In Ciliegine Amanda è una donna che ha una particolare intolleranza  per le disattenzioni maschili: non sopporta infatti che il suo compagno dopo un anno di vita insieme ancora non si ricordi che lei non ama lo champagne, né la gazzosa, né nulla che contenga gas, o che abbia una vitale importanza per lei la delicatezza di condividere le cose, come l’unica ciliegina su di una fetta di torta. Dopo che Amanda ha lasciato l’ultimo compagno, la sua amica Florence la invita a passare il capodanno insieme. Lì la donna conosce Antoine, con il quale scatta un’intesa immediata, dovuta però al fatto che lei è convinta che l’uomo sia gay. Ne nascono una serie di equivoci, inizialmente involontari poi condizionati dagli amici e conoscenti dei due, che proveranno a far superare ad Amanda la sua “androfobia” e a far convolare i due in una giusta relazione.

Laura Morante è un’icona  del nostro cinema recente, sia per bravura che per bellezza. Un’altra emigrata adorata dai “cugini” francesi, con meno glitter della première dame “Carlà”, ma di sicuro con uno spessore tale che le ha permesso di realizzare lì il suo primo film da regista. La storia che anima il film è molto semplice, si giostra sulla struttura della commedia degli equivoci che trova le origini ancestrali in Shakespeare e quelle francesi in Marivaux, dove però di solito l’equivoco non riguardava l’orientamento sessuale di uno dei protagonisti, ma piuttosto si trattava di  uno dei personaggi principali che era il desiderante o il desiderato e che si travestiva da sesso opposto. Il riferimento a Marivaux è quello alla sua operetta “Il gioco delle parti” in cui appunto la commedia e i personaggi volteggiano attorno ad un argomento leggero come l’amore e la seduzione, così come fa in questo suo film la Morante.

La leggerezza non appartiene però al personaggio di Amanda, la protagonista interpretata dalla stessa attrice, ma a tutti i suoi coprotagonisti, a partire da Florence, già vista in Emotivi anonimi, che ha un ruolo principale nell’ordire l’equivoco per il bene della sua amica, e Frèderic Pierrot che interpreta il collega di Florence che è veramente gay e con il quale Amanda confonde Antoine, e che diventerà il motore che farà scattare  la gelosia nella donna.

Un discorso a parte va fatto per il coprotagonista, Antoine, un affascinante Pascal Elbè, che però non ha veramente molta voce in capitolo nella storia: dipinto come un timido uomo che sta vivendo, lacerato dalla sofferenza, la separazione dalla moglie, evento che viene messo in scena con le luci di un dramma intimista anni 60, ha pochissime battute ed in effetti è la stessa Amanda a definirlo un uomo che ascolta più che raccontare i suoi fatti privati. La recitazione è quindi spostata tutta sulla mimica, del corpo e facciale, che raccontano il disagio dell’uomo nel vivere due relazioni, la separazione e la conoscenza di Amanda, di polarità completamente opposta.

L’altro punto di riferimento di Laura Morante è sicuramente anche la commedia di Woody Allen, di cui però manca la ferocia ironia, mentre non mancano le soluzioni registiche da lui utilizzate: una descrizione esaustiva della città in cui si svolge l’azione, in questo caso Parigi, la continua diserzione di uno dei personaggi su di un argomento in modalità ossessiva, e l’uso dei terapisti come confessori e complici e del cinema come unico rifugio.

Il risultato finale di Ciliegine è una commedia piacevole un buon ibrido di cultura francese e italiana, ma anche di una certa cura e riconoscenza verso altri autori, un buon prodotto in cui il cast tecnico, quasi interamente italiano; Maurizio Calvesi direttore della fotografia, Esmeralda Calabria al montaggio, Daniele Costantini alla sceneggiatura, q sottolinea ancora una volta come un film semplice possa essere comunque un buon prodotto commerciale, ed una storia non limitata ai confini di un paese.

