Andrea Magnani torna a dirigere con La lunga corsa, scegliendo come protagonista il giovane Adriano Tardiolo, che esordì con successo nel 2018 in Lazzaro felice di Alice Rohrwacher. Accanto a lui, nel ruolo di una bislacca figura “paterna”, Giovanni Calcagno. Così, dopo Easy – Un viaggio facile facile, suo esordio nel lungometraggio del 2017 con Libero De Rienzo e Nicola Nocella, Magnani prova a dar vita a una commedia dai toni surreali, quasi una favola sospesa nel tempo e nello spazio.

La trama de La lunga corsa

Giacinto, Adriano Tardiolo, è cresciuto in carcere, suo malgrado. I genitori, infatti, sono due detenuti e fin da piccolo Giacinto considera il mondo dietro le sbarre casa sua. Quello che per tutti è un luogo di reclusione e privazione della libertà diventa per lui anche il suo parco giochi e la sua finestra, seppur molto parziale, sul mondo. In questa crescita è aiutato dal capo della polizia penitenziaria, Jack, Giovanni Calcagno, che nonostante il carattere schivo, lo prende a ben volere. Così fa anche la direttrice del carcere, Barbora Bobulova, con cui Giacinto scoprirà di avere più di qualcosa in comune. Sua madre, invece, si occupa poco di lui e con difficoltà di sé stessa. Giacinto però, non sa come affrontare il mondo di fuori. Più diventa grande e più questa difficoltà si fa ingombrante. Al compimento dei diciotto anni si troverà a dover scegliere cosa fare della propria vita. Forse seguire l’esempio di Jack, la sua figura di riferimento? O forse trovare una strada che sia solo sua? Provare a camminare con le sue gambe, o magari a correre?

Una commedia stralunata e malinconica

La lunga corsa si autodefinisce una commedia stralunata. Come il precedente lavoro, un viaggio che partiva da un autoisolamento e poi si apriva verso il mondo, anche qui c’è una condizione di chiusura e poi un confronto arduo con il mondo esterno, nel quale il protagonista fatica ad entrare e a trovare una collocazione. L’impronta del racconto è leggera, con una nota di eccentricità e virate verso il surreale. A tratti divertente, ma lungi dall’essere francamente comico, il film fa sorridere, ma al tempo stesso si è accompagnati da una sottile vena di malinconia.

Adriano Tardiolo, da Lazzaro felice a La lunga corsa

La lunga corsa è imperniato tutto sul suo protagonista, Adriano Tardiolo, che sembra portare con sé il personaggio che lo aveva lanciato con Lazzaro felice. Anche qui, infatti, torna a toccare le corde che gli sono congeniali, interpretando un giovane ingenuo e stralunato, dal buon cuore e dai sentimenti puri, proprio come per la pellicola di Rohrwacher. Mentre però, il personaggio di Lazzaro era il punto focale all’interno di una costruzione variegata e complessa, con molteplici livelli di lettura, anche indipendentemente dal protagonista, qui il regista e sceneggiatore Magnani lavora forse poco sul contesto. Al mondo fuori dal carcere, ad esempio, dedica brevi momenti e qualche ironica frecciata, mentre sarebbe valsa la pena di approfondire di più, con la capacità che lo stesso regista ha dimostrato di avere. L’ambientazione in un luogo unico, uno spazio chiuso, povero di stimoli e la penuria di personaggi accanto a Giacinto, non aiutano. Di fatto, a parte Jack – Giovanni Calcagno è coprotagonista convincente – vi sono solo la detenuta Rocky – nell’efficace interpretazione di Nina Naboka – e la direttrice del carcere Barbora Bobulova ad accompagnare il protagonista. Tardiolo dunque ha la responsabilità di trasportare lo spettatore nella sua favola sbilenca e non sempre vi riesce. Quella di Giacinto è un’esistenza fatta di pochi elementi, cui si aggiunge la corsa, unico passantempo che appare possibile. Questa sembra poter rivoluzionare tutto, scuotere una certa fissità che caratterizza la vita del protagonista, ma forse non viene sfruttata in tutte le sue potenzialità, pur riuscendo a vivacizzare la seconda parte del racconto. Il film ha momenti ricorsivi e fatica così a diventare coinvolgente.

