The Burnt Orange Heresy inizia con un assunto interessante, ovvero che la critica può inventare a seconda della sua fantasia ragionata i significati nascosti dell’opera e far credere a chi legge l’opera attraverso i suoi occhi che quella sia la verità. A dirlo, nel film diretto da Giuseppe Capotondi e tratto dall’omonimo romanzo di Charles Willeford, è James Figueras (Claes Bang), critico d’arte e scrittore forse fallito che per campare tiene lezioni per i turisti interessati solo a Michelangelo e Caravaggio (“come se fossero gli unici pittori della storia”) in un lungo monologo ripreso dal regista de La doppia ora in due piani alternati: da una parte c’è la prova nella sua stanza, il recitare davanti allo specchio simulando il discorso, dall’altra la performance vera con il pubblico, le pause studiate per l’applauso, il congedo della vittoria.

Peccato che in questo gioco di bugie ben architettato arrivi l’imprevisto – nella vita come nel modo in cui ci approcciamo all’arte e alle intenzioni dell’autore – nella forma di una giovane donna misteriosa seduta in fondo alla sala. James incontra Berenice (Elizabeth Debicki), passano la notte insieme, e complici decidono di trascorrere un weekend nella villa sul lago di Como di un ricco collezionista (Mick Jagger) determinato a ottenere, tramite intercessione di Figueras, l’ultimo dipinto di Jerome Debney (Donald Sutherland).

Curiosamente la 76a Mostra del cinema di Venezia si chiude con un altro film che parla di maschere e relazioni personali legate o proprio ambientate nel mondo dell’arte (dopo Le Verità di Kore-eda Hirokazu), solo che qui Capotondi sceglie di addentrarsi nelle stanze del thriller alla Hitchcock, al quale rende omaggio in più di un’occasione, mescolando il linguaggio del giallo e del noir per raccontare i limiti dell’ambizione umana, le bugie che diciamo per raggiungere i nostri obiettivi e gli effetti spesso violenti e negativi che questa manipolazione della realtà produce.

E spostando l’azione da Palm Beach, luogo originale del romanzo, all’Italia lacustre del nord pericolosa e conturbante, l’adattamento di The Burnt Orange Heresy si rivela allo spettatore come un classico gioco di inganni e potere con attori bellissimi ed elegantissimi che sembrano usciti dalla Hollywood d’oro degli anni Cinquanta e Sessanta, rispettando tutti i codici della tradizione hitchcockiana senza nemmeno provare a riscriverli o ad aggiornarli ai tempi moderni.

Gli spunti di riflessione ci sono, e abbracciano temi che vanno dal complicato rapporto tra l’arte e la critica al ruolo della critica stessa nel discorso contemporaneo alle contraddizioni di un protagonista accecato dalla propria ambizione, passando per metafore più o meno esplicite (e alcune anche un po’ maldestre) che devono accompagnare il viaggio dell’anima dei personaggi costretti ad un punto di svolta nelle loro vite, tuttavia non sono sufficienti a risollevare le sorti di un’opera che sembra già scritta fin dalla prima scena, incastrata nei suoi rigidi schemi eppure gestita con grande sapienza dal regista.

Presentato in Concorso a Venezia 76, il nuovo film del regista colombiano Ciro Guerra, Waiting for the barbarians, è l’adattamento cinematografico dell’omonimo romanzo di J.M. Coetzee. Nel cast del film compaiono Mark Rylance, Johnny Depp e Robert Pattinson.

Un magistrato, amministratore di un isolato avamposto di frontiera al confine di un impero senza nome, aspetta con impazienza la tranquillità della pensione, fino all’arrivo del colonnello Joll. Incaricato di riferire sulle attività dei barbari e sulla sicurezza al confine, Joll conduce una serie di spietati interrogatori. Il trattamento dei barbari per mano del colonnello e la tortura di una giovane donna barbara spingono il magistrato a una crisi di coscienza che lo porterà a compiere un atto di ribellione donchisciottesco.

Nel mettere in scena questo luogo di frontiera, costantemente minacciato dall’incombere degli stranieri, i nomadi, i barbari, Guerra sembra adottare i modi e lo stile di vita del protagonista, interpretato da Rylance, un uomo mite che si scontra con dei poteri più grandi di lui, con i quali non riesce a comunicare e che finiscono per annientare il suo approccio alla vita, ma anche alla professione di magistrato di frontiera.

