E’ proprio vero che la fantascienza è in crisi. Nella fattispecie lo Sci-Fi vive uno dei momenti meno prolifici della sua storia, tant’è che è persino difficile individuarne il momento in cui ci si è resi conto che questo storico genere ha iniziato a non riuscire ad essere più originale, intenso. Insieme all’horror ha rappresentato quello spazio nel quale poter rappresentare le angosce dell’uomo, che difficilmente erano rappresentate altrove. L’ora nera è la storia di cinque giovani che si ritrovano a Mosca e che cercano di sopravvivere dopo un devastante attacco da parte degli alieni. Dopo aver superato indenni l’attacco iniziale nascondendosi sotto terra, i cinque emergono ai confini di una Mosca sempre più dominata dagli alieni. La città, un tempo piena di vita, è ormai priva di energia elettrica e di abitanti, se non per una forza di occupazione sconosciuta.

Per quanto l’idea di strani impulsi elettronici discesi dall’abisso dell’universo per sterminare il genere umano e privarlo di tutti i suoi preziosi minerali, potrebbe risultare interessante soprattutto dal punto di vista visivo, non può essere certo l’unica fonte di sostentamento di un film. Passati i primi dieci minuti, dove la sconvolgente comparsa di questi esseri spiazza un po’ tutto e tutti, vengono fuori i grossi limiti di L’ora nera che difficilmente incide per tematiche e per svolgimento.

Uno dei punti più deboli dell’opera è senza dubbio la scrittura, incapace di apportare un reale contributo alla vicenda. Nello specifico sono i dialoghi che sostengono debolmente la narrazione, molto spesso banali e retorici e altre volte fuori luogo  e troppo catastrofici.  Altra nota negativa è l’intreccio che in genere dovrebbe svolgere un ruolo importante ma che in questo caso è il primo a franare su se stesso. Per quanto L’ora nera sia dotato di una discreta regia ed un attore come Emile Hirsch non riesce a decollare, rimanendo ancorato a difetti che difficilmente sono superabili da una performance eccellente ed una regia incalzante. E se nella prima parte l’unico pregio era quello di una rappresentazione visiva interessante e coinvolgente, anche questo lato crolla quando viene rivelata la vera natura di questi esseri. Totalmente inadatto è il loro concept, poco aiutato anche da una ricostruzione grafica non delle migliori. Sono lontani anni luce gli straordinari  concept di Alien o La Cosa. Quello che rimane è un film che incide poco e che è incapace di regalare un vero contributo al genere.

L’elemento dell’ombra nelle opere di Michelangelo Merisi, detto Caravaggio, è certamente uno degli aspetti più affascinanti, seducenti e talvolta inquietanti delle sue opere d’arte. Ma non solo i suoi dipinti, bensì tutta la vita del pittore è in realtà caratterizzata dalle ombre, da quelle dei luoghi scabrosi da lui frequentati fino a quelle dell’animo, che lo hanno portato ad essere indicato come uno degli artisti maledetti per eccellenza. Ombre, tormenti e passioni su cui il regista Michele Placido sceglie di costruire il suo L’Ombra di Caravaggio, un film a lungo pensato e voluto, che si svela ora per la prima volta in occasione della Festa del Cinema di Roma.

Da Placido anche scritto insieme a Fidel Signorile e Sandro Petraglia, il film si concentra in particolare sulla ricerca che un investigatore incaricato da Papa Paolo V e chiamato semplicemente Ombra (Louis Garrel) conduce nei confronti di Caravaggio (Riccardo Scamarcio). Mentre il pittore si trova a Napoli, fuggito dopo l’omicidio commesso, la sua vita viene dunque approfondita attraverso gli incontri che l’Ombra fa con quanti lo hanno conosciuto, amato e odiato. L’obiettivo è stabilire se il pittore sia meritevole o meno di ricevere la grazia dal Papa, nonostante la sua vita dissoluta e le ripetute accuse di blasfemia per aver utilizzato prostitute e barboni per raffigurare i Santi.

