In un mondo dove gli esseri umani sono chiamati Zombie e in un’ambientazione quasi apocalittica (una Detroit che pare esser stata colpita da una guerra) fa il suo ritorno Jim Jarmush, regalandoci Only Lovers Left Alive, un film più originale e poetico nella storia dei non-morti succhia sangue. La sceneggiatura, scritta dallo stesso regista, è pervasa da una costante vena ironica (le battute su Los Angeles e sui vari dottori cinematografici sono da cult istantaneo) che impreziosisce una narrazione fluida e dal buon ritmo in cui i temi della decadenza dei nostri tempi, l’esistenza e il rapporto con gli altri sono da inserirsi nell’anti-paradiso terrestre di cui fanno parte Adam e Eve (notare come ogni personaggio del film non abbia un nome scelto a caso).

In Only Lovers Left Alive Adam ed Eve sono due vampiri sopravvissuti nei secoli che hanno avuto diversi contatti con gli umani (da loro chiamati zombie, probabilmente per l‘assenza di cervello) in tutta la loro storia. Lui è un musicista che non vuole farsi pubblicità e odia essere a contatto con la gente, lei è una donna elegante e garbata che cerca di mantenersi al passo con i tempi. Ma ora si trovano a dover lottare per la sopravvivenza, mantenendo il segreto sulla loro vera natura, in un mondo allo sbaraglio che mal sopportano. Tra mille difficoltà (tra cui la comparsa di Ava, la sorella ribelle di Eve) e musica underground, l’unica cosa che li terrà vivi e uniti sarà l’amore reciproco.

Only Lovers Left Alive, il film

L’amalgama tra regia e suoni è completa con la sinuosa macchina da presa del regista che si muove a ritmo della colonna sonora curata da Jozef Van Wissem (che con Jarmush ha composto l’interessante album The Mistery of Heaven) e il montaggio a coronare questa unione estetico-musicale quasi perfetta.

La classica ciliegina sulla torta è data dal cast stellare e straordinario in cui primeggia un’elegantissima e magnetica Tilda Swinton, seguita da Mia Wasikowska che si conferma in continua crescita, da un ottimo Tom Hiddleston bravissimo nel crearsi un’aura di divismo da classica rockstar e da un sempre bravo John Hurt.

Non ci sarà da meravigliarsi quindi se Only Lovers Left Alive diventerà un istant cult perché la genialità con cui parla della decadenza(culturale e umana) che la nostra era sta affrontando, attraverso un gusto estetico fuori dal comune e una sceneggiatura brillante sono caratteristiche uniche che meritano di essere premiate, così come il ritorno di un regista fondamentale per il cinema indie a stelle e strisce.

A proposito di Davis (Inside Llewyn Davis) è un’evoluzione di quello che fu A Serious Man, è un’altra parabola sulla vita di un uomo come tanti che si trasforma per l’occasione nel classico antieroe coeniano. La cura per la sceneggiatura da parte dei fratelli è come al solito il punto di forza: tra sarcasmo, cinismo e malinconia ci troviamo di fronte a una scrittura perfetta nel raccontare i personaggi e a tenere viva l’attenzione per le vicende, in cui le uniche pause concesse sono per valorizzare le canzoni.

In A proposito di Davis (Inside Llewyn Davis) nella New York del 1961 Llewyn Davis  (Oscar Isaac) è un cantautore folk che insegue il sogno di vivere della propria musica, ma il destino gli pone davanti tanti bivi e alcuni imprevisti. Tra improbabili compagni di viaggi, vecchie fiamme e tante canzoni, Llewyn Davis dovrà fare i conti con una vita avara di soddisfazioni.

Ma soprattutto i Coen ci restituiscono un personaggio ancora una volta memorabile e per il quale è impossibile non provare empatia; un amabile testardo che ignora tutti i segni che il destino gli pone davanti per cercare una strada che quantomeno lo gratifichi. La regia è il solito concentrato di talento che si muove tra perfetti movimenti di macchina e le classiche prospettive grottesche che valorizzano il personaggio di scena.

A proposito di Davis (Inside Llewyn Davis), il film

La fotografia curata da Bruno Delbonnel non fa rimpiangere il veterano Roger Deakins, coprendo le immagini con una patina autunnale e applicando una leggera desaturazione che va a evidenziare i grigi tipici della stagione ritratta. Gli attori sono tutti eccellenti da un Oscar Isaac che dipinge con struggente malinconia(soprattutto con l’utilizzo dello sguardo) il suo Llewyn Davis e si scopre un ottimo cantante, alla coppia Carey Mulligan – Justin Timberlake (sempre più convincente da attore e con davanti una carriera luminosa in questo ambito) per finire con uno straripante John Goodman in versione jazzman.