Questo punto di vista però non contribuisce a renderci partecipi della storia, anzi, rallenta in maniera deprimente il ritmo, il coinvolgimento e anche l’interesse verso le vicende raccontate. Non basta l’entrata in scena del cattivo colonnello Joll (Depp), né quella del suo servizievole tirapiedi, interpretato da Robert Pattinson, a dare spina dorsale a un racconto pigro.

Tutti gli attori sono estremamente in parte eppure nella scrittura e nelle scelte di regia Waiting for the barbarians rivela tutte le sue carenze. La trasformazione di un avanposto da oasi tranquilla a presidio militare avviene in maniera poco appassionante, in rapidi passaggi e con la messa alla berlina, quasi letteralmente, del mite magistrato, che non può fare altro che osservare la rovina di ciò che ha tentato di costruire.

Il problema è che ogni passaggio psicologico, ogni trasformazione di comunità e paesaggio è così schietta e semplice che diventa banale.

A herdade è il nuovo film di Tiago Guedes, selezionato nel Concorso di Venezia 76. Il film poteva essere a tono con la selezione dello scorso anno della Mostra, che prevedeva una serie di pellicole molto lunghe, storie importanti, che in più di un’occasione permettevano alla storia privata di incrociarsi con la grande Storia pubblica. E questo è ciò che sceglie di fare Guedes, con il suo film.

Il film racconta la storia di una famiglia portoghese che possiede una delle più grandi proprietà fondiarie d’Europa sulla riva meridionale del fiume Tago. A herdade scava nei segreti della loro proprietà, rappresentando le vicende storiche, politiche, economiche e sociali del Portogallo a partire dagli anni Quaranta, passando per la Rivoluzione dei garofani fino ad arrivare ai nostri giorni.

A herdade intreccia la storia politica e sociale del Portogallo attraverso i decenni, con quella legata all’ascesa e alla caduta di una famiglia, specchio della contemporaneità, che suo malgrado attraversa i cambiamenti che il tempo impone a tutte le cose. Questo equilibrio tra grande e piccolo, pubblico e privato, viene raccontato attraverso una lente particolarmente insolita, quasi pacifica potremmo dire, in cui la lotta di classe viene quasi annullata e perde il suo potere esplosivo.

Se alcuni momenti del film si caratterizzano per un’impostazione da soap opera, sacrificando la credibilità della messa in scena, gli scenari, le bellissime location, sono valorizzati invece da una fotografia che cattura ogni raggio di luce nei cieli tersi che dominano la maggior parte del film.

A herdade è un film che ha bisogno del suo tempo, come la sua storia, e non è una mera questione di minutaggio, anche se il film dura 164 minuti, è una questione di respiro: le storie su scala così grande hanno bisogno di inspirare ed espirare profondamente, così da riuscire a trovare spazio negli occhi e negli animi di chi li guarda.

Il problema di questo affresco così ricco e stratificato è proprio l’affollamento di temi che il film non poteva raccontare singolarmente in maniera esaustiva. E quindi il risultato è che in alcuni casi le redini del racconto sfuggono di mano al regista. Nonostante questo, il film mantiene il fascino della grande epica cinematografica, senza particolare lode, ma anche senza infamia.

Presentato in Concorso a Venezia 76, Babyteeth è diretto dall’australiana Shannon Murphy, alla sua prima volta alle prese con il lungometraggio.

Autore molto amato che da qualche tempo cerca di ritrovare la propria voce incisiva, Atom Egoyan ha presentato in Concorso a Venezia 76 il suo ultimo film, Guest of Honour, una saga familiare atipica che si trasforma in doppia indagine, una storia che presenta tutti gli elementi cari al regista e che ha raccontato più volte nella sua storie.

Jim e la figlia Veronica, una giovane insegnante di musica al liceo, cercano di dipanare le loro complicate storie e il groviglio di segreti che le avviluppano. In seguito a uno scherzo finito male, la figlia di Jim viene ingiustamente condannata per abuso di autorità nei confronti del diciassettenne Clive. Veronica è tuttavia convinta di meritare una punizione, ma per reati commessi molto tempo prima. Confuso e frustrato di fronte all’intransigenza di Veronica, l’angoscia di Jim inizia a ripercuotersi sul suo lavoro come ispettore alimentare: ha un grande potere nei confronti dei piccoli ristoranti a gestione famigliare, e lo esercita senza remore.