Anno:  2002

Regia: Chris Wedge, Carlos Saldanha

Con le voci di: Ray Romano/Leo Gullotta (Manfred); John Leguizamo/Claudio Bisio (Sid); Denis Leary/Pino Insegno (Diego); Goran Visnjic/Ennio Coltorti (Soto)

Trama: L’era Glaciale è la storia di quattro personaggi disfunzionali: Manny, un acerbo e lanuginoso mammuth, Sid, un irriverente e forastico bradipo, e Diego, una scaltra tigre dai denti a sciabola. Questo improbabile trio è costretto a collaborare per riportare un cucciolo d’uomo alla sua famiglia.

Analisi: Simpatico, divertente e soprattutto intelligente, perché l’Era glaciale oltre a presentarsi come uno dei film rivelazione dell’anno per la vivacità dei contenuti e la semplicità con la quale sono stati raccontati, si adatta perfettamente ad un pubblico adulto, il quale sa apprezzarne la profondità e la sensibilità. In particolare, ad esser posto in primo piano è il tema dell’amicizia, raccontato attraverso le avventure dei tre inusuali compagni di viaggio, dalle cui peripezie affrontate insieme sapranno cogliere il grande sentimento che li lega e li aiuterà vicendevolmente.

Protagonisti del  film sono un Mammut brontolone che si ritrova ad affrontare la tanto attesa era glaciale in solitudine, diversamente dalle abitudini della propria specie, un goffo e simpatico bradipo, la cui voce nella versione italiana è strategicamente affidata  a Claudio Bisio dalla cui comicità è difficile esimersi, e una atipica tigre la cui tenera indole verrà fuori nel corso del loro difficile e imprevedibile viaggio. A fare da contorno è la delicata missione dei tre audaci: riportare un piccolo bebè alla propria famiglia.

Nonostante la direzione cosi come la realizzazione grafica del cartone sia stata affidata ad esordienti in fatto di lungometraggi, il risultato ottenuto è indiscutibilmente grandioso; non solo per i dialoghi, divertenti ed esilaranti, ma soprattutto per l’originalità con la quale L’era glaciale si discosta notevolmente dai pomposi e barocchi lavori tipicamente hollywoodiani. Le ambientazioni, essenziali e nitide, e la straordinaria espressività dei personaggi ne hanno garantito infatti un successo inaspettato.

Dunque non solo un cartone animato destinato ai bambini, ma anzi, sulla stregua delle produzioni firmate Fox, L’era glaciale  si pone tra i lungometraggi che più affascinano il mondo degli adulti proprio per la sua leggerezza e la sua semplicità. D’altronde il successo riscontrato ai botteghini con la sua prima uscita nel 2002 è valso un seguito lungimirante che ad oggi conta ben 3 sequel, l’ultimo dei quali, L’era glaciale 4- Continenti alla deriva, nelle sale cinematografiche dallo scorso gennaio.

Peter Pan è il film del 2003 diretto da P. J. Hogan con protagonisti Jeremy Sumpter, Jason Isaacs, Rachel Hurd-Wood, Olivia Williams e Ludivine Sagnier.

• Anno: 2003
• Regia: P. J. Hogan
• Cast: Jeremy Sumpter, Jason Isaacs, Rachel Hurd-Wood, Olivia Williams, Ludivine Sagnier

Peter Pan, la trama: Tutti i bambini, salvo uno, crescono: la storia di Peter Pan, primo e forse vero unico mito del ventesimo secolo, ha conosciuto fra grande e piccolo schermo un’infinità di trasposizioni, ma solo poche possono davvero vantare la giusta fedeltà all’opera originale; una di queste, l’ultima realizzata finora, è senza dubbio la versione firmata nel 2003 da P. J. Hogan (il matrimonio del mio migliore amico), che raccoglie senza esitazione l’eredità del personaggio creato dalla magica penna di James Matthew Barrie.

Peter Pan, l’analisi

Senza dimenticare il passato ma egualmente determinato a perseguire una propria e indipendente visione, Hogan riesce nell’impresa di raccontare le arcinote avventure del bambino che non voleva crescere come se le  stessimo vedendo per la prima volta, complice una straordinaria resa visiva e una caratterizzazione dei personaggi che non ha timore di scavare in profondità, restituendo alla più incantevole delle fiabe la metafora dell’arduo e difficile cammino verso l’età adulta.

