Il crime thriller in stile Quei bravi ragazzi con Chris Hemsworth, Kockroach, continua a prendere forma grazie a nuovi aggiornamenti sul cast e sulla produzione. Il film è diretto da Matt Ross (Captain Fantastic) e scritto da Jonathan Ames (You Were Never Really Here), ed è basato sul romanzo di William Lashner.

Rachel Sennott è l’ultima attrice ad unirsi al cast accanto a Chris Hemsworth. Le riprese inizieranno la prossima settimana in Australia, paese natale dell’attore. Il suo ruolo non è ancora stato rivelato, ma secondo Deadline sarà una “parte secondaria importante”. Sennott è attualmente impegnata anche nella seconda stagione di I Love LA per HBO, ma la sua partecipazione al film non dovrebbe interferire a lungo con la serie. L’attrice ha recitato anche in film come Shiva Baby (2020), Bodies Bodies Bodies (2022), Bottoms (2023), Saturday Night (2024) e The Moment (2026).

Un cast stellare e una produzione in evoluzione

Il progetto ha attraversato diverse fasi di sviluppo, con cambi di cast importanti: inizialmente erano stati coinvolti Channing Tatum e Oscar Isaac, poi usciti per problemi di agenda, prima che Hemsworth venisse confermato come protagonista. Nel cast figurano anche Taron Egerton, Zazie Beetz e Alec Baldwin, a cui si aggiunge ora Rachel Sennott.

La storia di Kockroach segue un misterioso sconosciuto che si muove nella criminalità di New York e si trasforma in un potente boss della malavita. Il romanzo originale, pubblicato nel 2007 con lo pseudonimo Tyler Knox, è una reinterpretazione moderna de La metamorfosi di Franz Kafka, in cui un uomo si risveglia trasformato in uno scarafaggio, suggerendo anche nel film possibili elementi surreali o soprannaturali.

Sebastian Stan ha sorpreso i fan con un look completamente diverso nella prima immagine ufficiale del film Fjord. L’attore ha infatti abbandonato i suoi iconici capelli lunghi da Soldato d’Inverno per il nuovo ruolo nel dramma diretto da Cristian Mungiu.

Nel film, Stan recita accanto a Renate Reinsve nei panni di una coppia europea, Mihai e Lisbet Gheorghiu. La storia segue i due mentre si trasferiscono in un remoto villaggio della Norvegia, dove stringono amicizia con la famiglia Halberg. Tuttavia, la situazione prende una piega inquietante quando i figli dei Gheorghiu vengono sospettati di comportamenti anomali, finendo al centro dell’attenzione dell’intera comunità.

Sebastian Stan: un attore camaleontico

La casa di produzione Snowglobe ha diffuso la prima immagine ufficiale del film, che mostra Stan e Reinsve insieme ai loro quattro figli sullo sfondo delle montagne norvegesi. Colpisce in particolare il nuovo aspetto dell’attore nei panni del capofamiglia, un personaggio di origine rumena come lo stesso Stan.

Inoltre, lo studio ha confermato che il film è stato selezionato per la competizione principale del prossimo Festival di Cannes, che si terrà a maggio 2026. La pellicola è scritta e diretta da Cristian Mungiu, vincitore della Palma d’Oro nel 2007 per 4 mesi, 3 settimane, 2 giorni.

Fjord rappresenta un’altra importante trasformazione fisica per Sebastian Stan, noto per la sua capacità di calarsi completamente nei ruoli. Di recente, infatti, ha interpretato Donald J. Trump nel film The Apprentice – Alle origini di Trump (2024), per il quale ha aumentato di circa 15 chili e adottato il celebre look biondo, ottenendo anche una nomination all’Oscar come miglior attore nel 2025. Tra le sue trasformazioni più note figurano anche Tommy Lee in Pam & Tommy, con piercing e tatuaggi, e Jeff Gillooly in Tonya, con il caratteristico look con i baffi.

Il suo ruolo più iconico resta quello del Soldato d’Inverno nel Marvel Cinematic Universe, che lo ha reso una star globale. Stan tornerà presto nel personaggio in Avengers: Doomsday, in uscita il 18 dicembre 2026.

L’attore è oggi uno dei più richiesti di Hollywood e si prepara anche a entrare nell’universo DC con The Batman: Parte 2, dove potrebbe interpretare Harvey Dent/Two-Face, anche se il ruolo non è ancora stato confermato ufficialmente. Le riprese dovrebbero iniziare durante l’estate.

