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KPop Demon Hunters – Aggiornamento sul film live-action: il regista torna sui suoi precedenti commenti

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Da quando KPop Demon Hunters ha debuttato su Netflix e ha conquistato il mondo, ci sono state molte speculazioni su come proseguirà il franchise, ricco di potenziale. Mentre alcune fonti rivelano che Netflix e Sony sono in trattative per un sequel di KPop Demon Hunters, circolano anche voci su un potenziale adattamento live-action, data la popolarità di questo trend a Hollywood.

La creatrice e co-regista di KPop Demon Hunters, Maggie Kang, aveva precedentemente commentato la possibilità di un adattamento live-action, mostrandosi almeno incuriosita dall’idea. Nel giugno 2025 Kang aveva dichiarato a Forbes: “Mi è piaciuto molto [How To Train Your Dragon]. Ero seduta in sala e pensavo: chissà se qualcuno vorrebbe vedere un KPop Demon Hunters live-action. Come sarebbe?

Tuttavia, sembra che da allora abbia cambiato idea, concordando ora con alcuni dei potenziali problemi discussi riguardo a un live-action di KPop Demon Hunters. In un’intervista alla BBC, Kang ha dichiarato: “È davvero difficile immaginare questi personaggi in un mondo live-action. Sembrerebbe troppo realistico. Quindi per me non funzionerebbe affatto.” Il co-regista di Kang, Chris Appelhans, ha aggiunto:

Una delle cose fantastiche dell’animazione è che puoi creare personaggi con caratteristiche incredibili. Rumi può essere un comico buffo e un attimo dopo cantare, eseguire un calcio rotante all’indietro e poi cadere in caduta libera nel cielo.

Il bello dell’animazione è quanto puoi spingere e elevare ciò che è possibile. Ricordo che hanno adattato molti anime diversi e spesso il risultato è un po’ artificioso.

KPop Demon Hunters segue un trio di superstar del K-pop che di notte fanno i cacciatori di demoni. Sono ritratti come personaggi buffi e con cui è facile identificarsi, spesso ricorrendo a tecniche di animazione esagerate per trasmettere la loro stupidità. Tuttavia, la loro amicizia e la loro missione sono messe a repentaglio dal fatto che la cantante principale, Rumi (Arden Cho), tiene segreto il proprio retaggio demoniaco.

Oltre ad alcune delle migliori scene comiche del film, che risaltano al meglio nell’animazione, il mezzo è uno strumento per elevare i temi della connessione attraverso la musica e il modo in cui funzionano i poteri vocali dei cantanti. Le loro esibizioni e la passione dei loro fan alimentano l’Honmoon, una barriera magica che protegge il mondo dai demoni e che è un elemento visivo sorprendente in tutto il film.

Nel live action, questo elemento, così come i demoni, richiederebbe probabilmente una certa quantità di CGI, con risultati che potrebbero essere molto pacchiani. L’animazione permette al mondo di KPop Demon Hunters e alle sequenze d’azione guidate dalla musica di essere più fantastiche, cosa difficile da immaginare nel live action, anche se la Disney ha ripetutamente cercato di farlo funzionare con molti personaggi in CGI.

Kang sottolinea anche un altro aspetto importante: “Sarebbe troppo realistico.” Questo sottolinea che parte del fascino di KPop Demon Hunters è il suo tono stravagante, che accompagna una storia seria e coinvolgente, mantenendo un attento equilibrio nei temi. Tuttavia, rendere qualcosa di più serio rifacendolo in live action, tradizionalmente considerato il mezzo più prestigioso, non funziona per ogni opera d’arte.

I remake live-action continuano a proliferare a Hollywood perché sono provati successi al botteghino, attirando in massa i fan delle proprietà più amate. Un live-action di KPop Demon Hunters probabilmente otterrebbe questi risultati. Tuttavia, Kang e Appelhans hanno scelto di continuare a lavorare con il mezzo che ritengono più adatto alla storia.

Stephen King recensisce con grande entusiasmo The Running Man

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Il famoso autore horror Stephen King ha rivelato la sua recensione del remake di The Running Man prima dell’uscita del film il mese prossimo, lo stesso giorno in cui è stato presentato il nuovo trailer. Su X, King ha infatti condiviso le sue opinioni sul film, adattamento cinematografico del suo romanzo omonimo pubblicato nel 1982. King ha dichiarato: “L’ho visto ed è fantastico. È il DIE HARD dei nostri tempi. Un’avventura emozionante che mette d’accordo tutti”.

Il paragone di King con il film d’azione Die Hard, con Bruce Willis, potrebbe avere molte connotazioni, tra cui quanto quel film sia diventato un punto di riferimento per gli appassionati di azione. Un altro commento degno di nota di King è il “bipartisan thrill ride” (un’avventura emozionante che mette d’accordo tutti), che può essere interpretato in molti modi, ma che di solito è incentrato sul superamento delle divisioni politiche. Forse l’interpretazione di Wright di The Running Man potrebbe avere un significato molto più profondo per gli spettatori al momento dell’uscita.

Quello che c’è da sapere su The Running Man

The Running Man vede Glen Powell nei panni di Ben Richards, che partecipa a una competizione in cui deve sopravvivere mentre viene braccato da killer professionisti, il tutto per salvare la figlia malata. Richards viene inseguito per 30 giorni e deve sopravvivere contro ogni previsione per vincere. Il film uscirà il 13 novembre in Italia.

Edgar Wright dirige questo adattamento. Wright è famoso soprattutto per Baby Driver e L’alba dei morti dementi, film ricchi di azione e memorabili. Accanto a Powell, c’è un cast stellare che include Josh Brolin, William H. Macy, Michael Cera, Lee Pace ed Emilia Jones.

Questo è l’ultimo adattamento di King in uscita quest’anno e si spera che sia uno dei migliori. Essendo un fan di The Running Man di King, Wright voleva assicurarsi di essere fedele alla fonte e includere ciò che l’adattamento originale non aveva. Wright ha dato a King l’approvazione finale della sceneggiatura e lo scrittore è stato molto soddisfatto del risultato. L’autore ha dichiarato: “Ero molto curioso di sapere come avresti affrontato il finale e penso che tu abbia fatto un ottimo lavoro”.

Taylor Swift annuncia una nuova versione del film The Eras Tour in arrivo su Disney+

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Taylor Swift ha annunciato ufficialmente una nuova versione del suo film, The Eras Tour, che sarà trasmesso in streaming su Disney+ a partire dal 12 dicembre.

Swift ha dato la notizia durante la sua apparizione al programma Good Morning America il 13 ottobre. La cantante 35enne ha rivelato che offrirà ai fan l’accesso al dietro le quinte del tour Eras, che non avrebbero potuto vedere nel suo primo film-concerto del tour mondiale.

In un post sui suoi social media, Swift ha condiviso il trailer ufficiale, che mostra ciò che i fan possono aspettarsi dalla prossima uscita e ha dichiarato: “Era la fine di un’era, e lo sapevamo”. Ha poi aggiunto:

Volevamo ricordare ogni momento che ha portato al culmine del capitolo più importante e intenso della nostra vita, quindi abbiamo permesso ai registi di immortalare questo tour e tutte le storie che lo hanno intessuto man mano che volgeva al termine. E di filmare l’intero spettacolo finale.

The Eras Tour. Taylor Swift | The Eras Tour | The End of an Era, una docuserie-evento composta da 6 episodi che racconta, da dietro le quinte, lo sviluppo, l’impatto e i meccanismi interni alla base del fenomeno The Eras Tour, e Taylor Swift | The Eras Tour | The Final Show, il film concerto integrale che presenta per la prima volta “THE TORTURED POETS DEPARTMENT”, saranno disponibili in streaming dal 12 dicembre solo su Disney+.

Taylor Swift: The Eras Tour: The Final Show arriverà su Disney+ a dicembre con le riprese della sua ultima esibizione a Vancouver l’8 dicembre 2023. Il tour biennale ha incassato 2 miliardi di dollari in tutto il mondo e Swift si è esibita per oltre 10 milioni di fan in 149 spettacoli in cinque continenti. La cantante ha anche dato impulso alle comunità locali, tra cui un aumento di 300 milioni di dollari all’economia di Londra, grazie alle otto esibizioni di Swift al Wembley Stadium.

L’annuncio segue il suo ultimo film, Taylor Swift: The Official Release Party of a Showgirl, che ha superato i principali film di Hollywood al momento della sua uscita. Il film ha incassato oltre 50 milioni di dollari durante la sua limitata distribuzione nelle sale. The Official Release Party of a Showgirl presentava filmati dietro le quinte e video musicali per accompagnare il suo nuovo album, The Life of a Showgirl.

The Eras Tour: The Final Show uscirà insieme a una docu-serie in sei parti che mostra il suo periodo durante l’Eras Tour, che sarà disponibile in streaming anche su Disney+ a partire dal 12 dicembre.

Il primo film di Swift, Taylor Swift: The Eras Tour, ha battuto diversi record quando è uscito nel 2023. In particolare, è diventato il film-concerto di maggior incasso di tutti i tempi con oltre 261 milioni di dollari. Il nuovo film includerà anche la creazione del suo album The Tortured Poets Department, che non era ancora uscito al momento dell’uscita del primo film, ma era in fase di realizzazione mentre lei era in tour.

The Eras Tour: The Final Show è diretto da Glenn Weiss e prodotto dalla società di produzione dell’artista, la Taylor Swift Productions.

Al Pacino interpreterà nuovamente un boss mafioso in un thriller scritto da Luc Besson

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Al Pacino, ricordato per sempre per la sua interpretazione intimidatoria e complessa in Il padrino, interpreterà il ruolo di un altro boss della malavita in un nuovo intrigante thriller d’azione. Al suo fianco reciteranno Kiefer Sutherland ed Ever Anderson, quest’ultima diventata famosa grazie al ruolo della giovane Natasha Romanoff nel film Black Widow della MCU.

Oggi (13 ottobre), Variety ha annunciato che Pacino reciterà nel thriller Father Joe, ambientato nella Manhattan degli anni ’90, scritto e prodotto da Luc Besson (Leon: The Professional). Sutherland interpreterà un uomo di fede che combatte i criminali della città, scontrandosi con il personaggio del boss mafioso interpretato da Pacino. Nel frattempo, una giovane donna (Anderson) sotto la supervisione di Joe viene coinvolta nella mischia.

Barthélémy Grossmann (Arthur: Malediction) dirigerà Father Joe, le cui riprese inizieranno questo mese. Questo fa prevedere che Father Joe uscirà alla fine del prossimo anno, se si vuole competere nella stagione dei premi 2027. Sutherland è anche produttore, insieme alle società LB Production ed EuropaCorp. Sutherland ha dichiarato:

Sono un fan di Luc Besson sin dai tempi di Subway. Come regista e sceneggiatore, ha una capacità unica di intrecciare dramma e azione senza sacrificare nessuno dei due. Sono davvero entusiasta di questa opportunità di lavorare con lui come sceneggiatore di Father Joe e con il regista Barthélémy Grossmann. Non vedo l’ora di iniziare.

Se Father Joe sarà accolto favorevolmente dalla critica, potrebbe lanciare la diciassettenne Anderson, già una stella nascente di grande rilievo, verso nuovi livelli di fama. Dopo la sua breve ma incisiva interpretazione in Black Widow, Anderson ha ottenuto un altro ruolo di alto profilo come uno dei personaggi principali nel film Disney del 2023 Peter Pan & Wendy. Anderson appare anche in Resident Evil: The Final Chapter e Bionic Buzz.

Pacino che interpreta un altro ruolo nel genere poliziesco sarà sempre benvenuto, avendo consolidato la sua eredità in questo campo con Il padrino, Scarface, Heat, The Irishman e altri. Tuttavia, questo nuovo film sembra che si concentrerà maggiormente sul suo rivale; Kiefer Sutherland è stato il protagonista della serie d’azione 24, ma appare anche in film riflessivi come Melancholia.

Il commento di Sutherland sulla “capacità di intrecciare dramma e azione” di Besson offre forse qualche indizio su come sarà Father Joe, senza dubbio emozionante con scene di combattimento avvincenti, ma anche radicato nei suoi personaggi. In particolare, la battaglia tra Pacino e Sutherland potrebbe essere centrale, dato che si scontrano a livello morale e sostengono visioni del mondo molto diverse.

Tuttavia, probabilmente sarà ancora Anderson a emergere come il cuore di questo film in uscita, se il modo in cui il conflitto influisce su un giovane coinvolto diventerà il tema centrale. Con una leggenda come Al Pacino a bordo, la produzione spera probabilmente almeno in qualche riconoscimento ai premi del prossimo anno, che otterrà se questo sarà davvero un thriller poliziesco originale con un messaggio chiaro.

Channing Tatum è ancora stupito dalla popolarità del suo meme virale su Jump Street

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Channing Tatum ha recitato in film acclamati dalla critica e successi al botteghino, ma una delle cose per cui è più ricordato è una citazione tratta da 22 Jump Street che è diventata un meme virale, ma che secondo l’attore non sembrava particolarmente memorabile quando è stata girata inizialmente.