A La lunga corsa manca una spinta

Il nuovo lungometraggio di Andrea Magnani appare come una sorta di favola moderna e leggera. Un viaggio di formazione, al quale però manca una spinta in più per essere veramente coinvolgente e far arrivare lo spettatore al cuore del messaggio. Resta comunque una riflessione garbata sulla condizione della reclusione, sul concetto di libertà, ma anche sul pregiudizio e sul carattere spesso fuorviante dell’apparenza, veicolata da uno stile poetico e a tratti surreale. Il regista non esita a schierarsi dalla parte degli outsider come Giacinto, che forse troverà una sua via, eccentrica, bislacca, ma sua. A chiusura del film, una dedica sentita a Libero De Rienzo, anche lui un outsider nel panorama cinematografico italiano, che avrebbe dovuto far parte del cast, ma è prematuramente scomparso nel 2021. La lunga corsa è una coproduzione Italia-Ucraina, prodotto da Pilgrim Film, Bartleby Film, Fresh Production Group, con Rai Cinema e distribuito da Tucker Film, sarà nelle sale italiane dal prossimo 24 agosto.

Con La Llorona – Le lacrime del male, il mondo popolato di demoni e possessioni nato dalla mente di James Wan con L’evocazione – The Conjuring si arricchisce di un nuovo capitolo. Dopo i successi di Annabelle e The Nun, l’universo horror più redditizio degli ultimi dieci anni tenta di espandersi ancora, ma questa volta la formula mostra segni evidenti di stanchezza.

Diretto da Michael Chaves, il film prova a inserirsi nella tradizione del franchise con un racconto autonomo, legato solo marginalmente alle vicende principali grazie al breve ritorno del padre Perez (Tony Amendola), già visto nel primo Annabelle. Un piccolo anello di congiunzione che, però, non basta a dare spessore o continuità all’universo narrativo.

Ambientato negli anni Settanta, come molti dei film del Conjuring Universe, La Llorona sfrutta l’epoca più come estetica che come sostanza. Qualche automobile d’epoca, uniformi di polizia e lampioni tremolanti tentano di evocare il fascino rétro del cinema horror classico, ma l’atmosfera si dissolve presto, lasciando spazio a un racconto privo di reale tensione o coerenza visiva. L’intento di costruire un film “period piece” alla Carpenter resta incompiuto, ridotto a un semplice sfondo di cartapesta che non aggiunge né mistero né profondità al racconto.

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Tradizione, horror e disillusione

Il regista Michael Chaves, qui al suo esordio alla regia di un lungometraggio (prima di ereditare da Wan The Conjuring 3), sceglie di attingere al folklore messicano per dare nuova linfa alla saga. La Llorona, figura leggendaria del Sud America, è la “donna che piange”: un’anima in pena che vaga in cerca dei suoi figli, annegati da lei stessa in un gesto di disperazione e follia. Il potenziale mitologico del personaggio è enorme — archetipico, tragico e ricco di implicazioni religiose — ma il film non riesce a restituirne la forza simbolica. L’elemento folklorico viene trattato come semplice “esotismo”, una cornice ornamentale che sostituisce l’approfondimento culturale con l’effetto spavento.

In questo senso La Llorona – Le lacrime del male paga il prezzo di una scrittura povera e discontinua. La sceneggiatura di Mikki Daughtry e Tobias Iaconis fatica a tenere insieme le linee narrative e a giustificare le azioni dei personaggi. Le scene di paura, costruite su meccanismi prevedibili, si affidano a un montaggio sincopato e a un abuso di jump scare che perde progressivamente efficacia. Chaves dimostra un buon controllo formale nella gestione della luce e dell’ombra, ma il film manca di tensione crescente: ogni sequenza sembra annullare la precedente, generando un senso di immobilità narrativa.

