Valentina Lodovini è una delle interpreti più apprezzate del cinema italiano contemporaneo, capace di conquistare il pubblico grazie a una recitazione intensa e autentica. La sua ascesa alla fama è avvenuta gradualmente, passando da piccoli ruoli teatrali e televisivi fino a diventare protagonista di film di grande successo, dove ha saputo portare profondità e sensibilità ai suoi personaggi. Lodovini è riconosciuta per la capacità di incarnare ruoli complessi, spesso vicini alla realtà quotidiana italiana, conquistando critica e spettatori e affermandosi come una presenza stabile e versatile nel panorama cinematografico nazionale.
Ecco dieci cose da sapere su Valentina Lodovini.
I film e i programmi TV di Valentina Lodovini
1. I film e la carriera. La carriera cinematografica dell’attrice è iniziata nel 2004, quando debutta sul grande schermo nel film Ovunque sei, per poi proseguire a recitare in Il mistero di Lovecraft – Road to L. (2005), L’amico di famiglia (2006), A casa nostra (2006), Pornorama (2007) e Il passato è una terra straniera (2008). In seguito, lavora in Fortapàsc (2009), Generazione mille euro (2009), Benvenuti al sud(2010), La donna della mia vita (2010), Cose dell’altro mondo (2011), Benvenuti al nord(2012), Passione sinistra(2013), Una donna per amica (2014), L’inventore di giochi (2014), Ma che bella sorpresa (2015), La verità sta in cielo(2016), Si muore tutti democristiani (2017), Cosa fai a Capodanno? (2018), Figli del Destino (2019) e 10 giorni senza mamma (2019). Nel 2020 recita nei film Cambio Tutto, E’ per il tuo bene e ritorna ad interpretare Giulia di 10 giorni senza mamma, nel sequel 10 giorni con Babbo Natale. Ha poi recitato in L’afide e la formica(2021),Love & Gelato (2022), Vicini di casa (2022), I migliori giorni (2023), La terra delle donne (2023), Conversazioni con altre donne (2023), Una terapia di gruppo (2024),Una famiglia sottosopra (2024), 10 giorni con i suoi (2025) e Unicorni(2025).
2. Ha lavorato in numerose serie tv. L’attrice non ha prestato la sua attività solo per il cinema, ma ha anche lavorato in numerosi progetti dedicati al piccolo schermo. Infatti, è apparsa in Incantesimo 7 nel 2004, per poi apparire in La moglie cinese (2006), 48 ore (2006), Donna Roma (2007), L’ispettore Coliandro (2009), Boris (2010) e Il segreto dell’acqua (2011). In seguito, prende parte alle serie Eities, Ottanta mi da tanto (2016), Untraditional (2016), Il commissario Montalbano (2017) e L’Aquila – Grandi speranze (2019). Inoltre, ha recitato in diversi film tv come Coco Chanel (2008), Gli ultimi del paradiso (2010) e Un Natale con i fiocchi (2012). Nel 2019 è la volta della serie tv L’Aquila – Grandi speranze nel quale interpreta Elena Fiumani.
3. È doppiatrice, produttrice ed è apparsa in diversi videoclip. Nel corso della sua carriera, l’attrice ha svolto diverse attività, oltre quelle attoriali. Infatti, ha vestito i panni di doppiatrice per il film d’animazione Coco (2017), mentre ha svolto anche l’esperienza di produttrice per il corto Uomo (2018). Inoltre, è apparsa in diversi videoclip, come I giorni migliori di Tiromancino, Gli spietati dei Baustelle, Colpisci di Neffa e Sospesi di Colapesce.
Valentina Lodovini in Benvenuti al Sud
4. Ha vinto diversi premi. In Benvenuti al Sud, Lodovini interpreta Maria Flagello, impiegata postale di Castellabate, ex fidanzata di Mattia (Alessandro Siani), che è ancora molto innamorato di lei. Per la sua interpretazione in Benvenuti al sud, film che le ha dato una certa notorietà, ha vinto un David di Donatello per la Miglior attrice non protagonista ed è stata candidata a un Nastro d’argento e a un Ciak d’oro per la stessa categoria.
Valentina Lodovini in Cambio tutto!
5. Ha ritrovato molto di sé nella protagonista. Nel film Cambio tutto!, l’attrice Valentina Lodovini interpreta Giulia, una quarantenne impiegata nel marketing, costantemente ignorata al lavoro e dispersa in relazioni familiari e sentimentali che la svuotano. In un’intervista ha rivelato come la scelta del ruolo sia maturata anche grazie al fatto che “gran parte delle cose che accadono al personaggio le ho vissute anche io”, dicendo che la sceneggiatura è stata riscritta in parte dopo il suo input e che ha apportato la sua esperienza diretta nel mondo femminile e sul lavoro.
Valentina Lodovini in Una famiglia sottosopra
6. Ha lavorato sul linguaggio silenzioso del suo personaggio. Nel film Una famiglia sottosopra l’attrice Valentina Lodovini interpreta Margherita Moretti, la moglie e madre della famiglia in piena crisi: dottoressa dedita al lavoro e costretta a gestire casa, figli e un marito disilluso. In un’intervista ha raccontato che, per entrare davvero nella parte, ha riflettuto a lungo sulle dinamiche familiari spesso invisibili, e ha posto molta attenzione al “linguaggio silenzioso” di Margherita: ogni minima sfumatura, gesto o pausa dovevano rivelare la distanza crescente tra lei e gli altri componenti della famiglia.
Valentina Lodovini è su Instagram
7. Ha un profilo social. L’attrice possiede un proprio account Instagram che è seguito da 394mila persone. Sulla sua bacheca sono molte le foto che la ritraggono protagonista tra momenti di lavoro e svago, mostrando tutta la sua femminilità e la sua bellezza acqua e sapone. Più rare, invece, le immagini relative alla sua vita privata, che l’attrice mantiene volontariamente lontana dai riflettori.
Valentina Lodovini, Licia Maglietta, Chiara Pasquali, Luca Argentero, Martina Bernocchi e Carlo Alberto Matterazzo @ANDREA PIRRELLO
Valentina Lodovini ha un fidanzato?
8. Non si è mai sposata. L’attrice non ha mai rivelato molto sulla sua vita privata, tenuta ben lontano dai riflettori. Tuttavia, stando alle dichiarazioni dell’attrice, pare che abbia avuto una lunga storia con un uomo, durata dal 2010 al 2016. In ogni caso, non è possibile dire se sia attualmente fidanzata o meno. In un’intervista, infatti, l’attrice ha dichiarato: “Non chiedetemi se sono single o no, l’unica cosa di me che so proteggere è la privacy!
Valentina Lodovini ha un ottimo rapporto con il proprio fisico
9. L’attrice è fiera di andare controtendenza. Lodovini ha sempre affermato (giustamente) di essere molto orgogliosa delle suo aspetto e delle sue forme. Nel corso di un’intervista ha infatti affermato: “Un agente mi chiese di dimagrire 20 kg. Lo mandai a quel paese! Nessun regista è mai riuscito a farmi venire la malattia della taglia 38. Porto con orgoglio la mia quarta di reggiseno. Fortunatamente non faccio la modella e per emozionare la gente ho bisogno di rimanere vera”.
L’età e l’altezza di Valentina Lodovini
10. Valentina Lodovini è nata il 14 maggio del 1978a Umbertide, in Umbria, e la sua altezza complessiva corrisponde a 170 centimetri.
The Witcher non è mai stato molto bravo con i finali, dato che è uno dei gioielli della corona di Netflix e fa guadagnare un sacco di soldi, quindi è stato progettato per non finire mai davvero. Questo vale per la quarta stagione come per tutte le altre, ma il suo finale, “Baptism of Fire”, ha almeno la decenza di lasciarci con ogni trama narrativa che ha raggiunto un punto di svolta chiaro e ovvio.
Cosa succede in The Witcher – Stagione 4
In breve: Geralt sa dove sta andando, ma potrebbe essere ostacolato nei suoi sforzi per arrivarci; Yennefer ha dato la caccia a Vilgefortz, anche se, bisogna ammetterlo, per combatterlo sul suo territorio e dopo aver lasciato la responsabilità di ricostruire Aretuza nelle mani dei maghi sopravvissuti all’attacco a Montecalvo; La perdita dell’innocenza di Ciri le è costata la famiglia che aveva trovato e l’ha lasciata nelle grinfie di un sociopatico letale; ed Emhyr sa che deve trovare e uccidere Geralt per assicurarsi che la Profezia di Ithlinne si avveri.
Non c’è quindi una conclusione. La stagione 5 potrà occuparsene. Questo è un finale di transizione per una stagione in gran parte di transizione, incentrata sui viaggi, le relazioni e l’introspezione. Spesso non è stata molto buona. Ma ci ha comunque lasciato molto di cui parlare.
La Loggia delle Streghe
In questa stagione abbiamo imparato alcune lezioni, e una di queste è che radunare un esercito cinque minuti prima di una battaglia non porta mai a nulla di buono. Yennefer ha imparato questa lezione in modo piuttosto duro durante il fiasco di Montecalvo, che è costato la vita a Istredd, Margarita e Vesemir. Anche se ci sono altre cose di cui deve occuparsi, tra cui dare la caccia a Vilgefortz e riportare indietro Ciri, i maghi sopravvissuti devono darsi da fare per creare una casa in cui Ciri possa tornare, un centro di influenza magica e politica che loro controllano. La Loggia delle Streghe.
La costruzione della Loggia, però, sarà responsabilità di Triss e degli altri, dato che Yennefer sta dando la caccia a Vilgefortz. Chiede a Triss di usare il coltello con cui Vesemir lo ha pugnalato per aprire un portale verso il castello di Stygga, dove lui si nasconde e sta uccidendo gli unici tre maghi sopravvissuti a Montecalvo a causa della loro codardia.
Yen emerge in mezzo a un oceano agitato e inizia a nuotare verso un vortice nelle vicinanze. Questo è un modo per nascondere un castello.
Vivere come un ratto…
Ciri trascorre gran parte di questo finale correndo indietro per cercare di salvare i Ratti dopo aver appreso da Hotspurn che erano stati attirati in una trappola. Tuttavia, non riesce ad arrivare in tempo.
In assenza di Ciri, i Ratti cercano di affrontare Leo Bonhart, credendo di avere un vantaggio, ma lui li fa a pezzi come se fossero nulla. È una scena brutale, perché anche se i Ratti non sono esattamente i buoni alla Robin Hood che hanno sempre voluto apparire e non hanno avuto problemi a svolgere incarichi per Nilfgaard, sono per lo più solo dei ragazzini. Leo non si limita a ucciderli, ma lo fa con piacere. Quando Ciri arriva, la maggior parte di loro è stata massacrata e smembrata, e solo Mistle è ancora vivo, ma a malapena.
Ciri cerca di affrontare Leo, ma viene sopraffatta abbastanza facilmente. Lui però non la uccide, ma la lascia in vita per costringerla a guardarlo mentre decapita i suoi amici. A quanto pare, la taglia sui Ratti era più alta se venivano consegnati vivi. Dato che “Falka” era la più famosa tra loro, possiamo solo supporre che lui voglia tenerla in vita per incassare la taglia. Ma sembra piuttosto determinato a tormentarla in ogni momento.
Alzati, Sir Geralt di Rivia
Durante tutta la quarta stagione di The Witcher, Geralt ha ficcato il naso negli affari altrui, e questo gli costa caro nel finale, anche se in modo indiretto. Forse Geralt sognava segretamente di diventare cavaliere fin da bambino, ma non aveva previsto che le responsabilità cavalleresche gli avrebbero impedito di perseguire il suo vero scopo.
Mentre navigano lungo un fiume diretti a Caed Dhu, la hansa di Geralt viene attaccata dalle forze di Nilfgaard e del nord, che stanno combattendo tra loro dall’altra parte del fiume. I nilfgaardiani stanno cercando di conquistare un ponte che funge da punto di passaggio chiave nella zona, mentre i nordici – di Lyria e Rivia, come scopriremo in seguito – stanno lottando per respingerli. Quando la Hansa riesce finalmente ad approdare, Milva sta avendo un aborto spontaneo e l’unico modo per guadagnare tempo affinché Regis possa curarla è che Geralt e Cahir si arrampichino sul ponte e guidino la carica contro i Nilfgaardiani.
La battaglia, una divertente scena con una coreografia fantastica e una lotta contro un troll gigante per buona misura, è un successo, e Geralt e Cahir, ormai chiaramente migliori amici per la vita, respingono le forze nilfgaardiane. Per questo, Geralt viene nominato cavaliere, realizzando un vecchio sogno. Ma questo significa giurare fedeltà alla sua nuova regina, e solo a lei, il che renderà un po’ difficile passare rapidamente alla sua prossima destinazione. Il tipico epiteto di quattro lettere di Geralt riassume piuttosto bene i suoi pensieri sulla sua nuova situazione.
Con la conclusione di un’altra stagione di Slow Horses, il futuro della popolare serie televisiva britannica dedicata al mondo dello spionaggio sembra destinato a cambiare radicalmente. La quinta stagione di Slow Horses è stata ricca di colpi di scena, con il team di Slough House che ha commesso alcuni dei più gravi errori della propria carriera prima di salvare Londra e l’MI5 da disastri catastrofici.
Sebbene la quinta stagione sembrasse procedere a un ritmo più lento e l’attenzione fosse molto più ristretta, con quasi tutte le avventure che si svolgevano in un raggio ristretto, il finale è stato avvincente. River Cartwright è stato redento per alcuni dei suoi errori, Jackson Lamb ha dimostrato ancora una volta perché è un agente eccezionale e l’MI5 ha subito un grande sconvolgimento.
Tutto questo è stato accompagnato da alcuni grandi colpi di scena e rivelazioni a sorpresa che hanno contribuito a definire ulteriormente questi personaggi e a rendere la storia ancora più ricca. Inoltre, ha anche fatto un ottimo lavoro nel preparare il terreno per alcuni nuovi entusiasmanti sviluppi nella sesta stagione di Slow Horses e oltre.
Diana Taverner assume la guida dell’MI5
Claude Whelan ha assunto la carica di First Desk dell’MI5 nella quarta stagione di Slow Horses. Da allora, ha dimostrato di non essere adatto al ruolo e ha trascorso gran parte del suo tempo cercando di affrontare situazioni personali piuttosto che dirigere effettivamente l’MI5. Nel frattempo, la Second Desk Diana Taverner, che ha trascorso anni al servizio dell’organizzazione, ha guidato l’organizzazione al suo posto.
Ciò è ulteriormente esemplificato nel finale, quando Tara, una delle terroriste che ricattano l’MI5, chiama e chiede di parlare con il responsabile, riferendosi a Diana e ignorando Claude. Più avanti nell’episodio, questo si rivela utile quando Jackson Lamb usa una registrazione di Claude per garantire il futuro di Slough House e costringere Claude a dimettersi.
In seguito, Diana Taverner ha finalmente assunto la carica di capo dell’MI5, che era stata un’ambizione costante del personaggio sin dalla prima stagione. La vasta esperienza di Diana le garantisce di poter svolgere questo ruolo ad alto livello, ma ci saranno sicuramente nuove sfide con Taverner al comando.
Londra è di nuovo al sicuro dopo un attacco terroristico penetrante
Per gran parte della stagione 5 di Slow Horses, l’identità delle persone che hanno causato il caos a Londra è rimasta inconcludente. Sebbene gli aggressori siano apparsi nel primo episodio, la loro identità e le loro motivazioni sono rimaste nascoste fino a molto più tardi. Ma gli episodi 5 e 6 li hanno smascherati come un piccolo gruppo di libici scontenti che in precedenza avevano partecipato a proteste pacifiche.
Stanchi del modo in cui il loro Paese era trattato dalle forze armate britanniche e lasciato a se stesso, questi radicali si sono uniti per mettere in atto un piano di vendetta contro Claude Whelan. La speranza era quella di mettere in imbarazzo e smascherare il capo dell’MI5 a causa del suo coinvolgimento come consulente che aveva raccomandato al Regno Unito di lasciare la Libia a causa dei costi troppo elevati e senza ritorni significativi.
Si è trattato quindi di un attacco molto personale, compiuto su una grande piattaforma, che ha causato decine di vittime e persino la morte di un gruppo di innocenti pinguini. Fortunatamente, Jackson Lamb e la sua squadra hanno capito in tempo cosa stava succedendo e sono riusciti a impedire l’assassinio del sindaco Jaffrey e a salvare Claude Whelan.
I piedi deformi di Jackson Lamb rivelano una verità oscura sul suo passato
Kristin Scott Thomas and Gary Oldman in “Slow Horses,” premiering September 24, 2025 on Apple TV+.
Una delle rivelazioni più sorprendenti nel finale della quinta stagione arriva da un primo piano piuttosto grottesco del piede di Jackson Lamb. All’inizio della stagione, nell’episodio 3, Slough House riesce a sfuggire al blocco imposto dall’MI5 quando Lamb racconta una storia oscura su una spia che è stata torturata durante una missione in Russia.
Lamb racconta come questa giovane spia fosse stata interrogata nel tentativo di ottenere informazioni riservate e, quando non ha risposto ai suoi interrogatori, anche sotto estrema sofferenza e dolore, questi hanno optato per un metodo di tortura diverso. Gli interrogatori hanno portato, torturato e ucciso una giovane donna con cui la spia aveva una relazione sentimentale e che era anche incinta di suo figlio.
La storia suggeriva sottilmente alla squadra di Lamb di unirsi e usare oggetti comuni come armi, ma rivelava anche una verità straziante sul passato di Lamb. Quando Catherine Standish gli chiese se fosse lui la spia della storia, Lamb respinse l’idea, ma le ustioni sul suo piede rivelano che era lui l’uomo della storia che aveva assistito all’omicidio della sua compagna incinta davanti ai suoi occhi.
River Cartwright non tornerà al Park
La quinta stagione di Slow Horses ha quasi visto River Cartwright riconquistare il suo posto al Park dopo aver salvato la vita a Claude Whelan. In qualità di First Desk, Whelan aveva il potere di riportare Cartwright al suo posto, e sembra che questa fosse la sua intenzione. Tuttavia, quando Lamb ricatta Whelan affinché si dimetta, il futuro di Cartwright alla Slough House viene confermato.
Lamb non lo ha fatto per vendicarsi di Cartwright, ma perché doveva impedire a Whelan di chiudere Slough House. E con Diana ora al comando, è improbabile che Cartwright torni mai al quartier generale dell’MI5, considerando il fatto che lei personalmente non lo apprezza dopo che le sue prime azioni nell’MI5 hanno portato Cartwright a scoprire dettagli personali su Taverner che lei vorrebbe tenere nascosti.
Come il finale della quinta stagione di Slow Horses prepara la sesta stagione
La quinta stagione di Slow Horses si conclude con una serie di elementi che preparano la prossima stagione. Evidentemente, il cambio di leadership avrà sicuramente un ruolo importante nel futuro del team di Slough House, ma visto il ruolo fondamentale che hanno svolto nel catturare i terroristi e proteggere l’MI5, sarebbe logico che ottenessero un po’ più di rispetto.
Tuttavia, il teaser trailer della sesta stagione alla fine smentisce questa ipotesi, rivelando che Slough House è stata eliminata dal sistema, lasciando Lamb e la sua squadra nella posizione più precaria mai vista fino ad ora. La sesta stagione di Slow Horses sarà sicuramente ricca di colpi di scena, con grandi cambiamenti in vista per la squadra e l’MI5.
Luca Argentero è uno dei pochi che durante il Grande Fratello hanno mostrato il talento necessario e risvegliato l’interesse necessario per poi sviluppare un’effettiva e notevole carriera da attore. L’attore ha lavorato con importanti registi e ha dimostrato di volersi continuamente mettere alla prova, con una carriera ancora oggi in salita. Ecco allora 10 curiosità su Luca Argentero, tra vita privata (che riesce a tenere lontano dai riflettori), film e carriera, e piccole cose che non sapevate.
2. È noto anche per alcune serie TV. Nel corso della sua carriera Argentero non ha poi mancato di recitare anche per la televisione, comparendo in serie come Carabinieri (2005-2007), dove ha recitato in 7 episodi nel ruolo di Marco Tosi, La baronessa di Carini (2007), Tiberio Mitri – Il campione e la miss (2011) e Ragion di Stato (2015). Nel 2017 è Salvatore Gargiulo in Sirene, mentre dal 2020 interpretare Andrea Fanti nella serie televisiva Doc – Nelle tue mani. Nel 2022 recita poi anche in Le fate ignoranti – La serie, regia di Ferzan Özpetek.
