I grandi del cinema continuano ad arrivare sul tappeto rosso del Festival di Roma e oggi è stata la volta dell’attrice premio Oscar, Vanessa Redgrave che ha presentato il suo primo lavoro da regista.

Dopo aver conquistato il pubblico dell’ultima edizione del Festival di Cannes, il documentario Sea Sorrow arriva anche in Italia e a presentarlo è la stessa regista, una Redgrave particolarmente agguerrita. La sua opera prima tratta la difficile questione dei migranti che ormai affligge non solo l’Europa ma il mondo intero.

Ormai da anni migliaia di persone, in fuga dalla guerra, hanno deciso di tentare il tutto per tutto mettendosi nelle mani di scafisti senza scrupoli e di attraversare le acque internazionali per cercare rifugio altrove.

Il documentario di Vanessa Redgrave, girato in più location in giro per il mondo, ci fornisce un quadro molto ampio della questione migranti e degli aiuti concreti forniti a queste popolazioni in fuga. Si parla di uomini, donne, bambini, famiglie intere costrette ad affrontare l’ignoto e a contare solo sulle proprie forze.

La Redgrave, oltre a mostrare il grande lavoro dei volontari delle onlus, che offrono assistenza a persone meno fortunate, accusa i governi di tutti i paesi coinvolti, compresi quello italiano e inglese, di non fare abbastanza per garantire a queste persone i naturali diritti umani.

“Non voglio essere sgarbata ma chiamare queste persone ‘migrante’ pare sia diventata una malattia, soprattutto per i media. Chi muore nel mare inseguendo la vita e non la guerra non può essere chiamato migrante. Queste non sono persone che migrano, interessate a cambiare paese, a lasciare la propria terra per andare a raccogliere uva o pomodori lontani da casa […] E’ una parola che viene dalla destra, usata soprattutto dai politici di destra ma i diritti umani sono sia della destra che della sinistra […]

Ci sono persone comuni che raccolgono fondi per i profughi e il governo invece non fa nulla […] Ricordo che Benedict Cumberbatch stava facendo Amleto e a fine spettacolo chiese al pubblico di fare delle donazioni […] C’è chi dice che il nostro sia un governo senza speranza ma questa definizione è troppo gentile: i nostri politici sono ‘less than nothing’ (meno di niente)”.

Fare della sua prima opera da regista un documentario di denuncia politico-sociale, è stata per Vanessa Redgrave una decisione tutto sommato molto semplice. L’attrice ha raccontato infatti di aver vissuto sulla sua stessa pelle, quando era appena una bambina, gli orrori della guerra.

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“Quando avevo quattro anni, durante la guerra, ho iniziato a recitare non perché desiderassi fare l’attrice ma perché volevo raccogliere soldi per le persone meno fortunate di me. Il primo spettacolo l’ho fatto insieme a mio fratello quando ero appena una bambina e gli spettatori erano solo dodici […] ricordo che dimenticai le battute e dovemmo ricominciare tutto daccapo […] Volevo a tutti i costi raccogliere soldi per darli ai Marinai che ci portavano il cibo attraverso l’Atlantico […]”

Ma la Vanessa Redgrave regista di Sea Sorrow non ha dimenticato i suoi anni da attrice. Negli anni sessanta e settanta infatti si ricordano alcune delle sue interpretazione più belle come quella in Morgan, matto da legare (1966), Giulia (1977) – film grazie a cui ha vinto l’Oscar nel 1978 – e ovviamente in Blow-Up (1966) del grande Michelangelo Antonioni.

“I sessanta sono stati per me anni molto fortunati perché ho avuto l’onore di lavorare con grandi registi ed attori ma il periodo storico non era dei migliori […] Erano gli anni della guerra del Vietnam, delle rivolte studentesche […] anni di repressione e censura […] Ricordo che il governo inglese in quegli anni vietò la pubblicazione del libro L’amante di Lady Chatterley […] i gay era ritenuti dei fuorilegge e venivano perseguitati […] Molto spesso mi sono unita ai soldati per manifestare contro la guerra […] E’ giusto ricordare le cose belle di quell’epoca ma bisogna ricordare anche quelle brutte: abbiamo tutti bisogno di un promemoria al giorno d’oggi.