Il rapporto tra la protagonista Anna Tate-Garcia (Linda Cardellini) e la creatura avrebbe potuto offrire un interessante parallelo tra due madri unite dal dolore, ma questa dimensione emotiva resta in superficie. Dove Wan sapeva unire terrore e spiritualità, Chaves rimane intrappolato in un’estetica del “mostro che appare e scompare”, senza mai approfondire il trauma che alimenta la maledizione.

Linda Cardellini e il cast: un’occasione mancata

Linda Cardellini è, senza dubbio, l’elemento più solido del film. L’attrice costruisce un personaggio credibile, una madre segnata dalla perdita che tenta di proteggere i propri figli mentre il confine tra realtà e superstizione si dissolve. La sua interpretazione dà spessore emotivo a una storia che, altrimenti, resterebbe ancorata a una superficie di cliché.
Accanto a lei, Raymond Cruz nei panni del curandero Rafael Olvera introduce una figura potenzialmente interessante, un ex sacerdote che combatte il male con rimedi tradizionali. Ma il personaggio è scritto in modo stereotipato e perde credibilità nel momento in cui diventa, involontariamente, la spalla comica del film. Anche Patricia Velásquez, nel ruolo della madre che innesca la maledizione, avrebbe meritato maggiore approfondimento: la sua figura resta confinata a un’icona di paura senza spessore psicologico.

Un horror senza atmosfera

Il più grande limite di La Llorona – Le lacrime del male è la sua incapacità di costruire atmosfera. Laddove i primi capitoli del franchise vivevano di silenzi, sospensione e sguardi, qui tutto è gridato e meccanico. Gli effetti visivi sono ben realizzati ma privi di eleganza, e la regia manca di quel respiro autoriale che aveva reso The Conjuring un horror sofisticato e non solo commerciale.

La pellicola sembra più interessata a rispettare i canoni del jump scare moderno che a creare un vero senso di inquietudine. Il folklore viene semplificato, la psicologia abbozzata, e il ritmo finisce per risultare artificioso, privo di picchi emotivi. La figura della Llorona, teoricamente simbolo universale del rimorso e della maternità negata, è ridotta a un fantasma generico: spaventoso ma senza identità. Il risultato è un horror che si guarda, ma non si ricorda.

Il fallimento del Conjuring Universe e la necessità di rinnovarsi

Nel suo tentativo di espandere il Conjuring Universe, La Llorona mostra quanto sia difficile mantenere coerenza e qualità in un franchise che sembra ormai svuotato della sua forza originaria. Se The Conjuring di Wan rappresentava la sintesi perfetta tra fede e paura, e Annabelle aveva almeno una mitologia coerente, questo nuovo capitolo appare come un prodotto di routine. Manca la visione, manca la mano autoriale. Chaves cerca di emulare il linguaggio visivo di Wan, ma ne perde l’anima: quella tensione spirituale che faceva del male qualcosa di tangibile e metafisico.

Nonostante qualche guizzo tecnico e l’impegno del cast, La Llorona – Le lacrime del male si rivela un film freddo, privo di pathos e incapace di aggiungere qualcosa di significativo all’universo di riferimento. Un’occasione mancata che dimostra come il terrore, senza emozione, diventi solo rumore.

La lezione, diretto da Stefano Mordini e scritto da Luca Infascelli e dallo stesso Mordini, è un thriller psicologico ispirato al romanzo di Marco Franzoso. Distribuito da Vision Italia, arriverà in sala il 5 marzo 2026. Nel cast spiccano Matilda De Angelis, Stefano Accorsi e Eugenio Franceschini. Ambientato in una Trieste elegante e ambigua, il film racconta il meccanismo sottile dello stalking, la manipolazione e il fragile confine tra verità, percezione e potere emotivo.

Il caso Walder e l’avvocata Elisabetta

Elisabetta (Matilda De Angelis) è un’avvocata affermata di Trieste. All’inizio del film la vediamo celebrare una vittoria: la donna che accusava di violenza sessuale il suo assistito, il professor Angelo Walder (Stefano Accorsi), ha ritrattato le accuse. Ma dietro quel successo professionale si nasconde un vuoto. La lezione ci introduce gradualmente nella vita privata dell’avvocata, dove riaffiorano le memorie di un passato segnato da uno stalking ossessivo e da una paura che sembra tornare.