Il meme in questione è quando Jenko, interpretato da Tatum, mentre lavora sotto copertura, viene interrogato dai criminali su cui stanno indagando. Lui risponde, con una voce strana: Mi chiamo Jeff.” Quel momento comico, ormai iconico, è tornato alla ribalta perché nel nuovo film di Tatum, Roofman, l’attore interpreta un personaggio che si chiama proprio Jeff.

L’attore ha parlato di questa coincidenza in un’intervista con Ash Crossan di ScreenRant in occasione dell’uscita di Roofman, anche se ammette di “non averci nemmeno pensato” inizialmente. Riconosce che probabilmente dovrebbe, perché lo sente dire abbastanza spesso, anche se di solito in un luogo insolito: gli aeroporti.

Lo sento ogni volta che passo i controlli della TSA. Qualcuno della TSA, direi oltre il 95% delle volte, dice “Mi chiamo Jeff”.

Tatum aggiunge che “è incredibile cosa diventa pop culture”, perché ha detto che la battuta “non era nemmeno così divertente quel giorno”. Ma la battuta è parte di ciò che rende la serie Jump Street un classico della commedia recente.

Questo ha portato molti a riflettere sul destino di Jump Street. Tatum e Jonah Hill hanno recitato in 22 Jump Street nel 2014 e, sebbene ci siano state voci su un altro film, nulla è stato confermato. Tatum non crede che ci sarà mai un nuovo capitolo a causa del potenziale budget. Tuttavia, questo dà a Tatum la possibilità di recitare in nuovi progetti, come Roofman.

Basato su una storia vera, Roofman vede Tatum nei panni di Jeffrey Manchester, che, dopo essere finito in prigione per aver rapinato una serie di McDonald’s irrompendo dai tetti durante la notte, fugge e si nasconde in un Toys “R” Us per mesi. Mentre è nascosto, assume una nuova identità e inizia una relazione con una dipendente, rischiando la sua libertà per avere la possibilità di un legame reale.

La donna della cabina numero 10: finale e cosa è successo alla vittima spiegato in dettaglio da Keira Knightley e dal regista

La donna della cabina numero 10 porta la ricerca della verità di Laura “Lo” Blacklock (Keira Knightley) a un finale sorprendentemente felice, dopo la rivelazione del colpo di scena su cui ruota la trama. Basato sull’omonimo romanzo di Ruth Ware, il nuovo thriller di Netflix segue Lo, una pluripremiata giornalista del Guardian, che accetta quello che crede sarà un incarico facile: seguire un’iniziativa di beneficenza su uno yacht di lusso.

Il miliardario Richard Blummer (Guy Pearce) sta organizzando l’evento per raccogliere fondi per la ricerca sul cancro, a causa della diagnosi di sua moglie Anne (Lisa Loven Kongsli). Lo incontra brevemente Anne, che le rivela di voler donare tutti i suoi beni dopo la sua morte. Quella notte, Lo vede la donna nella cabina accanto alla sua essere gettata in mare, ma nessuno le crede quando tutti i passeggeri vengono ritrovati.

Non è una storia con un narratore inaffidabile”, afferma la regista Simone Stone in un’intervista con Netflix. “Il pubblico non mette mai in dubbio che questa persona abbia visto ciò che ha visto. Si è completamente d’accordo con lei e lo si accetta come un fatto. È la sua lotta contro una cospirazione.

Chi era la donna nella cabina 10 e chi l’ha uccisa, spiegato

Quando Laura torna da Anne il giorno dopo, lei la liquida e ci sono alcune incongruenze nel suo comportamento. Attraverso una pericolosa indagine, Lo scopre che la donna gettata in mare era proprio Anne. Carrie (Gitte Witt), che Lo ha incontrato brevemente prima dell’omicidio, è una sosia assunta da Richard per sostituire sua moglie dopo averla uccisa, per riprendere il controllo della fortuna.

Ho pensato che la conversazione sul presupposto patriarcale di poter semplicemente sostituire le donne, come se fossero sacrificabili, di poterle eliminare e andare avanti, fosse il fulcro del film”, dice Stone. Mentre Carrie inizialmente cerca di convincere Lo a smettere di cercare risposte, Lo la costringe a riconsiderare la questione quando le fa notare che Carrie non sarà mai al sicuro da Blummer, poiché il suo piano dipende dal suo silenzio.

L’ex fidanzato di Laura, Ben (David Ajala), un fotografo che sta seguendo la crociera, viene tragicamente ucciso mentre la aiuta a fuggire per tornare a terra e partecipare al gala, in modo che lei possa smascherare Blummer. Quando Carrie conferma la storia, Lo riesce a impedire a Blummer di fuggire con l’aiuto di Sigrid (Amanda Collin), il capo della sicurezza della crociera. La fortuna di Anne viene donata secondo i suoi desideri.

Lo torna al The Guardian e scrive una versione della storia con un tono ottimista, sottolineando che Anne e coloro che hanno aiutato Lo a fuggire hanno fatto del bene. Lo e Carrie sembrano rimanere amiche. “Una volta che Lo capisce che sta succedendo qualcosa, non accetta un no come risposta”, dice Knightley (anche a Netflix). “Lei va avanti e va avanti e va avanti”.

La donna della cabina numero 10 parla in parte di Lo, una giornalista che sta iniziando a disilludersi del suo lavoro, ma che viene ricordata del bene che c’è nelle persone. È traumatizzata perché (prima degli eventi del film) una donna che aveva accettato di parlare con lei come testimone del traffico di esseri umani è stata uccisa per impedirlo. Lo si ritrova quindi a lottare per la sua vita per scoprire la verità.

La donna della cabina numero 10 ha debuttato con un punteggio deludente su Rotten Tomatoes, ma è comunque diventato un successo mondiale su Netflix. La donna della cabina numero 10 offre un approccio unico al genere giallo, con immagini eleganti e una performance ovviamente eccellente della Knightley, e la sua conclusione illustra la chiara visione che la produzione aveva dei temi della storia.

Melissa McBride di The Walking Dead spiega il bacio di Carol a Daryl Dixon

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L’ultimo episodio di The Walking Dead: Daryl Dixon ha visto un bacio con Carol Peletier, e la star Melissa McBride ha rivelato cosa ha significato quel momento per il suo personaggio. Dopo aver recitato in The Walking Dead per 11 stagioni, McBride si è unita a Daryl Dixon come personaggio fisso della serie a partire dalla seconda stagione. Tuttavia, le trame romantiche che coinvolgono Carol sono state poche e sporadiche.

McBride ha parlato con Entertainment Weekly del bacio di Carol con Antonio durante la stagione 3 di The Walking Dead, episodio 6, “Contrabando”, e ha ammesso che era “da un po’” che il suo personaggio non aveva scene romantiche nella serie.

Dato che Carol non aveva idea se avrebbe mai rivisto Antonio, e con la posta in gioco così alta (come far uscire di nascosto suo figlio Roberto), il bacio è sembrato un passo naturale per entrambi, che l’attrice ha definito “dolce”.

Tuttavia, il bacio porterà Carol a mettere in discussione tutto. Potrebbe iniziare a chiedersi se Antonio l’abbia baciata solo perché era in uno stato di disperazione mentre cercava di salvare suo figlio. “Farà qualsiasi cosa per salvare suo figlio? È parte di questo?” si è chiesta McBride.

Nonostante Carol potesse dubitare delle sue decisioni, McBride ha amato i piccoli momenti che circondavano il legame tra Carol e Antonio. Carol è entrata nel suo “spazio nel villaggio” e ha avuto la possibilità di sperimentare le cose dal suo punto di vista e ciò che lo rende felice.

Sono anche solo le piccole cose, come le foto appese al muro, che le hanno rivelato molto su chi è veramente Antonio: è un “mistero” e un “uomo interessante”, e McBride ha apprezzato il fatto che Carol abbia incontrato una persona del genere.

I fan potrebbero avere reazioni forti al bacio tra Carol e Antonio, sia positive che negative, ma McBride spera che gli spettatori tifino affinché questi due personaggi vivano esperienze che li rendano felici, anche se rare. Secondo lei, nonostante stiano cercando di sopravvivere all’apocalisse zombie, Carol e Antonio meritano di “evolversi” come personaggi e di “vivere la vita”. Leggi i suoi commenti qui sotto:

È passato un po’ di tempo. Lui è solo grato, e poi c’è un’ondata di emozioni. Lei deve andare, deve portare Roberto fuori da lì, e si chiede cosa fare con questo. La posta in gioco è altissima, e lo rivedrà mai più? È anche molto dolce.

Cosa significa questo bacio? Lei potrebbe chiedersi cosa significhi quel bacio. È di un uomo che vuole disperatamente salvare suo figlio, e questo ha qualcosa a che fare con questo? Lei sta andando a prenderlo per portarlo in salvo, e lui farà di tutto per salvare suo figlio? Fa parte di questo?

Sai cosa mi piace? Mi piace che lei sia nel suo spazio in questo villaggio che è, per la maggior parte, quasi indenne da ciò che sta accadendo nel mondo. Lei è nel suo spazio, quindi sta vivendo la sua esperienza, e si può capire molto di una persona dalle sue cose. Le foto e i poster sul muro, le macchine fotografiche, le bobine di pellicola, la TV. Probabilmente è la prima volta dopo molto tempo che lei viene informata così tanto su qualcuno vedendolo nel suo ambiente. Lui è una tale curiosità per lei, un mistero e semplicemente un uomo interessante. Mi piace questo aspetto che ho modo di incontrare.

Stiamo raccontando una storia, e questi personaggi evolvono e vivono delle esperienze. E spero che sia quello che vogliono per loro. Comunque vada a finire, che finisca ora o più avanti, vogliamo che vivano la vita, l’amore e ogni genere di esperienza, sia insieme che separatamente.

Quando è uscito il primo Walking Dead, Carol era in una situazione vulnerabile perché aveva una relazione violenta che è finita quando i vaganti hanno attaccato il suo compagno. Più tardi, sua figlia Sophia si è trasformata in un vagante; questa grande rivelazione per gli spettatori, quando è uscita dal fienile, è stata una delle scene più iconiche dell’intera serie.

Da allora, la situazione sentimentale di Carol non è cambiata molto, anche se ha avuto una relazione con Tobin e si è sposata con Ezekiel.

L’arrivo di Antonio durante la terza stagione di The Walking Dead: Daryl Dixon è avvenuto in un momento in cui lui e Carol potevano aver bisogno l’uno dell’altra più che mai. Come ha detto McBride, Antonio è in uno stato di disperazione per suo figlio, ma il legame tra lui e Carol sembra ancora genuino.

Solo il tempo dirà se finiranno per continuare questa storia d’amore in The Walking Dead: Daryl Dixon; se così fosse, sarebbe un momento meritato per questi due personaggi.

Squali: il film italiano a metà tra The Social Network e Wall Street

Al cinema dal 16 ottobre, Squali di Daniele Barbiero vede protagonisti Lorenzo Zurzolo e James Franco in una storia che, sebbene ricordi molte altre avventure cinematografiche, trova nei motivi di suo maggiore interesse proprio la sua commistione di riferimenti, che lasciano pensare che il film di Barbiero possa essere un’esperienza cinematografica gratificante e divertente. 

In Squali, Max è un ragazzo di diciannove anni proveniente da un piccolo paese veneto, si ritrova a vivere l’estate che segue la maturità, quel periodo di libertà tanto atteso ma anche segnato dalla necessità di prendere decisioni importanti per il futuro. Insieme ai suoi amici, Filippo e Anna, ha pianificato un viaggio in Spagna per celebrare la fine della scuola, ma tutto cambia quando riceve una proposta inaspettata: Robert Price, un imprenditore nel campo delle startup, è interessato a sviluppare l’app che ha creato per aiutare i suoi coetanei a scegliere la facoltà universitaria.

Lorenzo Zurzolo in Squali (2025)
© Cortesia di Eagle Pictures

Senza rendersene conto si trova su un treno verso la Capitale, dove dovrà confrontarsi con un mondo competitivo e un’opportunità che potrebbe cambiare il suo destino. Mentre gli amici si godono un’estate spensierata, Max è costretto a fare i conti con le proprie paure, con l’incertezza di non sapere quale strada intraprendere, e con il desiderio di non rimanere
immobile in un mondo che sembra muoversi troppo velocemente. In un viaggio che lo porterà a capire cosa vuole veramente dalla vita, si troverà a dover scegliere quale strada intraprendere, quale sarà il suo futuro?

Daniele Barbiero ha realizzato una storia che si muove a metà tra The Social Network e Wall Street, tra l’emozione giovanile di vedere realizzata, prodotta e resa reale e produttiva un’intuizione arrivata esclusivamente dalla propria mente e quell’impatto duro e spesso sgradevole che i giovani di belle speranze hanno con un mondo affascinante e scintillante che però spesso nasconde oscurità e, sotto sotto, una fregatura, a meno che non siamo disposti a vendere l’anima e imparare a navigare quelle acque torbide.

James Franco come novello Gordon Gekko e Lorenzo Zurzolo come aspirante Mark Zuckerberg ci aspettano in sala dal 16 ottobre 2025, grazie a Eagle Pictures.