Un capitolo a parte lo merita la colonna sonora folk, sicuramente tra le migliori dell’anno. Giocata quasi interamente sul binomio chitarra voce, la composizione generale splende attraverso melodie tipiche dell’epoca (l’omaggio dovuto e voluto a Bob Dylan ad esempio), che vanno  a scaldare il cuore dello spettatore con brani sublimi quali “Hang Me, Oh Hang Me” e “Fare Thee Well (Dink’s Song)”.

I Coen si confermano con A proposito di Davis (Inside Llewyn Davis) i migliori registi/sceneggiatori nel portare sullo schermo l’umanità(intesa come condizione umana)  in tutte le sue sfaccettature con i personaggi tipici del loro cinema, creando un film magnifico, toccante e amaro allo stesso tempo, che non si risparmia momenti divertenti, con una colonna sonora strabiliante e una regia perfetta nel cogliere le disavventure del protagonista. Ma soprattutto è una pellicola che ci dice come le opportunità  e i fallimenti siano parte integrante della vita e bisogna sapere cogliere le prime e accettare i secondi ripartendo con un: “Au Revoir!”

Un uomo è in viaggio da solo nell’oceano indiano quando viene colpito prima da un container e poi da alcune tempeste che lo costringeranno a lasciare la sua imbarcazione e tentare la sopravvivenza in mare aperto su un gommone con quantità minime di cibo e acqua potabile. La sua tenacia e i pochi strumenti di navigazione rimasti lo aiuteranno a incrociare navi e mercantili su una rotta commerciale, ma il suo piccolo gommone pare invisibile nell’immensità dell’oceano…

All is Lost di J.C. Chandor (autore di Margin Call, ottimo film sulla crisi economica) è una pellicola  silenziosa, non muta, che continua una serie di survival movie basati sull’uomo contro l’acqua di cui l’ultimo esempio è Vita di Pi di Ang Lee (ma potremmo ricordare anche Cast Away di Robert Zemeckis e Sanctum di Alister  Grierson).

Ci sono momenti tesi, importanti, e altri ripetitivi e inutili soprattutto nella parte iniziale, ma Chandor riesce comunque a tenere in mano il film per buona parte della sua durata grazie a una regia sicura e ad alcune scelte di posizionamento della cinepresa decisamente efficaci.

Il regista infatti riprende molte immagini suggestive che coinvolgono gli elementi circostanti il protagonista: dalle nubi all’acqua, dal sole alla luna fino alle sinuose danze dei pesci sottostanti, la natura alimenta di continuo il motore del film e la sua brutale bellezza è sottolineata da una fotografia estremamente pulita di Peter Zuccarini e Frank DeMarco.

Il finale toglie qualcosa al film che, per come era stato costruito fino a quel momento, meritava una conclusione diversa, mentre quella proposta sullo schermo pare una stonatura abbastanza importante.

Robert Redford, è bravo nell’interpretare un uomo senza nome e senza passato e tiene in piedi un film che con un interprete poco carismatico avrebbe annoiato buona parte del pubblico; la sua fisicità riempie lo schermo e le espressioni che disegna con i soli occhi fanno il resto.

Nonostante una parte iniziale fiacca e un finale penalizzante, All is Lost è un film da vedere se non altro per le bellezze naturali, l’interpretazione del suo divo e una regia capace di cogliere il meglio da ogni situazione.

Joe Swanberg, regista semi sconosciuto al grande pubblico di Drinking Buddies ma famoso tra gli amanti del mumblecore, scrive e dirige questa smart comedy romantica che gioca con i canoni del genere andando a sfiorarli ma mai sfruttandoli realmente.

In Drinking Buddies Kate e Luke sono due amici e colleghi in un birrificio artigianale; i due amano scherzare tra loro, prendersi in giro, bere birra e soprattutto amano stare insieme senza bisogno di essere fidanzati. Entrambi infatti hanno una dolce metà che li attende a casa e con la quale hanno buonissimi rapporti. Un week end al mare però cambierà qualcosa in una coppia complicando scelte e percorsi. Ricorda un po’ Sideways, il capolavoro di Alexander Payne, per il modo di cui parla dei piaceri della vita proprio attraverso essi e per come riesce a far sorridere compiaciuto lo spettatore con la relazioni tra i personaggi, la differenza però sta tutta nella classe (registica e di scrittura), il regista di Paradiso Amaro in questo senso è molto più dotato del collega e per questo Drinking Buddies rimane inferiore.

Drinking Buddies, il film

Joe Swanberg comunque sfrutta bene i suoi personaggi per indagare il labile confine che vi è tra amore e amicizia, utilizzando dialoghi improvvisati che producono così reazioni molto spontanee nei protagonisti e botta e risposta che paiono  discussioni nate sul momento. L’impressione d’improvvisazione è costante tant’è che da un certo punto della trama non si sa mai dove potrebbe andare, vuoi per la situazione creatasi o per eccessi alcolici. Swanberg infatti inserisce quasi ovunque la birra utilizzandola come fine mezzo per le relazioni sociali e senza troppi moralismi ci dice come l’alcool sia un vero e proprio collante sociale(pare inoltre che durante le riprese gli attori fossero veramente brilli per facilitare al regista la situazione d’improvvisazione).