Per Wendy Darling, tredicenne che non vuole abbandonare la stanza dei fratelli e sogna di vivere fantastiche avventure piuttosto che iniziare a preoccuparsi delle cose dei grandi, volare verso l’Isola che non c’è è un’opportunità troppo allettante e imperdibile: peccato che, fra fate dispettose e perfidi pirati, i primi turbamenti dell’adolescenza non risparmino nessuno, nemmeno il grande Peter Pan: già presente sulla carta ma mai esplicitamente urlato, nello screenplay scritto a quattro mani dal regista insieme a Michael Goldenberg il legame fra Peter e Wendy si nutre di sguardi intensi e baci castissimi, trasformandosi in un sentimento tenero e potente come solo il primo amore può essere.

Peter Pan

In un cast di giovani attori praticamente esordienti, Jeremy Sumpter e Rachel Hurd-Wood (le cui carriere in futuro sarebbero continuate in modo altalenante) sembrano di fatto nati per la parte, pronti a volare alto sulla scena e a dimostrare di essere davvero gli interpreti ideali di Peter e Wendy: il primo, biondo quattordicenne la cui “americanità” contribuisce non poco a marcare l’arroganza e l’incoscienza che rendono Pan diverso da ogni altro bimbo sperduto, dà vita a un eroe reale e autentico, che pur consapevole di non potere né volere affrontare le paure di un mondo destinato a invecchiare e morire, nasconde una solitudine che nessuna grande avventura potrà mai colmare. Rachel Hurd-Wood, nel ruolo di una Wendy spaventata dal futuro ma allo stesso tempo assai più matura e consapevole del peso delle proprie scelte, è invece la ragazzina che tutti almeno una volta siamo stati, desiderosa di inseguire le fantasie dell’infanzia ma cosciente del fatto che, per riuscire a vivere davvero, alcuni sogni vanno messi in un cassetto, pronti a saltare fuori nei momenti più bui per darci la forza di andare avanti.

Fra i pochi adulti, Jason Isaacs è indimenticabile nell’incarnare (com’era nella prima versione teatrale dell’opera) sia il mite Signor Darling, padre affettuoso ma troppo debole secondo Wendy, che lo spietato Capitan Uncino, riflesso oscuro della paura del tempo e della morte che inquieta la sua nemesi Peter Pan e decisamente più attraente agli occhi della ragazzina; bellissima, anche se visibile solo per poche scene è invece la Signora Darling di Olivia Williams, dolce proprietaria del bacio nascosto che la figlia non riesce mai a vedere, moglie amorevole e madre devota ma sempre pronta a credere nelle fate.

L’Isola che non c’è, luogo dove trovano rifugio tutti i sogni dei bambini e che vive della presenza di Peter Pan, è dipinta con luminose tinte pastello e intensissime sfumature dalla fotografia di Donald McAlpine, dove a dominare sono il rosa del cielo nel mattino(identico a quello dipinto sul soffitto della stanza di Wendy, John e Michael)e il blu della notte, reso brillante dalle luci delle stelle e delle fate.

Prodotta da Mohammed Al-Fayed e dedicata allo scomparso figlio Dodi (proprio al film è stata dedicata l’esposizione natalizia del 2010 di Harrods), Peter Pan di P. J. Hogan è un sogno ad occhi aperti, per tutti   i bambini che continuano a scrutare il cielo sperando che Peter venga a prenderli per portarli sull’Isola ma anche per gli adulti, che fermi per caso davanti a una finestra in segreto lo stanno ancora aspettando.

Lady in the Water è il film del 2006 diretto da M. Night Shyamalan e con protagonisti Paul Giamatti, Bryce Dallas Howard, Freddy Rodriguez, Jeffrey Wright, Bob Babalan e M. Night Shyamalan.