Quanto a Michelangelo Antonioni, beh, lui per me era un Dio del cinema. Quando ho saputo che lui mi voleva in un suo film ho subito pensato: ‘Oh mio Dio, avrò un ruolo come quello di Monica Vitti’ […] Io volevo essere proprio come lei, volevo diventare come Monica, bellissima e bionda […] e invece Antonioni mi volle nera [ride]. Quando mi prese per Blow-Up ricordo che venne a Londra e mi fece andare in dieci diversi saloni perché nessuno dei parrucchieri inglesi riusciva a capire lo styling che aveva scelto per me […] Voleva dei capelli neri con delle strisce bianche ma nessun parrucchiere riuscì ad accontentarlo così ci ha rinunciato”.

Dopo aver ospitato qualche giorno fa l’eccentrico Chuck Palahniuk e il geniale e coinvolgente Ian McKellen, la Festa del Cinema di Roma ha dato il benvenuto ad un’altra eccellenza del mondo del cinema e della musica. Si tratta del compositore Michael Nyman che ricordiamo per colonne sonore come quella dell’acclamato Lezioni di Piano.

Durante l’incontro con il pubblico, moderato da Mario Sesti e Francesco Zippel, Nyman ha raccontato qualcosa in più del suo lavoro, del rapporto tra cinema e musica e soprattutto della sua grande passione per la regia. In pochi infatti sanno che Michael Nyman non è solo un compositore e musicista ma anche un regista sperimentale.

Dirigere per Nyman non è solo un vezzo ma a volte diventa una vera e propria necessità artistica. Comporre una colonna sonora per un film richiede molto tempo e spesso ci si ritrova a combattere con registi e produttori che hanno idee completamente diverse e che finiscono col modificare l’intera opera.

“Come regista e compositore posso decidere in autonomia cosa musicare o meno e soprattutto non devo sottostare a decisione di terzi […] Comporre richiede molto tempo perché le colonne sonore devono adattarsi perfettamente ai film e alle esigenze narrative […] bisogna sincronizzare scene e musiche e a volte incorporare alcuni rumori d’ambiente […]

Ad esempio, per il film Goodbye Lenin [film del 2003 la cui colonna sonora è del compositore francese Yann Tiersen], la realizzazione della soundtrack ha portato via ben tre mesi di lavoro […] e per i cortometraggi le cose non cambiano. Non è raro infatti che comporre musiche per i corti porti via anche più tempo di quelle per i film […] Solitamente, quando compongo per altri registi, è la musica che si deve adeguare alle immagini mentre, quanto a girare sono io, il processo si inverte: sono le immagini a spiegare la musica”.

Ben presto l’incontro con Michael Nyman ha preso però una piega insolita e la sua carriera da compositore è passata in secondo piano. Dopo aver ricordato alcune delle sue colonne sonore più belle come quella di Lezioni di Piano (1993), Gattaca (1997), I misteri del giardino di Compton House (1982), il compositore ha spostato l’attenzione tutta sulla sua esperienza diretta dietro la macchina da presa, una macchina in verità più simile ad una comune fotocamera digitale. Nyman ha infatti confessato di portare sempre con sé in giro un piccola camera compatta con cui è solito riprendere la realtà che lo circonda e lo ispira. 

“Solitamente faccio riprese ampie di ciò che mi circonda ma capita spesso che mi focalizzi su dettagli che ritengo più importanti e a quel punto utilizzo delle zoommate […] Questo è evidente nei miei corti Witness I e Witness II […] entrambi parlano dei deportati ad Auschwitz, descrivendo l’orrore di quegli anni in modo assai sperimentale […]

In Witness I ho usato fotografie di alcuni gipsy deportati nei campi di concentramento nel 1942-43 […] Fare un film utilizzando delle foto è molto complesso poiché, a causa della staticità delle immagini, è più difficile fare arrivare il messaggio allo spettatore […] Ecco perché, in fase di montaggio, per rendere il risultato più dinamico, ho fatto in modo che le immagini comparissero, scomparissero e si accavallassero come in una visione […]

Witness II, che è stato mostrato al pubblico proprio ad Auschwitz, mostra ancora i volti di alcuni deportati, dipinti che io ho filmato di nascosto al museo dell’Olocausto […] A differenza del primo corto, Witness II non mostra solo i ritratti di queste povere persone ma si concentra anche su alcuni dettagli come ad esempio le date di nascita delle vittime […] alcune di loro non avevano più di dodici anni […] “

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L’amore di Michael Nyman per il cinema e soprattutto per la regia è nato negli anni sessanta quando, in collaborazione con il grande Peter Greenaway, ha girato il suo primo film.