3. Ha svolto anche attività da doppiatore. In diverse occasioni Argentero ha avuto modo di mettersi alla prova anche come attore. Inizialmente egli ha doppiato attori in carne ed ossa quali Manolo Cardona in Beverly Hills Chihuahua (2008) e James Marsden in Hop. In seguito è invece stato la voce di Timo nel film d’animazione Gladiatori di Roma (2012). Nel 2021 ha invece dato voce al personaggio di Lorenzo Paguro, il padre del giovane protagonista del film Pixar Luca.
Luca Argentero e Paola Cortellesi in Come un gatto in tangenziale – Ritorno a Coccia di Morto
Luca Argentero in Doc – Nelle tue mani
4. Ha osservato la vita in ospedale per prepararsi al ruolo. Nella serie Doc – Nelle tue mani, l’attore Luca Argentero veste il ruolo del dottor Andrea Fanti, primario del reparto Medicina Interna del Policlinico Ambrosiano, che perde dodici anni di memoria dopo un grave trauma. Per prepararsi alla parte, Argentero racconta di aver passato tempo come osservatore in un ospedale reale, studiando il linguaggio medico e partecipando alla routine clinica per assorbire l’ambiente: “Innanzitutto abbiamo lavorato in ospedale in qualità di osservatori“, ha dichiarato.
5. Ha ricevuto richieste di consigli medici. Doc – Nelle tue mani ha avuto un impatto sorprendente che la serie ha avuto sulla vita quotidiana dell’attore. Argentero ha infatti raccontato in diverse interviste che, dopo la messa in onda, moltissimi spettatori lo hanno fermato per strada, talvolta confondendolo con il dottor Andrea Fanti e chiedendogli consigli medici. L’attore ha spiegato di aver vissuto questa attenzione come un segno di affetto e di fiducia, sottolineando quanto il pubblico si fosse immedesimato nella storia e nel suo personaggio.
Luca Argentero è su Instagram
6. Luca Argentero ha un seguitissimo profilo Instagram. L’attore è presente su Instagram con un proprio account verificato, all’interno di questo Jackson vanta oltre 2,3 milioni di follower, ed è solito pubblicare post di vario genere. Questi ad oggi sono più di duemila e trecento e spaziano da momenti di svago in compagna di amici o della sua famiglia sino alla promozione dei suoi progetti cinematografici e televisivi. Seguendo il suo profilo, dunque, si potrà essere sempre aggiornati sulle sue attività.
Luca Argentero e il Grande Fratello
7. La carriera di Luca Argentero è iniziata circa vent’anni fa. Aveva la faccia del ragazzetto della porta accanto e i capelli un po’ lunghi, quando ha conquistato il pubblico del Grande Fratello, nella sua terza edizione nel 2003. Argenterà suscitò in particolare scalpore per un controverso rapporto con Marianella Bargilli. Si classifica poi al terzo posto con il 9% dei voti: al casting era stato proposto dalla cugina Alessia Ventura, ai tempi Letterina nel programma Passaparola di Gerry Scotti.
Valentina Lodovini, Licia Maglietta, Chiara Pasquali, Luca Argentero, Martina Bernocchi e Carlo Alberto Matterazzo @ANDREA PIRRELLO
La moglie Cristina Marino e i figli di Luca Argentero
8. È stato sposato con un’attrice. Dopo cinque anni di fidanzamento, Luca Argentero si è sposato nel 2009 con la doppiatrice e attrice Myriam Catania. Sempre molto riservati circa la loro vita privata, i due hanno tuttavia fatto sapere nel 2016 di aver deciso di separarsi dopo sette anni di matrimonio, “con amore e rispetto reciproco”, stando a quello che ha dichiarato lei.
9. Ha una nuova moglie. Nel 2016 ha poi iniziato una relazione con Cristina Marino, l’attrice conosciuta sul set di Vacanze ai Caraibi che è di 13 anni più giovane di lui. Il 10 dicembre 2019 i due hanno annunciato tramite i social network di essere in attesa della loro prima figlia. Nel 2020 è poi nata la bambina, chiamata Nina Speranza. Il 5 giugno 2021, invece, Luca Argentero e Cristina Marino si sono sposati a Città della Pieve, dove risiedono da tempo.
L’età e l’altezza di Luca Argentero
10. Luca Argentero è nato a Torino, in Italia, il 12 aprile del 1978. L’attore è alto complessivamente 1.85 metri.
Dopo la prima di IT: Welcome To Derry, l’amata serie horror è finalmente tornata, ma questa volta attraverso il mondo della televisione. IT: Welcome to Derry – episodio 1 non ha perso tempo nel mettere il pubblico di fronte alla minaccia soprannaturale attraverso una lente spaventosa.
Mentre Ash Crossan di ScreenRant parlava con il cast di IT: Welcome to Derry, i co-showrunner Jason Fuchs e Brad Caleb Kane hanno fornito maggiori dettagli su come immaginano il futuro della serie, dato che ci sono sicuramente piani per ulteriori stagioni. Fuchs ha commentato: “Questo è il piano, ma qualcuno deve darci il via libera”, dato che HBO non ha ancora annunciato ufficialmente il rinnovo per la seconda stagione.
“Ovviamente, IT va in letargo e si risveglia ogni 27 anni. Ci siamo concentrati su questo capitolo della saga di IT, ma sappiamo che 27 anni prima a Derry erano successe altre cose inquietanti”, ha spiegato Fuchs. Ma con la serie HBO, si tratta di ampliare la mitologia.
Fuchs ha precisato che “Sappiamo qualcosa di quello che è stato suggerito, in termini di quel precedente ciclo di IT, basandoci sugli intermezzi di Mike Hanlon nel libro originale. Quindi sì, se il pubblico volesse seguire questa strada, ovviamente ne saremmo felici”.
Caleb Kane ha confermato che “Andy [Muschietti] voleva realizzare gli intermezzi del libro, che non sono mai stati realizzati” quando ha affrontato la serie prequel. Con lo show che rivisita il terrore di Pennywise, il co-showrunner ha aggiunto: “Quindi stai parlando di ogni 27 anni in cui Pennywise esce, l’entità esce e terrorizza Derry”.
Il collega scrittore sottolinea anche che c’è molto territorio da esplorare nella linea temporale che stanno visitando nel corso della serie, affermando che, “Quindi nell’89 lui esce, è il clown. 27 anni prima, torni indietro e ti ritrovi nel 1962, e puoi raccontare una storia sull’America del 1962, che, ovviamente, è un’entità che usa la paura e il terrore per dividere e terrorizzare, puoi immaginare cosa stava succedendo in America nel 1962”.
Caleb Kane conferma che “approfondiamo alcuni di questi aspetti, quindi volevamo inserire questo aspetto nella storia. Torni indietro di altri 27 anni e hai la Grande Depressione, i rapinatori di banche, un film di gangster e la banda di Bradley”.
In conclusione, il co-showrunner ha sottolineato che possono davvero attingere a molti interludi, “Torni indietro di altri 27 anni e hai il 1908. Quindi voleva davvero realizzare tutti questi intermezzi che si vedono nel libro e voleva dar loro vita, quindi questa era la sua idea”.
IT: Welcome to Derry è composto da otto episodi, molti dei quali diretti da Andy Muschietti. Dopo aver interpretato l’iconico antagonista nei film, Bill Skargård riprenderà il ruolo di Pennywise più avanti nella stagione.
IT: Welcome to Derry episodio 2 uscirà in anteprima su HBO Max venerdì 31 ottobre, mentre la serie continuerà la sua normale programmazione su HBO questa domenica, 2 novembre, alle 21:00.
È stato pubblicato il nuovo trailer di Spartacus: House of Ashur, che rivela il ritorno della serie TV storica più sanguinosa di tutti i tempi. Il prossimo Spartacus: House of Ashurè il sequel della serie storica di STARZ, terminata nel 2013. La serie segue Ashur (Nick E. Tarabay) in una storia alternativa in cui non muore sul Vesuvio.
Ora, STARZ ha pubblicato sia un trailer Green Band che uno Red Band per Spartacus: House of Ashur, che conferma la data di uscita dei primi due episodi della serie, venerdì 5 dicembre. Il primo trailer mostra Ashur al comando dell’ex ludus di Batiatus, mentre cerca di mettersi alla prova con i gladiatori nella sua arena. Il trailer mostra scene d’azione adrenaliniche e intrighi politici per tutta la sua durata:
Per quanto riguarda il trailer Red Band senza censure, offre uno sguardo sui combattimenti sanguinosi e spettacolari nell’arena dei gladiatori, sottolineando il livello di violenza mostrato nella serie. Questo include persone a cui vengono mozzate la testa e altre membra, insieme a combattimenti che finiscono chiaramente con colpi pericolosi e mortali. Il prossimo capitolo di Ashur sembra essere costruito sul sangue versato:
I nuovi trailer offrono uno sguardo molto diverso su Ashur attraverso la sua storia alternativa. Secondo la descrizione della serie, in questa versione degli eventi, gli è stato dato Batiatus dopo aver aiutato Roma a porre fine alla ribellione degli schiavi. Poiché l’accuratezza storica di Spartacus non è sempre stata delle migliori, questa storia alternativa può permettersi approcci più originali alla trama.
Sembra che il dominio di Ashur sarà messo in discussione da diverse parti, molte delle quali non sono soddisfatte delle prestazioni dei suoi gladiatori sul ring. Questo problema sarà apparentemente alleviato da Achilla, interpretata da Tenika Davis, che, come si vede nei trailer, mostra le sue impressionanti abilità contro più avversari. Tuttavia, non è ancora chiaro se lei sia l’asso nella manica di Ashur.
La serie tornerà dopo 12 anni, ma è chiaro che racconterà una nuova storia, in qualche modo distante dagli eventi della serie principale. Dato che l’originale è stato uno dei migliori programmi di Starz di tutti i tempi, House of Ashur ha molte aspettative da soddisfare. Finora, sembra che il sequel sarà all’altezza delle aspettative in termini di azione.
Quando la serie sarà trasmessa, senza dubbio rivelerà ancora di più sulla ricerca di Ashur e su ciò che essa comporta. Forse Spartacus: House of Ashur modificherà alcuni elementi dell’originale per adattarli alla nuova storia. Per ora, però, sembra che questa storia sarà per lo più autonoma, nonostante si svolga nello stesso mondo dell’originale.
Spartacus: House of Ashur arriverà con due episodi venerdì 5 dicembre su STARZ.
La serie d’azioneReacherdi Prime Video è uno dei successi più esplosivi della TV ed è stata rinnovata per una quarta stagione in arrivo. In onda dal 2022 (basata sulla serie di romanzi di Lee Child), Reacher segue il personaggio principale, un ex ufficiale militare che ora vive in modo nomade e si ritrova spesso a combattere pericolose organizzazioni criminali e a svelare complotti mortali in tutti gli Stati Uniti. I libri di Child offrono una ricca serie di emozionanti storie di Jack Reacher da esplorare, ed è chiaro che la serie originale di Amazon Prime Video ha fatto centro con Alan Ritchson nel ruolo dell’eroe omonimo.
La terza stagione adatta il libro di Child Persuader e vede il gigante geniale dietro le linee nemiche con un’organizzazione criminale. Mentre cerca di smantellare la banda malvagia, Reacher si fa strada a pugni attraverso una serie di scagnozzi e scopre segreti che vanno ben oltre la semplice attività criminale. Con una serie di avventure tipiche di Reacher ancora da adattare, il colosso Prime Video potrebbe continuare a imperversare per diverse altre stagioni, e lo streamer ha già ordinato la stagione 4. Questo rinnovo anticipato è un buon segno che Jack Reacher tornerà con casi ancora più emozionanti nei prossimi anni.
Ultime notizie Reacher – Stagione 4
Lee Child offre un aggiornamento sulla produzione
A poche settimane dal debutto della terza stagione, le ultime notizie confermano quando inizieranno le riprese della quarta stagione di Reacher. L’aggiornamento arriva direttamente da Lee Child, che ha parlato apertamente della tempistica per Reacher nel 2025. “Le riprese inizieranno in estate”, ha detto Child, dopo aver rivelato che le sceneggiature sono già state scritte. Con le riprese previste per l’estate, è probabile che la serie torni all’inizio del 2026.
La quarta stagione di Reacher è confermata
Prime Video ha rinnovato Reacher in anticipo
Con la notizia diffusa diversi mesi prima della premiere della terza stagione, nell’ottobre 2024 è stato confermato che la quarta stagione di Reacher era stata rinnovata. La decisione di rinnovare la serie in anticipo è arrivata senza quasi nessun dettaglio sulla quarta stagione, ma questo è probabilmente dovuto al desiderio di evitare spoiler sulla terza stagione. Questa decisione non è insolita per Reacher, e anche la terza stagione è stata sviluppata in fretta per sfruttare il grande successo della seconda.
La terza stagione di Reacher ha debuttato il 20 febbraio 2025.
Poiché la serie è stata rinnovata così presto, è logico che la produzione della quarta stagione inizierà molto presto. Quando Prime Video ha ordinato in anticipo la terza stagione, ha permesso che lo sviluppo procedesse rapidamente, evitando lunghi ritardi. Con la TV in streaming che è diventata un appuntamento fisso, si sono aggiunte anche lunghe attese per alcune delle serie più popolari. Tuttavia, Reacher è stato piuttosto costante fin dall’inizio e, dal suo debutto, ha mantenuto una cadenza quasi annuale.
Dettagli sul cast della quarta stagione di Reacher
Chi affiancherà Jack Reacher nella sua prossima missione?
Poiché finora ci sono pochissime informazioni sulla quarta stagione di Reacher, è difficile prevedere con esattezza chi apparirà nei prossimi episodi. L’unica certezza è il ritorno di Alan Ritchson nei panni dell’eroe muscoloso e brillante Jack Reacher, ruolo che ha portato Ritchson allo status di superstar in poche stagioni.
Ogni stagione di Reacher manda il personaggio principale in una nuova avventura, e questo richiede un cast quasi completamente nuovo con cui collaborare o contro cui combattere. Tuttavia, senza alcun dettaglio sulla quarta stagione, non c’è modo di sapere chi saranno questi personaggi.
Oltre a Ritchson nel ruolo del protagonista, l’unica altra figura ricorrente è stata Maria Sten nei panni di Frances Neagley. L’ex sergente maggiore dell’esercito americano ha uno stretto legame con Reacher e lo ha aiutato in un modo o nell’altro in tutti e tre i casi che ha affrontato finora. È molto probabile che Sten torni nei panni di Neagley, soprattutto con lo spin-off di Reacher in lavorazione che si concentra sul suo personaggio. Il ritorno di altri personaggi è meno probabile, anche se non del tutto impossibile.
Dettagli sulla trama della quarta stagione di Reacher
Il libro della quarta stagione non è ancora stato annunciato
Sebbene la serie TV abbia tracciato una propria strada e si sia leggermente discostata dai libri, ogni stagione è stata comunque basata su un singolo romanzo di Lee Child. Per questo motivo, è quasi impossibile indovinare cosa accadrà nella quarta stagione di Reacher fino a quando non verrà rivelato il libro specifico. Con oltre due dozzine di libri di Reacher pubblicati, si può affermare con certezza che la serie potrebbe prendere qualsiasi direzione nella scelta del materiale di riferimento. La stagione 1 è iniziata con The Killing Floor (il primo libro pubblicato, ma il quinto in ordine cronologico), mentre le stagioni successive non hanno seguito alcun schema nella scelta dei libri.
Ci sono molte speculazioni su quale libro farà da sfondo alla stagione 4, ma non sarà chiaro fino a quando non saranno disponibili maggiori dettagli. Tuttavia, questo è il bello dell’esclusiva Prime Video, e ogni stagione è essenzialmente un reset della storia, poiché il personaggio titolare rimbalza da una parte all’altra del paese, trovando guai lungo il percorso. La stagione 4 di Reacher diventerà più chiara una volta conclusa la stagione 3.
Il film Call of Duty ha appena ingaggiato un team creativo di grande rilievo. Mentre i videogiochi vengono rapidamente adattati per il grande e il piccolo schermo attraverso film e serie TV, uno dei più importanti sta per arrivare nelle sale cinematografiche, con Call of Duty che verrà adattato come progetto live-action dalla Paramount.
Secondo la Paramount, Taylor Sheridan e Peter Berg sono entrati a far parte del team del prossimo film live-action Call of Duty della Paramount. Il duo è stato ingaggiato per scrivere insieme la sceneggiatura, mentre Berg dirigerà l’adattamento del videogioco.
La notizia è arrivata solo pochi giorni dopo che è stato rivelato che Sheridan avrebbe lasciato la Paramount, poiché ha firmato un nuovo contratto cinematografico e televisivo con la NBCUniversal, che entrerà in vigore il 1° gennaio 2029, una volta terminato il suo attuale contratto. Il contratto con la Paramount scadrà nel 2028.
Secondo Deadline, la Paramount sta cercando di ingaggiarli entrambi dall’estate. Era Sheridan che stava ancora decidendo se produrre o scrivere il film Call of Duty prima di decidere di occuparsi di entrambi i compiti.
Taylor Sheridan nella serie tv Yellowstone – Credit Paramount Network
L’adattamento cinematografico è stato annunciato per la prima volta il 2 settembre 2025, con Paramount e Activision che hanno unito le forze per portare sullo schermo l’iconico videogioco. All’epoca, David Ellison della Paramount ha rilasciato la seguente dichiarazione riguardo al fatto che uno dei suoi progetti più ambiti fosse stato sviluppato dal suo studio:
David Ellison: Da fan di lunga data di Call of Duty, questo è davvero un sogno che si avvera. Dalle prime campagne alleate nell’originale Call of Duty, passando per Modern Warfare e Black Ops, ho trascorso innumerevoli ore giocando a questa serie che adoro. Essere incaricati da Activision e dai giocatori di tutto il mondo di portare questo straordinario universo narrativo sul grande schermo è sia un onore che una responsabilità che non prendiamo alla leggera. Affrontiamo questo film con lo stesso impegno disciplinato e senza compromessi verso l’eccellenza che ha guidato il nostro lavoro su Top Gun: Maverick, assicurandoci che soddisfi gli standard eccezionalmente elevati che questa serie e i suoi fan meritano. Posso promettere che siamo determinati nella nostra missione di offrire un’esperienza cinematografica che onori l’eredità di questo marchio unico nel suo genere, entusiasmando i fan di lunga data di Call of Duty e affascinando una nuova generazione.
Call of Duty segna ora una delle ultime collaborazioni tra Berg e Sheridan, che in precedenza hanno lavorato a Wind River, nonché al film candidato all’Oscar Hell or High Water. Nessuno dei due creativi ha rilasciato commenti al momento.
Al momento non sono noti dettagli sulla trama o sui personaggi, dato che l’adattamento cinematografico live-action di Call of Duty è stato rivelato solo più di un mese fa. Il film non ha attualmente una data di uscita definita.
Il 2025 dovrebbe registrare uno dei peggiori mesi di ottobre al botteghino USA dall’uscita di Rush Hour. Sebbene il mese abbia visto diversi titoli ottenere un solido successo, tra cui Taylor Swift: The Official Release Party of a Showgirl e Black Phone 2 della Blumhouse, è stato in gran parte dominato da delusioni come Tron: Ares, Springsteen: Deliver Me from Nowhere eThe Smashing Machine.
Secondo The Hollywood Reporter, al 30 ottobre, il mese dovrebbe chiudersi con un totale di 425 milioni di dollari al botteghino nazionale. Questo segnerà il peggior ottobre del 21° secolo finora, ad eccezione del 2020, quando la chiusura delle sale cinematografiche a livello globale a causa della pandemia di COVID-19 ha visto i cinema nazionali incassare solo 63,4 milioni di dollari.
Mentre THR riporta che il 2025 dovrebbe registrare il peggior ottobre dal 1997, escluso il 2020, il grafico di Box Office Mojo relativo alle performance nazionali di ottobre mostra che l’ultima volta che un mese di ottobre ha incassato meno di 425 milioni di dollari è stato il 1998 (422,3 milioni di dollari), quando i film di maggior incasso sono stati il film d’animazione Antz, l’originale Rush Hour e il film con Robin WilliamsWhat Dreams May Come.