Boots – Stagione 2: il futuro affrontato dalla star Miles Heizer

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Miles Heizer, che interpreta Cameron Cope in Boots, ha parlato del futuro della serie di successo e delle possibili trame che potrebbero essere sviluppate in futuro. Boots ha debuttato su Netflix con recensioni estremamente positive e un punteggio del 92% su Rotten Tomatoes.

La serie, basata sul libro di memorie The Pink Marine di Greg Cope White, racconta la storia di un giovane gay che si arruola nell’esercito in un periodo in cui era illegale per la comunità LGBTQ+ farlo.

Sebbene Boots non sia ancora stato rinnovato, Heizer è ottimista. Durante un’intervista con Variety, l’attore ha riconosciuto che ci sono ancora molte storie da raccontare, tra cui altre “esperienze diverse” di Greg e l’attuazione e l’abrogazione della politica Don’t Ask, Don’t Tell. Heizer ha ammesso che continuerebbe a girare Boots per 10 stagioni se Netflix desse il via libera. Ecco i suoi commenti:

Ci sono molte storie da raccontare, dalle diverse esperienze di Greg nei Marines al Don’t Ask, Don’t Tell fino alla sua abrogazione. Lo farei per 10 stagioni se ci lasciassero.

Le politiche relative alle persone LGBTQ+ che prestano servizio nell’esercito degli Stati Uniti sono cambiate enormemente nel corso degli anni, a seconda di chi è al potere. Bill Clinton ha promulgato il Don’t Ask, Don’t Tell a metà degli anni ’90.

Considerando che la politica consentiva alle persone LGBTQ+ di prestare servizio militare senza rivelare il proprio orientamento sessuale, il DADT avrebbe dovuto fungere da compromesso tra liberali e conservatori, anche se Clinton ha poi ammesso che si è trattato di un grave errore. Il Don’t Ask, Don’t Tell è stato poi abrogato nel 2011 sotto la presidenza di Barack Obama.

Durante il secondo mandato presidenziale di Donald Trump, la comunità transgender è attualmente bandita dal servizio militare dopo che Joe Biden ha revocato la politica anti-trans del primo mandato di Trump.

Questa storia reale del Don’t Ask, Don’t Tell e di politiche anti-LGBTQ+ simili significa che ci sono molte storie che potrebbero fungere da spina dorsale per le future stagioni di Bones, come ha indicato Heizer.

L’attore ha riconosciuto che lui e il resto del Boots cast della prima stagione, che include Max Parker, Vera Farmiga, Cedrick Cooper e Ana Ayora, non si sono resi conto durante le riprese di quanto lo show sarebbe stato “rilevante”, nonostante fosse ambientato negli anni ’90, cosa che lui ha definito “sconvolgente”:

Quando abbiamo iniziato le riprese [nel 2023], non credo che avessimo intenzione di trasmettere un messaggio così rilevante per l’attualità. Ma poi, naturalmente, mentre lo stavamo realizzando, tutte queste cose hanno cominciato ad accadere. È molto interessante che “Boots” metta in luce ciò che sta realmente accadendo ora, anche se la serie è ambientata nel 1990. È sconvolgente.

L’Iraq invase il Kuwait nel 1990, un momento storico menzionato nel finale della prima stagione di Boots dopo che le nuove reclute avevano completato l’addestramento; l’episodio si concludeva con Cameron e Ray McAffey, interpretato da Liam Oh, che si preparavano ad affrontare un futuro incerto. Siamo quattro anni prima del Don’t Ask, Don’t Tell, quindi ci sono ancora altre trame che possono essere esplorate fino ad allora.

In un’epoca in cui servizi di streaming come Netflix non esitano a cancellare le serie, non c’è alcuna garanzia che Boots finirà per essere una serie di lunga durata. Un modo per aggirare questo ostacolo è quello di fare un salto in avanti nel tempo, in modo che Boots possa incentrare una stagione su Don’t Ask, Don’t Tell il prima possibile.

Se Boots verrà rinnovato, non c’è dubbio che i produttori, gli sceneggiatori e il cast continueranno a presentare storie avvincenti, importanti e rilevanti che devono essere raccontate.

Apple entra in una nuova era con il silenzioso rebranding del servizio di streaming

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Apple ha silenziosamente rinominato il suo servizio di streaming mentre lo streamer entra in una nuova era. Apple TV+ è stato lanciato nel 2019 in un momento in cui diverse società multimediali stavano creando i propri streamer e cercavano di diventare il nuovo Netflix. Disney+ ha debuttato 11 giorni dopo. HBO Max della Warner Bros. e Peacock della NBCUniversal hanno seguito l’esempio nel 2020.

Lo streamer ha annunciato oggi che eliminerà il “+” dal suo nome e d’ora in poi si chiamerà semplicemente Apple TV. In una dichiarazione, Apple ha citato questa mossa come rappresentativa della sua “nuova identità vivace”, in vista del futuro dell’azienda.

Questo annuncio è arrivato lo stesso giorno in cui è stata annunciata la data di uscita del 12 dicembre per il debutto di F1: The Movie sul servizio di streaming, dopo il successo nelle sale cinematografiche. Leggi qui sotto la dichiarazione completa di Apple sul cambiamento:

Apple TV+ è ora semplicemente Apple TV, con una nuova identità vivace. In vista del suo debutto globale in streaming su Apple TV, il film continua ad essere disponibile per l’acquisto sulle piattaforme digitali partecipanti, tra cui l’app Apple TV, Amazon Prime Video, Fandango at Home e altre.

Sebbene Apple TV non abbia quasi tanti contenuti quanto altri servizi di streaming come Netflix e Disney+, è uno streamer che privilegia la qualità alla quantità.

The Morning Show, Severance, Ted Lasso, The Studio, CODA e molti altri hanno vinto importanti premi a Hollywood, con Severance e The Studio che hanno appena vinto diversi riconoscimenti agli Emmy Awards a settembre. CODA ha vinto il premio come miglior film agli Academy Awards nel 2022.

Nonostante questi riconoscimenti, il cambio di nome di Apple TV arriva in un momento di incertezza nell’era dello streaming. Gli aumenti di prezzo per tutti i principali servizi di streaming come Apple vengono attuati a destra e a manca, il che causa sempre grande frustrazione tra gli abbonati che temono che guardare la TV al giorno d’oggi stia diventando costoso quanto avere un abbonamento via cavo tradizionale.

Ad aumentare l’incertezza è il fatto che alcuni servizi di streaming si stanno fondendo o chiudendo, tra cui Hulu che è stato incorporato in Disney+. Warner Bros. ha tentato di fondere HBO Max e Discovery+, anche se quest’ultimo esiste ancora come servizio a sé stante.

A proposito, HBO Max ha subito diversi cambi di nome, prima abbandonando “HBO” e chiamandosi Max, poi ripristinando il nome riconoscibile.

Con la fusione delle principali società di media, il futuro dei loro servizi di streaming è incerto. Ci sono notizie secondo cui Paramount vorrebbe acquistare Warner Bros. Discovery. Se ciò dovesse avvenire, i dirigenti dovrebbero decidere se fondere HBO Max e Paramount+ in un unico servizio di streaming o mantenerli separati.

Apple non sta subendo una fusione, quindi si trova in una situazione diversa rispetto ad alcuni dei suoi concorrenti. Tuttavia, eliminare il “+” dal nome del suo servizio di streaming potrebbe creare una nuova confusione. Dopotutto, Apple ha già un dispositivo di streaming, simile a Roku e Fire Stick di Amazon, chiamato Apple TV.

In futuro, ogni volta che Apple menzionerà Apple TV nei comunicati stampa e negli annunci, alcuni consumatori potrebbero confondersi sul fatto che si riferiscano al dispositivo multimediale o al servizio di streaming.

Il simbolo più è diventato sinonimo di streamer, tra cui Disney+, Paramount+ e Discovery+. Hulu aveva una versione del suo streamer chiamata Hulu Plus per differenziarla dalla versione gratuita, anche se in seguito è stata rinominata semplicemente Hulu quando è diventata un servizio solo a pagamento.

È un nuovo giorno per Apple. Con un nome più semplice, si spera che Apple TV possa continuare a produrre contenuti di qualità e aggiudicarsi molti altri premi negli anni a venire.

M. Night Shyamalan torna in TV con una nuova serie basata su un giocattolo iconico

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M. Night Shyamalan torna in televisione per dirigere una nuova serie. Il due volte candidato all’Oscar è noto per i suoi film singolari, tra cui Il sesto senso, Signs e Old. Ma in una carriera che dura da decenni, Shyamalan ha anche fatto incursioni nel piccolo schermo. Ha diretto per la prima volta il debutto della serie fantascientifica della Fox Wayward Pines, che ha ottenuto ascolti record per la sua prima puntata.

Il contributo di Shyamalan alla televisione è aumentato con la serie horror Apple TV Servant, recentemente conclusasi, di cui è stato produttore esecutivo e ha diretto cinque episodi. La serie era incentrata su una coppia che aveva perso il figlio e sugli strani colpi di scena che la storia ha preso nel corso di quattro stagioni. Ora, però, Shyamalan si prepara ad avere il suo più grande coinvolgimento in una serie televisiva.

Mattel ha rivelato che Shyamalan dirigerà, co-creerà e co-dirigerà una serie live-action basata sull’iconico franchise Magic 8 Ball. Sviluppato da Mattel Studios, il progetto è descritto come un dramma soprannaturale di alto livello incentrato sui personaggi, che unisce intensità psicologica e intrigo culturale. Brad Falchuk, due volte vincitore di un Emmy, che in precedenza ha co-creato Glee e American Horror Story, sarà sceneggiatore, co-creatore e co-showrunner insieme a Shyamalan.

Il regista di Split e The Visit ha condiviso la notizia dell’annuncio su Instagram, pubblicando una foto della sceneggiatura dell’episodio pilota. Si sottolinea che Shyamalan dirigerà, mentre Falchuk scriverà l’episodio. Date un’occhiata al post qui sotto:

 

La collaborazione tra Shyamalan e Falchuk è interessante, soprattutto se si considera il materiale di partenza. Il Magic 8 Ball, un giocattolo nero a forma di sfera inventato da Albert C. Carter e Abe Bookman, fornisce risposte casuali alle domande quando viene agitato. Ne vengono venduti un milione di esemplari all’anno. I due potrebbero divertirsi molto con questa premessa, dato che sia American Horror Story che Glee possiedono un senso dell’umorismo a volte crudo che potrebbe adattarsi alla casualità apparente delle risposte.

Questa aggiunta alla filmografia di M. Night Shyamalan arriva mentre Mattel sta cercando di aumentare la sua presenza nel cinema e in televisione dopo il successo da 1,4 miliardi di dollari di Barbie di Greta Gerwig. L’azienda ha in programma un adattamento di alto profilo di Masters of the Universe nel 2026, con Nicholas Galitzine e Camila Mendes, insieme ad altri progetti in varie fasi di sviluppo.

Mattel sta progettando adattamenti di Barney, Hot Wheels e Polly Pocket, tra gli altri.

C’è ancora molta strada da fare per la serie Magic 8 Ball in termini di rivelazione del cast e dei dettagli concreti della trama, per non parlare della sua potenziale piattaforma di streaming. Ma per i fan del lavoro del regista, sarà interessante vedere come sarà una serie completa di M. Night Shyamalan dopo che lui stesso ha anticipato la possibilità con Wayward Pines.

Predator: Badlands rompe ufficialmente una tradizione del franchise dopo 38 anni

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Predator: Badlands rompe una tradizione della serie che durava da quasi quarant’anni. In uscita nelle sale il 7 novembre, il sesto capitolo della serie di fantascienza d’azione del regista Dan Trachtenberg segue il viaggio di Thia (Elle Fanning) e Dex (Dimitrius Schuster-Koloamatangi) mentre combattono altre creature alla ricerca del nemico finale.

Regal, AMC, IMAX e altre catene di cinema hanno classificato il film con un rating PG-13, il che renderebbe Badlands il primo capitolo della famosa serie violenta a non avere un rating R. L’unica eccezione fino ad ora è Alien vs. Predator, un crossover tra le serie Alien e Predator.

Badlands presenterà un crossover con Alien introducendo un personaggio chiave nella tradizione della saga, ma il film è pubblicizzato come un film di Predator. Da quando è stata resa nota la classificazione, i fan hanno espresso sentimenti contrastanti riguardo alla classificazione più adatta alle famiglie. Alcuni temevano che il nuovo film, in parte frutto del successo di Prey, non sarebbe stato all’altezza dei suoi predecessori.

Secondo la Motion Picture Association, i film PG-13 consentono l’uso singolo di una delle parole più crude di origine sessuale e le descrizioni di violenza, se non realistiche, estreme o persistenti, mentre i film classificati R presentano scene cruente, nudità in contesti sessuali e linguaggio esplicito.

Il cambiamento di classificazione consentirebbe al nuovo film Predator di attirare un pubblico più ampio. Tuttavia, dato che il franchise ha costruito la sua reputazione sulla rappresentazione di violenza grafica e sangue, in particolare con l’originale del 1987 che si avvicinava molto al genere slasher, la classificazione indica una nuova direzione per il franchise.