“Ho iniziato a girare nel 1967 a Londra. Il film si chiamava Love Love Love e trattava del tema della legalizzazione della marijuana. Era in effetti in montaggio di riprese fatte di manifestazioni contro la guerra in Vietnam. Ricordo che portai tutto il materiale al mio amico Peter Greenaway e lui mi disse ‘Michael il girato è una cosa ma il film è tutt’altra cosa. Devi trovare una strada, un punto di vista, un montaggio che sappia cogliere ciò che vuoi dire’. E così ho fatto”.

Diretto da Jennifer Lebeau, è stato presentato alla Festa del Cinema di Roma 2017 Trouble no more, il documentario su Bob Dylan, che si concentra sul concerto gospel del tour del 1980. I filmati di repertorio sono alternati a letture/sermoni recitate da Michael Shannon, anche lui presente alla manifestazione.

Il documentario è un viaggio musicale concepito in maniera particolare, come dichiara la stessa regista: “Il film è nato principalmente dal ritrovamento di questo materiale che pensavamo fosse andato perduto. C’erano alcune performance girate in modo non pulito, ma volevamo che il film non fosse patinato. Ci siamo allontanati dall’originale, evitando le parti in cui Bob parlava al pubblico con enfasi. Volevamo concentrarci sulla musica, il resto è venuto da solo.”

“Sapevamo che cercavamo un attore incredibile, che trasmettesse tensione ma avesse anche una capacità di trasmettere empatia in modo unico. E Michael è la prima persona che ci è venuta in mente.”

Michael Shannon, reduce da una bellissima nomination agli Oscar per il suo ruolo in Animali Notturni di Tom Ford, è il Predicatore, nel film, che si alterna ai momenti musicali, recitando sermoni, con fermezza e ispirazione.

L’attore ha così raccontato il suo rapporto con Dylan e la sua musica: “Sono stato da sempre un fan di Bob Dylan. Era suo il primo concerto a cui sono stato. Ero un bimbo e ci sono andato con mia madre. Da subito ho capito che sarebbe stato un uomo speciale per me. Nel corso degli anni, Dylan è stato una grande ispirazione per me. Quando faccio teatro mi piace ascoltare la sua musica prima di andare in scena. Sono sempre stato un suo grande fan.”

Nei sermoni recitati da Shannon, si parla di ricchi e poveri, e dei primi che tendono a prevaricare i secondi. C’era qualcuno a cui ha pensato: “Vorrei che fosse una sola persona, ma non è così. Sembra che sia una forma archetipica di comportamento. Recentemente ho interpretato George Westinghouse in The Current War. È stato un grande onore per me, perché è stato un uomo che con la sua ricchezza ha costruito un grande impero, senza però fottere nessuno. Era un uomo onesto e generoso, una grande eccezione. Era circondato da industriali e banchieri che non volevano trattare le persone in modo equo. Penso che ci siano tantissime persone che invece non lo fanno.”

“Da attore, sono consapevole che il mio lavoro è ben poca cosa – conclude Shannon – Ma cerco di scegliere cose che possano piantare un seme nella coscienza delle persone. Non che loro non sappiano quali sono i problemi dei nostri giorni, ma a volte questi film possono offrire una forma di conforto, di pace, ed è questa una delle cose migliori che io possa fare.”

Un racconto torrenziale e vivace, accompagnato da un gesto da un sorriso. L’irrequietezza del grande interprete, il calore dello showman, la bellezza di una vita vissuta per l’arte, gli amici e la fedeltà alla propria identità: Ian McKellen, per il grande pubblico Gandalf e Magneto, ha letteralmente incantato il pubblico della Festa del Cinema di Roma.

Vita privata, carriera, figli non voluti e ruoli ricercati, in poche battute e tanta energia, ecco l’Incontro Ravvicinato con lo straordinario e vitale interprete.