Ombre e luci di Caravaggio

Placido ha raccontato di aver voluto realizzare un film sul celebre pittore sin da quando in gioventù scoprì la sua grandezza artistica. Un lungometraggio a lui dedicato, però, avrebbe dovuto tenersi a distanza da ogni più piccolo artificio e falsità, con l’intento dunque di portare sullo schermo quello stesso senso di realismo che Caravaggio ricercava con le sue opere, giudicate fin troppo rivoluzionarie al loro tempo. Con lo scenografo Tonino Zerra (Il primo re) e il costumista Carlo Poggioli (The Young Pope) Placido lavora dunque per ricercare quel senso di vero imprescindibile, da trasmettere attraverso una ricostruzione storica viva, che si manifesta attraverso le zone più malfamate e quelle più altolocate della città di Roma.

Luoghi come bordelli, chiese, prigioni, palazzi nobiliari e sporche strade offrono dunque un contesto particolarmente convincente, facendo della ricostruzione scenografia un’assoluta protagonista del film. Allo stesso modo il lavoro sui costumi risulta particolarmente curato nel dettaglio. Gli abiti indossati dai personaggi non servono solo a caratterizzare il loro rango sociale ma anche a suggerire le loro inclinazioni caratteriali e quelle d’animo. Entrambi questi aspetti vengono poi arricchiti da un lavoro di costruzione fotografica particolarmente suggestivo. Con il direttore della fotografia Michele D’Attanasio (Freaks Out), il regista si impegna infatti a dar vita a scene e inquadrature di esplicita ispirazione caravaggesca.

Proprio come Caravaggio utilizzava le luci e le ombre per dar vita a quel chiaroscuro che conferisce alle figure un rilievo scultoreo, così il film si avvale della medesima tecnica per trasmettere una maggiore intensità e drammaticità a quanto mostrato. L’Ombra di Caravaggio è da questo punto di vista un film che si avvicina allo stile dell’artista di cui racconta. Un espediente particolarmente funzionale, che qui dà prova dell’efficacia della sua utilizzazione. Attraverso le luci e le ombre, Placido costruisce dunque il suo film con una maniera quasi espressionista, facendo emergere l’animo dei propri personaggi, rendendoli affascinanti e coinvolgenti.

L’Ombra di Caravaggio: un film episodico per raccontare l’attualità del pittore

Se dunque da un punto di vista estetico L’Ombra di Caravaggio risulta essere un film se non interamente comunque in buona parte affascinante, diverse criticità si ritrovano invece a livello narrativo. Attraverso il personaggio Ombra e i suoi incontri, come detto, si ripercorre la vita di Caravaggio compiendo salti temporali che conducono a veri e propri episodi che non sempre riescono a reggere il ritmo e il tono del film. Non tutti gli episodi raccontati risultano infatti convincenti, talvolta per via di interpretazioni che inficiano sul risultato finale, talvolta per mancanza di quelle idee di regia che invece in altri momenti esprimono meglio il proprio valore.

Un esempio di episodio particolarmente riuscito è quello ambientato nel carcere dove si trova anche il filosofo Giordano Bruno, prossimo al rogo a Campo de’ Fiori. Si offre qui, sempre attraverso un sapiente uso di luci ed ombre, tutto quel forte bisogno di libertà di pensiero, parola e gesto che Bruno condivide con Caravaggio. Bisogni insopprimibili che sono alla base della lettura che Placido dà del pittore con questo suo film e che Riccardo Scamarcio interpreta in modo particolarmente convincente. Al netto dunque di un andamento altalenante e talvolta confuso, L’Ombra di Caravaggio non punta ad offrire un ritratto pedissequo della personalità e della vita di Caravaggio, quanto più a dar vita ad una sua rilettura che dimostri l’attualità ancora oggi dell’animo del pittore.

Un insolito racconto di guerra. L’ombra del giorno è un film che mostra le sfumature poco esplorate dell’Italia fascista prima dello scoppio della Seconda Guerra Mondiale. Un tenebroso Riccardo Scamarcio (Mine Vaganti, La scuola cattolica) e una delicata Benedetta Porcaroli (Baby, 18 regali) sono al centro del nuovo film di Giuseppe Piccioni, in arrivo nei cinema italiani il 24 febbraio 2022.