Nel frattempo, Stan è atteso a Cannes il prossimo maggio per la promozione di Fjord. Il film non ha ancora una data di uscita ufficiale, ma è previsto per il 2026, con distribuzione negli Stati Uniti affidata a Neon.

Michael J. Fox è fortunatamente ancora vivo, nonostante nelle ultime ore si siano diffuse false notizie sulla sua morte. L’equivoco è nato quando la CNN ha trasmesso per errore un servizio intitolato “Ricordando la vita dell’attore Michael J. Fox”, provocando tristezza e panico tra molti spettatori.

Fox, celebre per i suoi ruoli in Ritorno al futuro e Casa Keaton, è da anni anche una figura centrale nella sensibilizzazione sul morbo di Parkinson, diagnosticatogli a 29 anni nel 1991. Attraverso la sua fondazione, la Michael J. Fox Foundation, ha contribuito a raccogliere oltre 2 miliardi di dollari per la ricerca.

La reazione ironica di Fox dopo la falsa notizia

Dopo la diffusione della notizia errata, l’attore ha deciso di intervenire personalmente per rassicurare i fan. In un post pubblicato su Threads, ha confermato di essere vivo e ha reagito con ironia alla situazione, scherzando sulle possibili reazioni a una notizia del genere:

“Come reagisci quando accendi la TV e la CNN annuncia la tua morte? Tu… A) cambi canale e guardi MNSBC, o come si chiamano adesso B) ti versi acqua bollente in grembo, se ti fa male sei a posto C) chiami tua moglie, sperando che sia preoccupata ma rassicurata D) ti rilassi, lo fanno una volta all’anno E) ti chiedi “ma che cavolo?” Pensavo che il mondo stesse finendo, ma a quanto pare riguarda solo me e sto bene. Con affetto, Mike.”

Secondo People, il servizio raccontava la carriera e la vita personale di Michael J. Fox, inclusa la diagnosi di Parkinson e il suo impegno nella ricerca sulle cellule staminali. Inoltre, ricordava che nel 2022 l’Academy of Motion Picture Arts and Sciences gli ha conferito il Jean Hersholt Humanitarian Award per il suo impegno e contributo alla causa.

Nel frattempo, un portavoce della CNN ha chiarito che il servizio è stato pubblicato per errore e successivamente rimosso da tutte le piattaforme. L’emittente ha inoltre presentato le proprie scuse ufficiali all’attore e alla sua famiglia per quanto accaduto.

L’incidente è avvenuto poco dopo la partecipazione di Fox al PaleyFest, dove era presente per parlare della terza stagione della serie Shrinking, in cui recita accanto a Harrison Ford. Il creatore dello show ha anche espresso il desiderio di rivederlo in una possibile quarta stagione, ricevendo una risposta positiva dall’attore.

In precedenza, Michael J. Fox aveva raccontato nel suo memoir No Time Like the Future di essersi allontanato dalla recitazione perché il Parkinson rendeva più difficile lavorare sul set. Tuttavia, è tornato a recitare accettando il ruolo di Gerry in Shrinking, segnando il suo ritorno sullo schermo per la prima volta dal 2020.

Plaion Pictures e Midnight Factory sono liete di annunciare che Kill Bill: The Whole Bloody Affair, acquisito da Lionsgate, arriverà al cinema dal 28 maggio al 3 giugno, in un evento speciale di 7 giorni, come svela il poster ufficiale. Per la prima volta, il capolavoro di Quentin Tarantino sarà proposto nelle sale italiane come un unico film di 281 minuti, superando la divisione in Volume 1 (2003) e Volume 2 (2004): una scelta che restituisce al pubblico l’idea originaria del regista, che aveva concepito Kill Bill come un’opera unica prima della separazione per esigenze distributive.

A oltre vent’anni dall’uscita, il pubblico italiano potrà così vedere il quarto film di Tarantino nella forma più completa e fedele alla sua visione. Proprio la locandina italiana ricorda cosa rende imperdibile questa versione del cult immortale, finalmente nei cinema senza tagli, con scene mai viste e in un’unica opera. Il montaggio di Kill Bill: The Whole Bloody Affair elimina infatti il cliffhanger finale del primo capitolo e il riassunto iniziale del secondo, introducendo novità significative come il celebre scontro con gli 88 folli presentato per la prima volta interamente a colori e sequenze totalmente inedite che arrivano in Italia in versione originale sottotitolata. Fra queste, 7 minuti e mezzo inediti dell’iconico flashback in stile anime, prodotto dal leggendario studio Production I.G., che esplora il tormentato passato di O-Ren Ishii (Lucy Liu). A coronare questa edizione definitiva, inoltre, la presenza di The Lost Chapter: Yuki’s Revenge, un vero e proprio cortometraggio nato da un’idea di Tarantino rimasta per anni nel cassetto e ora portato alla luce grazie al noto motore grafico Unreal Engine, con la sorella della letale Gogo Yubari in cerca di vendetta.