Compresi il 2020 e il 2025, solo sei mesi di ottobre nel primo quarto del XXI secolo hanno incassato meno di 500 milioni di dollari. Questo elenco include il 2000 (450,5 milioni di dollari), il 2001 (486,7 milioni di dollari), il 2022 (469,1 milioni di dollari) e il 2024 (463,3 milioni di dollari). Il picco massimo del secolo è stato raggiunto finora nell’ottobre 2018, con un incasso di 830,8 milioni di dollari grazie a successi come Venom, A Star is Born e Halloween.
Sebbene i titoli horror e affini come Black Phone 2, The Conjuring: Last Rites di settembre e il successo anime Chainsaw Man – The Movie: Reze Arc abbiano ottenuto buoni risultati per tutto il mese di ottobre 2025, il mese è stato caratterizzato da delusioni più o meno continue.
Sebbene Tron: Ares del 2025 non fosse mai stato un successo garantito, essendo il sequel di due classici cult che non hanno sbancato il botteghino, ha registrato risultati decisamente deludenti, con una perdita potenziale per la Disney di 132,7 milioni di dollari alla fine della sua programmazione.
Motor City ha ora fissato la data di uscita nelle sale per il 2026. Interpretato da Alan Ritchson e praticamente privo di dialoghi, il film è stato presentato in anteprima al Festival Internazionale del Cinema di Venezia all’inizio di quest’anno.
RLJE Films, una divisione di distribuzione all’interno dell’IFC Entertainment Group, ha ora annunciato di aver acquisito i diritti di distribuzione negli Stati Uniti per Motor City, che uscirà nelle sale il prossimo anno.
Il regista Potsy Ponciroli (Old Henry) ha rilasciato la seguente dichiarazione in merito all’acquisizione: “Abbiamo girato Motor City in modo che fosse coinvolgente, ogni fotogramma, ogni suono, pensato per il cinema. È una lettera d’amore a Detroit, al cinema degli anni ’70 e al tipo di cinema che si può sentire. È il tipo di film che ti rende felice che i cinema esistano ancora”.
Anche Mark Ward, Chief Acquisitions Officer di RLJE Films, ha celebrato la mossa, elogiando il film e il suo potenziale cinematografico:
“Motor Citycolpisce come un treno merci: crudo, elegante e assolutamente indimenticabile. Guidato da un cast straordinario, Potsy Ponciroli ha creato un viaggio cinematografico elettrizzante che deve essere visto sul grande schermo”.
Deadline ha condiviso ulteriori dettagli sull’acquisizione, riferendo che l’accordo si è aggirato intorno ai 3-4 milioni di dollari. Si dice che Motor City abbia un budget di circa 30 milioni di dollari.
Scritto da Chad St. John, Motor City vede Ritchson nei panni di John Miller, un romantico della classe operaia che si innamora della ragazza di un gangster nella Detroit degli anni ’70. Dopo essere stato incastrato e mandato in prigione, Miller esce anni dopo e intraprende una violenta ricerca di vendetta. Oltre alla star di Reacher, il film vede anche la partecipazione di Ben Foster, Shailene Woodley e Pablo Schreiber.
Motor City, con la colonna sonora trascinante di Jack White, è stato proiettato sia a Venezia che al TIFF, ottenendo un riscontro generalmente positivo da parte della critica. Su Rotten Tomatoes, il film di Ritchson ha debuttato con un punteggio della critica del 77%, ma ora si attesta al 71% su 21 recensioni. Il punteggio Popcornmeter del film non sarà definito fino al prossimo anno, quando il grande pubblico avrà la possibilità di vederlo nelle sale.
Con un budget di 30 milioni di dollari, il punto di pareggio di Motor City nelle sale potrebbe aggirarsi intorno ai 75 milioni di dollari. Sebbene Ritchson sia ormai ampiamente riconosciuto per il suo ruolo in Reacher di Prime Video, è relativamente inesperto come attore in grado di lanciare un film, il che significa che il thriller poliziesco in uscita sarà un test interessante in questo senso.
Non è chiaro esattamente quando Motor City arriverà nelle sale il prossimo anno, ma Ritchson è pronto a fare nuovamente scalpore sul piccolo schermo nel 2026 con l’uscita della quarta stagione di Reacher. Ritchson apparirà anche nella prossima serie spin-off di Neagley, che dovrebbe arrivare anch’essa il prossimo anno.
Per Ritchson, Motor City è solo uno dei numerosi film in uscita. L’attore apparirà prossimamente in Playdate al fianco di Kevin James, in uscita il 12 novembre, e in altri progetti come War Machine, The Man with the Bag e Runner, tutti previsti per il prossimo anno. Oltre a rimanere un punto fermo nel mondo dello streaming, Ritchson potrebbe essere sul punto di diventare una star del cinema.
Il filmHello Kitty della Warner Bros. Animation e della New Line Cinema è in fase di sviluppo da anni. Ora, il lungometraggio dedicato all’amato personaggio della Sanrio ha finalmente una data di uscita.
La Warner Bros. ha pubblicato sul proprio account Instagram ufficiale che il film Hello Kitty Movie uscirà il 21 luglio 2028. Il breve video mostra Hello Kitty che indica il logo della WB con il suo iconico fiocco rosso aggiunto. La didascalia del video recita: “Hello Hollywood #HelloKittyMovie arriverà nei cinema il 21 luglio 2028!”
Le prime notizie sul progetto di Sanrio di realizzare un adattamento cinematografico di Hello Kitty sono emerse nel 2015. Qualche anno dopo, nel 2019, è stato rivelato che New Line e Flynn Picture Company stavano lavorando a un lungometraggio. Si trattava del primo accordo di licenza di Sanrio con una grande casa di produzione che includeva Hello Kitty e altri personaggi amati dai fan come My Melody, Gudetama e Little Twin Stars.
Il progetto sarà diretto da Leo Matsuda, che ha lavorato come story artist in famosi film d’animazione come Zootopia e Ralph Spaccatutto. La sceneggiatura è stata scritta da Dana Fox, una delle sceneggiatrici e produttrici esecutive di Wicked.
Il fondatore di Sanrio, Shintaro Tsuji, ha espresso la sua gioia dopo l’accordo di licenza. In una dichiarazione ha affermato: “Sono estremamente lieto che Hello Kitty e altri popolari personaggi Sanrio faranno il loro debutto a Hollywood. Hello Kitty è da tempo un simbolo di amicizia e speriamo che questo film contribuisca ad ampliare il cerchio dell’amicizia in tutto il mondo”.
Hello Kitty è stata creata da Yuko Shimizu nel 1974. È stata presentata al mondo come “Kitty White”. È una gatta britannica che vive nella periferia di Londra con la sua famiglia, tra cui la sorella gemella Mimmy, che indossa un fiocco giallo invece che rosso come lei. La sua popolarità è cresciuta a dismisura, ispirando diversi cartoni animati, libri, videogiochi e un’infinità di prodotti per tutte le età.
Il film Hello Kitty Movie uscirà il 21 luglio 2028.
I collaboratori di lunga data Jason Statham e Guy Ritchie continuano la loro partnership con un nuovo film. Il prossimo film poliziesco segnerà la loro sesta collaborazione cinematografica.
Secondo un’esclusiva pubblicata da Variety, i due lavoreranno ancora una volta insieme a un film intitolato Viva La Madness. Il progetto è un adattamento di un romanzo di J.J. Connolly. Sarà diretto da Ritchie e interpretato da Statham.
La trama del film è ancora sconosciuta, ma il romanzo da cui è tratto, omonimo, racconta la storia di un misterioso trafficante di droga di Londra che si fa chiamare X. Il libro, ricco di crimini, è stato pubblicato nel 2011 ed è il sequel del romanzo di Connolly Layer Cake, pubblicato nel 2000.
Un adattamento cinematografico del primo romanzo della serie è uscito nel 2004. Tuttavia, il prossimo Viva La Madness sarà presumibilmente distribuito come opera a sé stante, completamente slegata da Layer Cake o da qualsiasi altro scritto di Connolly. Il primo film è rimasto piuttosto fedele al materiale originale. Ruotava attorno a uno spacciatore di cocaina che aveva il compito di portare a termine un ultimo affare di droga e trovare la figlia di un gangster che era stata rapita prima di andare in pensione.
La produzione del progetto inizierà ufficialmente nel gennaio 2026. Al momento della pubblicazione di questo articolo, Statham è l’unico attore confermato nel cast del film. Ritchie è indicato come sceneggiatore e regista di Viva La Madness. I produttori del film sono Ritchie e Ivan Atkinson (Toff Guy Films), Statham (Punch Palace), Thomas Benski (Lumina Studios) e John Friedberg (Black Bear).
L’adattamento di Layer Cake, con Daniel Craig, è stato diretto da Matthew Vaughn. Quest’ultimo è stato anche uno dei produttori di Statham e RitchieLock, Stock and Two Smoking Barrels e Snatch. A quanto pare, il sequel del film era in lavorazione da oltre dieci anni. Secondo quanto riportato, i due registi discutono di Viva La Madness dal 2013.
La showrunner di The Witcher, Lauren Schmidt Hissrich, ha parlato di come la quarta stagione affronterà il ricambio di Henry Cavill. Cavill ha interpretato il ruolo principale di Geralt di Rivia nella serie fantasy di successo di Netflix prima della sua controversa uscita di scena alla fine della terza stagione di The Witcher, sostituito da Liam Hemsworth.
La serie è stata criticata per il cambio di cast e per la natura controversa dell’addio di Cavill, con molti che consideravano l’attore di Superman la scelta perfetta per il ruolo. The Witcher – stagione 4 è arrivata su Netflix il 30 ottobre, con molti fan che si aspettavano che la serie prendesse una nuova direzione.
In un’intervista con TV Line, Hissrich ha parlato di come la serie abbia affrontato il cambio di cast all’interno dell’universo narrativo. Ha detto che le storie di Geralt sono semplicemente racconti tramandati di generazione in generazione e che la prospettiva di queste storie cambia a seconda di chi le racconta.
La scena di apertura della stagione vede una ragazza di nome Nimue discutere con un anziano narratore sostenendo che lui abbia raccontato la storia di Geralt in modo errato e che la vera storia si trova in un altro libro, suggerendo come il punto di vista giochi un ruolo importante nell’universo di The Witcher. Ecco i suoi commenti:
“Volevamo giocare con l’idea, che è un tema importante in ‘The Witcher’, di come le storie cambino a seconda di chi le racconta. Quindi, ovviamente, viene riprodotta la sequenza iniziale e c’è un espediente, e si intuisce che forse tutto ciò che abbiamo visto nelle ultime tre stagioni è stato attraverso il punto di vista di qualcuno. Forse non è andata proprio così. Ci piace giocare con l’idea della narrazione insieme al nostro pubblico“.
”Non volevamo nascondere il fatto che si tratta di un nuovo essere umano. Sì, ci sono ancora gli occhi gialli e la parrucca argentata, ma allo stesso tempo ora è interpretato da Liam. Per noi si trattava di rivisitare questi momenti davvero importanti nella vita di Geralt, vedendoli ora abbracciati da un nuovo essere umano. Andando avanti, la nostra speranza è che quello che inizierete a vedere nell’episodio 1 sia Geralt, non l’attore che interpreta Geralt. Questo era l’impegno di Liam nei confronti del ruolo, e ha funzionato alla perfezione. Si è davvero calato nel personaggio, quindi non abbiamo sentito il bisogno di continuare ad affrontarlo”.
I commenti di Hissrich mostrano il modo interessante in cui la serie ha affrontato il suo nuovo attore protagonista. Sarebbe stato allettante ignorare semplicemente il cambio di casting, dato che il personaggio è sempre lo stesso. Tuttavia, la decisione di spiegare questo, in un certo senso, nella serie è in realtà un espediente narrativo molto intelligente.
The Witcher ha anche dato vita a una miniserie prequel, The Witcher: Blood Origin, uscita il 25 dicembre 2022.
Essa propone anche l’idea che chiunque potrebbe essere il personaggio, perché è impossibile conoscere il vero Geralt se tutto ciò che si sa di lui sono le storie che vengono raccontate. Si tratta di un intrigante espediente narrativo che apre così tante possibilità che è un peccato che The Witcher – stagione 5 sia destinata a essere il capitolo finale.
L’idea che le storie di Geralt possano variare a seconda di chi le racconta è un concetto affascinante e spiega bene perché Geralt ora abbia un aspetto diverso. È simile alla teoria su James Bond secondo cui il suo nome è semplicemente un codice per l’agente 007, che permette al franchise di cambiare l’attore che interpreta Bond ogni volta che è necessario.
Non è chiaro se la serie cercherà di sviluppare questa idea in futuro, ma il fatto che The Witcher non abbia scelto di evitare il controverso cambio di casting è una mossa audace. Tuttavia, potrebbe rendere le ultime due stagioni della serie memorabili quanto le prime tre e forse anche aiutare ad alleviare la perdita di Cavill.
Le prime proiezioni per Predator: Badlands mostrano che il film ha il potenziale per battere il record storico della serie composta da nove film. Il prossimo Predator: Badlands, che debutterà nelle sale il 7 novembre, è stato diretto da Dan Trachtenberg, che ha diretto Prey del 2022 e Predator: Killer of Killers del 2025, entrambi titoli in streaming che hanno debuttato su Hulu.
Cinelytic ha ora condiviso le sue previsioni per il film di fantascienza, prevedendo che Predator: Badlands incasserà un totale tra i 48,7 e i 189,2 milioni di dollari al botteghino nazionale entro la fine della sua programmazione. Le previsioni internazionali vanno dai 76,1 ai 295,6 milioni di dollari, anche se si prevede che il film si attesterà a metà di entrambi i range.
I dati mostrano che il film dovrebbe incassare 99,1 milioni di dollari nei cinema nazionali e 154,8 milioni di dollari a livello internazionale, per un totale globale di 253,9 milioni di dollari. Se raggiungerà questo traguardo durante la sua permanenza nelle sale, diventerà ufficialmente il film di maggior incasso della serie, superando il precedente record detenuto dal crossover del 2004 Alien vs. Predator (172,5 milioni di dollari).
Le loro proiezioni includono anche i ricavi derivanti dai supporti fisici, dal VOD e dalla TV, con proiezioni top-down del film pari a 186,1 milioni di dollari in Nord America e 233,8 milioni di dollari a livello internazionale, per un totale di 419,9 milioni di dollari in tutto il mondo.
Sebbene il budget dichiarato di Predator: Badlands del 2025 sia di 100 milioni di dollari, il che potrebbe portare il suo punto di pareggio stimato fino a 250 milioni di dollari, non dovrebbe avere problemi a raggiungere tale totale solo nelle sale cinematografiche, se queste proiezioni saranno confermate. Potrebbe quindi realizzare un discreto profitto durante la sua distribuzione domestica.
Inoltre, l’incasso previsto al botteghino di Predator: Badlands sta andando piuttosto bene rispetto ai film precedenti, anche se i loro totali sono stati adeguati all’inflazione. Anche se non è in cima alla classifica adeguata, le sue proiezioni lo vedrebbero comunque mantenere una posizione forte al terzo posto, dietro al film originale del 1987 (281,3 milioni di dollari) e Alien vs. Predator (295,7 milioni di dollari).
In definitiva, resta da vedere quanto Predator: Badlands incasserà al botteghino. Cinelytic è un attore relativamente nuovo nel campo delle previsioni sul botteghino, e altre fonti hanno proiezioni molto diverse tra loro. Tra queste c’è Box Office Theory, che finora colloca il limite massimo dell’incasso nazionale del film a 60 milioni di dollari.
Tuttavia, è logico pensare che Predator: Badlandspotrebbe ottenere buoni risultati al botteghino. Killer of Killers e Prey sono i capitoli della serie con le valutazioni più alte su Rotten Tomatoes, con punteggi rispettivamente del 95% e del 94%, superando di gran lunga l’81% dell’originale Predator.
Se la reputazione che i precedenti film di Trachtenberg si sono guadagnati durante la loro distribuzione in streaming si tradurrà nel successo al botteghino di Predator: Badlands, il nuovo capitolo potrebbe diventare un vero e proprio successo.
Poiché la Warner Bros. è ufficialmente in vendita, sono sorte molte domande su cosa accadrà alle varie divisioni dello studio, a seconda di chi le acquisirà alla fine. Con diversi candidati interessati all’acquisizione dell’iconico studio, stanno emergendo ulteriori dettagli su come sarebbe una particolare fusione, se dovesse avvenire.
In un nuovo reportage di Bloomberg, l’agenzia ha rivelato nuovi dettagli su come sarebbe una fusione tra Warner Bros. e Paramount, qualora quest’ultima riuscisse ad acquisire la prima. Secondo alcune fonti, David Ellison della Paramount vorrebbe mantenere i team creativi degli studi“consolidando al contempo alcune attività di marketing e distribuzione, secondo persone che hanno familiarità con i suoi piani”.
Ciò significherebbe che la DC Studios, guidata da James Gunn e Peter Safran, rimarrebbe intatta, insieme a Pam Abdy e Michael De Luca della Warner Bros. Pictures. Nel caso di De Luca e Abdy, i due hanno rinnovato i loro contratti, come annunciato da David Zaslav mercoledì 8 ottobre 2025.
David Zaslav da una nota interna (tramite Variety):
Quando sono arrivato allo studio, i miei obiettivi principali erano riportare questa storica azienda alle sue radici teatrali, rinnovare il ruolo di lunga data della Warner Bros. come casa dei migliori narratori del mondo e ristabilire la posizione di questo iconico studio come leader del settore in termini di qualità e successo al botteghino. Portare Mike e Pam a guidare questo team è stato un passo importante per raggiungere questi obiettivi, e sono lieto di annunciarvi che abbiamo rinnovato il loro contratto per consentire loro di continuare l’eccellente lavoro che loro e questo team svolgeranno nei prossimi anni, portando i migliori film nei cinema di tutto il mondo”.
Bloomberg osserva che al momento non è stata presa alcuna decisione in merito alla possibilità che la Paramount “ceda gli immobili di entrambe le società, compresi due dei più famosi studi cinematografici di Hollywood.” La Warner Bros. non ha ancora commentato la notizia.
Il capitolo 1 dell’universo DC: “Gods and Monsters” ha iniziato a ripristinare il marchio DC, compreso il successo del film Superman, che è diventato il film di supereroi con il maggior incasso del 2025. Anche la Warner Bros. ha avuto un anno forte al botteghino con grandi successi come A Minecraft Movie, Sinners e Weapons.
Se la fusione dovesse andare in porto, Ellison fonderebbe HBO Max con Paramount+, poiché secondo quanto riferito la considera una strategia preziosa per consentire al pubblico di consumare più film e programmi TV di vari creatori. Paramount ha, a questo punto, fatto tre offerte non richieste nell’ultimo mese, ma tutte sono state rifiutate.
L’idea di una fusione tra Warner Bros. e Paramount ha già suscitato molte critiche, anche da parte della senatrice statunitense Elizabeth Warren. La politica del Massachusetts ha definito la potenziale fusione una “trappola” in una dichiarazione rilasciata il 22 ottobre 2025.
Warner Bros. Discovery è attualmente impegnata nella scissione tra WB e Discovery, che dovrebbe essere completata entro aprile 2026.
La serie a fumetti Last Flight Out, creata da Marc Guggenheim, autore dell’Arrowverse, ha siglato un accordo cinematografico milionario con Apple. Il celebre romanzo grafico della Dark Horse, illustrato da Eduardo Ferigato, racconta la storia di un padre e una figlia che lottano per ritrovare il loro legame mentre affrontano la fine del mondo.
Secondo Deadline, Apple sta sviluppando un adattamento cinematografico di Last Flight Outdi Marc Guggenheim con Sam Hargrave in trattative per la regia e Guggenheim stesso che adatterà la sceneggiatura. Apple Original Films ha acquisito il progetto, secondo quanto riferito per una somma a sette cifre, e lo svilupperà in collaborazione con Chernin Entertainment.
Apple e Chernin considerano Last Flight Out un progetto di grande importanza. Considerando il comprovato successo di Hargrave nella regia di film ricchi di azione come la sua serie Extraction per Netflix e, più recentemente, gli episodi di The Last Frontier di Apple TV, Last Flight Out sembra un’aggiunta ideale alla sua filmografia.
Al momento della stesura di questo articolo, Hargrave ha diretto due dei primi quattro episodi di The Last Frontier.
Last Flight Out riunisce anche Hargrave con Apple dopo la precedente collaborazione al film Matchbox, con John Cena. D’altra parte, Guggenheim, meglio conosciuto come uno dei creatori chiave dietro Arrowverse, ha avuto un periodo di grande successo recentemente, vendendo tre pilot negli ultimi sei mesi. Ha anche scritto il prossimo film di NetflixAn Innocent Girl, diretto da Jaume Collet-Serra (Carry-On).