La trama de L’ombra del giorno

Siamo nel 1938. Ad Ascoli Piceno arriva Anna (Benedetta Porcaroli), una ragazza misteriosa in cerca di lavoro. Luciano (Riccardo Scamarcio), proprietario di un ristorante in centro città, offre ad Anna un posto nella sua cucina. La ragazza si mostra subito volenterosa e diventa un’abile cameriera. Inizialmente entrambi arroccati e chiusi in loro stessi, Anna e Luciano scoprono a poco a poco un amore fatto di poche parole e piccoli gesti. Le complicazioni non tardano però ad arrivare. L’ascesa del fascismo pone grandi ostacoli alla coppia: lui si definisce fascista, mentre Anna non sembra simpatizzare per il regime. Come se non bastasse, la donna nasconde un segreto che potrebbe mettere in pericolo lei, Luciano e l’intero ristorante.

La tensione latente prima del conflitto

L’ombra del giorno descrive abilmente l’atmosfera di pericolo imminente percepita prima del secondo conflitto globale. Nel film i momenti di estrema spensieratezza, tranquillità e vita quotidiana sono avvolti da una tensione data dalla situazione politica italiana. Il ristorante di classe, la tranquillità della provincia, la bellezza del borgo italiano sono adombrate dalle arroganti camicie nere e dalla voce della radio che annuncia i passi di Mussolini.

Gli attimi sereni tra Anna e Luciano si contano sulle dita di una mano. Il passato di lui, reduce di guerra rimasto zoppo, e i segreti di lei sono macigni che pesano sulla relazione tra i due. Come i protagonisti, anche lo spettatore non può far altro che gioire per le poche passeggiate in intimità e per i baci rubati nei corridoi prima che tutto entri in crisi a causa delle minacce politiche.

L’Italia di provincia toccata dalla guerra

L’incantevole Piazza del Popolo di Ascoli Piceno su cui si affaccia il ristorante di Luciano, è lo scenario de L’ombra del giorno. Luciano osserva il mondo dalle vetrine del suo ristorante. Vede le vite altrui e immagina sognante il futuro dei passanti. Le belle copiette, le famiglie, le ”giovani italiane” che ballano con nastri e cerchi, regalano a Luciano e allo spettatore visioni di pace e tranquillità.

Il paesaggio iniziale viene però turbato più volte nel corso del film. Le guardie fasciste, le camicie nere che arrivano con arroganza in piazza e nel ristorante stridono con l’eden della cittadina di provincia fatta di brave persone, dove ”si conoscono tutti”. L’apice della tensione è ben racchiuso nella vetrina del ristorante, infranta da qualche passante.

Scamarcio è il ”fascista buono”

Il personaggio interpretato da Riccardo Scamarcio è il più emblematico de L’ombra del giorno. Lo vediamo fin dalle prime immagini, mentre con dedizione accoglie i clienti nel suo ristorante. È lui che offre ad Anna un lavoro, senza chiederle troppe spiegazioni sul suo passato. Luciano è un uomo premuroso, bravo con tutti, anche se rimane sempre un po’ distaccato e autoritario.

Si definisce fascista, decanta le azioni compiute da Mussolini per migliorare la vita degli italiani. Con l’arrivo di Anna, la sua ideologia iniziale a sostegno del fascismo inizia a traballare. Luciano è combattuto, ha pur sempre una sua morale che si scontra con l’idea politica del Duce. Come gli viene anche detto nel film, Luciano si ritiene fascista ma ”non c’è nulla di fascista in quello che fa”. Scamarcio è abile nel vestire i panni del reduce di guerra: è autorevole e rassicurante, ombroso per i traumi vissuti ma, sotto sotto, ha un cuore sensibile.