Il coming out

“Qualunque persona gay abbia fatto coming out, vi dirà che è la cosa migliore mai fatta. Perché tutto migliora, si diventa più sicuri e per me, per esempio, il lavoro è diventato migliore, sono diventato un attore più bravo a detta di tutti. Non dovevo più fingere. Ma capisco che non è semplice per tutti. Ho incontrato ragazzini nelle scuole che a 13 o 14 anni conoscono e parlano della propria sessualità, e hanno fatto una cosa che io ho impiegato 40 anni per fare.”

Gli inizi

“Il passaggio al cinema è stato difficile. Ho fatto un provino per Barbarella con Jane Fonda, da giovane, e una volta a Cinecittà un altro provino per un bandito siciliano. Mi vestirono di tutto punto ma dissero che ero troppo meravigliosamente inglese per quella parte. Non ce l’ho fatta. Soltanto quando ho lavorato con Judi Dench in un piccolo teatro ha cominciato a pensare che recitare poteva significare anche comunicare a un pubblico piccolo e vicino. Così mi sono preparato per quando avrei avuto la mia grande opportunità sul grande schermo, ed è arrivata a 60 anni. Per questo dico sempre ai giovani attori ‘non aspettate che la vostra carriera decolli. Dovete essere pronti a cogliere l’occasione quando arriverà.’ Bisogna pensare ad avere una carriera, non all’essere ricco e famoso, questo non c’entra niente con l’essere attore. Tutto avviene al momento giusto, se avessi interpretato quel bamndito siciliano a 24 anni forse non avreste più sentito parlare di me.”

I figli

“Fino a quando ho avuto 29 anni, per me era illegale fare sesso, era reato, figuriamoci l’idea di avere figli o adottarli. Ma non ho mai pensato ad avere figli, sono troppo egoista. Ma ho comunque tanti giovani fan. L’altro giorno è venuto da me un bimbo di 5 anni, era con i genitori, e mi ha detto ‘voglio fare una foto con Gandalf’. Non è una cosa dolcissima? E non devo nemmeno occuparmi della sua istruzione o di dirgli che è ora di andare a letto!”.

Eduardo De Filippo

“Eduardo De Filippo, non è proprio italiano, vero? È napoletano. Non l’ho mai visto sul palcoscenico, anche se la sua compagnia venne a Londra negli anni ’60. Conoscevo le sue opere e alcune le ho recitate. Una volta venne la sua vedova a trovarmi e in lacrime mi disse che assomigliavo moltissimo a lui quando recitavo quel ruolo. Una volta ero a Milano, mi aveva invitato Giorgio Strehler, e lui mi aveva organizzato una lettura di Shakespeare, dalla Tempesta, l’ultima sua opera. Io l’ho recitata in inglese e lui in italiano. E solo dopo De Filippo si alzò e fece lo stesso in napoletano. Quindi ho lavorato con lui. E amo molto l’idea della creazione di opere per un luogo specifico, una società specifica, per persone che conosci, per chi vive vicino a te. E lui l’ha fatto con la famiglia, con gli studenti, con una Compagnia. E questo è l’ideale. Avrei voluto far parte di una compagnia come quella, lui è una parte importante del mio cuore.”

Shakespeare – Riccardo III

“Mi commuove molto che il più grande inglese che sia mai vissuto non sia un militare, un politico, non un re o un industriale, ma un attore che ha scritto delle opere teatrali. La sua grandezza ha molte caratteristiche, ma essenzialmente lui conosceva la natura umana meglio di tutti gli altri scrittori. Era affascinato da un servo e allo stesso modo da un re. In un senso, lui è il padre di tutti noi, perché ci capiva e ci capisce meglio di chiunque altro. Per me lui è ancora vivo e ancora oggi le sue opere hanno un signifito contemporaneo, perché la natura umana non è cambiata in questi 450 anni. Questo può rassicurare, o forse no. Quindi sì, Shakespeare appartiene al teatro e da giovanissimo mi piaceva pensare che potevo riempire i grandi teatri, ne ero molto orgoglioso. Ma poi mi sono trovato a interpretare il Re Lear in un teatro con appena 300 posti. Per il fatto che Shakespeare rimane uno scrittore moderno, credo sia giusto che venga rappresentato anche in modi moderni. La tv e il cinema. Ed è per questo che dopo aver portato in giro per il mondo Riccardo III, ho deciso che si poteva portare a un pubblico più ampio con il cinema.”