In Kill Bill: The Whole Bloody Affair, Uma Thurman interpreta La Sposa, creduta morta dal suo ex mentore e amante Bill, che le tende un’imboscata durante le prove del suo matrimonio, sparandole in testa e privandola del bambino che portava in grembo. Per ottenere la sua vendetta, la donna si mette sulle tracce dei quattro componenti rimasti della Deadly Viper Assassination Squad prima della resa dei conti finale con Bill. Sono proprio La Sposa e la sua arma prediletta, la micidiale katana forgiata da Hattori Hanzo, ad essere al centro del poster italiano: un’immagine iconica che restituisce immediatamente tutta la potenza visiva, l’estetica inconfondibile e lo spirito che attraversano l’intero film.

Kill Bill: The Whole Bloody Affair non è soltanto una versione estesa, ma la possibilità di riscoprire Kill Bill come un’unica grande opera sulla vendetta, fra le migliori mai girate: uno spettacolo continuo in cui Tarantino fonde cinema di arti marziali, chambara giapponese ed exploitation in un linguaggio personale, visivamente esplosivo e profondamente cinefilo, costruito attraverso rimandi e reinvenzioni della storia del cinema. La visione integrale valorizza così la struttura ritmica e narrativa del film, permettendo di cogliere appieno l’evoluzione della Sposa e restituendo tutta la forza di una saga epica contemporanea.  Un evento davvero unico e irripetibile che consentirà alle nuove generazioni e ai “vecchi” fan di Kill Bill di vivere sul grande schermo tutti insieme e tutto d’un fiato l’affresco di sangue dipinto da Tarantino esattamente come lo aveva sempre desiderato.

Kill Bill: The Whole Bloody Affair arriverà al cinema per una settimana dal 28 maggio al 3 giugno con Plaion Pictures e Midnight Factory.

Scarlett Johansson torna alla fantascienza con Ray Gunn, nuovo film animato di Netflix diretto dal premio Oscar Brad Bird. Le prime immagini ufficiali hanno svelato anche una reunion interessante: l’attrice condividerà il progetto con Sam Rockwell, già al suo fianco nel MCU. Una notizia rilevante perché segna un nuovo tassello nell’evoluzione dell’animazione adulta e ambiziosa targata Netflix.

Il film è ambientato nella futuristica Metropia e mescola noir anni ’40 e fantascienza, seguendo un caso che coinvolge alieni e omicidi. Johansson darà voce a Venus Nova, mentre Rockwell interpreterà il detective Ray Gunn. I due si erano già incontrati in Iron Man 2 e in Jojo Rabbit, e la loro reunion aggiunge peso a un progetto che punta a distinguersi anche per stile visivo e ambizione narrativa. Bird ha definito il film come un’idea sviluppata per oltre 30 anni, con l’obiettivo di spingere i limiti dell’animazione oltre le aspettative del pubblico.

Ma il vero punto è proprio questo: Ray Gunn non è solo un nuovo titolo sci-fi, ma un tentativo esplicito di ridefinire cosa può essere l’animazione mainstream. Netflix, dopo successi come Pinocchio di Guillermo del Toro, sta investendo sempre più in progetti autoriali, e questo film si inserisce perfettamente in quella strategia.

Ray Gunn unisce noir e sci-fi: il progetto di Brad Bird può cambiare l’animazione su Netflix

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Il concept di Ray Gunn è forse l’elemento più interessante: una città futuristica vista con l’estetica del 1939, dove convivono detective hard-boiled e tecnologie aliene. Questa fusione tra generi richiama un immaginario classico, ma lo rielabora in chiave contemporanea, confermando la volontà di Brad Bird di uscire dagli schemi dell’animazione tradizionale.

In questo contesto, la presenza di Scarlett Johansson e Sam Rockwell non è solo un elemento di richiamo, ma parte di un disegno più ampio: portare nell’animazione un livello di interpretazione e carisma tipico del live action. È una strategia che punta a intercettare anche quel pubblico adulto che spesso resta distante dal medium.