L’ombra del giorno racconta una storia marginale

Il bello de L’ombra del giorno è racchiuso nella scelta del regista di parlare dell’Italia in guerra da un punto di vista non convenzionale. Non siamo in una grande città, non è la Roma di Una giornata Particolare (Ettore Scola). Non siamo ancora nel pieno del conflitto globale, come in Salvate il soldato Ryan (Steven Spielberg). Non siamo nei campi di concentramento di La Vita è bella (Roberto Benigni) o de Il bambino con il pigiama a righe (Mark Herman).

Il film mostra una realtà di provincia tranquilla – come le riprese luminose, ampie ed idilliache ci mostrano, in cui persone comuni vengono invase dalla vicenda politica. Anna aveva la sua vita, Luciano aveva un orientamento politico non troppo definito: nessuno dei due era pronto a rischiare la vita semplicemente per la propria ideologia. Piccioni, con L’ombra del giorno, ci dice che la guerra è stata anche questo: una macchia, un’ombra che ha invaso tutti e tutto, coprendo ogni sfumatura e individualità.

L’occhio del gatto è un film del 1985 di Lewis Teague con protagonisti nel cast Drew Barrymore, James Woods, Robert Hayes, James Naughton e Kenneth McMillan.

L’occhio del gatto: trama

Trama: Film a episodi – tre – due dei quali tratti da altrettanti racconti di Stephen King (pubblicati nella raccolta Night Shift, A volte ritornano in italiano).

Un fumatore incallito (James Woods) per togliersi il vizio si rivolge ad una particolare clinica, dai metodi ben poco ortodossi; un marito tradito (Kenneth McMillan) costringe l’amante della moglie  (Robert Hays) a camminare lungo il cornicione posto all’ultimo piano di un grattacielo: se riuscirà nell’impresa, i due potranno proseguire la loro relazione; una bambina (Drew Barrymore) è minacciata da una creatura notturna che le toglie – letteralmente – il respiro: in suo aiuto correrà il gatto del titolo , coinvolto marginalmente nelle prime due storie, ma qui protagonista assoluto.

L’occhio del gatto, il film

Nel corpus cinematografico tratto dalle opere di Stephen King, L’occhio del gatto rappresenta uno degli episodi minori, prodotti per sfruttare l’onda del successo commerciale arriso ai libri del Re del Brivido e alle loro trasposizioni per il grande schermo. L’impresa porta la firma di Lewis Teague, che già aveva messo le mani sull’opera dello scrittore del Maine un paio d’anni prima con Cujo e dello stesso King, che firma la sceneggiatura (preparandosi in un certo senso al flop registico di Brivido, dell’anno successivo).

Le sorti di L’occhio del gatto sono affidate a un cast in cui si segnalano James Woods (reduce dai fasti di C’era una volta in America) Robert Hays (protagonista della serie dell’Aereo più pazzo del mondo, che non sarebbe più riuscito a scrollarsi di dosso quel ruolo) e Drew Barrymore, che con i libri di King aveva già avuto a che fare ne L’incendiaria. Completano il cast un paio di facce note come Kenneth McMillan (Dune, Amadeus) e James Naughton (attivo soprattutto in tv, in serie come Il pianeta delle scimmie, Trauma Center e più di recente Gossip Girl).

Alla fine, il maggior limite dell’operazione sta proprio nel suo essere destinata al grande schermo: se questi tre episodi fossero stati destinati direttamente all’home video, o alla televisione, non ci sarebbe stato granché da ridire, anzi; ma il cinema è tutto un altro paio di maniche; il risultato è un film che viene portato avanti in maniera indecisa anche sul registro da adottare: i contorni favolistici dell’episodio finale, in cui l’eroico gatto del titolo si prende finalmente la scena, si affiancano ai toni molto più tetri degli altri due, per quanto non privi di una certa ironia di fondo. L’occhio del gatto  contiene varie altre citazioni kinghiane: nell’incipit, il gatto viene inseguito da un sanbernardo (Cujo) e rischia di essere investito da… Christine (la macchina infernale).

L’occhio del gatto  ebbe comunque un buon successo di pubblico, finendo però presto dimenticato, con una vita breve anche nel mercato dell’home video (attualmente è fuori catalogo).