Cinema, teatro e televisione – Vicious

“Ho fatto tv in Vicious, una sit com con Derek Jacobi, con cui studiavo. Ero innamorato di lui, e lui di me forse, ma all’epoca era proibito per legge amarci. E adesso è troppo tardi perché lui è sposato. Ognuno dei media che conosciamo ha i propri meriti. In tv per esempio raggiungi milioni di persone nello stesso momento. Nel caso del cinema lo fai nel corso degli anni. Ma devo confessare che sono affascinato sopra ogni cosa dal teatro dal vivo, perché è vita. Tu sei qui, io sono qui adesso. Non è per domani o per ieri, è per noi adesso. Il teatro dal vivo è la vita (life theatre is life). Qualcuno mi chiede ‘perché fai le sitcom in tv?’. Perché non cogliere l’occasione di intrattenere le persone? Ho anche partecipato alla soap opera più lunga della storia della tv inglese, Coronation Street. Faccio anche improvvisazione con Ricky Gervais, e non lo trovo affatto al di sotto di me. Anzi penso che se posso fare questo sono un vero attore. Non ho ancora fatto musical, ma da grande vorrei farlo.”

Il legame con i personaggi – L’allievo

“Chiunque abbia la mia età conosce bene il nazismo e i nazisti. Quando ero ragazzino, dormivo sotto una tavola di metallo, in attesa dei bombardamenti tedeschi. La guerra era parte quotidiana delle nostre vite ed ero un ragazzino durante la guerra. Ma se fossi stato un uomo? Cosa avrei fatto in circostanza estreme? Se il governo del mio Paese sarebbe marcito, io sarei marcito con lui? Fare l’attore vuol dire essere in grado di fare qualunque cosa, decidere di diventare un nazista o no, di amare, di non amare più. Tutti siamo capaci di fare qualunque cosa, di odiarci, di uccidere. E fare l’attore ci permette di fare le cose per finta.”

Gli X-Men come Shakespeare

“Non ho mai letto i fumetti degli X-Men, ma Bryan Singer mi disse che si trattava di mutanti con qualità speciali che venivano temuti e ignorati dalle persone normali. Mi disse anche che nelle statistiche demografiche di vendita della Marvel, i fumetti e in particolare quelli degli X-Men erano i più venduti soprattutto per i lettori che rappresentavano delle minoranze, come neri, gay ed ebrei. In pratica X-Men parla di diritti civili e nella storia ci sono due posizioni, quella conciliante del professor X e quella violenta di Magneto. X-Men potrà anche avere una radice a fumetti, ma ha la stessa importanza dei temi trattati da Shakespeare.”

La Compagnia – Signore degli Anelli e Lo Hobbit

“Abbiamo fatto tanti film insieme. Eravamo come una compagnia di giro e abbiamo girato tutta la Nuova Zelanda (intanto si spoglia, togliendosi la giacca e la camicia, arrivando a mostrare la spalla nuda e il tatuaggio che ha fatto insieme agli altri membri del cast del film di Peter Jackson, un numero 9, in caratteri elfici, come i 9 compagni della Compagnia dell’Anello). È un posto bellissimo, le donne hanno posizioni di potere, è stato il primo Paese a dare il voto alle donne, trai primi a concedere la possibilità di sposarsi ai gay. E sono molto orgoglioso del fatto che per un anno la faccia di Gandalf è stata scelta per comparire su un francobollo. Abbiamo girato tutto il Paese anche se molte scene erano comunque in studio.”

Essere gay a Hollywood – Demoni e Dei

Quando fu nominato agli Oscar per l’interpretazione di James Whale (regista di Frankenstein) disse che non avrebbe vinto perché era inglese e gay. “Ricordate chi vinse quell’anno? Roberto Benigni. Non è sicuramente inglese né gay. Quel film però fu un punto di svolta perché interpretavo il protagonista in un film di Hollywood che ha ricevuto enormi consensi da parte della critica. All’epoca vivevo a Hollywood. James Whale, negli anni ’30, era il regista più pagato di Hollywood, viveva apertamente la sua omosessualità e a nessuno importava. Quindi quando qualcuno mi dice che la sua omosessualità va nascosta perché potrebbe avere difficoltà al lavoro, nella vita, io rispondo sempre, guardate la storia di Whale in Demoni e Dei e capirete come vi sbagliate.”