Il trailer ufficiale di Predator: Badlands ha offerto ai fan un primo assaggio della dinamica tra Thia e Dex mentre intraprendono un viaggio attraverso un pianeta pericoloso. Anche se il trailer non mostra uccisioni in stile slasher, anticipa la chimica tra i personaggi principali e le azioni emozionanti. Recentemente, Trachtenberg ha anche confermato che il nuovo film condividerà almeno una caratteristica con il grande successo Prey.

In un’intervista con ScreenRant, il regista ha rivelato che Badlands inizierà con “un evento molto traumatico che spingerà Dex in un’avventura, catapultando il pubblico in una “situazione emotivamente e fisicamente molto intensa insieme a lui”. Ha inoltre sottolineato che, in sostanza, il nuovo Predator racconta la storia di due emarginati che formano un’alleanza improbabile.

Sebbene il seguito più logico alla premiere streaming da record e all’accoglienza positiva di Prey sarebbe un sequel, il produttore Ben Rosenblatt ha spiegato che ciò che ha reso Badlands una priorità è il fatto che offre “qualcosa di inaspettato” e che l’intenzione di Trachtenberg con questo film era quella di fare “un grande passo che nessuno ha ancora fatto. Essendo il primo film principale della serie a rompere la tradizione di lunga data, è in linea con la visione del regista.

Andrew Garfield commenta la possibilità di tornare a essere Spider-Man

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Andrew Garfield ha passato mesi a sostenere che non sarebbe tornato nei panni di Peter Parker in Spider-Man: No Way Home… e poi sappiamo come è andata. Mentre l’attore cercava di preservare la sorpresa per i fan, molti ora dubitano spesso di ciò che dice nelle interviste.

GQ ha recentemente parlato con l’attore britannico del suo nuovo film, After the Hunt – Dopo la Caccia. Andrew Garfield ha negato di essere pronto a tornare nei panni della sua variante di Peter Parker in Avengers: Doomsday, e gli è stato poi chiesto delle voci secondo cui The Amazing Spider-Man 3 sarebbe in lavorazione. “Non succederà e non credo che succederà mai, ma è carino da parte tua volerlo”, ha risposto Garfield, mettendo fine alle speculazioni una volta per tutte.

Dal 2021, i fan hanno fatto una campagna instancabile affinché Sony realizzasse #MakeTASM3, dopo il suo ritorno nei panni di “Peter #3”. Purtroppo, sembrano dimenticare che il film avrebbe dovuto ruotare attorno a una formula in grado di resuscitare i morti, con una sottotrama apparentemente dedicata alla testa decapitata di Norman Osborn.

Avremmo anche assistito a un film sui Sinistri Sei con Spidey come parte del team, e se questo terzo capitolo fosse stato realizzato sotto la supervisione della Sony Pictures piuttosto che dei Marvel Studios, probabilmente non sarebbe stato all’altezza delle aspettative. Dopotutto, Avi Arad non è più bravo a raccontare storie oggi di quanto non lo fosse allora. Considerando tutto ciò, The Amazing Spider-Man 3 probabilmente non sarebbe ciò che i fan sperano.

Nel luglio 2023, Garfield disse: “La storia non finisce mai. Che la giriamo o no, c’è una storia che si svolge in un universo da qualche parte, c’è un potenziale infinito con questo personaggio e altre iterazioni. Quindi sì, è sicuramente là fuori a fare qualcosa.”

The Amazing Spider-Man 3 potrebbe essere escluso, ma si prevede che Garfield e Tobey Maguire indosseranno di nuovo i costumi prima della fine della Saga del Multiverso. Potrebbe accadere in Spider-Man: Brand New Day, ma è più probabile che accada in Avengers: Secret Wars.

Più di recente, a Andrew Garfield è stato chiesto se ci fossero state discussioni su un possibile ritorno in Marvel. “Sì, certo, la tua supposizione non è infondata”, ha risposto con un sorriso. “Se fossi al tuo posto, immagino di dire ‘Sì, probabilmente ha avuto qualche conversazione’, anche, sì.”

Spinto a fornire ulteriori dettagli, Garfield decise di schivare abilmente la domanda. “Capisco anche quella domanda. Capisco anche che nella tua posizione ti starai chiedendo, visto il successo, che diresti: ‘Beh, ne stanno parlando’. Immagino come tu possa immaginare che sia vero.”

“Questo sembra un po’ illegale, una sorta di insider trading in un certo senso”, rispose quando l’intervistato gli chiese se avrebbe dovuto scommettere su Garfield che tornava a vestire i panni di Spider-Man. “Qualunque cosa dica, potrei essere ritenuto responsabile per questo, e mi rifiuto di commentare.”

FBI – Stagione 8 si apre con una morte importante

La stagione 8 di FBI si apre con una grave perdita per la squadra di Jubal, ma c’è un lato positivo. Nell’ambito del palinsesto televisivo 2025-2026 della CBS, l’unico programma di Dick Wolf trasmesso dalla rete ha gradualmente aumentato il numero di spettatori nel corso degli anni. In qualche modo, FBI ha superato tutti i programmi delle serie Law & Order e One Chicago in termini di ascolti. Detto questo, è logico che sia una delle prime visioni più attese del ciclo.

Ora che la CBS ha deciso di lanciare NCIS’ Super Tuesday, FBI si sposta al lunedì sera e attualmente è l’unico programma del suo genere. La sorprendente cancellazione di FBI: International e FBI: Most Wanted apre la strada all’arrivo di un terzo spin-off, CIA.

Lo show, tuttavia, è stato rinviato alla metà della stagione, consentendo di concentrarsi completamente sul programma di punta.

L’episodio 1 dell’ottava stagione di FBI riprende pochi giorni dopo il finale della settima stagione. Il destino di Isobel rimane incerto, anche se non è chiaro cosa gli riserverà il futuro. Mentre Maggie e OA si ritrovano intrappolate su un’isola e risolvono con successo il caso, la squadra subisce una grave perdita.

Dani Rhodes muore nella stagione 8, episodio 1 di FBI

Mentre Scola e Dani corrono in aiuto di Maggie e OA, circondate dai cittadini male informati, devono ingegnarsi per trovare un modo creativo per entrare nell’isola. In precedenza, l’unico ponte che la collegava alla terraferma era stato fatto saltare in aria, costringendo la SWAT dell’FBI a entrare via mare.

Vengono attaccati mentre attraccano e Dani viene colpita da un proiettile. Lei sostiene che il giubbotto antiproiettile abbia fermato il proiettile, ma non è così. Non rendendosi conto di essere stata colpita all’addome, Dani crolla proprio mentre la situazione si sta calmando.

All’inizio non sembra grave, ma l’episodio 1 della stagione 8 di FBI presenta un doppio colpo di scena: Isobel si è svegliata in ospedale mentre Dani muore sull’isola. Alla fine, la sua morte conclude l’uscita con una nota cupa, soprattutto quando Scola, Maggie e OA accettano la perdita mentre il suo corpo giace a terra.

La morte di Dani è un’uscita migliore dall’FBI per Emily Alabi

Ovviamente, qualsiasi morte, specialmente quella di un personaggio importante, non è una cosa positiva. Dani è entrata a far parte dell’FBI alla fine della stagione 7, dopo una serie di partner falliti per Scola sulla scia dell’uscita di Tiffany dalla serie. La CBS ha provato diversi personaggi da affiancare all’agente di John Boyd, ma c’era sempre qualcosa che non funzionava nella dinamica.

Dani era senza dubbio la migliore partner che Scola avesse avuto dopo Tiffany. Lavoravano bene insieme e avevano un’incredibile intesa. Anche come personaggio individuale era interessante. Non è chiaro perché sia stata eliminata da FBI, ma una morte eroica è un’uscita di scena molto migliore che dare una scusa poco convincente per sbarazzarsi di un personaggio, cosa che è già stata fatta in passato.

Andando avanti, FBI sta introducendo un personaggio completamente nuovo che potrebbe diventare il partner permanente di Scola, interpretato da

Juliana Aidén Martinez. Non si sa molto del personaggio, ma ha un ruolo difficile da ricoprire. Oltre ad essere una degna successora di Tiffany, sostituisce anche Dani, che è morta eroicamente.

A Knight Of The Seven Kingdoms: la spiegazione dell’albero genealogico dei Targaryen

A Knight Of The Seven Kingdoms della HBO punta i riflettori su un altro periodo dell’albero genealogico della Casa Targaryen, con relazioni molto più complicate e nomi ricorrenti presenti dopo Game of Thrones e House of the Dragon. Sebbene A Knight of the Seven Kingdoms sia incentrato principalmente sulla storia di Ser Duncan l’Alto e del suo scudiero “Egg”, i Targaryen continuano a svolgere un ruolo fondamentale come famiglia reale in carica che cerca di ripristinare la propria feroce reputazione.

A Knight of the Seven Kingdoms si colloca temporalmente a metà della precedente serie della HBO, circa 80 anni dopo House of the Dragon e circa 90 anni prima degli eventi di Game of Thrones. Di conseguenza, i membri della famiglia Targaryen si trovano in una posizione difficile, con l’ultimo dei loro draghi recentemente estinto dopo la Danza dei Draghi e la perdita del Trono di Spade all’orizzonte.

Tuttavia, molti Targaryen sono ancora in vita durante A Knight of the Seven Kingdoms, e uno di loro è persino un personaggio chiave in Game of Thrones. Poiché il complesso albero genealogico dei Targaryen può creare un po’ di confusione, ora è disponibile una panoramica di tutti i loro nomi, titoli e relazioni reciproche durante A Knight of the Seven Kingdoms, tutto in un unico posto.

Re Daeron II Targaryen

Padre di Maekar, Baelor, Aerys e Rhaegel

Il sovrano in carica sul Trono di Spade durante Un cavaliere dei sette regni è re Daeron II Targaryen. Daeron “il Buono” Targaryen è il dodicesimo re Targaryen del Westeros, il cui regno è ricordato soprattutto per aver portato pacificamente Dorne nei Sette Regni.

Daeron è il figlio del defunto re Aegon IV Targaryen e di sua sorella-moglie Naera Targaryen, con la sorella di sangue Daenerys e i fratellastri Brynden Rivers, Daemon Blackfyre e Aegor Rivers. Re Daeron II ha quattro figli, Baelor, Aerys, Rhaegel e Maekar, oltre a diversi nipoti, tra cui i sei figli di Maekar, i due figli di Baelor e i tre figli di Rhaegel.

Baelor “Breakspear” Targaryen

Figlio maggiore di re Daeron II, fratello maggiore di Maekar e padre di Baelor

Durante la prima stagione di A Knight of the Seven Kingdoms, il principe di Roccia del Drago, Primo Cavaliere del Re ed erede al Trono di Spade è il figlio maggiore di Daeron, Baelor “Breakspear” Targaryen. Nei libri di George R.R. Martin, Baelor ha i capelli scuri di sua madre Myriah Martell invece dei caratteristici capelli argentati dei Targaryen, ed è noto per la sua rispettabilità, le sue abilità di guerriero e il suo onore.

Baelor è il fratello maggiore di Maekar, Aerys e Rhaegel, e zio di Aerion, Daeron, Aemon e Aegon di A Knight of the Seven Kingdoms. Interpretato dall’attore Bertie Carvel nel prequel di Game of Thrones, Baelor è sposato con Lady Jena Dondarrian ed è padre dei loro due figli, Valarr e Matarys Targaryen.

Aerys Targaryen

Secondo figlio del re Daeron II, fratello minore di Baelor e fratello maggiore di Maekar

Il secondo figlio del re Daeron è Aerys Targaryen, fratello minore di Baelor e fratello maggiore di Maekar e Rhaegel. Ha un notevole interesse per le profezie, la magia e il potenziale ritorno dei draghi Targaryen. Sebbene Aerys sia sposato con Aelinor Penrose, la coppia non ha mai avuto figli.

Rhaegel Targaryen

Terzo figlio del re Daeron II, fratello minore di Baelor e Aerys, fratello maggiore di Maekar

Il terzo figlio del re Daeron II Targaryen è il principe Rhaegel Targaryen. Rhaegel è il più misterioso dei figli di Daeron, con molte accuse di essere “pazzo” e malato. Oltre ad essere il fratello minore di Baelor e Aerys e il fratello maggiore di Maekar, Rhaegel è sposato con Lady Ays Arryn ed è padre dei gemelli Aelor e Aelora e di Daenora Targaryen.

Maekar Targaryen

Quarto figlio del re Daeron II, fratello minore di Baelor, padre di Daeron, Aerion, Aemon e Aegon

Il quarto e più giovane figlio del re Daeron II Targaryen e Myriah Martell è il principe Maekar Targaryen, interpretato in A Knight of the Seven Kingdoms da Sam Spruell. Noto per la sua durezza, impazienza e forza come guerriero, governa come principe di Summerhall. Maekar è il padre di Daeron, Aerion, Aemon, Aegon, Daella e Rhae Targaryen, nonché fratello minore di Baelor, Aerys e Rhaegel.