Anche la Chernin Entertainment è stata particolarmente attiva ultimamente, avendo recentemente firmato un accordo di prima visione con Apple. La società ha già prodotto diversi progetti per lo streamer, tra cui le serie epiche Chief of War e See, entrambe con Jason Momoa. Last Flight Out è l’ultima aggiunta alla lineup.
La quarta stagione di The Witcher è arrivata su Netflix oggi, e la prima ondata di recensioni è arrivata. Sono decisamente contrastanti, con i critici divisi sull’interpretazione di Liam Hemsworth di Geralt di Rivia (l’attore sostituisce Henry Cavill nel ruolo).
Nonostante una seconda stagione recensita positivamente, la serie non è mai stata un successo come, ad esempio, Il Trono di Spade. Tuttavia, le cose non sembrano rosee per il ritorno di The Witcher, dato che il suo attuale punteggio su Rotten Tomatoes è “Rotten” al 50%. Sul “Popcornmeter” generato dai fan, ha un punteggio del 19%.
Ricordiamo che le stagioni precedenti hanno ottenuto un punteggio del 68% (Stagione 1), del 95% (Stagione 2) e del 79% (Stagione 3). Un calo al 40% è drastico e suggerisce che i critici sono pronti a decretare la conclusione dello show. I fan saranno d’accordo?
The Witcher è stato spesso criticato dalla stampa, quindi se quest’ultima serie di episodi – il casting di Hemworth segna una sorta di nuovo inizio per questa penultima stagione – riuscirà a conquistarli è ancora da definire. Tuttavia, con così tanto scetticismo preesistente che circonda il recasting, le probabilità di successo sono alte.
The Guardian scrive: “Mentre il suo predecessore ha investito Geralt I di una burbera simpatia, Geralt II è meno ‘un valoroso uomo-montagna alle prese con responsabilità che vanno oltre la nostra comprensione’ e più ‘un palo con una parrucca’”. Radio Times concorda. “Hemsworth fa del suo meglio con il materiale che gli è stato assegnato, ma la sua interpretazione e la sua interpretazione spesso deludono, il che potrebbe rivelarsi la goccia che fa traboccare il vaso per molti spettatori di lunga data.”
Anche Slash Film non è rimasta colpita, spiegando: “‘The Witcher’ introduce alcuni momenti importanti del libro alla fine, ma l’impatto di queste note poste in gioco risulta noioso, come un’arma che non viene affilata da anni. Il potenziale insito nel mondo di Sapkowski è immenso, ma l’adattamento Netflix lo spreca con la quarta stagione, che è finora il capitolo più debole del franchise.”
Anche The Wrap ha elogiato poco il Geralt di Hemworth. “Sebbene sia sempre stato un compito arduo per Hemsworth sostituire Cavill come protagonista di un cast consolidato e amato dal pubblico, il nuovo Geralt non è mai all’altezza della situazione.”
IGN ha avuto un’opinione più positiva. “Anche con il cambio di rotta tra Cavill e Hemsworth, The Witcher rimane fedele alle sue armi (ehm, alle sue spade) e offre una stagione decente di magia e caos.” Lo stesso vale per GamesRadar+. “Eliminando gli aspetti che non hanno funzionato e mantenendo quelli che hanno funzionato, la quarta stagione di The Witcher è una stagione migliore, più mirata e, soprattutto, più divertente della serie.”
Il sito ha aggiunto che la quarta stagione presenta “un’azione fantastica, grandi puntate e un’impostazione in stile L’Impero colpisce ancora per la quinta stagione.”
Variety osserva: “In una stagione molto più incisiva e meno contorta della precedente, la quarta stagione di ‘The Witcher’ è ricca di azione e piena di personaggi affascinanti, sia vecchi che nuovi. Agisce come un reset, appianando i conflitti e gli snodi della trama che hanno a lungo afflitto la serie.”
CBR aggiunge: “Sebbene molti spettatori abbiano già dato per spacciato la serie, potrebbe essere giunto il momento di dare una possibilità alla quarta stagione, dato che Liam Hemsworth dimostra di essere stata la scelta giusta per assumere il ruolo dell’iconico cacciatore di mostri del Continente.”
A prescindere dalle recensioni, The Witcher tornerà per una quinta e ultima stagione. La maggior parte dei critici non è stata particolarmente benevola nei confronti di Hemsworth, ma l’attore ha dovuto ricoprire un ruolo importante e non è stato stroncato all’unanimità, il che è un vantaggio.
Cosa c’è da sapere su The Witcher – Stagione 4
Liam Hemsworth si unisce a Anya Chalotra, Freya Allan, Joey Batey, Sharlto Copley, James Purefoy e Danny Woodburn in quella che sarà la penultima stagione dello show..
Dopo gli scioccanti eventi che hanno sconvolto il Continente e che hanno chiuso la terza stagione, la nuova stagione segue Geralt, Yennefer e Ciri che si trovano a dover attraversare il Continente devastato dalla guerra e i suoi numerosi demoni, separati l’uno dall’altro. Se riusciranno ad abbracciare e guidare i gruppi di disadattati in cui si trovano, avranno la possibilità di sopravvivere al battesimo del fuoco e di ritrovarsi.
“Come fan del Witcher, sono al settimo cielo per l’opportunità di interpretare Geralt di Rivia”, ha dichiarato Hemsworth poco dopo essere stato scelto come nuovo protagonista dello show. “Henry Cavill è stato un Geralt incredibile, e sono onorato che mi passi le redini e mi permetta di imbracciare le lame del Lupo Bianco per il prossimo capitolo della sua avventura“.
La serie The Witcherè tornato su Netflix il 30 ottobre 2025.
La serie The Witcher di Netflix è tornata con la sua quarta stagione, che segna un capitolo completamente nuovo per lo show. Netflix ospita molte grandi serie TV fantasy, e una delle più popolari è The Witcher. Basata sulla serie di libri omonima di Andrzej Sapkowski, The Witcher ha debuttato su Netflix nel 2019, con Henry Cavill nel ruolo di Geralt di Rivia, il witcher del titolo.
La quarta stagione di The Witcher è la prima senza Henry Cavill nei panni di Geralt e vede il debutto di Liam Hemsworth nel ruolo di Geralt. La quarta stagione si svolge dopo il colpo di stato di Thanedd, con Geralt, Jaskier e Milva che partono per salvare Ciri, mentre Yennefer fa lo stesso radunando tutte le streghe sopravvissute per opporsi a Vilgefortz.
Nel frattempo, Ciri entra a far parte dei Rats, un gruppo di ladri spietati, nascondendo la sua identità e assumendo il nome di Falka. Ci sono ancora molte storie da raccontare in The Witcher, e la quarta stagione lascia la porta aperta per un’altra stagione.
La quinta stagione di The Witcher è confermata (ed è l’ultima della serie)
Con tante storie da raccontare tratte dai libri di Sapkowski, The Witcher non avrebbe mai potuto essere una serie breve. Quando è stata annunciata la partenza di Henry Cavill, insieme al casting di Hemsworth, il futuro di The Witcher è diventato incerto e molti si sono chiesti se la serie potesse continuare oltre la quarta stagione senza il suo protagonista originale.
Tuttavia, e fortunatamente per i fan della serie, il futuro di The Witcher è stato assicurato prima dell’uscita della quarta stagione. Nell’aprile 2024, mentre la quarta stagione era ancora in produzione, Netflix ha annunciato che The Witcher era stato rinnovato per una quinta e ultima stagione, le cui riprese sono iniziate nella primavera del 2025.
Quando uscirà la quinta stagione di The Witcher?
L’annuncio del rinnovo di The Witcher non includeva una potenziale data di uscita. Tuttavia, è possibile dedurre una data possibile guardando le date delle riprese delle stagioni precedenti e confrontandole con le date di uscita.
Le riprese della quinta stagione di The Witcher sono iniziate nel marzo 2025 e, sebbene non sia stato confermato, sono sicuramente terminate ormai. Il tempo che intercorre tra la fine delle riprese di una stagione di The Witcher e la sua data di uscita è variabile, ma dato che la quinta stagione sarà molto importante per la serie, probabilmente arriverà alla fine dell’estate 2026/inizio autunno 2026.
Cast confermato della quinta stagione di The Witcher
Al momento della stesura di questo articolo, non c’è un cast confermato per la quinta stagione di The Witcher, ma le foto dal set e la quarta stagione danno un’idea di chi tornerà per la stagione finale. Naturalmente, Liam Hemsworth tornerà ancora una volta nei panni di Geralt di Rivia, insieme ad Anya Chalotra nei panni di Yennefer di Vengerberg e Freya Allan nei panni di Ciri.
Tornerà anche Jaskier di Joey Batey, insieme a Cahir (Eamon Farren), Regis (Laurence Fishburne), Milva (Meng’er Zhang), Vilgefortz (Mahesh Jadu), Skellen (James Purefoy), Leo Bonhart (Sharlto Copley) e la Fiamma Bianca/Emhyr var Emries (Bart Edwards). Potrebbero tornare anche le streghe sopravvissute e altri personaggi minori della quarta stagione.
Considerando le storie che la quinta stagione di The Witcher potrebbe raccontare (ne parleremo tra poco) per dare una conclusione adeguata ai personaggi principali, ci saranno nuovi personaggi che si uniranno alla stagione finale, anche se resta da vedere chi saranno esattamente e chi li interpreterà.
Di cosa parlerà la quinta stagione di The Witcher?
Come accennato in precedenza, con così tanti libri, racconti e un universo così ricco, The Witcher non poteva essere una serie breve. La serie di libri The Witcher di Sapkowski è composta da un totale di nove libri, di cui due sono raccolte di racconti (L’ultimo desiderio e La spada del destino), cinque libri che fanno parte della saga di The Witcher e due romanzi prequel (La stagione delle tempeste e Il crocevia dei corvi).
La prima stagione di The Witcher ha adattato le storie tratte da L’ultimo desiderio e La spada del destino, modificando però la struttura narrativa (e confondendo così gli spettatori). La seconda stagione si è ispirata a Il sangue degli elfi, ma è stata pesantemente criticata per aver preso troppe libertà creative, in particolare con Yennefer.
La terza stagione di The Witcher era un adattamento di Time of Contempt, anche se con un paio di modifiche, mentre la quarta stagione prende molte parti della sua storia dal romanzo Baptism of Fire. La quinta stagione, quindi, ha davanti a sé una sfida enorme, poiché ci sono ancora due romanzi da coprire che portano al finale di Geralt, Yennefer e Ciri: The Tower of the Swallow e The Lady of the Lake.
La quinta stagione di The Witcher dovrebbe coprire le parti più importanti di questi libri, principalmente la battaglia al castello di Stygga, la riunione di Geralt, Ciri e Yennefer e un viaggio fondamentale nella storia di Ciri. Dato che ha molto materiale da coprire, non sarebbe sorprendente se The Witcher decidesse di dividere la sua stagione finale in modo da poter coprire più contenuti.
Al momento della stesura di questo articolo, ciò che è certo è che la quinta stagione di The Witcher è in lavorazione e sarà l’ultima stagione della serie, che vedrà il ritorno del cast principale (e, si spera, non ci saranno più ricast) e che ci sono due romanzi con eventi chiave da coprire per dare a Geralt, Yennefer e Ciri il finale più completo possibile.
I DC Studios hanno il loro Superman, ma con Batman e Wonder Woman ancora in attesa di un cast, la Trinità è incompleta. La sceneggiatrice di Supergirl, Ana Nogueira, è stata scelta per scrivere il prossimo film di Diana Prince, ma al momento è troppo presto per dire chi la interpreterà.
Ci sono molti suggerimenti da parte dei fan, ma che dire della star di True Detective, Alexandra Daddario? Il suo nome è da tempo associato all’Amazzone, e l’attrice ha espresso il suo parere sulla possibilità di interpretare Wonder Woman durante un’intervista con Screen Rant.
Alla domanda se avesse visto la fan art che la assegnava per il ruolo di Wonder Woman (e Catwoman) del DCU, la Daddario ha risposto: “A dire il vero, non ho visto nessuna di quelle [fan art]. Sono lusingata di sapere che sta succedendo, ma non l’ho vista.” “Ma certo, lavorare con James Gunn sarebbe fantastico in qualsiasi ambito”, ha aggiunto, “ma non sapevo che stesse succedendo.”
Purtroppo, a 39 anni, Alexandra Daddario probabilmente non è ciò che i DC Studios stanno cercando per la sua Wonder Woman. Tuttavia, con personaggi come Hal Jordan e Guy Gardner che tendono ad essere più adulti di Superman, non è un’ipotesi impossibile.
Tutti i canali di proprietà della Disney saranno rimossi da YouTube TV alle 12:00 AM ET del 31 ottobre e alle 9:00 PM ET del 30 ottobre, dopo che i giganti del settore non sono riusciti a raggiungere un accordo.
Le due parti non sono riuscite a raggiungere un accordo prima della scadenza concordata. Di conseguenza, Disney ritirerà tutti i suoi canali, tra cui ABC, ESPN, Disney Channel, Freeform e altri da YouTube TV. Con la rimozione di canali così importanti dal servizio di streaming, gli abbonati dovranno ora trovare delle alternative per guardare i loro programmi preferiti e le partite sportive proprio nel bel mezzo della stagione calcistica universitaria e professionistica.
Un portavoce della Disney ha espresso il disappunto dello studio riguardo alla situazione. Ha affermato che YouTube TV non era disposta a pagare un prezzo equo per i suoi contenuti, quindi non hanno avuto altra scelta che rimuovere tutti i loro canali dal servizio di streaming. “Purtroppo, YouTube TV di Google ha scelto di negare ai propri abbonati i contenuti che apprezzano di più, rifiutandosi di pagare tariffe eque per i nostri canali, tra cui ESPN e ABC.”
Disney ha assicurato agli abbonati a YouTube TV di essere altrettanto frustrata dalla situazione e di essere ancora disposta a trovare un accordo con la piattaforma. Tuttavia, per il momento, gli spettatori non potranno guardare alcuni dei più importanti eventi sportivi in programma nel prossimo fine settimana.
Disney ha anche criticato le strategie di marketing di Google. L’azienda ha accusato Google di cercare di approfittare dei propri partner e di aggirare gli standard tradizionali del settore.
Senza un nuovo accordo, i loro abbonati non avranno accesso alla nostra programmazione, che include il miglior palinsesto di eventi sportivi in diretta, con la NFL, la NBA e il football universitario, con 13 delle 25 migliori squadre universitarie che giocheranno questo fine settimana. Con una capitalizzazione di mercato di 3 trilioni di dollari, Google sta usando la sua posizione dominante per eliminare la concorrenza e minare i termini standard del settore che abbiamo negoziato con successo con tutti gli altri distributori. Siamo consapevoli di quanto ciò sia frustrante per gli abbonati a YouTube TV e rimaniamo impegnati a lavorare per trovare una soluzione il più rapidamente possibile.
YouTube TV ovviamente non era d’accordo con queste osservazioni. Un rappresentante ha rilasciato una dichiarazione in cui esponeva la propria posizione e condannava Disney per aver utilizzato le minacce di blackout come tattica negoziale. Ha affermato che i propri abbonati ne risentiranno perché Disney chiede troppo denaro.
La scorsa settimana Disney ha utilizzato la minaccia di un blackout su YouTube TV come tattica negoziale per imporre condizioni che avrebbero comportato un aumento dei prezzi per i nostri clienti. Ora stanno mettendo in atto quella minaccia, sospendendo i loro contenuti su YouTube TV. Questa decisione danneggia direttamente i nostri abbonati, mentre avvantaggia i loro prodotti di TV in diretta, tra cui Hulu + Live TV e Fubo.
YouTube TV ha promesso che avrebbe offerto ai propri clienti un credito una tantum di 20 dollari se il blackout di Disney fosse durato “per un periodo di tempo prolungato”.
Al momento della pubblicazione di questo articolo, non è stata raggiunta alcuna risoluzione tra Disney e YouTube TV. Sono stati ritirati i seguenti canali: ABC, ESPN, ESPN2, ESPNU, ESPNews, Freeform, FX, FXX, FXM, Disney Channel, Disney Junior, Disney XD, SEC Network, Nat Geo, Nat Geo Wild, ABC News Live, ACC Network, Localish; sul piano spagnolo, ESPN Deportes, Baby TV Español e Nat Geo Mundo.
Ewan McGregor e Claire Danes stanno collaborando per recitare in The Spot, una nuova serie drammatica Hulu prodotta da A24. La serie è stata creata da Ed Solomon.
La notizia del casting di The Spot arriva poco dopo che Kate Winslet ha lasciato il progetto. La star avrebbe dovuto interpretare il ruolo femminile principale e ricoprire il ruolo di produttrice esecutiva sotto Juggle Productions, ma secondo quanto riferito avrebbe rinunciato a giugno a causa di divergenze creative. Poche settimane dopo l’abbandono della Winslet, la Danes è stata contattata per sostituirla e, dopo un’intensa serie di trattative, è stata ufficialmente scritturata.
La trama della serie racconta la vita di una chirurgo (Dane) e di suo marito (McGregor), un insegnante che sospetta che lei sia responsabile dell’incidente con omissione di soccorso di un bambino. La sua iniziale sfiducia nei confronti della moglie inizia rapidamente a svelare altri difetti nel loro matrimonio e spinge la loro relazione al limite.
Il creatore di The Spot, Solomon, sarà anche lo sceneggiatore, il produttore esecutivo e lo showrunner della serie. Questo progetto segna il suo ritorno in televisione dopo Full Circle di HBO Max. Robin Sweet (Better Call Saul) e Ariel Kleiman (Andor) saranno i produttori esecutivi insieme a Solomon. Kleiman è anche previsto come regista della serie.
The Spot non è la prima collaborazione tra Hulu e A24. Nel 2021, le due società hanno realizzato un film horror intitolato False Positive. Il film raccontava la storia di una coppia sposata, Lucy e Adrian, in cerca di aiuto a causa dei loro problemi di fertilità. Dopo essere rimasta incinta di tre gemelli, Lucy inizia a nutrire sospetti sul suo medico. Il film vedeva come protagonisti Ilana Glazer, Justin Theroux e Pierce Brosnan.
Al momento della pubblicazione di questo articolo non è stata ancora resa nota la data ufficiale di uscita di The Spot. Tuttavia, le riprese dovrebbero iniziare nel 2026.
IN COPERTINA: Ewan McGregor alla 30ª edizione dei Critics’ Choice Awards, tenutasi. Foto di Image Press Agency via DepositPhotos.com
Io sono Rosa Ricci (la nostra recensione) è nelle sale. Il nuovo film di Lyda Patitucci con Maria Esposito, Andrea Arcangeli e Raiz, presentata in anteprima alla 20ª Edizione della Festa del Cinema di Roma nella sezione Grand Public, segna il ritorno di uno dei personaggi più amati della serie Mare Fuori, raccontandone le origini e l’evoluzione emotiva.
Prodotto da Picomedia con Rai Cinema in collaborazione con Netflix, e distribuito da 01 Distribution, Io Sono Rosa Ricci è frutto di una sceneggiatura firmata da Maurizio Careddu e Luca Infascelli. Alla fotografia c’è Valerio Azzali, al montaggio Valeria Sapienza, alle scenografie Carmine Guarino e ai costumi Rossella Aprea. Il film è stato realizzato con il contributo del Fondo per lo sviluppo degli investimenti nel cinema e nell’audiovisivo del Ministero della Cultura e in collaborazione con la Regione Campania – FCRC.
Il ritorno alle origini di Rosa Ricci
Il film si colloca narrativamente tra la prima e la seconda stagione di Mare Fuori e funziona come una sorta di genesi del personaggio di Rosa Ricci, interpretata da Maria Esposito. All’inizio la ritroviamo mentre fa visita al fratello Ciro all’IPM (Istituto Penale Minorile), ma ben presto viene coinvolta in una serie di eventi che la metteranno di fronte a scelte dolorose e a un percorso di crescita forzata.
La regia di Lyda Patitucci scava nelle contraddizioni di Rosa: una ragazza divisa tra il senso di appartenenza alla famiglia criminale dei Ricci e il desiderio di autodeterminarsi, di capire chi è davvero al di là del cognome che porta.
Il rapporto con il personaggio di Andrea Arcangeli
Centrale nel racconto è anche il rapporto con il personaggio interpretato da Andrea Arcangeli, che diventa un punto di riferimento affettivo e umano nel viaggio di Rosa.