Lady in the Water, la trama: La vita fin troppo tranquilla di Cleveland, custode di un condominio di Filadelfia (Paul Giamatti), viene sconvolta dall’incontro con Story, un Narf, ossia una ninfa acquatica mandata nella nostra dimensione con lo scopo di trasmettere a uno scrittore un  messaggio, essenziale per completare un suo libro, destinato ad essere un testo fondamentale nella formazione di un futuro leader; il suo tentativo è però ostacolato da uno Scrunt, una creatura simile ad un lupo, dotato della  capacità  di mimetizzarsi.

Aiutato da un’anziana inquilina cinese, che ben conosce i miti legati alle Narf, Cleveland raccoglie attorno a sé vari inquilini del condominio, ognuno con un compito specifico, per aiutare la ninfa nella sua missione: la Narf riuscirà a comunicare allo scrittore (interpretato dallo stesso regista) il messaggio, e Cleveland organizzerà una festa nella piscina condominiale come diversivo per permettere alla ninfa di tornare nel suo mondo, fuggendo dalle grinfie dello Scrunt. Lo stratagemma però fallisce, perché il protagonista ha sbagliato clamorosamente nell’assegnare i vari ‘ruoli’ nella vicenda.

Lady in the Water, l’analisi

Analisi: Lady in the water è probabilmente stato il film più sfortunato di M. Night Shyamalan: costato 75 milioni di dollari, si è rivelato un fiasco al botteghino ed è stato bersagliato dalla critica, finendo per ricevere vari premi per i ben poco ambiti Razzie Award; un colossale insuccesso che, in parte, ha ridimensionato la carriera del regista indiano, che a quei tempi godeva ancora del credito conquistato col Sesto senso ed era reduce dal tutto sommato non pessimo The Village. In seguito, Shyamalan si è dedicato al catastrofico-naturalistico E venne il giorno e all’animato L’ultimo dominatore dell’aria, mentre per il 2013 è previsto il post-apocalittico After Earth.

Tuttavia, più che un fiasco, Lady in the water appare piuttosto un film almeno in parte incompreso: forse il nocciolo della questione sta nel costo di un film che poi sullo schermo non sembrava aver mantenuto quanto promesso in termini di budget.

In realtà il film costituisce una singolare variazione sul tema della ‘compagnia’ di estrazione fantasy, formata da vari personaggi che finiscono per concorrere a uno scopo comune. Probabilmente a lasciare insoddisfatti critica e pubblico è stata soprattutto la staticità dell’ambientazione: invece che il classico ‘viaggio’, tutto si risolve nel microcosmo del condominio, fatto di ambienti spesso angusti, che trasmettono una costante sensazione di lieve claustrofobia, complici anche atmosfere sempre piuttosto buie.

Paul Giamatti svolge abilmente il compito in interpretare  l’uomo comune che coinvolto in una storia più grande di lui, è portato erroneamente a pensare di esserne il fulcro, subendone le conseguenze, mentre la Bryce Dallas Howard (già vista in The Villane), qui sfrutta pienamente la sua bellezza diafana, efficacemente messa al servizio di un personaggio ‘sfuggente’ come quello di una ninfa.

Del cast fanno parte anche Freddy Rodriguez, reduce dal discreto successo ottenuto con la partecipazione alla serie Six Fee Under (e che in seguito farà parte del cast di Grindhouse – Planet Terror) e il giovanissimo Noah Gray-Cabey, che poi avrebbe fatto partecipato alla serie tv  Heroes.

Certo, il tema di fondo del film, la classica domanda sul ‘fine ultimo della vita’ è lontano da qualsiasi pretesa di originalità; né è nuovo il modo in cui esso viene affrontato, inserendo l’elemento di quel tanto di imprevedibilità che mette improvvisamente le persone di fronte ai loro enormi errori di valutazione.

Si tratta certo di limiti che possono lasciare interdetto lo spettatore, e d’altra parte ai tempi da Shyamalan ci si aspettava forse un film di tutt’altro profilo: tuttavia preso per ciò che è, una moderna ‘fiaba per adulti’, Lady in the water è un film in fondo godibile, per quanto forse un po’ statico, e in parte appesantito dai ritmi lenti e i colori in chiaroscuro.