Daeron “L’Ubriaco” Targaryen

Figlio maggiore del principe Maekar, fratello maggiore di Aerion, Aemon e Aegon

Il figlio maggiore del principe Maekar Targaryen e di Dyanna Dayne è il principe Daeron “l’Ubriaco” Targaryen, interpretato dall’attore Henry Ashton in My Lady Jane in A Knight of the Seven Kingdoms. Daeron spicca nella storia di Westeros per essere uno dei rari “sognatori di draghi” Game of Thrones, un Targaryen con sogni profetici.

Daeron è spesso consumato dalla sua capacità di sognare i draghi e non ama il combattimento con la spada come i suoi fratelli. È il fratello maggiore di Aerion, Aemon, Aegon, Daella e Rhae, nonché cugino di Valarr e Matarys.

Aerion “Brightflame” Targaryen

Aerion "Brightflame" Targaryen

Secondo figlio del principe Maekar Targaryen

Aerion “Brightflame” Targaryen è il secondogenito e figlio del principe Maekar Targaryen, fratello minore di Daeron e fratello maggiore di Aemon e Aegon. Interpretato dall’attore Finn Bennett della quarta stagione di True Detective, Aerion è ricordato per la sua crudeltà, arroganza e ferocia come combattente. In seguito, Aerion diventa anche un esempio significativo della maledizione della follia che affligge la Casa Targaryen.

Aemon Targaryen

Aemon Targaryen

Terzo figlio del principe Maekar, fratello di Daeron, Aerion e Aegon

Uno dei personaggi più amati di Game of Thrones ritorna in un’epoca diversa come uomo molto più giovane. Conosciuto alla fine come Maester Aemon Targaryen in Game of Thrones, è il giovane principe Aemon Targaryen in A Knight of the Seven Kingdoms, terzo figlio del principe Maekar, fratello minore di Daeron e Aerion e fratello maggiore di Aegon.

Tuttavia, in A Knight of the Seven Kingdoms, il ventenne Aemon ha già trascorso circa un decennio alla Cittadella preparandosi a diventare un maestro. È lì che si trova ancora durante la prima stagione di A Knight of the Seven Kingdoms, mentre i suoi fratelli partecipano tutti al torneo di Ashford.

Aegon “Egg” Targaryen

Egg bambino A knight of the seven kingdom's

Figlio minore del principe Maekar, nipote del re Daeron II, fratello minore di Daerion, Aerion e Aemon

Il quarto e più giovane figlio del principe Maekar Targaryen, nipote del re Daeron II Targaryen, nipote di Baelor e fratello minore di Daeron, Aerion e Aemon è il principe Aegon “Egg” Targaryen (Dexter Sol Ansell). Durante A Knight of the Seven Kingdoms, Aegon è un ragazzino portato al torneo di Ashford, dove viene rasato a zero dal fratello maggiore Daeron, prima di fuggire segretamente e incontrare Ser Duncan il Lungo, di cui “Egg” diventa scudiero.

Brynden Rivers

Brynden Rivers

Fratellastro del re Daeron II Targaryen, zio dei principi Baelor e Maekar

Un altro membro significativo della Casa Targaryen in questo momento della timeline dell’universo di Game of Thrones è Brynden “Bloodraven” Rivers. È il figlio bastardo del defunto re Aegon IV Targaryen, fratellastro del re Daeron II Targaryen e zio dei principi Baelor, Aerys, Rhaegel e Maekar.

Poiché Brynden rimane fedele al re Daeron II piuttosto che al suo fratellastro bastardo durante la prima ribellione di Blackfyre, Bloodraven gode di un comando e di un potere più sostanziali nel Westeros. Tuttavia, Bloodraven finisce per diventare più noto nella tradizione della saga come la vera identità del Corvo con Tre Occhi, apparendo anche sia in Game of Thrones che in House of the Dragon.

Daella Targaryen

Figlia maggiore del principe Maekar, sorella di Daeron, Aerion, Aemon e Aegon

Sebbene si sappia poco della storia di Daella Targaryen, è un membro della famiglia Targaryen durante A Knight of the Seven Kingdoms in quanto quarta figlia del principe Maekar. Daella è la sorella minore di Daeron, Aerion e Aemon e la sorella maggiore di Aegon e Rhae.

Rhae Targaryen

Figlia minore del principe Maekar, sorella minore di Daeron, Aerion, Aemon, Aegon e Daella

La figlia minore del principe Maekar Targaryen è la principessa Rhae Targaryen. È l’unica figlia di Maekar più giovane di Aegon, quindi è molto giovane durante la linea temporale di A Knight of the Seven Kingdoms. Come per Daella, molto poco è stato rivelato sulla vita della sorella di Egg, Rhae.

Valarr Targaryen

Valarr Targaryen

Figlio maggiore del principe Baelor, nipote del re Daeron II, cugino di Daeron, Aerion, Aemon e Aegon

Un altro membro chiave della Casa Targaryen durante A Knight of the Seven Kingdoms è il principe Valarr, figlio maggiore del principe Baelor, nipote del re Daeron II e secondo in linea di successione al Trono di Spade. Come suo padre, Valarr è un Targaryen dai capelli scuri e un abile combattente, anche se il suo status gli impedisce di affrontare avversari pericolosi durante il torneo di Ashford.

Valarr è il fratello maggiore di Matarys e cugino di Daeron, Aerion, Aemon ed Egg, ed è sposato con Kiera di Tyrosh.

Matarys Targaryen

Matarys Targaryen

Figlio minore del principe Baelor e fratello di Valarr

Il secondo figlio del principe Baelor e di Jena Dondarrion è il principe Matarys Targaryen, terzo nella linea di successione al Trono di Spade durante la prima stagione di A Knight of the Seven Kingdoms. Matarys è il fratello minore di Valarr e cugino di Daeron, Aerion, Aemon e Aegon.

Monster – Stagione 4: conferma, cast e tutto quello che sappiamo

La serie antologica Monster di Netflix, creata da Ryan Murphy, ha già pubblicato tre stagioni e una quarta è in arrivo. Il produttore Ryan Murphy ha perfezionato il formato antologico con le serie American Horror Story e American Crime Story. Tuttavia, la serie Monster è diventata rapidamente una delle più popolari e controverse.

La terza stagione ha seguito lo schema delle due precedenti, con le recensioni di Monster: The Ed Gein Story fortemente divise. I critici condannano gli episodi come inutilmente grotteschi e sensazionalistici. Nonostante la risposta negativa alle prime due stagioni, Netflix ha rinnovato la serie per la quarta stagione prima ancora che la terza fosse stata pubblicata.

La prossima stagione andrà ancora più indietro nel tempo rispetto a tutte le stagioni precedenti, seguendo la famigerata presunta assassina Lizzie Borden, che in realtà è stata assolta. Ecco tutti i dettagli che conosciamo sulla quarta stagione di Monster.

Ultime notizie sulla quarta stagione di Monster

What’s On Netflix ha fornito un’anteprima esclusiva del dietro le quinte della quarta stagione di Monster. Dato il successo della terza stagione di Monster, la notizia più entusiasmante è che sono state fornite delle foto di Charlie Hunnam, che ha interpretato Ed Gein nella terza stagione e interpreterà Andrew Borden nella quarta, con una lunga tunica marrone e capelli ricci lunghi.

Inoltre, Ella Beatty, che interpreta Lizzie Borden, è ritratta con un lungo abito rosa e bianco e una corona di fiori. Vicky Krieps, che interpreta Ilse Koch nella terza stagione e la domestica Bridget Sullivan nella quarta, è ritratta in una foto mentre cammina con Beatty.

La quarta stagione di Monster è confermata

Nonostante le continue polemiche che hanno accompagnato ogni stagione, Monster è una delle serie più popolari di Ryan Murphy, quindi non sorprende che Netflix abbia rinnovato la serie poliziesca per la quarta stagione prima ancora che la terza fosse stata pubblicata. Lo scandalo continua a far guadagnare loro soldi.

Al momento del rinnovo, hanno anche rivelato che il soggetto sarebbe stato Lizzie Borden, assolto per l’omicidio del padre e del patrigno nel 1893, nonostante l’opinione prevalente fosse che fosse stata lei a commetterli. Questa è la prima donna “Monster” ad entrare a far parte della serie.

Poiché gli omicidi sono avvenuti il 4 agosto 1892, questa stagione di Monster è quella che meno rischia di suscitare polemiche. Tutte le persone coinvolte nel crimine o direttamente colpite sono decedute. Detto questo, ci sono pochissime informazioni concrete sulla motivazione o sui crimini effettivi, lasciando spazio a inutili libertà creative.

Stato di produzione della quarta stagione di Monster

Giovedì 9 ottobre 2025, secondo Deadline, sono iniziate le riprese della quarta stagione di Monster a Los Angeles. Sulla base del programma delle riprese delle stagioni passate, queste si protrarranno probabilmente fino all’inizio del 2026. Se le riprese termineranno nella primavera del 2026, la quarta stagione della serie di successo dovrebbe uscire nell’autunno del 2026.

Il cast della quarta stagione di Monster

I ruoli principali della quarta stagione di Monster sono già stati assegnati. Ella Beatty, un’attrice emergente con pochi ruoli alle spalle, interpreterà Lizzie Borden. Billie Lourd interpreterà la sorella di Bordon, Emma. Rebecca Hall interpreterà Abby Borden, la matrigna che viene assassinata.

Jessica Barden interpreterà Nance O’Neill, un’attrice realmente esistita che fu una breve conoscenza di Borden. Le due furono presto oggetto di voci su una relazione lesbica (tramite University of Michigan Press), e non era la prima volta che Lizzie Borden era oggetto di voci su una relazione lesbica.

Inoltre, Monster romperà una tradizione della serie concentrandosi su una donna e riportando in scena attori precedenti. Mentre è comune per American Horror Story e American Crime Story di Ryan Murphy riutilizzare attori in ruoli diversi, Monster non ha adottato questo approccio fino alla quarta stagione. Almeno due membri del cast della terza stagione di Monster torneranno nella quarta puntata.

Charlie Hunnam interpreterà il padre del presunto assassino, ucciso brutalmente con un’ascia. Inoltre, Vicky Krieps interpreterà la domestica dei Borden, Bridget Sullivan. A seconda della teoria sul movente che useranno per gli omicidi, Bridget potrebbe avere un ruolo importante nella stagione.

Dettagli della trama della quarta stagione di Monster

Anche chi non conosce il caso di Lizzie Borden potrebbe aver sentito il suo nome, poiché è stata mitizzata da una filastrocca infantile utilizzata nei giochi con le mani e con la corda per saltare. La macabra filastrocca scolastica recita così:

“Lizzie Borden prese un’ascia

E diede a sua madre 40 colpi

Quando vide ciò che aveva fatto

Ne diede 41 a suo padre”.

Nella vita reale, Lizzie Borden è una donna che potrebbe aver ucciso o meno suo padre e la sua matrigna con un’ascia. Secondo Britannica, i due sono stati trovati assassinati, con Abby, la matrigna di Lizzie, colpita 18 volte, e Andrew, il padre di Lizzie, colpito 11 volte. Lizzie era la principale sospettata.

La maggior parte delle prove fu ritenuta inammissibile, fornendo ai giurati un quadro incompleto. Le prove utilizzate nel processo erano quasi esclusivamente circostanziali, il che contribuì alla sua assoluzione. Dopo essere stata dichiarata non colpevole, fu osteggiata per il resto della sua vita.

Sebbene gli storici concordino generalmente sul fatto che Borden abbia probabilmente commesso gli omicidi, tutte le ragioni fornite sono semplici speculazioni. Pertanto, la quarta stagione di Monster avrà ampio margine di manovra nel modo in cui sceglierà di rappresentare il crimine.

Vision Quest: Paul Bettany anticipa il capitolo finale della trilogia di WandaVision

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Il New York Comic Con ha rivelato che la prossima serie, Vision Quest, completerà la trilogia WandaVision di Disney+ (le puntate precedenti sono WandaVision e Agatha All Along). Il protagonista dell’ultima puntata, Paul Bettany, ha rivelato cosa possono aspettarsi gli spettatori nel finale epico.

Vision Quest si svolge dopo gli eventi di WandaVision. Seguirà White Vision mentre cerca di recuperare i suoi ricordi e riscoprire se stesso dopo essere stato ricostruito.

In un’intervista con ScreenRant al New York Comic-Con, Bettany spiega come Vision Quest si distingua dai suoi predecessori e il complicato rapporto che il suo personaggio, White Vision, ha con suo figlio, Tommy Maximoff, e loda lo showrunner, Terry Matalas.

L’attore ha rivelato che è a Matalas che va il merito delle incredibili storie che stanno per svolgersi. “Penso che Terry Matalas, il nostro intrepido leader, showrunner e visionario, abbia ideato una storia fantastica, ed è questo che mi spinge a tornare. Le storie sono avvincenti, almeno per me. Credo che potrebbero essere avvincenti anche per qualcun altro.

Alla domanda su come la serie renderà omaggio alle altre due serie, Bettany ha risposto che, pur onorando le serie gemelle, è anche in grado di reggersi da sola. Ha spiegato: “Penso che sia così, è sicuramente evocativa e parte di quella trilogia, ma è anche molto altro. Ha un suo DNA”.