Attraverso di lui, il film mostra come la protagonista, pur immersa in un contesto di violenza e sopraffazione, non perda mai del tutto la capacità di amare.
Questa dimensione più intima e fragile anticipa ciò che vedremo poi nella serie, quando Rosa intreccerà la complessa storia d’amore con Carmine Di Salvo, il ragazzo del clan rivale.
Maria Esposito in Io sono Rosa Ricci – Foto Credits Sabrina Cirillo
Nel finale del film, dopo la sua drammatica esperienza di prigionia e le prove affrontate nel corso della storia, Rosa riceve la notizia della morte di Ciro. È il momento di svolta: da quel dolore nasce la consapevolezza di sé. La Rosa che vediamo nell’ultima scena — fredda, determinata, capace di nascondere la propria vulnerabilità — è la stessa che ritroveremo in Mare Fuori.
Il film rappresenta dunque il rito di passaggio di Rosa Ricci: l’abbandono dell’innocenza e l’assunzione di un’identità nuova, costruita sul lutto, sulla rabbia ma anche su una forza interiore che la renderà protagonista delle stagioni successive della serie. Nel suo sguardo finale, quando promette vendetta e giura di uccidere Carmine Di Salvo, si intravede già il conflitto che diventerà il cuore della sua storia d’amore e della sua lotta personale tra odio e perdono.
Il vincitore del Golden Globe Taron Egerton (Carry-On) si unisce a Channing Tatum e Zazie Beetz in Kockroach, il film poliziesco ambientato a New York, prodotto da Andrew Lazar (American Sniper) e Kevin Frakes (Hereditary).
Egerton sostituisce Oscar Isaac, annunciato a fine agosto ma escluso a causa di impegni. Lazar ha descritto oggi il film come sullo stile di Quei bravi ragazzi e Scarface. La sinossi recita: “Kockroach è la storia di un misterioso straniero che affronta la malavita di New York, trasformandosi in un boss della malavita più grande della vita in una città dove il potere è tutto”.
L’adattamento cinematografico del romanzo di William Lashner è in pre-produzione e le riprese dovrebbero iniziare a febbraio in Australia. Matt Ross (Captain Fantastic) dirigerà il film da una sceneggiatura di Jonathan Ames (You Were Never Really Here) con revisioni di Ross.
Black Bear continuerà a vendere i diritti internazionali al prossimo AFM. CAA Media Finance e Range Select co-rappresentano quelli nazionali.
Tra i responsabili del dipartimento figurano Colin Gibson, lo scenografo vincitore di un Oscar per il suo lavoro in Mad Max: Fury Road; il direttore della fotografia vincitore di un Emmy Adam Arkapaw, i cui crediti includono The Order, The King, Macbeth e le prime stagioni di Top of the Lake e True Detective; e il supervisore degli effetti visivi Jonathan Dearing, noto per il suo lavoro in M3gan, The Invisible Man e Upgrade.
“Non potrei essere più entusiasta di dare il benvenuto a Taron in Kockroach e di vederlo collaborare con Channing e Zazie in questa nuova e audace interpretazione del genere gangster. Grazie allo straordinario talento del regista Matt Ross, Kockroach supererà i limiti e le aspettative allo stesso modo di film seminali come Scarface e Quei bravi ragazzi. Sono anche entusiasta di vedere il nostro incredibile team creativo unirsi: lo scenografo premio Oscar Colin Gibson, il direttore della fotografia Adam Arkapaw e il supervisore degli effetti visivi Jonathan Dearing”, ha dichiarato Lazar.
La star di Kingsman, Rocketman, Black Bird e Carry-On,Taron Egerton, è stata vista di recente nella serie di Apple TV Smoke e nel film poliziesco She Rides Shotgun.
Un trentesimo anniversario, quello di Linea d’Ombra Festival, che non è una meta, ma l’inizio di un nuovo viaggio. In tre decenni di esplorazioni è diventato un punto di riferimento per la cultura audiovisiva in Italia e in Europa. E così, dall’8 al 15 novembre 2025, con oltre 70 eventi tra cinema, musica, libri, arti visive e formazione, Linea d’Ombra Festival, ideato e diretto da Peppe D’Antonio e Boris Sollazzo e promosso dall’associazione SalernoInFestival ETS, conferma la sua natura di evento che non si limita a celebrare il cinema, ma continua a interrogare il mondo attraverso di esso.
Dopo il successo dell’edizione 2024, la riflessione sui “Diritti/Rights” torna come filo conduttore del 2025, ma declinata come “diritto al sapere”, esplorato da proiezioni, incontri, masterclass e laboratori.
Tre sono le sezioni di film in concorso: Passaggi d’Europa_30, con sei lungometraggi – opere prime o seconde – di autori europei; CortoEuropa_30, con 21 cortometraggi prodotti in Europa negli ultimi due anni; e UNIFEST, con 10 cortometraggi realizzati da studenti universitari di tutto il mondo e presentati nella sezione dedicata, ideata in collaborazione con l’Università degli Studi di Salerno.
Il programma di questa edizione si completa con il Fuori Concorso, le Proiezioni speciali internazionali e Nuovo Cinema Italia; il cinema emergente campano dell’Open Space e la consueta Maratona cinematografica notturna, quest’anno dedicata al regista Eran Riklis, che riceverà da Banca Campania Centro il Premio Linea d’Ombra Maestri del Cinema. E poi ancora i Ring, gli incontri con ospiti affermati ed emergenti condotti da Boris Sollazzo; gli eventi performativi di Quinto Elemento, la macro-sezione interdisciplinare di indagine sull’audiovisivo nella sua forma espansa.
In linea con il tema del “diritto al sapere” è il percorso dedicato alla formazione con la Media Education Factory (MEF), articolato nei Percorsi dello sguardo, cinque matinée di cinema riservate alle scuole sul tema “Diritto al sapere”, seguite da L’Ora dei Diritti, un ciclo di dibattiti e testimonianze con giornalisti, docenti e operatori della scuola; tre imperdibili Masterclass_30 dedicate a recitazione, fumetto e regia; il LabDoc_30, laboratorio per sviluppare un documentario sulla storia e la vita del Porto di Salerno; le UniClass, una masterclass e un workshop della sezione UNIFEST dedicati al diritto alla lettura e all’audiovisivo e all’idea di società; infine il MEF Off, con il corso di aggiornamento sui temi delle Pari Opportunità organizzato con l’Ordine dei Giornalisti della Campania e Federscherma.
Le novità. Con la sezione LdO_BOOK si presentano esperienze editoriali liminali al mondo dell’audiovisivo; tre Eventi Speciali: un convegno per riflettere con Cinecittà e Nexsoft sul ruolo dell’intelligenza artificiale nel cinema, un’installazione audiovisiva multicanale e una performance audiovisiva site-specific per festeggiare i trent’anni del festival. Altra novità il MEF Off dedicato alle Pari Opportunità, con la testimonianza della schermitrice paralimpica e docente di ingegneria chimica all’Università Federico II di Napoli, Rossana Pasquino, in programma il 10 novembre dalle 14.30 nella Sala Marcello Torre della Provincia di Salerno. L’incontro, organizzato con l’Ordine dei Giornalisti della Campania – Commissione Pari Opportunità e Federscherma, è valido per i crediti formativi dei giornalisti.
Gli eventi in programma segnalati “anche in diretta streaming” saranno visibili sui canali social del Festival (Facebook, YouTube). Il pubblico in sala e online potrà fare domande agli ospiti.
Anche quest’anno il pubblico potrà partecipare come giuria popolare votando online su partecipa.lineadombrafestival.it e prenotare gli eventi su Eventbrite.
Inoltre il pubblico potrà chiedere informazioni sul programma interrogando l’assistente vocale AI by Nexsoft al link ldo.nexsoft.it. Linea d’Ombra prosegue inoltre il proprio impegno per la mobilità sostenibile e la riduzione degli impatti ambientali dell’evento.
IL PROGRAMMA di Linea d’Ombra
Sabato 8 novembre. L’apertura è con la nuova generazione del cinema italiano. Dopo l’accreditamento della giuria popolare alla Sala Pasolini, ci sarà la prima proiezione del concorso CortoEuropa_30. Nel pomeriggio Peppe D’Antonio presenterà On the Edge di Guérin van de Vorst, Sophie Muselle, primo lungometraggio in gara per la sezione Passaggi d’Europa_30, opera centrata sull’esperienza di una giovane infermiera in un reparto psichiatrico e il suo incontro con il profondo disagio emotivo di Mila. La giornata culminerà con il Ring “I giovani favolosi”, incontro dedicato ai nuovi volti del cinema italiano: Samuele Carrino, Carlotta Gamba, Aurora Giovinazzo, Ludovica Nasti e Beatrice Puccilli dialogheranno con il pubblico in un evento simbolico che celebra la “meglio gioventù” del cinema nazionale. Sarà possibile seguire l’evento anche in diretta streaming sui canali di Linea d’Ombra Festival.
Domenica 9 novembre. Il secondo giorno si apre alle 16.30 alla Sala Pasolini con le proiezioni del concorso CortoEuropa_30 e, a seguire, Passaggi d’Europa_30 con la presentazione di Don’t let me die dell’esordiente Andrei Epure. L’opera è perfettamente in linea con una certa tendenza del cinema rumeno contemporaneo, giocata sul paradosso e l’assurdo. Alle 19, al Piccolo Teatro Porta Catena, evento speciale con Una cosa vicina, film di Loris G. Nese, presentato a Venezia 82. Dialoga con il regista il giornalista del Corriere del Mezzogiorno Gabriele Bojano. In serata (ore 21.30) il protagonista del Ring è lo scrittore Donato Carrisi, che con Boris Sollazzo ripercorrerà la sua carriera di narratore e regista, da Il suggeritore a La ragazza nella nebbia. A Carrisi sarà assegnato il Premio Linea d’Ombra. Alle 18, al Museo Virtuale della Scuola Medica Salernitana, sarà inaugurata l’installazione Move After Move di Antonello Matarazzo, curata da Bruno Di Marino, visitabile fino al 15 novembre dalle 16.00 alle 20.00.
Lunedì 10 novembre. La giornata inizia con le attività della Media Education Factory, dedicate alle scuole con la proiezione del film La Scuola di Daniele Luchetti e l’incontro con Tommaso Siani, direttore de La Città. Parte il laboratorio LabDoc_30, centrato sulla realizzazione di un documentario dedicato al Porto di Salerno, il progetto è sostenuto dalla Fondazione della Comunità Salernitana con la collaborazione didattica di Upside Production e Audiovisual Napoli Hub – Dipartimento di Scienze Sociali dell’Università Federico II di Napoli. Alle 10.30, nella Sala Affreschi del Complesso San Michele, si terrà UNIFEST – UniClass #1 Il sentiero delle storie. Una strada verso il diritto alla lettura, workshop con Angela Albarano, docente e direttrice del Libro Aperto Festival. Alla sala Pasolini continuano le proiezioni dei cortometraggi in concorso nella sezione CortoEuropa_30 e, alle 18.30, per la sezione Passaggi d’Europa_30, presentazione del film spagnolo Pheasant Island, che l’esordiente Asier Urbieta dedica al tema dell’immigrazione. Al Cinema Fatima, sempre alle 18.30, proiezione fuori concorso di I bambini di Gaza. Sulle ali della libertà di Loris Lai. Seguirà il dibattito, moderato da Peppe D’Antonio, Salam/Shalom: dopo Gaza le vie della pace con Marco Croatti, senatore della Repubblica, Giso Amendola, docente all’Università di Salerno, e Loris Lai, regista. Alle 21.30, alla Sala Pasolini, l’artista Bruno Dorella proporrà la sonorizzazione live del film muto L’Odissea(1911), uno degli eventi di punta della sezione Quinto Elemento dedicata al dialogo tra cinema e musica. Ingresso libero fino a esaurimento posti.
Martedì 11 novembre. Masterclass e contaminazioni sonore. Alle 9, al Complesso San Michele, Masterclass_30 con Milena Mancini, attrice e performer, che guiderà gli studenti nella costruzione del personaggio “dal testo all’azione”. Alle 9.30, alla Sala Pasolini, per il Media Education Factory – Percorsi dello sguardo: scuola di cinema, proiezione del film L’onda di Dennis Gansel, seguita da L’Ora dei Diritti con Marcello Ravveduto, storico e docente universitario. Quarta giornata di proiezione dei film in concorso, CortoEuropa_30, alle ore 16.30 e alle 18.30, per Passaggi d’Europa_30, il regista turco Seymus Altun, anch’egli all’opera prima, conAs we breath, ci porta in Anatolia per scoprire il dramma di una famiglia causato da un disastro ambientale che mette a rischio la loro vita e i loro beni. Alle 19, al Piccolo Teatro Porta Catena, per la sezione Fuori Concorso – Open Space, proiezione dei cortometraggi Alla Svizzera di Domenico Pizzulo; Maccarìa di Giulia Minella; Il compito di Gabriele Angrisani e Fino a te di Luca Grafner. Alle 21.30, alla Sala Pasolini, per la sezione Quinto Elemento, il chitarrista americano Steve Gunn sonorizzerà dal vivo i cortometraggi sperimentali di Stan Brakhage. Ingresso libero fino a esaurimento posti.
Mercoledì 12 novembre. Tra fumetto e impegno civile. In mattinata, alla Sala Pasolini, proiezione di La sala professori di Ilker Çatak (Germania, 2023). Seguirà L’Ora dei Diritti con Ida Lenza, dirigente scolastico del Liceo Tasso di Salerno. Alle 17, Masterclass_30 con il fumettista Roberto Recchioni, moderata dall’art director LdO e COMICON Roberto Policastro. Alla Sala Pasolini proiezione dei cortometraggi in concorso nella sezione CortoEuropa_30 e, alle 18.30, per Passaggi d’Europa_30 proiezione del film I shall seedella regista olandese Mercedes Stalenhoef. Il film segue la vicenda di una ragazza che perde la vista mentre attraversa la propria linea d’ombra per diventare adulta. Alle 19, al Piccolo Teatro Porta Catena, per la sezione Open Space, proiezione dei cortometraggi Senza voce di Flavio Califano, Un bacio di Rocco Ancarola, Fallen Houses di Gianluca Abbate, Appuntamento a Mezzogiorno di Antonio Passaro e Il peso della carne di Gaia Troisi (in collaborazione con MacFest 2025). A seguire, proiezione speciale di 58% di Vincenzo Marra, documentario realizzato dal regista a Gaza nel 2005 che aiuta a comprendere le dinamiche storiche di una tragedia. Alle 21.15, lo stesso Marra sarà protagonista del Ring “Marra(dona) è meglio ’e Pelè” e della retrospettiva sui suoi vent’anni di cinema civile. Alle 21.30, alla Sala Pasolini, Quinto Elemento con Oren Ambarchi per Dragon’s Return. Ingresso libero fino a esaurimento posti.
Giovedì 13 novembre. È il giorno del rapporto tra intelligenza artificiale e futuro del cinema. Alle 9.30, alla Sala Pasolini, proiezione del film La classe di Laurent Cantet, seguita da L’Ora dei Diritti con Olga Chieffi, giornalista e musicologa. Al Complesso San Michele, alle 9.30, convegno IA e Cinema: tra paura e desiderio, promosso in collaborazione con Cinecittà e Nexsoft, con interventi di Corrado Montoro, Andrea Gatopoulos, Pietro Lafiandra ed Enrico Bufalini. Modera la giornalista de Il MattinoCarmen Incisivo. Alle 10.30, UNIFEST – UniClass #3 Immagini e immaginazione: l’audiovisivo e l’idea di società, masterclass con Marco Colacino. Ultima giornata di proiezioni dei film in concorso nelle due sezioni CortoEuropa_30, ore 16:30, e Passaggi d’Europa_30, con la presentazione del film A balcony in Limonges, di Jérôme Reybaud. Film nel quale l’incontro tra due donne si trasforma in un percorso nell’assurdo e nell’insolito. Nel pomeriggio, alle 18.30, al Piccolo Teatro Porta Catena, debutta LdO_BOOK, la nuova sezione dedicata al dialogo tra letteratura e audiovisivo, con la presentazione di Una storia scomoda di Antonio Caiazza (Bibliotheka, 2025). In dialogo con l’autore, Boris Sollazzo. A seguire, talk Il cinema tra processi educativi e culture indisciplinate con Alfonso Amendola e Alfredo Pio Di Tore, autori del volume Sul cambiare il mondo! Una lettura metadisciplinare di Guy Ernest Debord (Orthotes, 2025). Alle 21, alla Sala Pasolini, anteprima di I Love Lucca Comics and Games di Manlio Castagna e dopo a proiezione incontro conclusivo del regista con Boris Sollazzo.
Venerdì 14 novembre. Giornata dei maestri del cinema. Alle 9.30, alla Sala Pasolini, proiezione di La scuola è finita di Valerio Jalongo, seguita da L’Ora dei Diritti con il regista e il giornalista Andrea Pellegrino. Alle 10.30, al Piccolo Teatro Porta Catena, Masterclass_30 su “Il mestiere del regista nell’era dell’immagine globale” con Edoardo De Angelis. Alle 17.30, alla Sala Pasolini, proiezione del teaser finale del LabDoc_30, introdotto da Antonia Autuori, presidente della Fondazione della Comunità Salernitana. Alle 17.30, al Piccolo Teatro Porta Catena, premiazione del video contest UNIFEST #5 – #DIRITTI/ROVESCI. Alle 18.30, alla Sala Pasolini, spazio alle premiazioni dei concorsi Passaggi d’Europa_30 e CortoEuropa_30. Alle 19.30, al Piccolo Teatro Porta Catena, presentazione del romanzo Il suono dell’anima di Monica Manganelli (IR-Independent R-Evolution, 2025). Dialoga con l’autrice il giornalista e critico cinematografico Stefano Valva. Alle 20.30, alla Sala Pasolini, il regista israeliano Eran Riklis riceverà il Premio Speciale Linea d’Ombra Maestri del Cinema, consegnato da Banca Campania Centro. A seguire, la proiezione del film cult Vulcan Junction e la maratona notturna dedicata alla sua filmografia.
Sabato 15 novembre. Ultimo giorno dedicato all’arte del futuro. Alle 11.30, alla Sala Pasolini, proiezione speciale di Trotula e il sentiero nel vento di Federica Avagliano, omaggio alla figura simbolo della Scuola Medica Salernitana (in collaborazione con Talea e Giffoni Innovation Hub). Alle 17.30, anteprima assoluta del documentario Festa della Musica: un concerto lungo 30 anni di Andrea De Rosa e Mirella Paolillo, realizzato con Rai Documentari. Gran finale con Re:Vision_LdO30, performance audiovisiva di K.lust e Kanaka che reinterpreta trent’anni di immagini del festival in chiave multimediale e contemporanea. Ingresso libero fino a esaurimento posti.
Ender’s Game è uscito nel pieno della moda dei romanzi distopici di fantascienza per giovani adulti, ma ha un finale molto più cupo rispetto ad altri film di fantascienza per lo stesso pubblico. Ambientato in un futuro in cui gli umani si preparano ad affrontare l’attacco di una razza aliena conosciuta come i Formici, il film del 2013 è incentrato sul talentuoso studente dell’accademia militare Andrew “Ender” Wiggins (Asa Butterfield) che viene coinvolto in una grande guerra intergalattica. Ender’s Game, basato sull’omonimo romanzo cult di Orson Scott Card, è anche una storia di formazione che approfondisce l’evoluzione di Ender da bambino dotato a potenziale salvatore del pianeta.
Come il romanzo, Ender’s Game si conclude con un colpo di scena scioccante. Ma per entrare nei dettagli del finale, gli spettatori devono rivisitare la tradizione fantascientifica che Ender’s Game stabilisce all’inizio.
I Formici sono diventati i principali nemici della Terra dopo averla invasa, uccidendo milioni di persone. Tuttavia, quando il capitano Mazer Rackham (Ben Kingsley) si è sacrificato facendo schiantare la sua nave sul pianeta natale dei Formici, la pace è stata ristabilita sulla Terra. Ma anche allora, gli umani si sono preparati per un contrattacco, reclutando giovani cadetti spaziali come Ender.
Come fa Ender a distruggere accidentalmente i Formici?