Se funzionerà, Ray Gunn potrebbe rappresentare un nuovo standard per i film animati originali in streaming, spingendo ulteriormente Netflix verso un modello produttivo più autoriale e meno legato alle formule classiche. In caso contrario, resterà comunque un esperimento interessante, ma isolato.

Dopo oltre dieci anni di sviluppo travagliato, il film di Metal Gear Solid torna ufficialmente in carreggiata. Secondo quanto riportato da The Hollywood Reporter, Sony Pictures ha affidato la regia a Zach Lipovsky e Adam B. Stein, segnando un nuovo inizio per uno dei progetti più attesi e problematici degli ultimi anni. La notizia conta perché riaccende concretamente le speranze di vedere finalmente sul grande schermo l’universo creato da Hideo Kojima.

Il film, annunciato da tempo e rimasto bloccato tra cambi di sceneggiatura e silenzi produttivi, era inizialmente legato al regista Jordan Vogt-Roberts, con Oscar Isaac scelto per interpretare Solid Snake. Con l’arrivo dei nuovi registi – già noti per Final Destination Bloodlines – il progetto entra ora in una fase di rilancio, anche se restano aperti nodi cruciali: dalla sceneggiatura ancora incerta fino al coinvolgimento effettivo del cast originale. Parallelamente, il franchise vive un momento positivo grazie al successo del remake Metal Gear Solid Delta: Snake Eater, che ha rafforzato l’interesse globale verso il brand.

La vera questione, però, è capire se questa sarà la volta buona. Il film di Metal Gear Solid è diventato negli anni un simbolo dei progetti “impossibili” di Hollywood, annunciati e mai realizzati. L’ingresso di Lipovsky e Stein indica una volontà produttiva concreta, ma il rischio resta quello di un adattamento che fatichi a trovare una propria identità tra fedeltà al materiale originale e necessità cinematografiche.

Che tipo di film sarà Metal Gear Solid: adattamento fedele o storia originale nell’universo di Kojima?

Uno degli interrogativi principali riguarda proprio la direzione narrativa. Non è ancora chiaro se il film adatterà uno dei capitoli della saga – come Snake Eater o l’originale Metal Gear Solid – oppure se sceglierà una storia inedita ambientata nello stesso universo. Una decisione tutt’altro che secondaria, perché il successo del progetto dipenderà dalla capacità di tradurre il linguaggio cinematografico già intrinseco nei giochi di Kojima senza snaturarlo.

Il personaggio di Solid Snake, centrale nella saga, rappresenta un altro punto chiave. Se Oscar Isaac dovesse essere confermato, il film potrebbe mantenere una continuità con le prime fasi di sviluppo; in caso contrario, si aprirebbe un nuovo capitolo anche sul piano del casting, con inevitabili ripercussioni sull’identità del progetto.

In questo contesto, il tempismo non è casuale. Il rilancio del film arriva mentre il franchise è tornato forte sul mercato videoludico, segno che Konami e Sony stanno cercando di capitalizzare su un rinnovato interesse globale. Se ben gestito, il film potrebbe trasformarsi in un ponte tra vecchi fan e nuovo pubblico; se invece fallisse nel tono o nella scrittura, rischierebbe di diventare l’ennesimo adattamento incapace di cogliere la complessità dell’opera originale.

Il regista Yeon Sang-ho torna nel genere che lo ha reso celebre con Colony, nuovo thriller horror ambientato durante una conferenza di biotecnologia che degenera in un incubo virale. Il film sarà presentato in anteprima nella sezione Midnight Screening del Festival di Cannes, spazio tradizionalmente dedicato al cinema di genere più audace. La notizia è rilevante perché segna il ritorno dell’autore coreano a un immaginario che ha ridefinito il racconto zombie contemporaneo.

Secondo le prime informazioni diffuse insieme alle immagini ufficiali, Colony costruisce la sua tensione in un ambiente chiuso: una struttura sigillata dove un virus letale si diffonde rapidamente, trasformando i partecipanti e costringendo i sopravvissuti a confrontarsi con una minaccia sempre più incontrollabile. Il cast include Gianna Jun, Koo Kyo-hwan, Ji Chang-wook e Shin Hyun-been, confermando un progetto che punta sia sulla tensione narrativa sia su volti forti del cinema coreano contemporaneo. La fonte è ScreenRant, che ha riportato i dettagli sulla premiere e sulle prime immagini diffuse dal festival.