Uno degli elementi più attesi della serie è suo figlio Tommy, gemello di Billy Maximoff (Wiccan), apparso in Agatha All Along. Sebbene Bettany sia rimasto molto vago sul suo ruolo nella serie, ha rivelato qualche piccola informazione sulla loro relazione. “[È] complicato ed è tutto quello che posso dire al riguardo.” Anche se al momento si sa molto poco di Tommy, è lecito supporre che il pubblico assisterà a una riunione tra lui e Billy. Agatha All Along si conclude con quest’ultimo alla ricerca del fratello.

Vision Quest debutterà su Disney+ nel corso del 2026.

FOTO DI COPERTINA: Paul Bettany al photocall per “Solo: A Star Wars Story” al 71° Festival di Cannes. Foto di Featureflash via DepositPhotos.com

Stranger Things – Stagione 5: svelata la durata dei primi quattro episodi

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Le voci sulla durata degli episodi di Stranger Things – Stagione 5 sono state ampiamente esagerate.

Ross Duffer, co-creatore del colosso Netflix con il fratello Matt Duffer, ha rivelato la durata dei primi quattro episodi dell’ultima stagione della serie sul suo account Instagram. La première della quinta stagione, “The Crawl”, durerà un’ora e 8 minuti; l’episodio 2 (il cui titolo non è ancora stato rivelato) durerà 54 minuti; l’episodio 3, “The Turnbow Trap”, durerà un’ora e 6 minuti; e l’episodio 4, “Sorcerer”, durerà un’ora e 23 minuti.

Il post smentisce i post diventati virali sui social media che sostenevano che ogni episodio della quinta stagione sarebbe durato almeno 90 minuti, così come un articolo di Puck News del 6 ottobre secondo cui gli episodi “dureranno da 90 minuti a due ore“.

Dopo essere andata in onda quasi interamente per un’ora o meno a episodio dalla prima puntata della serie nel 2016, la quarta stagione di Stranger Things si è ampliata notevolmente: tutti gli episodi tranne uno sono durati più di 70 minuti, e gli ultimi tre episodi sono stati tutti lungometraggi, con il finale che ha raggiunto le due ore e 22 minuti.

Netflix sta suddividendo la quinta stagione della serie in tre uscite distinte: i primi quattro episodi debutteranno il 26 novembre, durante le vacanze del Ringraziamento, con “Sorcerer” che fungerà da finale di metà stagione. I successivi tre episodi debutteranno a Natale e il finale, “The Rightside Up”, debutterà a Capodanno. Insieme ai fratelli Duffer, gli episodi sono stati diretti dal produttore esecutivo Shawn Levy e dal regista Frank Darabont (“Le ali della libertà”).

Stranger Things Stagione 5, i dettagli

Il cast della quinta stagione vedrà il ritorno di tutti i volti principali. Millie Bobby Brown sarà ancora Undici, pronta a usare i suoi poteri in una battaglia decisiva. Fanno poi parte del cast Finn Wolfhard (Mike), Noah Schnapp (Will), Gaten Matarazzo (Dustin), Caleb McLaughlin (Lucas), Sadie Sink (Max) e Natalia Dyer (Nancy), Joe Keery (Steve), Charlie Heaton (Jonathan), Maya Hawke (Robin), Winona Ryder (Joyce) e David Harbour (Hopper). Grande attesa anche per il ritorno di Jamie Campbell Bower nel ruolo di Vecna/Henry, ancora più potente e vendicativo.

Ritorno al Futuro – Parte III: la spiegazione del finale del film

Il finale di Ritorno al futuro – Parte III mostra il dottor Emmett Brown (Christopher Lloyd) che vola su un treno che viaggia nel tempo e sorprende un triste Marty McFly (Michael J. Fox), che era triste perché pensava che forse non avrebbe mai più rivisto Doc. Il terzo capitolo della trilogia, ambientato nel 1885, è un film di fantascienza western che segue Marty nel selvaggio West, dove si reca per aiutare Doc a tornare al presente. Questo 1885 è una delle tante linee temporali alternative di Ritorno al futuro che i personaggi creano inavvertitamente durante il loro caotico viaggio che abbraccia una trilogia di film.

Ritorno al futuro – Parte II terminava con la rivelazione che Doc è stato mandato nel 1885, preparando il viaggio di Marty nel sequel. Questo è il motivo per cui le date di uscita dei due film erano vicine, poiché sono stati girati insieme, il che spiegherebbe il senso di continuità. Tuttavia, alla fine di Ritorno al futuro – Parte III, le loro avventure sembrano essere finite per sempre. Marty è triste perché non rivedrà mai più Doc, ma una sorpresa attende lui e gli spettatori. Questo terzo film rompe inoltre la maledizione della trilogia essendo un fantastico terzo e ultimo capitolo.

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Cosa succede a Doc nel finale

Doc e Marty escogitano un modo per far sì che il treno locale spinga la loro macchina del tempo per aiutarli a tornare al 1985 nel terzo atto di Ritorno al futuro – Parte III. Tuttavia, Doc si rende conto di voler vivere il resto dei suoi giorni con Clara Clayton (Mary Steenburgen), l’amore della sua vita, nel 1885, e dice addio a Marty, dandogli istruzioni per distruggere la macchina del tempo. Dopo essere stato rimandato al 1985, Marty è triste perché non rivedrà più Doc, ma Doc arriva su un treno che viaggia nel tempo, in una delle scene più iconiche della trilogia di Ritorno al futuro.

Probabilmente Doc ha usato la tecnologia dell’auto che lo ha mandato originariamente nel 1885. Dato che aveva già capito come far viaggiare i treni alla velocità richiesta di 88 miglia all’ora, questo deve avergli permesso di viaggiare nel tempo in treno. La scena presenta anche ai telespettatori i suoi due figli, Jules e Verne, chiamati così in onore di Carla e del suo autore preferito, Jules Verne. Aveva già viaggiato in vari luoghi storici con la sua famiglia e aveva fatto una sosta nel 1985 per rassicurare Marty che si sarebbero rivisti.

Marty e la sua ragazza Jennifer Parker (Elisabeth Shue) stavano camminando lungo gli stessi binari su cui il treno del 1885 aveva spinto Marty, lamentandosi del fatto che, senza una macchina del tempo, non avrebbe mai più potuto rivedere Doc. Quindi, l’arrivo di Doc è una sorpresa sia per lui che per il pubblico. Hanno una breve interazione durante la quale Doc dice che non ha più paura delle conseguenze negative del viaggio nel tempo, poiché sono causate dalle persone cattive e la tecnologia in sé è utile. Marty è felice di vedere lui e la sua famiglia, e lui e Jennifer li salutano mentre partono per un’altra avventura.

Ritorno al futuro - Parte III

Perché Doc non poteva tornare al 1985 con Marty

Il piano originale che Marty e Doc avevano elaborato prevedeva di spingere la loro DeLorean, in grado di viaggiare nel tempo, a 88 miglia all’ora con un treno, in modo da riportarli al 1985. Per farlo, dovevano fermare il treno locale e usare i tronchi speciali creati da Doc, che fornivano al treno l’energia in eccesso necessaria per raggiungere una velocità così assurdamente alta per l’epoca. Mentre riescono a farlo in tempo, Doc deve rimanere nella cabina del treno per mettere i tronchi nel fuoco, mentre Marty siede in macchina e informa Doc sulla velocità e il tempo rimanente.

Proprio quando Doc tenta di spostarsi dalla cabina del treno alla DeLorean, dopo aver gettato l’ultimo ceppo nel fuoco, Clara appare dietro al treno per cercare di raggiungere Doc. La sua vita è in pericolo a causa della velocità del treno, che minaccia di farla cadere. Fortunatamente, Marty ha ancora il suo hoverboard del 2015 e lo manda indietro a Doc, che lo usa per mantenere l’equilibrio e tenere Clara. Tuttavia, queste manovre richiedono troppo tempo e la DeLorean non può ospitare tre persone, quindi Doc deve rimanere nel 1885 mentre Marty va nel 1985.

Perché Marty non poteva tornare indietro nel tempo

Doc Brown, che ha uno dei migliori cameo a sorpresa nella storia del cinema in A Million Ways To Die in the West, riprendendo il suo personaggio del 1885, era convinto in Ritorno al futuro – Parte III che la macchina del tempo dovesse essere distrutta. Tutti e tre i film di Ritorno al futuro esplorano gli effetti negativi dell’interferenza con la linea temporale, e Ritorno al futuro – Parte II in particolare esplora come tale tecnologia possa essere utilizzata in modo improprio da malfattori egoisti, portando a catastrofi cosmiche.

Quindi, quando Marty lascia il 1885 da solo, una delle cose che Doc gli dice è che deve distruggere la DeLorean in modo che nessuno possa più abusare della sua invenzione. Indipendentemente dalle intenzioni di Marty, però, dato che l’auto appare su un binario ferroviario funzionante nel 1985 e non ha carburante a causa della mancanza di benzina nel 1885, Marty non ha altra scelta che lasciarla distruggere da un treno in corsa. Sfugge per un pelo alla morte e guarda con orrore l’invenzione di Doc ridotta in mille pezzi, e si rende conto che il viaggio nel tempo è ufficialmente impossibile di nuovo.

Sebbene non sia confermato, si può supporre, in base al linguaggio del corpo di Marty, che avrebbe preferito che ciò accadesse più tardi e in modo diverso. Potrebbe anche aver pianificato di tornare indietro nel tempo per andare a prendere Doc e Clara. Tuttavia, sembra piuttosto felice che Doc abbia trovato la sua compagna di vita ed è possibile che sia semplicemente triste per non aver potuto salutare adeguatamente Doc o la DeLorean. Entrambi gli addii sono piuttosto affrettati e Marty è costretto a rassegnarsi in fretta all’idea di non rivedere mai più Doc e di non tornare mai più indietro nel tempo.

Christopher Lloyd in Ritorno al futuro - Parte III

Perché Doc non vuole più distruggere la macchina del tempo

Dato che Doc costruisce un treno che viaggia nel tempo, ciò implica che ha cambiato idea e ha rivalutato la sua posizione sui viaggi nel tempo. Naturalmente, Clara deve aver avuto un effetto su di lui. Quando rivela la sua vera identità di proveniente dal futuro, Clara inizialmente lo liquida come un imbroglione, ma poi si rende conto che non stava mentendo. Questo non solo cambia il futuro di Doc, ma anche quello di Clara. La storia dice che Clara sarebbe dovuta morire, e Doc è colui che l’ha salvata, quindi cambiare il passato è il modo in cui ha incontrato l’amore della sua vita.

Gli effetti positivi del cambiamento del passato devono averlo convinto che non è poi così male. Anche prima dell’inizio di Ritorno al futuro – Parte III, Doc era sicuro che non sarebbe tornato al 1985, come aveva scritto nella sua lettera a Marty in cui gli diceva di non venire a cercarlo. Ma, dopo il loro disaccordo, ha cambiato idea, solo per decidere di nuovo il contrario. A un certo punto, deve aver capito che siamo noi a creare il nostro destino, come dice nel suo ultimo incontro con Marty dopo aver portato il treno nel 1985, ed è per questo che non è più contrario ai viaggi nel tempo.

Doc deve aver riscoperto il suo amore per i viaggi nel tempo che lo aveva originariamente motivato a costruire la macchina. Sia Clara che Doc sono grandi fan di Jules Verne e dell’esplorazione scientifica, quindi è chiaro come Clara lo abbia aiutato a capire perché i viaggi nel tempo non sono intrinsecamente negativi. Inoltre, la maggior parte degli impatti sul futuro nel corso di Ritorno al futuro – Parte III, come Marty che salva la vita a Doc e il bullo della città Buford che viene umiliato, devono averlo convinto che a volte non è una cattiva idea interferire con la linea temporale.

Una scena di Ritorno al futuro - Parte III

Come funziona il treno che viaggia nel tempo di Doc

Nel corso della trilogia di Ritorno al futuro, intravediamo il genio del dottor Emmett Brown. Sebbene la sua introduzione sia praticamente legata all’invenzione del viaggio nel tempo, i film ci mostrano momenti di genialità quotidiana per descrivere quanto sia intelligente. Quindi, è logico che, nonostante i mezzi limitati a sua disposizione nel 1885, sia riuscito a trovare un modo per far funzionare il viaggio nel tempo. In primo luogo, aveva ancora la sua auto di Ritorno al futuro – Parte II che lo aveva portato nel 1885 e, in secondo luogo, aveva trovato un modo per far viaggiare un treno a 88 miglia all’ora.

Questi due dettagli, entrambi menzionati in Ritorno al futuro – Parte III, possono spiegare come Doc possa aver viaggiato in un luogo nel futuro. Una volta lì, non sarebbe stato difficile per lui equipaggiare il treno con un dispositivo di volo e magari sostituire i tronchi pericolosamente esplosivi con carburante organico, come aveva fatto con la DeLorean in Ritorno al futuro – Parte II. Il flusso canalizzatore, che permette di viaggiare nel tempo, avrebbe potuto semplicemente essere preso in prestito dalla DeLorean che già possedeva e, una volta ottenuto, il resto sarebbe stato intuitivo per uno scienziato brillante come lui.

