psicologia complicata”, al punto che, arriva a dire il suo interprete, Renato Vallanzasca “resta un mistero”. In particolare, ciò che l’attore ha voluto fare è stato “raccontare un percorso” catturandone l’essenza. L’intento era quello di “crescere, di  conoscere cose importanti e attraverso questo, far conoscere anche allo spettatore cose che lo portino ad una crescita”. In questo caso, si è trattato di “un percorso di delitto e castigo, di espiazione” perché, ha affermato, “il cinema non dev’essere moralistico, ma deve porsi delle domande su ciò che sta facendo”. Dunque non un’apologia, ha ribadito, a dispetto delle polemiche che puntuali sono arrivate.  Ha poi posto l’accento sulla coerenza dell’uomo nell’ammettere le proprie responsabilità: “Ha scontato quarant’anni di carcere, ha sempre detto di essere un fuorilegge e sta ancora pagando”.

Per la sua impeccabile interpretazione, cui contribuisce anche un accento milanese ben studiato, Rossi Stuart riceve il Nastro d’Argento. Per festeggiare, l’attore inscena una curiosa quanto inattesa performance, ballando sul palco del Teatro antico di Taormina. Ottiene anche il Premio Flaiano e il Ciack d’Oro. E il momento è felice pure nella vita privata:  con la sua compagna, Ilaria Spada, è in attesa di un figlio, Ettore, che nascerà a novembre 2011.

Attualmente, pare sia a lavoro sul soggetto del suo prossimo film da regista, che vorrebbe solo dirigere e non interpretare, ma intanto lo vedremo di nuovo attore in Anni felici di Daniele Luchetti, presentato in anteprima mondiale al Festival di Toronto: storia parzialmente autobiografica della famiglia del regista negli anni Settanta, dove Kim interpreta il padre, un artista d’avanguardia, e Micaela Ramazzotti veste i panni della madre. In sala dal 3 ottobre.

 

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