Durante tutto il film Ender’s Game, Ender non viene quasi mai coinvolto in combattimenti reali. Lui e i suoi giovani compagni vengono invece addestrati a combattere i Formici attraverso programmi di simulazione elaborati e ultra-realistici. Anche se è sottoposto agli stessi esercizi di addestramento degli altri studenti dell’accademia, i suoi superiori vedono in lui un potenziale speciale fin dall’inizio, come si può vedere dal trattamento speciale che riceve dal colonnello Hyrum Graff (Harrison Ford). Graff e altri comandanti della flotta supervisionano quella che Ender crede essere la sua prova finale. Questa richiede che lui conquisti il pianeta natale dei Formici, anche se questi ultimi sono più numerosi delle truppe sotto il suo comando.
Da sempre incline a privilegiare la strategia rispetto alle emozioni, Ender esorta i membri della sua flotta a sacrificarsi pur di far esplodere il dispositivo MD (Molecular Detachment) sul pianeta dei Formici. Alla fine di Ender’s Game, Ender riesce finalmente nella sua missione e riesce a sterminare la razza formica, solo per scoprire che i comandanti lo avevano manipolato facendogli credere che tutto questo fosse una simulazione. Lo sterminio dei formici è avvenuto in realtà in tempo reale. Il tradimento che Ender, sbalordito, deve affrontare segna la perdita dell’innocenza nella sua vita adolescenziale. Per quanto idealista fosse Ender, non aveva mai avuto intenzione di diventare un distruttore di pianeti.
Ender riuscirà a ricostruire la società dei Formici?
Ender’s Game è tra i migliori film di Asa Butterfield, in parte grazie alla gamma di emozioni che l’attore esprime nelle scene finali. Tormentato dal senso di colpa, Ender manifesta chiaramente il suo disappunto nei confronti dei suoi superiori. Quando alla fine viene sedato con dei tranquillanti, Ender riesce a comunicare con la regina formica attraverso un sistema di mente alveare. Infatti, come suggerisce il romanzo originale, i formici hanno invaso la Terra solo perché ritenevano che un pianeta senza una mentalità di mente alveare non avrebbe avuto alcuna specie senziente. Anche se le azioni di Ender uccidono i Formici, la loro regina riesce a comunicare mentalmente con Ender nei suoi ultimi istanti di vita. Sebbene inizialmente intenda ucciderlo, il senso di colpa di Ender le fa cambiare idea.
La regina guida invece Ender verso una struttura formica abbandonata dove si trova un uovo che lei aveva protetto. È da questo momento che Ender scopre le sue nuove responsabilità. Ora che la guerra tra i Formici e gli umani è finita, Ender viene promosso ammiraglio, gli viene assegnata una nuova nave e gli viene data piena libertà di fare ciò che desidera. Ender sfrutta perfettamente la sua libertà per avventurarsi nello spazio profondo con l’intenzione di avviare una nuova colonia Formica che darà essenzialmente il via alla rinascita della specie. In questo senso, il finale di Ender’s Game risulta ironico, ma offre anche al protagonista una sorta di redenzione.
Come finisce il libro Ender’s Game?
Il film Ender’s Game differisce dal libro in molti modi, compreso il modo in cui si svolge il finale. Un cambiamento importante è che la sorella di Ender, Valentine Wiggin (Abigail Breslin), non è così approfondita come nel materiale originale. Nel libro, Ender e Valentine esplorano insieme altri mondi nella speranza di riabilitare l’uovo Formico non ancora nato. Nel film, invece, Ender intraprende questo viaggio da solo. Vale anche la pena notare come il finale del film Ender’s Game sia più affrettato nell’esplorare la disillusione e la rabbia di Ender per essere responsabile del genocidio dei Formici.
Nel romanzo, i coloni spaziali fondano una colonia, di cui Ender diventa governatore. Egli accetta questa posizione di potere con disinteresse, ma è proprio nella colonia che viene guidato dalla regina Formica per impossessarsi dell’ultimo uovo rimasto. Quando la regina comunica con lui, viene fornito un contesto più ampio su come i Formici abbiano attaccato accidentalmente la Terra, poiché prima non erano a conoscenza dell’esistenza di alcuna forma di vita al di fuori dell’alveare. Con queste nuove informazioni, Ender scrive un racconto intitolato The Hive Queen con lo pseudonimo di “Speaker of the Dead”. Suo fratello maggiore Peter alla fine deduce che l’autore è proprio Ender.
Come Valentine, Peter è stato pesantemente tagliato dal film Ender’s Game, ed è per questo che non ha un ruolo principale nemmeno nel finale. Altrimenti, il romanzo presenta Peter come un fratello prepotente che sminuisce costantemente Ender. L’ultimo passo che Ender compie nell’eliminare accidentalmente i Formici lo spaventa ulteriormente perché lo fa sentire come Peter. Quando Peter scopre chi ha scritto “The Hive Queen”, chiede a Ender di scrivere un libro anche su di lui. Ender scrive un’opera dedicata al fratello, intitolandola appropriatamente “The Hegemon”. È a causa di questo rapporto irrisolto tra i due fratelli che Ender e Valentine abbandonano la loro colonia.
Il finale di Ender’s Game avrebbe potuto essere ancora più cupo
Ender è un personaggio cupo nel romanzo Ender’s Game, fino al suo finale. Il bullismo che subisce da Peter e dagli altri, insieme al suo atteggiamento generale di voler conquistare le persone, mette alla prova il suo temperamento all’estremo. All’età di 11 anni, Ender ha già ucciso i bulli Bonzo e Stilson. Questa scioccante perdita di innocenza lo trasforma quasi in un antieroe prima che la battaglia finale porti a un cambiamento nel suo cuore. Ritraendo Ender come un personaggio compassionevole fin dall’inizio, il film Ender’s Game minimizza l’impatto del finale. Ender prova rimorso, ma questo non contrasta con la sua personalità come invece accadeva nel libro.
Il vero significato del finale di Ender’s Game
Per chi ha letto il romanzo del 1985, il finale del film Ender’s Game potrebbe sembrare edulcorato e sterilizzato. Tuttavia, la conclusione è più carica di emozioni e più cupa rispetto ad altri film di fantascienza per adolescenti dell’epoca. Il fatto che l’ultima missione di Ender non fosse una simulazione potrebbe persino scioccare gli spettatori che non conoscono il materiale originale. È interessante notare che questo colpo di scena finale è anticipato nel poster di Ender’s Game, che recita “Questo non è un gioco”. Questo slogan riassume perfettamente l’arco narrativo di Ender nel film, che si era cimentato in giochi simulati solo per affrontare la realtà in modo inaspettato.
Il film Halloween (qui la recensione) del 2018 rappresenta un’importante rinascita del mito di Michael Myers, riportando la saga alle sue radici e cancellando tutta la continuity sviluppata dopo il cult del 1978. Con questo nuovo capitolo, scritto e diretto da David Gordon Green e prodotto da John Carpenter stesso, la storia riparte 40 anni dopo la notte di Haddonfield, immaginando un universo in cui Michael non è il fratello di Laurie: solo un assassino silenzioso e inarrestabile che ha segnato la vita di una sopravvissuta. Il risultato è un film che combina nostalgia e attualizzazione, con un approccio più crudo e realistico rispetto ai sequel precedenti.
A rendere questa operazione ancora più significativa è il ritorno di Jamie Lee Curtis nel ruolo di Laurie Strode, trasformata da vittima traumatizzata a donna combattente, pronta a ribaltare il gioco e diventare cacciatrice invece che preda. Il film indaga i traumi post-evento, il peso della paura tramandata alle nuove generazioni e il tema dell’autodifesa: Laurie si è preparata per 40 anni al ritorno del suo incubo personale, trasformando la propria casa in una trappola per il mostro che l’ha distrutta. Michael, al contrario, resta puro male, privo di spiegazioni psicologiche: una forza oscura che torna solo per uccidere.
Il nuovo Halloween è quindi sia un omaggio al classico di Carpenter sia un aggiornamento moderno del suo linguaggio. Con un mix di horror slasher, tensione psicologica e riflessioni sulla resilienza, il film riporta la saga a un tono più serio e meno spettacolare, eliminando le sovrastrutture accumulate nei sequel passati. Nel resto dell’articolo si fornirà la spiegazione del finale, analizzando la resa dei conti tra Laurie e Michael e mostrando come gli eventi finali anticipino direttamente ciò che vedremo nei sequel Halloween Kills e Halloween Ends, che completano la trilogia.
La trama di Halloween
Sono trascorsi esattamente quarant’anni dal massacro di Haddonfield e lo spietato Michael Myers, che sta per essere trasferito in un carcere di massima sicurezza, si rifiuta di parlare delle dinamiche che lo hanno portato ad uccidere tutti quegli innocenti. Lo psicologo del carcere, il dottor Ranbir Sartain, ha preso a cuore il caso e propone al detenuto di continuare le loro visite anche nella nuova prigione. Prima che Michael sia trasferito, in città giungono i reporter Aaron Korey e Dana Haines impegnati in un’inchiesta sul killer. I due si recano a casa di Laurie Strode, unica sopravvissuta alla strage, che si rifiuta categoricamente di rilasciare un’intervista. Laurie, infatti, non ha mai superato lo shock e vive nella costante paura che Michael possa tornare per ucciderla.
Il 30 ottobre, il veicolo che trasporta Myers e i detenuti ha però un incidente e l’assassino ne approfitta per fuggire e iniziare una nuova carneficina. Venuta a conoscenza dell’accaduto, Laurie corre a proteggere sua figlia Karen e la nipote Allyson. La ragazza, ignara del fatto che Micheal sia a piede libero, è impegnata a fare da baby-sitter al piccolo Julian quando apprende che qualcuno ha ucciso gli amici Dave e Vicky. I tre ragazzi vengono improvvisamente attaccati da Myers, che vuole placare la sua sete di sangue, e solo Allyson riesce a fuggire. Mentre Sartain è convinto di poter far ravvedere il violento assassino, Laurie sa che il suo nemico ha intenzione di ucciderla e ha studiato un piano molto astuto per eliminarlo.
La spiegazione del finale del film
Nel terzo atto di Halloween (2018), la tensione raggiunge il massimo quando Laurie, Karen e Allyson vengono radunate nella casa-fortezza costruita da Laurie in previsione del ritorno di Michael Myers. Il killer riesce a raggiungerle eliminando prima i poliziotti di sorveglianza e poi Ray, il marito di Karen. Inizia così un violento assalto notturno, fatto di porte blindate, stanze trappola e passaggi segreti, in cui le tre generazioni di donne Strode tentano di sopravvivere. Laurie affronta direttamente Michael, ma viene ferita e scaraventata dal balcone, scomparendo nel buio.
Mentre Michael si muove all’interno della casa, Karen e Allyson si rifugiano nel seminterrato blindato, creduto l’unico luogo sicuro. Il killer però li localizza e tenta di sfondare l’accesso, costringendole a una disperata lotta corpo a corpo. Proprio quando tutto sembra perduto, Karen riesce a colpirlo e Laurie riappare, ribaltando la situazione. Le tre donne intrappolano Michael nel sottoscala e danno fuoco alla casa, condannandolo a una morte apparente tra le fiamme. L’ultima inquadratura mostra il seminterrato in fiamme, ma il corpo non si vede.
Questo finale assume un valore simbolico oltre che narrativo: per quarant’anni Laurie ha vissuto prigioniera del trauma, trasformando la propria casa in una gabbia tanto sicura quanto opprimente. Intrappolare Michael nel luogo progettato per difendersi significa ribaltare il rapporto di forza: non è più Laurie a essere cacciata, ma il suo mostro. Il fuoco diventa una catarsi, un modo per bruciare il passato e rompere un ciclo di paura, riaffermando che la sopravvivenza non è più questione di fortuna, ma di volontà e preparazione.
Il film chiude così un percorso tematico centrato sull’eredità del trauma. Laurie, Karen e Allyson rappresentano tre generazioni segnate dalla stessa ombra: chi ha vissuto il male, chi lo ha subito indirettamente e chi lo ha ignorato finché non si è manifestato. Il finale mostra come solo l’unione delle tre permetta di sconfiggere Michael, ribaltando l’idea della final girl solitaria tipica della saga. Questo passaggio collettivo del testimone anticipa gli sviluppi dei sequel, in cui il trauma non scompare, ma si trasforma e cambia la comunità intera.
Il messaggio che Halloween lascia è sorprendentemente umano: il male è inarrestabile, ma non invincibile. Michael sopravvive, ma ciò che cambia è la mentalità di chi lo affronta. Il film suggerisce che la paura può consumare la vita quanto l’atto violento in sé, e che la guarigione non si ottiene cancellando il ricordo, bensì accettandolo e trasformandolo in forza. Laurie non è più una vittima, Karen non è più scettica e Allyson non è più ingenua: sono tre sopravvissute consapevoli, capaci di guardare negli occhi ciò che Haddonfield ha sempre temuto.
Infine, il film offre un chiaro aggancio ai sequel. L’assenza del corpo tra le fiamme e il respiro udibile durante la scena post-credit confermano che Michael è vivo, preparando direttamente Halloween Kills e Halloween Ends, girati come parti di una trilogia unitaria. La sopravvivenza del killer non è solo un espediente horror, ma una dichiarazione tematica: il male può essere colpito, ma non è mai davvero sconfitto. I film successivi approfondiranno la guerra di Laurie contro una figura ormai mitica, più forza della natura che semplice uomo.
Un matrimonio esplosivo(qui la recensione), diretto da Jason Moore e interpretato da Jennifer Lopez e Josh Duhamel, è una commedia romantica ad alto tasso d’azione che mescola nozze da sogno, famiglie invadenti e rapimenti in stile thriller. La trama porta la coppia – Darcy e Tom – su un’isola privata per il matrimonio perfetto, che presto si trasforma in un incubo: invitati ancora in fase di preparazione, vengono presi in ostaggio da pirati. Il risultato è un divertente ibrido tra romantico e action‑comedy, dove «finché morte non ci separi» assume un significato molto più letterale.
Nel contesto della filmografia recente di Jennifer Lopez, Un matrimonio esplosivo si colloca come una proposizione brillante e più leggera della sua partecipazione in film come Marry Me – Sposami (2022), una commedia romantica tradizionale. Qui invece l’azione e lo spettacolo prendono il sopravvento, con un ritmo più serrato e scenari più audaci. Il cast include anche nomi come Jennifer Coolidge, Lenny Kravitz e Cheech Marin che arricchiscono il film con caratterizzazioni colorite.
Il film richiama altri titoli che combinano commedia romantica e situazioni action‑sospese, come The Lost Cityo Red Notice, in cui protagonisti glamour affrontano avventure inusuali in location esotiche. Un matrimonio esplosivo percorre la via della festa che degenera in caos, con l’aggiunta di ostaggi e pirati che danno una scossa al genere. Nel resto dell’articolo si proporrà una spiegazione dettagliata del finale del film e si analizzerà se ci siano indizi o basi per un eventuale sequel.
La trama di Un matrimonio esplosivo
Il film segue la storia di Darcy (Jennifer Lopez) e Tom (Josh Duhamel), una giovane coppia in procinto di sposarsi, che decide di organizzare il matrimonio in un luogo piuttosto stravagante, portando le rispettive famiglie a riunirsi in quella che diventerà un’avventurosa cerimonia. Le cose non vanno infatti come previsto, i due novelli sposi sembrano maturare forti dubbi riguardo il loro rapporto e come se non bastasse, le vite di tutti gli ospiti vengono prese in ostaggio da una banda di criminali. I due protagonisti dovranno cercare di risolvere la situazione e affrontare il pericolo con ogni mezzo per mettere in salvo i propri cari.
La spiegazione del finale del film
Nel terzo atto di Un matrimonio esplosivo, la tensione raggiunge il culmine: Darcy e Tom, inizialmente separati dai pirati, riescono a liberarsi e a eludere la cattura, mostrando una combinazione di coraggio e astuzia. Si nascondono in una cassaforte sotto l’ufficio del manager dell’isola, dove Tom decide di arrendersi ai pirati per proteggere Darcy. Nel frattempo, il resto degli invitati scopre che Sean, l’ex fidanzato di Darcy, ha orchestrato il sequestro, mentre Harriet, la complice, viene smascherata. La consapevolezza dei tradimenti accresce la tensione, preparando lo scenario per la resa dei conti finale tra coppia, antagonisti e pirati.
L’azione culmina nella sequenza della piscina, dove il gruppo riesce a organizzare il matrimonio mentre fronteggia i pirati. Darcy afferra una granata, che Tom batte contro uno dei nemici, provocando un’esplosione spettacolare che mette fuori gioco i criminali e attiva i fuochi d’artificio già previsti per la cerimonia. La scena mescola comicità, adrenalina e romanticismo, con la coppia che mantiene il focus sul proprio matrimonio nonostante il caos circostante. Gli altri ospiti partecipano attivamente, dimostrando unità e collaborazione di fronte alla minaccia.
La spiegazione del finale evidenzia come la vittoria sui pirati e la sconfitta di Sean e Harriet simboleggino il superamento degli ostacoli esterni e interni al matrimonio. Il film mostra come Tom e Darcy affrontino le loro paure e dubbi reciproci, trasformando il caos in un’opportunità per consolidare la loro relazione. Le scene d’azione non sono fini a se stesse: servono a ribadire il tema dell’amore che resiste alle difficoltà e alla manipolazione esterna, enfatizzando il concetto di fiducia e impegno reciproco.
Inoltre, il finale porta a compimento il tema della responsabilità familiare e della risoluzione dei conflitti: la famiglia di Darcy interviene in modo strategico, collaborando per proteggere la coppia e fermare i criminali. Il matrimonio non è solo un evento celebrativo, ma diventa il simbolo della resilienza, della lealtà e del coraggio condiviso. I protagonisti imparano a bilanciare i propri desideri con la sicurezza e il benessere degli altri, unendo romanticismo e azione in un crescendo che soddisfa sia emotivamente sia visivamente.
Il messaggio del film si concentra sull’importanza della comunicazione, della fiducia reciproca e del superamento delle avversità insieme. Nonostante i pericoli e le prove estreme, Tom e Darcy dimostrano che l’amore autentico può resistere a manipolazioni e inganni esterni. La combinazione di romanticismo e azione sottolinea come le relazioni si rafforzino attraverso il coraggio condiviso, la solidarietà e la determinazione. Il film lascia agli spettatori un senso di gioia, soddisfazione e leggerezza, con il chiaro invito a non arrendersi di fronte alle difficoltà e a credere nella forza dei legami affettivi.
Ci sarà un sequel di Un matrimonio esplosivo?
Per quanto riguarda un eventuale sequel, non ci sono ancora conferme ufficiali da parte della produzione o di Prime Video, ma il finale aperto e l’uso di elementi action‑comedy suggeriscono che il mondo di Un matrimonio esplosivo potrebbe essere ulteriormente esplorato. Alcune dichiarazioni del regista Jason Moore e degli sceneggiatori avevano lasciato intendere che, se il film avesse riscontrato successo di pubblico e critica, non si sarebbe esclusa l’idea di un seguito in cui Tom e Darcy affrontino nuove avventure, forse ancora più spericolate e divertenti, mantenendo il tono romantico e spassoso che contraddistingue la pellicola. Ad oggi, tuttavia, non ci sono state novità a riguardo.
Il regista Christopher Nolan è noto per le sue linee temporali non convenzionali nei suoi film, ma il concetto centrale di Tenet, ovvero il viaggio nel tempo attraverso l’inversione dell’entropia, rende la linea temporale di Nolan la più confusa – e affascinante – mai vista finora. John David Washington è il protagonista del cast nei panni di un uomo conosciuto solo come il Protagonista, reclutato da un’organizzazione top secret che sta combattendo una guerra contro un nemico futuro.
Nolan ha fatto scalpore per la prima volta nel 2000 con l’uscita del suo lungometraggio Memento, la cui storia era raccontata in ordine cronologico inverso dal punto di vista di un uomo affetto da amnesia che cerca di risolvere un misterioso omicidio. Il film di fantascienza di alto livello di Nolan del 2010, Inception, presentava una storia in cui gli eventi si svolgono simultaneamente ma non alla stessa velocità, a causa della dilatazione temporale su diversi livelli di sogno. Interstellar del 2014 ha esplorato gli effetti dei viaggi spaziali sul tempo, e anche il film di guerra di Nolan del 2017, Dunkirk, aveva una linea temporale non convenzionale. Con Tenet, Nolan torna al campo della fisica teorica e trasforma un’ipotesi sulla possibile inversione del tempo in una storia sulla prevenzione della terza guerra mondiale.