Il vero significato del finale di Ritorno al futuro – Parte III

Doc Brown tiene un appassionato discorso sul destino e sul futuro nella scena finale di Ritorno al futuro – Parte III. Spiega che il futuro di nessuno è scolpito nella pietra e che siamo noi a creare il nostro destino. Si tratta di una chiara deviazione dalla sua filosofia espressa in tutta la trilogia, in cui è convinto che il futuro sia predeterminato e che i viaggi nel tempo lo alterino. Sebbene pronunci queste parole ai personaggi del film, è chiaro che il messaggio di Doc è rivolto anche agli spettatori.

Il punto centrale della trilogia è descrivere come plasmiamo il nostro futuro prendendo delle decisioni. L’esempio più recente è quello di Marty che sceglie di andarsene dopo essere stato preso in giro, il che gli evita l’incidente e gli garantisce una carriera redditizia come rock star in futuro. In Ritorno al futuro, il padre di Marty tiene testa al suo bullo, cambiando per sempre la loro dinamica. Doc supera la sua paura di cambiare la linea temporale e salva anche la sua vita. Il messaggio principale della serie è che se prendiamo le decisioni giuste, possiamo creare un futuro migliore per noi stessi.

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I mercenari 4: la spiegazione del finale del film

Il finale di I mercenari 4 include un ribaltamento di morte, la rivelazione di un cattivo a sorpresa e molto altro ancora, preparando il terreno per il futuro del franchise. Il quarto capitolo della serie sposta completamente il focus narrativo su Lee Christmas, interpretato da Jason Statham, mentre Barney Ross, interpretato da Sylvester Stallone, ha un ruolo inaspettato rispetto ai film precedenti. La trama ruota attorno agli Expendables che tentano di sconfiggere Rahmat (Iko Uwais) e impedire l’esplosione di una bomba nucleare che darebbe inizio alla terza guerra mondiale. Sono motivati a farlo dopo che Rahmat uccide Barney Ross nella scena iniziale del film, il che porta Christmas ad essere espulso dalla squadra.

L’intera scena che precede un potenziale finale di I mercenari 4 si svolge a bordo di una portaerei che ospita una bomba nucleare. Gina (Megan Fox) guida gli Expendables a bordo della nave, ma finiscono per diventare prigionieri in attesa che Christmas li salvi e li aiuti a scoprire la vera identità di Ocelot, un misterioso cattivo che Barney ha cercato di smascherare 25 anni prima. Il finale permette al film di portare a termine tutte le trame principali rivelando la verità sulla morte di Barney, chi è Ocelot, il piano del cattivo e altro ancora. Significa anche lasciare la porta aperta per il proseguimento della serie.

Barney Ross è vivo e come ha finto la sua morte

Il momento clou alla fine di I mercenari 4 è la conferma che la morte di Barney Ross è stata inscenata. Il pubblico sarà sicuramente sospettoso di questo destino mortale per il personaggio di Sylvester Stallone, considerando quanto presto accade nel film, ma le prove della sua scomparsa sono abbondanti. L’aereo della squadra di Expendables precipita senza alcun segno di fuga di Barney, e il film decide di mostrare un corpo carbonizzato che indossa il suo caratteristico anello ancora nella cabina di pilotaggio. Tuttavia, Barney ritorna per salvare la situazione, poiché è responsabile dell’uccisione di Ocelot e del salvataggio di Christmas dalla morte.

Le domande su come Barney Ross abbia finto la sua morte trovano una risposta diretta nei momenti finali di I mercenari 4. Egli rivela a Christmas che il corpo che ha sostituito Barney non era altro che quello di Jumbo Shrimp, l’uomo che ha vinto l’anello di Barney in una gara di lotta con i pollici che Christmas ha combattuto al bar all’inizio del film. Barney rivela di averlo rapito in seguito e di averlo nascosto a bordo dell’aereo. Jumbo Shrimp indossa il tipico abbigliamento del gruppo e l’anello di Barney quando si sveglia con l’aereo in procinto di schiantarsi. Barney si lancia con il paracadute dall’aereo prima dello schianto e scompare per rendere credibile la sua morte.

Megan Fox in I mercenari 4
Megan Fox in I mercenari 4

L’identità di Ocelot, il piano del cattivo e la storia con Barney spiegati

L’altro grande mistero di I mercenari 4 che viene finalmente svelato alla fine è chi sia realmente Ocelot e cosa voglia. La rivelazione porta alla luce la verità che Marsh (Andy Garcia), l’agente della CIA che ha lavorato con Barney anni prima e ha portato il gruppo ad abbattere Rahmat, è il cattivo. Marsh e Barney hanno lavorato alla missione originale 25 anni fa, che aveva lo scopo di svelare l’identità di Ocelot e che ha portato alla morte di tutti i membri della squadra di Barney. Ha assunto la squadra e li ha accompagnati nella missione finale per sconfiggere Rahmat, con l’intento di incolparli dell’inizio della terza guerra mondiale.

Le motivazioni di Marsh in I mercenari 4 nei panni di Ocelot sono piuttosto semplici. Crede che la terza guerra mondiale sia inevitabile e sa che qualcuno trarrà profitto dal suo inizio. Per questo è ansioso di far esplodere la bomba nucleare in Russia e incastrare l’America per l’incidente. Marsh riappare come Ocelot dopo la morte di Barney perché questo rende pubblico un file sull’identità dell’unico uomo che conosceva la vera identità di Ocelot. Marsh finge di essere un ostaggio di Rahmat per far uscire il prigioniero dalla custodia della CIA e lo uccide nella speranza di mantenere segreta per sempre la sua identità di cattivo. Questo avrebbe funzionato se Barney non avesse finto la sua morte.

Perché Lee Christmas non è sceso dalla portaerei

Prima del ritorno di Barney e della morte di Ocelot, Lee Christmas prende una decisione piuttosto sorprendente: rimanere sulla nave dopo che il resto della squadra è riuscita a scappare sana e salva. Doveva essere l’ultimo a scendere in salvo sulla barca di Decha (Tony Jaa), ma taglia la corda in un atto di sacrificio. Il personaggio di Jason Statham decide di rimanere sulla portaerei per poterla far tornare indietro prima che raggiunga la Russia ed esploda. Vuole compiere il sacrificio estremo proprio come pensa abbia fatto Barney all’inizio del film. Christmas sarebbe morto sulla nave se Barney non fosse venuto in suo soccorso.

Che fine ha fatto Rahmat? È morto?

Una domanda che rimane senza risposta è che fine abbia fatto Rahmat. Il cattivo interpretato da Iko Uwais è stato gravemente ferito in uno scontro con Lee Christmas verso la fine del film. Tuttavia, Rahmat è riuscito a fuggire inaspettatamente quando Christmas ha distolto la sua attenzione dal cattivo apparentemente moribondo per occuparsi di Gina. I mercenari 4 non spiega come Rahmat sia sfuggito alle grinfie di Christmas, ma il suo destino è probabilmente segnato in ogni caso. La barca di Decha era l’unico modo per lasciare la portaerei prima che Barney la affondasse e la bomba nucleare esplodesse. Ciò dovrebbe significare che Rahmat è morto, a meno di un sorprendente retcon nella trama di I mercenari 5.

Sylvester Stallone, Jason Statham e 50 Cent in I mercenari 4
Sylvester Stallone, Jason Statham e 50 Cent in I mercenari 4

Qualcun altro era a conoscenza del piano di Barney per fingere la propria morte?

L’intera trama di The Expendables 4 è piena di mistero e colpi di scena, il che rende un po’ confuso il piano finale in atto per quanto riguarda chi fosse a conoscenza della verità su ciò che stava accadendo. Mentre Gina sapeva del localizzatore nel coltello di Christmas e aveva pianificato il suo arrivo, non è chiaro se qualcun altro fosse a conoscenza del piano di Barney di fingere la propria morte. È chiaro che Lee Christmas e Marsh non ne erano a conoscenza, così come Toll Road (Randy Couture), Gunner (Dolph Lundgren) e altri. Se qualcun altro era a conoscenza del piano di Barney, potrebbe essere stata Gina, considerando che ha lavorato a stretto contatto con lui prima dell’evento.

Come I mercenari 4 prepara I mercenari 5: chi è ancora nella squadra

Non c’è un collegamento diretto tra I mercenari 5 e il finale di I mercenari 4, ma la porta è indubbiamente lasciata aperta. Il film si conclude con la squadra di ritorno al bar che festeggia il fatto che Barney sia vivo e che la relazione tra Gina e Christmas sia stata riaffermata. Questo semplice fatto significa che un sequel è possibile. Finché i personaggi di Stallone e/o Statham saranno ancora presenti, potranno esserci altri film a seconda del successo al botteghino di I mercenari 4. Megan Fox è persino pronta a tornare nei panni di Gina per un potenziale spin-off femminile, se ciò dovesse interessare.

Se I mercenari 5 dovesse essere realizzato, la squadra sembra essere già in gran parte definita. Barney potrebbe assumere un ruolo di leadership ancora più importante ora che è tornato, mentre Christmas può prendere il suo posto legittimo come leader della squadra in sua assenza. Toll Road e Gunner sono ancora presenti e in grado di dare il loro contributo, così come i nuovi membri Easy Day (50 Cent), Galan (Jacob Scipio) e Lash (Levy Tran). C’è anche una porta aperta per Dacha, che potrebbe rimanere ancora una volta un membro del gruppo. Naturalmente, il finale di I mercenari 4 non impedisce né l’ingresso di nuovi personaggi né il ritorno dei veterani del franchise per completare il roster.

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Quicksand: la spiegazione del finale del film

Quicksand è un thriller mistery colombiano diretto da Andres Beltran, che ha come protagonisti principali Carolina Gaitán e Allan Hawco. La sceneggiatura, scritta da Matt Pitts, segue una coppia sposata sull’orlo del divorzio. Mentre i due viaggiano in Colombia per una conferenza di lavoro, finiscono intrappolati nelle sabbie mobili durante un’escursione nella foresta pluviale. Il film segue principalmente la lotta della coppia per uscire da queste sabbie mobili reali, soffermandosi al tempo stesso sulle loro paure, sul risentimento reciproco e sui pensieri repressi e mai espressi che entrambi custodiscono nella mente.

La trama di Quicksand

Quicksand inizia con la scena di un uomo armato che attraversa una fitta foresta, terrorizzato a morte. All’improvviso qualcuno gli tocca la spalla: è Diego (Andrés Castañeda), che gli dice che dovrebbero stare insieme. L’uomo, però, è spaventato dal luogo in cui sono entrati e vuole scappare. Non gli importa del bracconaggio di pelle di serpente a cui Diego sembra interessato. Mentre fugge da lui, scivola nel fango e cade accanto a un cadavere. Si passa poi alla storia di una coppia che arriva in un hotel colombiano.

Josh (Allan Hawco) chiede a Sofia (Carolina Gaitán) delle sue esperienze passate in quel luogo. Lei rifiuta di entrare nei dettagli e invece gli chiede di ricaricarle il telefono per poter parlare con i loro figli rimasti a casa. La distanza emotiva tra loro diventa evidente già nei primi momenti del loro dialogo. Alla fine, in hotel, Marcos (Sebastian Eslava) li accoglie e sottolinea quanto ci sia bisogno di operatori sanitari in Colombia, ringraziando Sofia per aver deciso di venire. Marcos aveva organizzato un modo affinché la coppia passasse un po’ di tempo insieme prima della conferenza di Sofia.

Ciò che non sapeva è che i due avevano già deciso di divorziare. Restano distanti anche quando raggiungono la loro stanza. Più tardi, quella sera, cenano insieme a Marcos. Sofia fa notare di aver smesso di mangiare carne dopo la nascita del loro bambino. Marcos continua comunque a mangiare, cosa che la infastidisce. Poco dopo, Marcos chiede a Josh di fare un’escursione insieme. Sofia dice che piacerebbe anche a lei unirsi, cosa che Josh trova un po’ strana. Appena Sofia si allontana dal tavolo, Josh rivela che stanno per separarsi.

Sembra particolarmente ferito dalla fine della loro relazione, ma la considera inevitabile. Il giorno seguente, Sofia decide di andare a fare un’escursione da sola. Josh mostra preoccupazione per la sua sicurezza, quindi lei accetta di farsi accompagnare. Parlano con il concierge per capire il percorso. L’uomo li avverte di non entrare in una zona particolarmente pericolosa chiamata Las Arenas, a causa del rischio di terreni instabili e serpenti. Sofia è d’accordo nel dire che dovrebbero evitare quel sentiero, anche se potrebbe fargli risparmiare tempo.

Quando la coppia parte, il concierge guarda verso Diego, che subito dopo si allontana. Nel frattempo, Josh accompagna Sofia a La Chorrera. Scendono dall’auto e iniziano a camminare tra la vegetazione. A malapena si scambiano qualche parola per tutto il tragitto. Col tempo, Josh comincia a sentirsi a disagio per l’altitudine. Nota che il cielo si sta coprendo e propone di tornare indietro. Secondo lui sarebbe troppo rischioso continuare, considerando la possibilità di pioggia.