Quello che emerge, però, non è solo un ritorno al genere, ma un cambio di prospettiva. Se Train to Busan era un racconto dinamico e collettivo, costruito sul movimento e sulla fuga, Colony sembra voler lavorare sull’opposto: la stasi, la chiusura, l’impossibilità di uscire. Questo spostamento suggerisce un’evoluzione nel linguaggio di Yeon Sang-ho, sempre più interessato a esplorare la dimensione psicologica dell’orrore oltre a quella spettacolare.

Perché Colony può ridefinire ancora una volta l’horror “virale” dopo Train to Busan

Il confronto con Train to Busan è inevitabile, ma anche fuorviante se ci si limita alla superficie. Il film del 2016 funzionava perché utilizzava l’epidemia come metafora sociale, raccontando egoismo, classi e sacrificio all’interno di uno spazio in continuo movimento. In Colony, invece, Yeon Sang-ho sembra voler comprimere tutto in un unico luogo, trasformando l’epidemia in un’esperienza quasi claustrofobica, dove il vero conflitto non è solo sopravvivere, ma convivere con la paura.

Questa scelta apre a una direzione narrativa più intima e potenzialmente più disturbante. L’ambientazione chiusa permette di lavorare sui personaggi, sulle dinamiche di gruppo e sulla trasformazione psicologica, elementi già presenti nella filmografia del regista ma qui portati a un livello più radicale. Non è un caso che il film venga presentato nella sezione Midnight di Cannes, sempre più attenta a un horror autoriale che supera i confini del genere.

In questo senso, Colony potrebbe rappresentare un nuovo passaggio per il cinema di Yeon Sang-ho: meno spettacolare ma più inquieto, meno “blockbuster” e più riflessione sul contagio come condizione umana. E se Train to Busan aveva ridefinito lo zombie movie su scala globale, questo nuovo progetto potrebbe spostare ancora una volta il baricentro, questa volta verso un horror più psicologico e contemporaneo.

Tre film, un’unica visione autoriale: Finché morte non ci Separi, Abigail e Finché morte non ci Separi 2 possono essere letti come una trilogia non ufficiale firmata dal collettivo Radio Silence. Secondo un’analisi emersa online, i tre titoli condividono molto più di quanto sembri, costruendo un percorso tematico coerente che si chiude proprio con il sequel più recente.

L’interpretazione, pubblicata da Screen Rant, evidenzia come i film diretti da Matt Bettinelli-Olpin e Tyler Gillett siano legati da un filo rosso preciso: la critica alla disparità sociale. Nei film di Finché morte non ci Separi, la famiglia Le Domas rappresenta una classe privilegiata pronta a tutto pur di mantenere il proprio status, mentre in Abigail il punto di vista si sposta su personaggi più marginali, come quello interpretato da Melissa Barrera, costretti a scelte estreme per sopravvivere. Anche figure come Grace incarnano questo conflitto, rifiutando di “vendere l’anima” per entrare in un sistema elitario.

Questa lettura trasforma tre film apparentemente scollegati in un discorso unitario sul potere e sull’identità. Non si tratta solo di horror o di variazioni sul genere — slasher, vampiri, survival — ma di una riflessione più ampia su chi controlla le regole del gioco e su cosa si è disposti a sacrificare per cambiarle. È una chiave interpretativa che arricchisce retroattivamente l’intera trilogia, rendendola più coerente e, soprattutto, più politica.

Dal sangue alla satira: come Radio Silence costruisce un universo tematico condiviso

Oltre ai temi, i tre film condividono anche elementi stilistici ricorrenti che rafforzano l’idea di una trilogia “segreta”. Il più evidente è il finale esplosivo: personaggi che letteralmente deflagrano in una pioggia di sangue, creando un momento tanto scioccante quanto ironico. Una firma visiva che funziona come collante tra le opere, simile a un running gag ma con una forte identità autoriale.

Questo approccio richiama modelli come la trilogia del Cornetto di Edgar Wright, dove elementi ricorrenti legano storie diverse. Nel caso di Radio Silence, però, il tono è più cinico: la violenza diventa metafora di un sistema che implode, mentre i sopravvissuti restano spettatori impotenti, spesso coperti di sangue e increduli.

Guardando al futuro, questa interpretazione potrebbe influenzare anche la percezione di eventuali nuovi progetti del duo. Se davvero esiste una coerenza tematica così marcata, ogni nuovo film potrebbe essere letto come parte di un universo più ampio, dove horror e satira sociale continuano a intrecciarsi.