Come il titolo del film, la storia di Tenet è un palindromo. Nella prima metà del film, il protagonista viaggia in avanti nel tempo mentre sperimenta contatti fugaci con oggetti e persone invertiti. Dopo una rapina in autostrada a Tallinn, in Estonia, attraversa una macchina chiamata “tornello” che inverte l’entropia del suo corpo e inizia a vivere il mondo in modo molto diverso. Ecco tutto quello che c’è da sapere sulla linea temporale di Tenet e su come funziona il viaggio nel tempo nel film.
Linea temporale e ordine cronologico degli eventi di Tenet
La linea temporale di Tenet può essere complicata, ma la storia del Protagonista è raccontata in un ordine cronologico lineare… almeno dal suo punto di vista. Le cose si complicano quando lui si inverte e vive gli eventi precedenti del film da un’altra prospettiva. Per seguire la trama, è meglio pensare agli eventi della linea temporale come a luoghi su una mappa: ci sono tre luoghi principali in cui i personaggi tornano.
La data più importante nella linea temporale di Tenet è “il 14” (non viene mai specificato a quale mese si riferisca). Questo è il potenziale giorno del giudizio, quando Andrei Sator progetta di seppellire l’Algoritmo per rimandarlo al futuro, dove verrà utilizzato per distruggere il passato e il presente. Tre eventi principali del film si svolgono tutti in questo giorno: l’assedio del Teatro dell’Opera Nazionale di Kiev che dà il via al film, il confronto tra Sator e Kat sullo yacht in Vietnam e la battaglia finale a Stalask-12. Tenet inizia e finisce il 14 (escluso l’epilogo).
Poi c’è l’infiltrazione nel porto franco di Oslo, dove il Protagonista incontra per la prima volta un tornello e finisce per lottare con il proprio sé invertito. Il Protagonista deve tornare al tornello del Freeport dopo che Kat è stata colpita, perché Tenet non prende il controllo di un tornello nella linea temporale fino a dopo la rapina a Tallinn. L’inversione salva la vita di Kat, dandole il tempo di guarire dalla ferita da proiettile invertita, ma crea anche il problema di come tornare indietro e affrontare di nuovo la direzione giusta. Il protagonista e Neil sfruttano la loro precedente incursione al Freeport di Oslo come un’opportunità per farlo.
L’ultimo evento importante è la rapina di Tallinn, in cui il protagonista e Sator inscenano una rapina in movimento a un furgone blindato per ottenere l’ultimo pezzo dell’algoritmo.
Sator inverte alla fine della rapina, viaggia indietro nel tempo e ottiene il frammento dell’algoritmo lungo il percorso, rimanendo invertito anche dopo, continuando il suo viaggio indietro nel tempo in modo che l’algoritmo completato sia pronto il 14 e lui possa morire come previsto sullo yacht in Vietnam.
Come funzionano i tornelli e l’inversione temporale
Ad un certo punto nel futuro di Tenet, uno scienziato ha scoperto un modo per invertire l’entropia degli oggetti utilizzando la fissione nucleare. Questa tecnologia è stata utilizzata per creare una macchina chiamata tornello, che inverte l’entropia di qualsiasi cosa (o persona) vi venga inserita. Quella persona o oggetto inizia quindi a muoversi all’indietro nel tempo invece che in avanti. Invertendo gli oggetti utilizzando i tornelli, le persone nel futuro possono dichiarare guerra al passato, ad esempio seppellendo capsule del tempo invertite che inviano oro e istruzioni ad Andrei Sator. Poiché lavorano con il vantaggio del senno di poi, le persone del futuro hanno un importante vantaggio tattico rispetto al presente. Tuttavia, l’inversione temporale ha anche i suoi punti deboli, specialmente quando ciò che si inverte non è un oggetto, ma un essere umano.
Una persona che ha attraversato il tornello sta effettivamente nuotando controcorrente. Potrebbe muoversi all’indietro, ma tutto il resto continua ad andare avanti, rendendo il mondo un luogo disorientante e pericoloso in cui muoversi. Persino l’aria è irrespirabile, perché non può passare attraverso la membrana dei suoi polmoni invertiti (l’unico modo in cui potrebbe “respirare” aria normale sarebbe quello di aspirare l’ossigeno dal sangue e riportarlo nei polmoni per riformarlo come aria non filtrata e poi espirarlo, il che sembra un modo rapido e spiacevole di morire). Anche il trasferimento di calore del fuoco e del ghiaccio è invertito, motivo per cui il Protagonista avvolto dalle fiamme soffre di ipotermia invece che di ustioni.
I tornelli in Tenet si basano su un’ipotesi della fisica teorica proposta da Richard Feynman e John Wheeler. Per ricapitolare un po’ di fisica 101, un elettrone è una particella che contiene una carica negativa, mentre un positrone è la sua controparte antimateria: una particella con la stessa massa dell’elettrone che contiene una carica positiva uguale ma opposta. Gli elettroni e i positroni sono immagini speculari l’uno dell’altro e tradizionalmente si ritiene che siano due tipi diversi di particelle subatomiche. Tuttavia, Feynman e Wheeler hanno teorizzato che ciò che percepiamo come positroni sono in realtà solo elettroni che hanno raggiunto un punto nel tempo in cui si sono invertiti e ora stanno tornando indietro con la loro carica invertita. Questo potrebbe spiegare perché elettroni e positroni hanno esattamente la stessa massa: sono lo stesso oggetto.
(Wheeler ha anche elaborato un’altra teoria, comunicata con entusiasmo a Feynman in una telefonata, secondo cui esiste un solo elettrone in tutto l’universo e tutti gli elettroni e i positroni che vediamo sono in realtà lo stesso elettrone che rimbalza all’infinito avanti e indietro attraverso lo spazio-tempo. Non sorprendetevi se il prossimo film di Nolan tratterà proprio questo argomento).
Neil cita Feynman e Wheeler, insieme alla loro teoria sugli elettroni e i positroni, quando lui e il Protagonista parlano dopo aver attraversato per la prima volta il porto franco di Oslo. È una battuta buttata lì e il Protagonista sottolinea immediatamente quanto la teoria sembri complicata, ma il pubblico ha appena visto una versione di essa svolgersi davanti ai propri occhi. Nella scena della lotta al Freeport, quando il Protagonista vede per la prima volta il tornello e un misterioso antagonista invertito ne esce e inizia a combatterlo, crede che l’uomo con cui sta combattendo sia solo un nemico senza volto. Più avanti nel film, tuttavia, si scopre che l’uomo mascherato uscito dal tornello era anche il Protagonista. Non stiamo vedendo due persone che combattono l’una contro l’altra, ma lo stesso uomo che combatte contro se stesso. In questa drammatica ricostruzione dell’ipotesi di Feynman e Wheeler, il protagonista che si muove in avanti è un elettrone e il protagonista invertito è un positrone.
Perché le persone invertite non possono toccare il loro io passato
Uno dei molti pericoli dell’inversione è il rischio di incontrare accidentalmente il proprio io passato. Questa è una caratteristica comune dei film sui viaggi nel tempo, e i personaggi vengono tipicamente messi in guardia contro questo rischio perché potrebbero finire per cambiare il futuro. In Tenet, tuttavia, il pericolo si riduce a una sola parola: “annichilimento”. In fisica, l’annichilimento si riferisce a una reazione in cui una particella (come un elettrone) entra in collisione con la sua antiparticella (un positrone). Quando ciò accade, sia la particella che la sua antiparticella scompaiono e viene rilasciata energia. Pertanto, una persona invertita che interagisce con il proprio sé passato potrebbe causare l’annichilimento di entrambe le versioni di quella persona. Questo è il motivo per cui gli agenti invertiti di Tenet devono indossare dispositivi di protezione.
Questo principio di annichilimento è anche ciò che rende l’Algoritmo l’arma definitiva del giorno del giudizio. Lo stato attuale delle cose in Tenet è che la stragrande maggioranza del mondo vive il tempo normalmente e solo pochi oggetti e persone al suo interno sono invertiti. Finché questi oggetti e persone invertiti non interagiscono con le versioni di se stessi che si muovono in avanti, sono al sicuro. Tuttavia, l’Algoritmo invertirebbe l’entropia dell’intero mondo. Ogni particella verrebbe convertita nella sua antiparticella e inizierebbe a muoversi all’indietro nel tempo. Nel momento in cui ciò accadesse, quelle particelle e antiparticelle entrerebbero in collisione, provocando l’annientamento totale. Non solo tutto nel mondo cesserebbe di esistere, ma l’effetto a catena attraverso il tempo significherebbe che non è mai esistito in primo luogo. Questo, ovviamente, porta al paradosso del nonno.
Il paradosso del nonno spiegato
Il paradosso del nonno è uno dei più famosi problemi logici associati al viaggio nel tempo e si riduce a questo: è possibile tornare indietro nel tempo e uccidere il proprio nonno? Si crea un paradosso perché se uccidessi tuo nonno, non potresti mai nascere e quindi non potresti tornare indietro nel tempo e uccidere tuo nonno, il che significa che tuo nonno vivrebbe, il che significa che tu potresti nascere, il che significa che potresti tornare indietro nel tempo e uccidere tuo nonno, ecc. Quando il protagonista chiede a Neil quale sia la risposta al paradosso, Neil risponde che non ce n’è una. Tuttavia, i loro discendenti futuri credono che sia possibile uccidere il nonno (cioè annientare il passato) senza che il conseguente Big Bang temporale distrugga anche loro.
Ci sono alcune soluzioni proposte al paradosso del nonno, una delle quali è la teoria del multiverso: uccidendo tuo nonno, creeresti una linea temporale alternativa in cui non sei mai nato. Tuttavia, la versione di te che ha commesso l’omicidio continuerebbe ad esistere, perché la linea temporale da cui provieni rimarrebbe intatta. Il mantra di Neil “ciò che è successo è successo” è un’espressione di fede in un’altra risposta al paradosso del nonno: che l’esistenza di un nonno in primo luogo significa che il piano di uccidere il nonno deve essere in qualche modo fallito. Infatti, Neil e il protagonista finiscono per sventare con successo il piano dei futuri antagonisti di uccidere i loro antenati.
Spiegazione delle manovre a tenaglia temporali e del “mezzo”
Il concetto di guerra temporale di Tenet implica l’introduzione di tattiche di battaglia uniche per combattere attraverso il tempo e lo spazio, e una tattica utilizzata più volte è la “manovra a tenaglia temporale”. In una manovra a tenaglia tradizionale, un esercito viene diviso per attaccare il nemico su più fronti. L’obiettivo è quello di circondare il nemico, mettendolo in una posizione vulnerabile senza possibilità di ritirata. Anche una manovra a tenaglia temporale attacca su due fronti, ma nel tempo piuttosto che nello spazio. Una squadra vive la battaglia nel tempo normale, riferendo tutto ciò che accade a una seconda squadra che è in standby. La seconda squadra poi inverte la situazione tramite un tornello e attacca dalla direzione opposta con il vantaggio delle conoscenze della prima squadra.
Sator usa una manovra a tenaglia temporale durante la rapina di Tallinn, motivo per cui il tentativo del protagonista di ingannarlo con una valigetta vuota fallisce. Il Sator che vede tenere Kat in ostaggio nell’auto è invertito, mentre il Sator che avanza aspetta vicino al tornello con una radio, ascoltando i resoconti di tutto ciò che accade sull’autostrada. Ecco perché Sator fa il conto alla rovescia (o alla rovescia, dal suo punto di vista) usando le dita piuttosto che parlando: qualsiasi cosa dicesse uscirebbe al contrario. Quando il protagonista lancia la valigetta, Sator sa già che è vuota.
I soldati di Tenet utilizzano un’altra manovra a tenaglia temporale nel loro assalto a Stalask-12 alla fine del film. Sono divisi in due squadre: la Squadra Rossa, che avanza, e la Squadra Blu, che è invertita. L’intera battaglia si svolge nell’arco di 10 minuti ed entrambe le squadre hanno il vantaggio di conoscere ciò che accade all’altra squadra. È così che, ad esempio, riescono a sincronizzare la distruzione di un edificio esattamente a metà della battaglia. L’efficacia della manovra a tenaglia temporale di Tenet è neutralizzata dal fatto che anche gli uomini di Sator hanno accesso a un tornello e quindi hanno sia soldati normali che invertiti sul campo. Tuttavia, l’obiettivo di Tenet non è in realtà quello di vincere la battaglia, ma di far sembrare che abbiano fallito, mentre Ives e il Protagonista usano la battaglia come copertura per rimuovere segretamente l’Algoritmo dalla sua tomba prima che venga sepolto dall’esplosione. Sator morirà pensando di aver vinto, ma i futuri antagonisti non metteranno le mani sull’Algoritmo.
Dopo la battaglia, quando Neil decide di invertire nuovamente per poter tornare indietro, sbloccare il cancello per il Protagonista e sacrificare la sua vita per salvarlo, rivela di conoscere il Protagonista da anni. Il Protagonista ha creato Tenet nel futuro, ha reclutato Neil e ha messo in atto quella che in realtà è una manovra a tenaglia temporale molto più grande, progettata per impedire l’attivazione dell’Algoritmo. Come spiega Neil, la fine di Tenet non è in realtà la fine della guerra, ma solo la sua metà. Dopo aver vinto la battaglia cruciale, il protagonista deve ora usare la sua conoscenza di come si sono svolte le cose per mettere in moto tutto ciò che ha permesso loro di vincere: dalla fondazione di Tenet, al ritorno di Neil nel passato per aiutare se stesso.
Vendetta (2022), diretto da Jared Cohn, è un actionthriller che si colloca nella tradizione dei film di vendetta, caratterizzati da sequenze ad alto tasso di adrenalina e da protagonisti motivati da un torto subito. Il film esplora temi classici del genere, come la giustizia personale, la vendetta e la protezione di chi si ama, intrecciando momenti di tensione psicologica con scontri fisici ben coreografati. La pellicola si distingue per un ritmo serrato che mantiene costante la suspense, pur concentrandosi su un arco narrativo relativamente lineare e diretto.
Bruce Willisinterpreta uno dei protagonisti, partecipando così ad un altro film sullo stile di titoli come Extraction, First Kill e I predoni. In Vendetta, Willis porta la sua esperienza nel ruolo del veterano spietato ma umano, fornendo al film un’ancora di carisma e autorevolezza. Il cast di supporto include attori meno noti, che contribuiscono a costruire un contesto realistico e credibile per la storia di vendetta, senza distrarre dall’azione centrale.
Nel contesto della filmografia recente di Bruce Willis, Vendetta si inserisce nel filone di action movie concisi, in cui la trama è funzionale a mostrare la fisicità e la determinazione del protagonista. Rispetto ai titoli citati, il film di Cohn enfatizza maggiormente la componente morale e personale della vendetta, piuttosto che la pura spettacolarità. I temi della giustizia personale e della lealtà emergono con forza, rendendo il film un esempio moderno del revenge thriller. Nel resto dell’articolo, sarà proposta una spiegazione dettagliata del finale e di come chiuda l’arco narrativo del protagonista.
Il film vede protagonista la famiglia Duncan, composta dal padre William (Clive Standen), un ex marine, sua moglie Jen (Lauren Buglioli) e la loro figlia Kat (Maddie Nichols), una giovane studentessa che si divide tra gli impegni scolastici e la sua grande passione per il softball. La loro vita sembra idilliaca finché un giorno la tragedia piomba su di loro. Dopo i festeggiamenti per la vittoria della sua squadra, Kat, che si trova con suo padre, rimane vittima una violenta e mortale aggressione da parte di una gang di criminali. Danny (Cabot Basden), il suo assassino, viene poi catturato poco dopo.
Tuttavia per il ragazzo si prevede una condanna molto lieve, perché le prove a suo carico sono insufficienti. Il padre prende così la decisione di farsi vendetta da solo. Chiamato a identificare l’assassino, William, che sta già premeditando la sua vendetta, dichiara di non riconoscerlo, obbligando il giudice a rilasciarlo. La notte seguente, però riesce a individuarlo e ucciderlo. Tuttavia, Donnie (Bruce Willis) e Rory Fetter (Theo Rossi), rispettivamente padre e fratello di Danny, vengono a sapere dell’accaduto e iniziano a dare la caccia a William.
La spiegazione del finale del film
Nel terzo atto di Vendetta, William Duncan mette in atto la sua vendetta finale contro la famiglia Fetter, responsabile della morte di sua figlia. Dopo essersi allenato e preparato in isolamento, William ritorna in città armato e determinato. Inizia eliminando gli scagnozzi di Rory, scoprendo tramite coercizione la posizione di Donnie. Con freddezza e precisione, irrompe nel club dove si trova il capo della banda e lo uccide, comunicando poi a Rory la morte del padre. La tensione cresce mentre William affronta gli ultimi membri della gang, preparando lo spettatore a un climax violento e definitivo.
La risoluzione del racconto mostra William che, passo dopo passo, neutralizza ogni ostacolo per ottenere la giustizia personale che ha cercato sin dall’inizio. Con l’aiuto di Dante, elimina i principali nemici, inclusi gli henchmen e i membri della banda rivale. Il confronto finale con Rory è il culmine della sua vendetta: dopo una sparatoria e un inseguimento, William utilizza un semplice ma letale strumento, un cacciavite, per uccidere Rory, completando così il suo percorso di vendetta. Il film si chiude con William che muore, soddisfatto di aver portato a termine la sua missione.
Questo finale rappresenta una chiusura coerente con i temi del film, sottolineando l’idea che la vendetta, pur dolorosa e distruttiva, può dare un senso di giustizia personale quando le istituzioni falliscono. La trasformazione di William in un vigilante metodico e implacabile riflette il prezzo morale e fisico della vendetta, mostrando come l’odio e il dolore possano plasmare l’individuo fino al limite estremo. La morte del protagonista non diminuisce la sua missione, ma ne amplifica la portata simbolica.
Il confronto finale tra William e Rory enfatizza il tema del ciclo di violenza e delle conseguenze inevitabili delle azioni criminali. Rory muore consapevole del dolore che ha causato, mentre William ottiene la sua giustizia personale ma a costo della propria vita. Questo equilibrio tra vittoria e sacrificio rende il finale non solo spettacolare, ma anche moralmente complesso, sottolineando che la vendetta completa richiede spesso un prezzo altissimo. Il film usa questa conclusione per mostrare la linea sottile tra giustizia personale e autodistruzione.
Il messaggio che Vendetta lascia allo spettatore riguarda la moralità della giustizia privata e le conseguenze inevitabili della violenza. Il film suggerisce che la vendetta può essere vista come un dovere morale quando le istituzioni non proteggono gli innocenti, ma mette in guardia sul prezzo personale e psicologico che comporta. La morte di William simboleggia sia il compimento della giustizia sia la perdita irreparabile che tale scelta comporta. Alla fine, lo spettatore è invitato a riflettere sul conflitto tra giustizia, vendetta e umanità, riconoscendo il sacrificio come parte integrante della redenzione personale.
Il finale di Tenetha un significato che potrebbe sfuggire allo spettatore dopo una sola visione del film. Come si sono realmente incontrati il Protagonista (John David Washington) e Neil (Robert Pattinson)? Il finale significa che il tempo può essere modificato o ha creato un paradosso del nonno? Chi si muoveva avanti e indietro (e cosa faceva) nella battaglia finale? Qual era il piano di Sator (Kenneth Branagh) e cosa volevano gli esseri umani del futuro? Cosa fanno realmente le capsule d’argento? Chi ha sparato il primo colpo inverso durante la sequenza di apertura dell’opera? E questo prepara davvero il terreno per Tenet 2?
Undicesimo lungometraggio di Christopher Nolan, Tenet (qui la recensione) è meno un sequel spirituale di Inception che il culmine dei tre film che ha realizzato nel decennio successivo. La prima metà è incentrata sulla storia di spionaggio, non sulla premessa dell’inversione, ma quando il tempo si inverte nella seconda metà, Nolan presume che gli spettatori siano pienamente al corrente della situazione e si tuffa subito nell’azione senza pause per ricapitolare. Christopher Nolan è sicuro che le basi di Tenet siano chiare e che gli spettatori seguiranno il film anche se non capiscono tutto, un approccio fondamentale per comprendere il vero disorientamento del suo messaggio.
Tutti i significati di Tenet spiegati
La parola “Tenet” ha diversi significati, nessuno dei quali è stato minimamente esplorato nella strana campagna di marketing di Tenet. Nel suo uso tipico, significa principio o credenza, che trasferito al film suggerisce che si riferisce al mantra ripetuto “ciò che è successo, è successo” e al requisito fondamentale che per interagire con oggetti invertiti, ci deve essere una certa fede o istinto. Nell’universo del film, Tenet è l’organizzazione che assume il Protagonista (e anche Ives e i suoi soldati) e che opera contro i misteriosi antagonisti del futuro per assicurarsi che l’Algoritmo continui il suo percorso a ritroso nel tempo.