Il film non procede mai per scontati colpi di scena: il thriller si costruisce su uno sguardo interno, psicologico, in cui la tensione nasce dal dubbio e non dalla rivelazione. Chi manipola chi? Chi detiene davvero il potere in questa relazione ambigua? La lezione esplora questi interrogativi con un tono sobrio ma inquietante, lasciando che siano i silenzi e gli sguardi a parlare.

Trieste, città dell’anima

Nel romanzo di Franzoso la storia si svolgeva tra le colline romagnole, ma Mordini sceglie Trieste come scenario per la sua “lezione”. Una scelta tutt’altro che casuale. “Serviva un’Italia che si proiettasse verso l’esterno,” ha spiegato il regista, “una città mitteleuropea, elegante e cortese nei rapporti, ma capace di nascondere altro.”

La fotografia sfrutta la luce tagliente del nord-est, il vento che soffia come elemento di disturbo e le architetture razionali che diventano metafora del controllo. Trieste, con il suo fascino freddo e le sue prospettive oblique, diventa un personaggio a sé, specchio dell’animo della protagonista: lucida, razionale, ma attraversata da correnti invisibili di inquietudine.

La lezione: amore, possesso e sesto senso

Il titolo non è solo metaforico. Nel film, una delle lezioni è quella che Elisabetta deve imparare — e che lo spettatore è invitato a condividere: l’amore non è possesso, ma azione, relazione, scelta. Mordini costruisce una tensione costante tra verità e interpretazione, mostrando come la manipolazione possa insinuarsi nei rapporti più intimi fino a deformarli.

Il film suggerisce che riconoscere il meccanismo della manipolazione e del narcisismo, affidarsi al proprio sesto senso, sia già di per sé un atto di libertà, una lezione da imparare per evitare che si ripeta.

Gli attori e il lavoro sui personaggi

Matilda De Angelis offre un’interpretazione intensa: costruisce un personaggio forte ma vulnerabile, capace di restituire la complessità della vittima senza cadere in cliché. Come lei stessa ha spiegato in conferenza stampa, era importante “togliere il preconcetto che la vittima debba avere un determinato tipo di caratteristiche per essere creduta”.

Accanto a lei, Stefano Accorsi sorprende per misura e profondità: il suo Walder è un uomo ambiguo, professore di Storia all’università, affascinante e inquietante, che non cerca giustificazioni ma mostra la fragilità di chi confonde l’amore con il controllo. “Il cinema,” ha detto Accorsi, “ha ancora la forza di raccontare storie complesse, al di là dei facili giudizi.” De Angelis e Accorsi sono tornati a recitare insieme dopo Veloce come il vento, film di esordio della giovane attrice.

Completa il trio Eugenio Franceschini, in un ruolo più contenuto (l’ispettore di polizia) ma essenziale per ancorare la vicenda a una realtà emotiva concreta.

La lezione: una riflessione contemporanea

Lo stalking e la violenza di genere non vengono trattati in termini moralistici, ma come dinamiche sistemiche, frutto di una cultura che ancora oggi fatica a riconoscere la responsabilità collettiva. Mordini non cerca ambiguità morali, ma invita al dubbio, alla riflessione.

La lezione del film è che la verità – come suggeriva Foucault con il concetto (citato nella pellicola) di parhesia – è qualcosa che richiede coraggio: la capacità di parlare, ascoltare e riconoscere il dolore altrui. E proprio questa capacità sembra mancare alla società che circonda Elisabetta, incapace di vedere la sua solitudine e la sua paura.

Un thriller che dà voce ai colpevoli

Con La lezione, Stefano Mordini firma un progetto lontano da ogni spettacolarizzazione, sceglie la via della sobrietà e del turbamento interiore, offrendo un film che parla non solo di stalking e di violenza psicologica, ma anche del bisogno universale di essere riconosciuti e rispettati. La tensione è costruita con eleganza e la sceneggiatura di Infascelli e Mordini riesce a fondere introspezione e ritmo narrativo in modo naturale.