In Poker Generation Filo (Piero Cardano) e Tony (Andrea Montovoli), due fratelli diametralmente diversi, vivono a Scicli, un piccolo centro della Sicilia, ma per fuggire la monotonia della vita di paese e la tristezza per una situazione familiare molto drammatica, i due si rifugiano nei loro sogni. Quando la sorellina si ammalerà gravemente, per guadagnare i soldi necessari a pagare l’operazione chirurgica che potrebbe salvarle la vita, i due ragazzi andranno a Milano alla ricerca di Joyce,  il  campione Italiano di Poker Texas Hold’em, con la speranza di imparare da lui i turchi per vincere al Poker.

Gianluca Mingotto ma soprattutto il produttore Fabrizio Crimi, mettono in piedi un film che ha come scopo principale quello di mostrare il lato “buono” del Poker. Il Poker ed in particolare il Texas Hold’em, non è un semplice gioco d’azzardo possibile fonte di pericolosa dipendenza (pericolosa soprattutto per il portafogli ), ma i due autori lo ridipingono come una disciplina sportiva a tutti gli effetti con tanto di preparazione atletica in questo caso non dei muscoli, ma del cervello. Crimi infatti, oltre ad essere produttore di questo Poker Generation completamente indipendente, è anche un top manager nel settore del Gaming On Line.

Poker Generation, il film

La mossa promozionale, quindi, è del tutto manifesta anche se va a questo film il merito di essere quasi totalmente auto prodotto e di avere un cast tecnico ed artistico composto per la maggior parte da giovani esordienti (escludendo la partecipazione di Francesco Pannofino e di Lina Sastri nel ruolo dei genitori di Filo e Tony). Questo aspetto influenza le scelte stilistiche della pellicola che in molti momenti per fluidità e ritmo ricorda un video musicale (Mingotto, regista esordiente sul grande schermo, ha realizzato precedentemente alcuni videoclip e spot pubblicitari).

Poker Generation presenta  una certa freschezza dal punto di vista stilistico, le pecche sono da riscontrare nella sceneggiatura e nella costruzione narrativa. Purtroppo la sceneggiatura è stata scritta quasi esclusivamente per dimostrare che il gioco del Poker non è un gioco cattivo e pericoloso, non è un gioco d’azzardo ma uno sport e che con il Poker (e soprattutto con i tornei), è possibile cambiare la propria vita, anzi il Poker è metafora  della vita stessa.

I dialoghi molto spesso presentano frasi altisonanti e retoriche nonostante il regista stesso tenga a precisare come la pellicola sia il frutto di un’attenta e lunga documentazione sul campo effettuata  intervistando giocatori professionisti e provando egli stesso a giocare. Il risultato si discosta dal documentario e anzi è pesante il debito che Poker Generation ha nei confronti del premio Oscar The Milionaire. Anche qui infatti come nel film di  Danny Boyle ci sono due fratelli poveri: uno intellettualoide e un po’ sfigato, l’altro bello e con ambizioni da gangster e mentre lì lo strumento di riscatto era il quiz televisivo, qui il torneo di Poker. Addirittura sono simili i momenti finali in cui i protagonisti affrontano il loro destino inquadrati in uno schermo televisivo con le persone care che fanno il tifo.

In Poker Generation, invece, Mingotto da buon mestierante ce la mette tutta per soddisfare le esigenze della committenza. Questa non vuole assolutamente essere una critica, anzi piuttosto è un merito centrare un simile obiettivo quando si sta lavorando ad un prodotto commerciale. La caduta di tono, piuttosto, sta nel voler spacciare un film un po’ ruffiano per un’opera indipendente d’avanguardia.

Tutto il film è patinato come in uno spot televisivo ed anche la giovane ragazza madre di cui Filo si innamora (Francesca Fioretti), ha le sembianze di una statuaria ballerina di Lap Dance (il secondo lavoro che è costretta a fare per mantenersi).