Un altro potenziale significato di Tenet si trova nel gesto simbolico delle mani che appare alcune volte nel corso del film. L’intreccio delle dita con i pollici alzati simboleggia la fusione tra passato e presente, ed è usato dal Protagonista per individuare altri credenti in Tenet. Le mani sono immagini speculari l’una dell’altra, e la simmetria visiva riflette l’allusione speculare che si vede in tutto il film. Il fatto che le dita si incastrino così bene è anche un indizio di come il tempo si fonda in un unico flusso.
Poi c’è il significato simbolico di “Tenet”, che si adatta alla struttura di Nolan in Tenet. Nel corso del film, il numero 10 appare ripetutamente: c’è un avviso di dieci secondi sul sistema di sicurezza del porto franco, il Protagonista chiede dieci minuti con Sanjay Singh e, cosa più importante, la missione finale dura dieci minuti. Anche la missione finale è una manovra a tenaglia temporale, con due squadre separate che operano simultaneamente, una che avanza nel tempo e l’altra che torna indietro con un conto alla rovescia sincronizzato di dieci minuti. “Tenet” è, ovviamente, dieci che corrono avanti e indietro e si uniscono nel mezzo. Fa anche parte del quadrato di Sator, che è fondamentale per gran parte della trama
Tenet parla di viaggi nel tempo?
Non del tutto. Almeno non nei termini convenzionalmente accettati a cui sono abituati la maggior parte degli appassionati di film sui viaggi nel tempo. Piuttosto che utilizzare una macchina del tempo per saltare a punti fissi nel tempo, la tecnologia di Tenet fa scorrere il tempo all’indietro, come un orologio che gira semplicemente in senso antiorario. Non c’è modo per i personaggi di lasciare un punto nel tempo e arrivare in un altro posto senza viaggiare all’indietro per il tempo necessario. In altre parole, nessuno potrebbe viaggiare indietro di 200 anni. Qui non ci sono cowboy. E saltare in avanti nel tempo è impossibile in qualsiasi modo che non sia seguire il normale scorrere del tempo, quindi niente auto volanti o hoverboard. In sostanza, questo non è Ritorno al futuro.
Cos’è il quadrato Sator?
Il quadrato Sator è un palindromo latino composto da cinque parole che possono essere lette all’indietro, in avanti, dall’alto verso il basso o dal basso verso l’alto. È un’espressione perfetta di un palindromo complesso, quindi, naturalmente, Nolan lo usa come base per la trama di Tenet. Ciascuna delle cinque parole costituisce una parte fondamentale della storia: il miliardario russo interpretato da Kenneth Branagh si chiama Andrei SATOR; ha nascosto il suo tornello temporale nel porto franco gestito da ROTAS e sua moglie Kat ha avuto una relazione implicita con un falsario d’arte di nome AREPO; Sator ha tentato di rubare l’algoritmo all’OPERA e TENET ha cercato di impedirglielo.
Il quadrato originale è una sorta di antico enigma che sfida la traduzione convenzionale, e sembra che Nolan abbia utilizzato questi indizi per suggerire che, indipendentemente dal modo in cui si legge il film, il significato di Tenet può essere interpretato in diversi modi. Il piacere sta nell’esperienza.
In che modo Tenet è un palindromo?
Prima di cercare di districare la rete di ciò che potrebbe essere il significato di Tenet, è necessario avere una visione chiara di ciò che accade effettivamente in Tenet. In parole povere, Tenet è un palindromo: nella prima metà va avanti nel tempo, poi torna indietro all’inizio. Il film inizia con una missione sotto copertura a Kiev, in Ucraina, dove il protagonista viene salvato da un misterioso uomo mascherato con un bottone rosso sulla divisa, prima di essere reclutato da Tenet e inviato in missione per scoprire l’Algoritmo (un’arma sviluppata dal futuro per invertire il flusso del tempo) e impedire la fine del mondo.
Il Protagonista compie due rapine prima che Sator spari a sua moglie e fugga con l’arma, spingendo il Protagonista a tornare indietro nel tempo per invertire l’omicidio, cercare di recuperare l’ultimo pezzo dell’Algoritmo e infine impedire che l’Algoritmo venga sepolto sotto una bomba detonata in Russia. Fondamentalmente, nel momento in cui inverte il tempo, il protagonista rivive scene speculari di ciò che è accaduto in precedenza: una rapina in autostrada, la rapina all’aeroporto e infine un’importante operazione militare per recuperare l’Algoritmo, durante la quale la sua vita viene salvata da un misterioso soldato. In effetti, è lo stesso in avanti come all’indietro.
Come funziona l’inversione in Tenet
Senza addentrarsi troppo nella fisica complessa, Tenet (che non tiene conto di tali considerazioni) spiega che l’inversione è il processo attraverso il quale una formula può essere applicata a qualsiasi oggetto (innato o biologico) per invertire la sua entropia o, in altre parole, il suo movimento nel tempo. Le persone non invertite vivono il tempo in modo lineare, poiché sono parallele al flusso del tempo, ma un oggetto invertito si muove all’indietro.
Di conseguenza, un proiettile invertito non viene sparato da una pistola ma ingerito da essa, un’auto guida all’indietro, le onde si infrangono prima e poi si formano al contrario, e le persone invertite non possono respirare aria non invertita perché i polmoni non la sopportano, quindi devono portare con sé il proprio ossigeno. La formula è stata sviluppata da uno scienziato del futuro che l’ha trasformata in un’arma e l’ha trasformata in una formula fisica in nove parti che, combinate, invertono il flusso del tempo: l’Algoritmo.
Che cos’è l’Algoritmo e come è stato recuperato?
Come Inception, che ha rivoluzionato i film di fantascienza su una scala che Tenet merita, la chiave della trama è la scienziata del futuro che crea la formula per invertire gli oggetti e la applica per trasformare la sua tecnologia in un’arma e consentire a un’arma fisica di essere inviata indietro nel tempo per distruggere il passato. Una volta attivato, l’Algoritmo è in grado di invertire il flusso del tempo stesso, piuttosto che un singolo oggetto, portando a un evento catastrofico che porrebbe fine all’umanità.
Pentita della sua invenzione, la scienziata senza nome ha suddiviso l’Algoritmo in nove parti e le ha nascoste in diversi punti nel tempo per impedire al futuro di attuare il suo piano di distruzione del mondo. Ogni parte è stata trasformata in un oggetto fisico che poteva essere assemblato con gli altri per formare la “formula” finale. Per quanto riguarda il modo in cui sono state recuperate dai loro nascondigli nel tempo, all’inizio di Tenet manca solo la nona parte dell’Algoritmo. Sator, interpretato da Kenneth Branagh, ha recuperato le altre, suggerendo che chiunque sia il suo datore di lavoro è stato in grado di scoprire la posizione delle altre otto parti (presumibilmente ottenendole in qualche modo dallo scienziato).
Qual era il piano di Sator e cosa volevano gli esseri umani del futuro?
All’inizio, Sator è motivato dalle ricchezze che gli vengono inviate dal passato, ma l’ultimo terzo di Tenet rivela che sta morendo ed è disposto a sacrificare il mondo insieme alla propria vita. Come dice in modo così teatrale: “Se non posso averlo io, nessuno potrà averlo”. Il motivo per cui il futuro vuole distruggere il proprio passato è in realtà più giustificato: è una risposta all’umanità moderna che sta distruggendo il pianeta oltre ogni possibilità di redenzione attraverso l’impatto ambientale. Si sottintende che il futuro è una distopia in cui il pianeta sta morendo a tal punto che l’unica risposta è tornare indietro nel tempo.
Quando il protagonista chiede se distruggere il loro passato li annienterebbe, Neil introduce l’idea del paradosso del nonno, suggerendo che “ciò che è successo, è successo”. Il paradosso del nonno stabilisce che sarebbe impossibile per un uomo viaggiare indietro nel tempo per uccidere il proprio nonno, perché allora non sarebbe mai nato per viaggiare indietro nel tempo. Come dice Neil, non c’è soluzione, è un paradosso irrisolvibile. In altre parole, è impossibile suggerire se il futuro cesserebbe di esistere se cancellasse il proprio presente.
Perché Sator è stato scelto per porre fine al mondo?
Come conferma il film, sembra che Sator sia stato assunto dal futuro semplicemente perché si trovava nel posto giusto al momento giusto. Sator è cresciuto in una delle città chiuse della Russia sovietica, Stalask 12, ed è stato incaricato di recuperare testate nucleari disperse e trova una nota dal futuro insieme a lingotti d’oro che gli indicano dove trovare ciascuno dei pezzi dell’algoritmo. Gli inviano anche i mezzi per costruire un tornello in modo che possa invertire se stesso e non invertire l’oro che gli è stato rispedito per aiutarlo nel suo viaggio.
Cosa sono le città chiuse?
L’idea delle Città Chiuse viene introdotta in Tenet dal personaggio di Sir Michael Caine, Sir Michael, nella sua unica scena come agente dei servizi segreti britannici che fornisce alcune informazioni chiave durante un pranzo elegante. Egli dice al Protagonista che Sator proviene dalla Città Chiusa di Stalask 12, parte del programma dell’era sovietica che prevedeva insediamenti in cui gli spostamenti erano limitati, che ospitavano operazioni sensibili ed erano popolati dalle famiglie di coloro che lavoravano nelle basi o nei laboratori. Non indicate sulle mappe, queste misteriose località erano alla base del programma nucleare sovietico e la maggior parte di esse è stata scoperta solo dopo il crollo dell’Unione Sovietica.
Perché il personaggio principale di Tenet si chiama Protagonista?
John David Washington non viene mai chiamato con il suo nome in Tenet, ma solo con il suo nome operativo, Protagonista, che sembra essere il nome con cui vengono chiamati coloro che fanno “il suo lavoro”, ma anche un cenno alla sua importanza per il significato di Tenet. In termini narrativi convenzionali, il protagonista è il punto centrale della trama, in modo molto più sostanziale di quanto lo stesso Protagonista sappia. Sembra che il suo titolo sia un indizio implicito del fatto che è lui a tirare le fila dal futuro e a guidare la versione precedente di se stesso in avanti (e indietro).
Per chi lavora il Protagonista?
La risposta breve è che tutti in Tenet lavorano per il Protagonista. Tutto, dall’operazione di Kiev alla formazione di un intero esercito temporale, e persino un’organizzazione clandestina guidata dal losco dirigente interpretato da Martin Donovan, è sotto il controllo del Protagonista. Lui e i suoi collaboratori sono la misteriosa parte futura che ha investito nell’Algoritmo per continuare il suo viaggio nel passato e rimanere nascosta. Quando ci si chiede come Sator conoscesse la chiamata e la risposta (così come l’agente di Kiev che ruba l’Algoritmo nel teatro dell’opera all’inizio del film), ci sono persino suggerimenti che anche lui debba essere in qualche modo coinvolto con coloro che cercano di distruggere il passato.
Chi ha sparato il primo proiettile invertito all’opera e ha salvato il Protagonista?
Il vigilante che appare proprio mentre il Protagonista viene creato da una delle forze speciali ucraine è lo stesso che apre il cancello per impedire che l’Algoritmo venga sepolto dall’esplosione. Quell’uomo misterioso è in realtà Neil (Robert Pattinson), l’agente che il protagonista crede di aver assunto a Mumbai, ma che in realtà era coinvolto nel complotto ben prima di quanto sembrasse. Al momento dell’attacco terroristico a Kiev, Neil era già stato assunto e inviato come infiltrato nel gruppo del protagonista per impedirgli di essere ucciso senza rivelare la sua identità.
Cosa fanno realmente le capsule d’argento?
Quando l’operazione di Kiev fallisce e il Protagonista viene catturato e torturato, gli viene data la possibilità di uccidersi prendendo la pillola di cianuro fornita dalla CIA che il suo compagno ferito gli offre. Alla fine, anche se sviene dopo averla ingerita, la pillola è falsa, piazzata lì per mettere alla prova l’impegno del Protagonista verso la causa e la sua squadra. Quando sceglie la morte piuttosto che rivelare i segreti, viene reclutato da Tenet.
Tuttavia, solo perché la sua pillola non funziona non significa che le pillole d’argento non abbiano delle controparti autentiche, dato che il metodo di suicidio scelto da Sator è la sua pillola d’argento al cianuro, nella quale sembra riporre fiducia. Potrebbe essere stato ingannato anche lui da Tenet facendogli credere che fosse vera? Oppure Sator aveva legami con la CIA grazie al suo potere? Questo rimane poco chiaro.
Come si sono conosciuti realmente il Protagonista e Neil?
Il finale di Tenet conferma che Neil lavorava per Tenet prima del suo primo incontro con il Protagonista. Questo viene suggerito fin dall’inizio, quando Neil ordina al Protagonista la sua bevanda preferita nel bar dell’hotel di Mumbai, suggerendo così di essere “un uomo che sa delle cose”. La realtà, come spiegato nei momenti finali del film, è che il protagonista ha reclutato Neil in passato e abbastanza a lungo da permettere a Neil di considerare la loro amicizia forte.
Egli suggerisce che i due hanno vissuto alcune avventure insieme, presumibilmente al servizio della protezione del passaggio sicuro dell’algoritmo indietro nel tempo. In un paradosso complesso, Neil viene apparentemente reclutato dal protagonista perché Neil gli dice di reclutare se stesso più giovane nel passato.
Come funziona una ferita da arma da fuoco inversa e Kat sopravvive allo sparo?
Poiché l’inversione inverte l’entropia di un oggetto, si scopre che un’esplosione invertita porta all’inversione estrema del trasferimento di calore solitamente associato all’esplosione. Pertanto, il Protagonista sopravvive all’esplosione della sua auto con un caso di ipotermia, poiché è effettivamente congelato. Ma le ferite da arma da fuoco inverse sono diverse. Sono descritte come particolarmente gravi prima che Sator spari a Kat (Elizabeth Debicki) e si scopre che la gravità è dovuta all’avvelenamento da radiazioni. Quindi, anche se la ferita viene rimossa da Kat, sarebbe comunque morta se il Protagonista, Neil e Ives non avessero invertito lei e se stessi per guarirla.
Il processo di guarigione dipende dalle cellule invertite di Kat che invertono le radiazioni, il che sembra anche suggerire che qualcuno potrebbe essere praticamente immortale se passasse costantemente dall’inversione al normale flusso temporale, poiché invertire l’entropia delle cellule non solo guarisce le ferite, ma inverte anche l’invecchiamento stesso. L’inversione di Kat spinge efficacemente la ferita mortale fuori dalle sue cellule, e lei è in grado di sopravvivere, con una cicatrice che ha poco senso data l’inversione della sua entropia invertita, ma che gioca un ruolo importante nel rivelarsi a Sator come la Kat più anziana prima di ucciderlo, quindi viene accettata.
Come ha funzionato la battaglia finale di Tenet?
Come dice Ives, interpretato da Aaron Taylor Johnson, a metà del film, è possibile eseguire una manovra a tenaglia temporale in cui una squadra di persone si sposta in avanti nel tempo per vedere come si svolge un evento, mentre l’altra squadra viaggia simultaneamente indietro nel tempo, ciascuna con il vantaggio di sapere come è andata dall’altra squadra. È così che Sator riesce a rubare la nona parte dell’Algoritmo al Protagonista durante l’inseguimento sull’autostrada invertita ed è così che si svolge il finale.
Durante la resa dei conti finale, l’esercito di Tenet si divide in due squadre – Rossa e Blu – con Neil da una parte con Wheeler che si muove all’indietro, e Ives e il Protagonista dall’altra, che avanzano nel tempo con il vantaggio delle informazioni trasmesse dalla squadra di Neil. È una delle numerose manovre a tenaglia temporali prima della rivelazione finale che l’intero film ha fatto parte di una manovra a tenaglia temporale.
Il finale significa che il tempo può essere cambiato?
A prima vista, l’intera premessa di Tenet e il suo significato sembrano essere che il tempo può essere cambiato, dato che l’intero programma di Tenet sembra essere quello di tornare indietro nel tempo per impedire la fine del mondo. A questo proposito, si adatta all’idea di Inception della promessa di un destino modificabile a seconda del libero arbitrio, che è in drammatico conflitto con la morte di Mal. Ciò sembra basarsi sulla minaccia dei minacciosi “detriti di una guerra temporale imminente” che servono da avvertimento al presente su ciò che accadrà in futuro.
L’incontro del Protagonista con la scienziata interpretata da Clémence Poésy è un punto di partenza per lui, in cui gli viene assegnato il suo obiettivo: fermare una guerra futura e l’apocalisse. Eppure non ha senso pensarla in modo così convenzionale, perché i detriti potrebbero essere dei depistaggi inviati da Tenet per convincere il Protagonista ad accettare il lavoro senza dirgli tutta la verità. Dopotutto, la sua ignoranza è a volte la sua risorsa più preziosa.
Ancora più compromettente per il caso è il destino di Neil. Alla fine, sceglie di morire perché sa che è già successo ed è necessario affinché il protagonista e Ives impediscano che l’algoritmo venga sepolto. Anche dopo averlo visto, Neil è convinto di doverlo fare semplicemente perché “ciò che è successo, è successo”. E come dice il protagonista in modo così confuso all’inizio a Neil, il fatto stesso che siano ancora vivi suggerisce che abbia già avuto successo. Secondo questa logica, il tempo non può essere cambiato. Qualunque sia la logica, Neil è purtroppo ancora morto.
Tenet prepara davvero il terreno per Tenet 2?
La risposta breve alla possibilità di un sequel di Tenet è che dipende dai piani di Christopher Nolan. Proprio come avrebbe potuto realizzare Inception 2, potrebbe realizzare Tenet 2. Potrebbe definire il film un palindromo destinato a essere autonomo, indipendentemente dal suggerimento che il finale sia solo la parte centrale della storia, e chiudere lì. Ma il finale offre la possibilità di approfondire questo universo, poiché il futuro del Protagonista promette che egli nasconderà l’Algoritmo, darà inizio a Tenet, incontrerà i suoi futuri avversari, recluterà Neil e pianificherà l’inizio del proprio sé più giovane per avviare Tenet.
Cosa significa davvero il finale di Tenet?
Il finale di Tenet offre un paio di spunti importanti. A un livello superficiale, per citare la predilezione di Nolan per i livelli di comprensione, offre un avvertimento sull’imminente disastro ecologico. Se non cambiamo il nostro modo di agire, il futuro ci ucciderà letteralmente tutti. Non viene esplorato in modo moralistico, ma è chiaramente importante per il messaggio del film.
Inoltre, cosa ancora più importante, il significato ultimo di Tenet riguarda l’idea del libero arbitrio. Il Protagonista chiede alla scienziata interpretata da Clémence Poésy se il libero arbitrio esista. Lei spiega che, indipendentemente dal fatto che qualcosa sia invertito o meno, l’unico catalizzatore che gli permette di muoversi lungo il suo percorso è il libero arbitrio. Lui deve scegliere di sparare con una pistola invertita, altrimenti questa rimarrà inutilizzata. Il mantra di Neil secondo cui “ciò che è successo, è successo” mette in discussione questo concetto. Quando si sacrifica, lo fa sapendo che è già successo e il suo libero arbitrio gli suggerisce che potrebbe andarsene. Ma quando il protagonista gli chiede di riconsiderare la sua decisione, lui lascia intendere che non può scegliere di cambiare.
Il punto di Nolan non è decidere se il libero arbitrio esista, ma sfidare il suo pubblico a esplorare l’idea. Il significato di Tenet è un palindromo a cinque vie, un paradosso del nonno e un antico enigma irrisolvibile tutto in una volta. Il futuro determinerà sempre come avvengono il passato e il presente e solo perché ciò che è successo è successo non significa che non ci debba sempre essere speranza di imparare almeno da quelle esperienze.
Usare e controllare il tempo per trovare ordine nel mondo. Considerando la costante ansia di mortalità che di solito è alla base dell’arte in generale e delle opere di Nolan come Inception e Interstellar in particolare (l’impulso a creare per lasciare un’eredità permanente), Nolan sta ridefinendo l’idea del tempo non come una costante da afferrare freneticamente per paura di perderla, ma come il meccanismo stesso con cui è possibile controllare il mondo. Questo non è tanto un ideale quanto pura filosofia: una piattaforma per considerare qualcosa di ampio e stimolante come il libero arbitrio attraverso un mezzo audace in Tenet che è altrettanto stimolante.