Il cast è valido ed ognuno dà un contributo più che sufficiente con Olivia Wilde che dimostra di non essere solo un bel viso e regala la sua migliore interpretazione in carriera riuscendo a distribuire una gamma di emozioni variegata e convincente, l’amalgama con Jake Johnson è ben riuscita, con l’attore di New Girl che sicuramente guadagnerà posizioni all’interno dello star system con questo film, mentre Anna Kendrick rimane la solita certezza. Joe Swanberg così confeziona un film semplice, leggero e ben recitato, che parla di temi classici aggiungendo qualche particolarità, ma soprattutto ricorda allo spettatore che la vita è ben più complessa di una commedia romantica hollywoodiana.

Ambientando la storia in un’epoca in cui la tecnologia andava dispiegandosi, Andrew Bujalski gira Computer Chess con pochi mezzi, ma scelti con consapevolezza, che va inserirsi nel mumblecore (sottogenere cinematografico che tra le sue caratteristiche vanta budget ridottissimi, attori amatoriali e sceneggiature improvvisate) attraverso un bianco/nero quasi televisivo e una metodologia da documentario.

In Computer Chess è la fine degli anni 70 quando multinazionali e ivy college si sfidano in una gara di scacchi mettendo in campo i loro migliori programmatori; ideatori a loro volta di software capaci di elaborare sofisticate strategie per arrivare allo scacco matto. Il premio finale per il vincitore sarà poi la sfida con un essere umano, uno tra i migliori giocatori di scacchi del mondo. Il torneo pare iniziare per il verso giusto, ma poi tra intoppi informatici, strani individui e situazioni paradossali la situazione andrà degenerando.

Computer Chess fa di questa paventata povertà il suo punto di forza, come ad esempio il formato 4:3 con cui è stato girato, (scelta comunque ponderata) che va a chiudere il film in un monitor, proprio uno di quelli dei primi computer, e sembra schiacciare i protagonisti sempre più oppressi da queste macchine. E da qui si possono riscontrare vari temi che Bujalski prova a inserire, partendo dal nostro rapporto con la tecnologia e la rapidità dell’innovazione, dimostrando come già all’inizio dell’era informatica si analizzasse il rapporto uomo-macchina attraverso un gioco che fa del calcolo e dell’intelligenza la sua base, concludendo poi il film con una domanda: siamo forse schiavi di tutta questa tecnologia?

Il film comunque si muove in un ambito comico-surrealistico che talvolta raggiunge livelli di assurdità sconcertante che riducono l’attenzione dello spettatore e rischiano di portare solo alla noia. Computer Chess è quindi un prodotto con spunti interessanti ma che talvolta è vittima  della sua stessa costruzione con le troppe stranezze che Bujalski si ostina a voler inserire per lunga parte del film causando un’insensata anarchia cinematografica.

David e Teddy sono due amici che stanno per partecipare al più grande party dell’anno a casa di un compagno di classe, i due però hanno obiettivi diversi per la serata: David deve farsi perdonare dalla fidanzata mentre Teddy ha intenzione di rimorchiare quante più ragazze possibile.

Ma un evento sovrannaturale, che sdoppia letteralmente le persone, cambia radicalmente le prospettive dei partecipanti portando caos e violenza all’interno della festa.

Commedia sci-fi dai tratti cupi che nella prima parte ricorda i tipici college movie americani (Project x su tutti e alcune sfumature di American Pie) ma poi si concede derive fantascientifiche e tocchi tra horror e thriller.

Si capisce bene quindi come Dennis Iliadis abbia voluto tentare tante strade per il suo nuovo film non riuscendo però a trovarne un’adatta perché il lungometraggio non funziona per nessuno dei generi prima citati.

Il regista vuole parlare di doppio, di personalità e dell’animo umano ma finisce con l’accennare queste tematiche per dare quanto più spazio possibile all’azione, perdendo così una buona occasione per fare qualcosa di innovativo, che potesse divertire e il pubblico e farlo riflettere su aspetti importanti dell’individuo.

Gli attori poi non incidono particolarmente, incastrati in personaggi abbastanza visti e rivisti, non riescono a esprimere emozioni di alcun tipo, nemmeno Rhys Wakefield (visto recentemente ne La notte del giudizio, in cui nella parte del cattivo di turno era molto più che convincente) riesce ad essere efficace restituendo un personaggio irritante e per il quale è difficile provare empatia.

Per fortuna Plus One è breve e ha un buon ritmo che lo fa scorrere via veloce, ma quello che rimane a fine proiezione è un pasticcio di generi e concetti che sa di occasione persa; soprattutto perché l’idea di fondo, sviluppata diversamente, poteva essere molto buona.