La storia si rivela essere un doppio racconto in cui gli indizi e le verità si dipanano man mano che la storia procede, senza però affondare dentro i personaggi. Il risultato è che il regista riesce comunque a toccare dei temi che gli sono molto cari, ma allo stesso tempo rimane in superficie, quasi svogliato di fronte all’indea di raccontare il suo stesso film.

Il thriller, che negli ultimi anni è passato alla tv come mezzo di elezione, sembra scivolare anche in questo caso alla dimensione del piccolo schermo, e così Guest of Honour si rivela anch’esso un prodotto televisivo svogliato, senza ritmo. Egoyan tratteggia con attenzione i personaggi ma poi li lascia in balia di un racconto superficiale.

A qualche anno da Belluscone – una storia siciliana, Franco Maresco, premiato a Venezia nel 2014, torna a filmare l’etologia di strambi animali autoctoni di Palermo e dintorni. Lo fa in un nuovo bizzarro oggetto cinematografico intitolato La mafia non è più quella di una volta, che si riallaccia al precedente lavoro e riporta la memoria, con tanta nostalgia, agli spiazzanti teatrini di Cinico Tv, firmati negli anni novanta insieme a Daniele Ciprì.

Questo spaccato cine-antropologico, che si spinge ai confini della bassezza della razza umana con sguaiata ironia e tanta poesia, è costruito con lo spirito di un divulgatore e l’estro del più scaltro dei commediografi. Si può con certezza affermare che in un bislacco connubio audiovisivo Piero Angela incontra Cesare Lombroso, antropologo e padre della moderna criminologia, che avrebbe sguazzato felice tra tanto materiale da studiare e collocare nelle sue classificazioni, trovando magari nuove conferme sulla sua sballata teoria dell’atavismo.

Il tema centrale di La mafia non è più quella di una volta, come si evince dal titolo è chiaramente la lotta alla mafia e il ricordo sempre vivo, affettuoso e riconoscente, di Giovanni Falcone e Paolo Borsellino. Maresco lo racconta documentando varie commemorazioni delle loro uccisioni, alcune ufficiali, con tanto di partecipazioni di cariche politiche e del presidente della Repubblica, altre spontanee e discutibili. L’autore, nel presentare il suo lavoro, afferma “La mia sensazione, è di essermi spinto oltre rispetto al film precedente. In un territorio in cui la distinzione tra bene e male, tra mafia e antimafia, si è azzerata e tutto, ormai, è precipitato in uno spettacolo senza fine e senza alcun senso.”

Come un novello Dante, Franco Maresco si aggira con la sua macchina da presa tra i dannati del cuore antico di Palermo e dei moderni quartieri ZEN, sigla che potrebbe apparire come un rilassante rimando alle filosofie orientali, ma che in realtà è un freddo acronimo che significa Zona Espansione Nord. E non poteva mancare un Virgilio, impersonato in questo viaggio da Letizia Battaglia, fotografa ottantenne che con i suoi scatti ha raccontato le guerre di mafia e la gente semplice della sua amata città; è stata definita dal New York Times una delle “undici donne che hanno segnato il nostro tempo”. Anche Wim Wenders volle renderle omaggio, regalandole un prezioso cameo nel suo toccante Palermo shooting.

Ma il vero fulcro di questo bestiario strampalato è Ciccio Mira, con la sua clamorosa corte dei miracoli, popolata di cantanti neomelodici stonati e psicopatici, ballerine sguaiate col mito della Carrà, musicisti improbabili che non sanno suonare e attribuiscono la colpa all’antichità dello strumento, impresari vessati che comunicano per radio con gli alieni. Ciccio Mira, popolare showman di una becera TV locale, seguita da mafiosi, galeotti e disperati di varia natura, era anche il protagonista di Belluscone – una storia siciliana, diventando così elemento d’unione tra i due film.

La mafia non è più quella di una volta di Franco Maresco è un film raro, quanto prezioso. È costruito con sapienza, intelligenza e ironia, tanto gusto visivo e meditata teatralità. È un grido sornione di denuncia contro la mafia, sulla sua negazione e sull’omertà naturale che impone sulla gente, così strutturata da essere definita dal protagonista corredo genetico ereditato col DNA.

Unico dubbio è quanto sia labile il confine tra realtà e finzione, perché è assai difficile accettare che possano esistere delle bestie così strane, a volte stolte e a volte feroci, che vivono in branchi nei meandri invisibili e disperati delle nostre città. Le vie dell’evoluzioni sono imperscrutabili e Maresco ce ne fornisce le prove.