Tornano alla macchina e trovano un uomo lì vicino: è Diego. Josh dice a Sofia di nascondersi finché non avrà parlato con lui. Nota che Diego è armato e cerca di calmare la situazione. Diego chiede dei soldi, e Josh rifiuta. Mente anche dicendo che Sofia non lo ha accompagnato nell’escursione. Ma quando Diego si mostra sempre più agitato, Sofia viene fuori. Visto che la situazione sfugge al controllo, i due gli lanciano lo zaino in faccia per distrarlo e scappare.

Sofia nota un cartello che indica la direzione per Las Arenas. Suggerisce di andare lì perché Marcos non si avventurerebbe in un’area così rischiosa. Josh inizialmente si oppone, ma poi accetta di nascondersi lì per il momento. Lei si arrabbia con lui perché, a suo dire, vuole sempre fare l’eroe. Sentendo degli spari, Sofia corre verso Las Arenas. All’improvviso avverte una forte vertigine e confusione. Perde i sensi e li riprende dopo un po’. Cammina ancora un po’ e si ritrova intrappolata nelle sabbie mobili.

Carolina Gaitán e Allan Hawco in Quicksand
Carolina Gaitán e Allan Hawco in Quicksand

La spiegazione del finale di Quicksand

Josh corre alla ricerca di Sofia. All’improvviso la vede bloccata nel fango e si precipita verso di lei. Decide di aiutarla con un bastone, ma questo si spezza a metà, e lei continua a sprofondare sempre di più. Alla fine, le sabbie mobili la inghiottono quasi del tutto. A quel punto, Josh decide di saltare dentro anche lui. Così, rimangono entrambi intrappolati. Josh cerca di ragionare per capire come uscire da quella situazione. Nel frattempo, Sofia sente qualcosa sotto di lei. Lo tira fuori e scopre che è un cadavere.

Josh prende da sotto il corpo una pistola e una borsa. Spingono via il cadavere e aprono lo zaino. Josh si chiede cosa stesse cercando quell’uomo in quel posto. Poi cerca di capire un modo per uscire. Per farlo, chiede a Sofia di creare un laccio tagliando la borsa, così da poterlo lanciare verso una roccia e tirarsi fuori. Mentre i due sono ancora bloccati lì, Marcos si preoccupa sempre di più per la loro scomparsa. Nota Diego nella hall dell’hotel con lo zaino di Josh e lo affronta. La sicurezza cerca di dividerli, ma finisce per metterli entrambi in custodia.

Marcos interroga Diego e scopre che la coppia si trova a Las Arenas. Capisce che sono in estremo pericolo e chiede al direttore dell’hotel di farlo uscire. Nel frattempo, Sofia lancia il laccio, ma si rende conto che è troppo corto. Josh propone di aggiungere la sua giacca per allungarlo. Cerca di restare ottimista, dicendo che qualcuno li starà cercando anche se lei non ci crede più. Poco dopo, sentono un elicottero passare sopra di loro. Urlano per attirare l’attenzione, ma inutilmente. Allora Sofia decide di accendere un fuoco per farsi notare.

Josh però è contrario, perché quello è l’unico oggetto che possono usare per salvarsi. Vedendo Sofia perdere la speranza, Josh cerca di tirarla su di morale. All’improvviso, delle formiche cominciano a morderla. Lui versa della vodka sulle punture per alleviare il bruciore. Le confessa di avere quella bottiglia nonostante le avesse detto di essere sobrio. Dice di aver ceduto a causa dello stress del lavoro e della loro relazione. Lei suggerisce allora che avrebbero dovuto usare la pistola per attirare l’attenzione dell’elicottero.

Così, gli chiede di passarle l’arma. Mentre la carica, Sofia vede un serpente arrampicarsi sulla schiena di Josh. Nota anche un uovo e capisce che la madre lo sta proteggendo. Josh la sprona a sparare al serpente. Nonostante la paura, Sofia riesce a farlo. Ma nel frattempo il serpente morde Josh e lo avvelena. Josh va nel panico, e Sofia cerca di calmarlo. Gli fa rallentare la respirazione per guadagnare tempo in attesa di cure.

In quel momento i due hanno modo di riflettere sulle scelte del loro passato recente. Riconoscono entrambi i propri errori e si chiedono scusa. Dato che il veleno si sta diffondendo nel corpo di Josh, lei decide di incidere la ferita per evitare che peggiori. Nonostante lui protesti, lei lo fa. Dopo l’incisione entrambi si sentono storditi e intorpiditi, ma la manovra contribuisce a migliorare la situazione di Josh.

Carolina Gaitán in Quicksand
Carolina Gaitán in Quicksand

Sofia e Josh riescono a salvarsi dalle sabbie mobili?

Dopo circa un’ora in cui Sofia si prende cura di lui, Josh si riprende. La ringrazia per non aver perso la speranza. Tornano a parlare delle loro vite e delle difficoltà emotive che li hanno allontanati. Lei racconta di aver accettato quella conferenza per ritrovare fiducia in sé stessa. Lui si pente di non aver apprezzato i sacrifici che lei ha fatto per il loro matrimonio. Mentre sperano ancora che il laccio li salvi, Sofia vede un altro serpente avvicinarsi. Le si avvolge intorno al collo e quasi la strangola.

Josh, che era svenuto, riesce a pugnalarlo e a salvarla. Lei usa il corpo del serpente per allungare il laccio e uscire dal fango. Dopo uno sforzo enorme e un dolore atroce, riesce a liberarsi. Cerca poi di tirare fuori anche lui, ma Josh le dice di andare via, di salvarsi e lasciarlo lì. Sofia allora prova a trovare una via d’uscita sicura senza finire in altre sabbie mobili. Più tardi, quella notte, Marcos e le autorità riescono a raggiungerla e a portarla in salvo.

Sofia continua ad avere visioni di sé mentre tiene la conferenza di fronte al pubblico. Forse è proprio questo a impedirle di perdere la speranza. Mentre i medici la soccorrono, gli altri tirano fuori il corpo di Josh dalla giungla. Lei sorride felice nel vederlo ancora vivo. La coppia si bacia e si lascia finalmente alle spalle quel tormento. In sostanza, è la storia di una coppia sposata che cerca di sfuggire al caos della propria relazione in frantumi mentre lotta per sopravvivere nelle sabbie mobili.

Cosa ci lascia il film Quicksand 

Quicksand ci lascia così un messaggio potente sul confronto con le proprie paure, i conflitti interiori e le relazioni fragili. Attraverso la metafora della sabbia mobile, il film esplora come le tensioni emotive, i risentimenti repressi e la mancanza di comunicazione possano intrappolare le persone tanto quanto i pericoli fisici. La lotta di Josh e Sofia per sopravvivere diventa un percorso di introspezione e riconciliazione, mostrando che la fiducia, la collaborazione e il coraggio sono fondamentali per superare le difficoltà. Alla fine, il film sottolinea l’importanza della resilienza, della comprensione reciproca e della capacità di affrontare le sfide insieme.

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The Last Frontier: recensione della serie Apple Tv+ con Jason Clarke

Nel catalogo delle serie targate Apple TV+ mancava in qualche modo il thriller d’azione con colpi di scena a ripetizione e una trama prettamente di genere. A colmare questa lacuna arriva The Last Frontier, creata da quel Jon Bokenkamp che aveva un amore successo di pubblico grazie a The Blacklist con protagonista James Spader.

Trama e personaggi di The Last Frontier

La trama dello show in dieci puntate è tanto semplice quanto intrigante. Nelle foreste innevate dell’Alaska un aereo precipita. Si tratta di un volo speciale, in quanto contiene detenuti alquanto pericolosi. Allo US Marshall Frank Remnick (Jason Clarke) il compito di catturare e restituire alla legge i criminali sopravvissuti e adesso spersi tra le nevi della regione. Tra questi troviamo anche una spia dal nome in codice Havlock (Dominic Cooper), uomo ultra-addestrato che conosce segreti in grado di mettere in ginocchio la CIA. Sulle sue tracce si lancia anche l’agente speciale Sidney Scofield (Haley Bennett), la quale nasconde un passato misterioso con la sua preda…

Ricordate un cult-movie anni ‘90 qual è l’adrenalinico e tutto sommato ben orchestrato Con Air con protagonista Nicolas Cage? Ecco, The Last Frontier potrebbe essere il sequel ideale di quel lungometraggio, non soltanto per la trama ma anche per l’idea alla base del progetto. Come nel film diretto da Simon West, anche nel caso della serie ci troviamo infatti di fronte a un prodotto che punta al puro intrattenimento ma senza dimenticare la consistenza di trama e personaggi. Fin dall’episodio pilota infatti The Last Frontier promette azione, momenti spettacolari che si coniugano con situazioni emotivamente efficaci e soprattutto personaggi che il pubblico può abbracciare a livello psicologico. In particolar modo il Remnick interpretato da Clarke è il classico, sempre efficace uomo di legge diviso tra l’amore per la propria famiglia e un senso del dovere che lo spinge verso il pericolo, anche il più estremo.

Jason Clarke in “The Last Frontier,” now streaming on Apple TV+.

L’attore in passato molto apprezzato in film come Zero Dark Thirty (meritava in quale caso almeno la candidatura all’Oscar come non protagonista) e Nemico pubblico offre anche in The Last Frontier una prova tanto carismatica quanto capace di mettere in rilievo i tratti più comuni di un uomo che possiede i suoi punti deboli. Se lo show mantiene un buon livello di tensione emotiva, lo si deve soprattutto alla sua capacità di restituire al pubblico in ogni momento l’umanità del protagonista. Meno efficaci risultano purtroppo Haley Bennett e Dominic Cooper, ma va scritto che a loro sono toccati i due personaggi che servono principalmente per sviluppare la dimensione action/thriller, quindi devono in fin dei conti risultare più funzionali alla trama che diretti all’empatia con il pubblico.

Azione, intrattenimento e ambientazione

Senza assolutamente gridare al capolavoro, la serie Apple TV+ di Jon Bokenkamp garantisce quel tipo di intrattenimento mainstream che mancava alla piattaforma streaming. The Last Frontier infatti contiene scene spettacolari – la conclusione del terzo episodio su tutte – alternate con un discreto lavoro di definizione dei personaggi “ordinari”. Altro punto a favore dello show è l’utilizzo sapiente dell’ambientazione: l’Alaska coperta di neve, i paesaggi incontaminati e selvaggi, la bellezza della natura al suo stato maggiormente impervio immergono la trama e i protagonisti in un setting elegante quanto potente. In questo scenario che pone l’essere umano di fronte ai propri limiti sia fisici che psicologici, possiamo godere come spettatori comodamente seduti al caldo dei nostri divani azione discretamente articolata, dramma umano, un pizzico di romanticismo, il tutto mescolato in una show che offre esattamente quel che promette.

Se siete alla ricerca di un prodotto che vi stimoli alla riflessione, probabilmente The Last Frontier non è quello che state cercando. Se invece volete intrattenimento leggero e dal ritmo sincopato, allora questo show vale molto più di tantissimi prodotti dello stesso genere realizzati da altre piattaforme.

Mayor of Kingstown 4: il trailer della nuova stagione con Jeremy Renner

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Paramount+ ha diffuso il trailer ufficiale della quarta stagione di Mayor of Kingstown, la serie creata da Taylor Sheridan e Hugh Dillon con protagonista Jeremy Renner. I nuovi episodi arriveranno prossimamente in streaming, promettendo di riportare lo spettatore nel cuore corrotto della città di Kingstown, dove il potere è sempre in bilico tra le mura del carcere e quelle del municipio.

Nuove forze si contendono il potere a Kingstown

Nel trailer, la città di Kingstown è di nuovo sull’orlo del caos. Dopo il vuoto lasciato dai russi, nuove forze convergono per colmare il vuoto di potere, costringendo Mike McLusky (Jeremy Renner) a lottare per proteggere se stesso e il fragile equilibrio che ha costruito. Intrighi, violenza e corruzione tornano protagonisti in una stagione che promette di alzare ulteriormente la posta in gioco.

Jeremy Renner torna sullo schermo dopo l’incidente

La quarta stagione segna anche il ritorno di Jeremy Renner sul set dopo il grave incidente che lo aveva costretto a una lunga riabilitazione. L’attore riprende con intensità il ruolo del sindaco di Kingstown, in un racconto che esplora ancora una volta i limiti morali del potere e della giustizia in una comunità segnata dal crimine.

Cast e produzione

Nel cast tornano Dianne Wiest, Taylor Handley, Tobi Bamtefa e Emma Laird, insieme a nuovi ingressi che porteranno ulteriore tensione e imprevedibilità. La serie è prodotta da Taylor Sheridan, Hugh Dillon, Jeremy Renner e Antoine Fuqua per Paramount Television Studios.

Quando esce Mayor of Kingstown 4

Mayor of Kingstown – Stagione 4 debutterà il 26 ottobre su Paramount+, con nuovi episodi carichi di tensione e conflitti. Il trailer lascia intendere che Mike McLusky dovrà affrontare il suo nemico più grande: un sistema che non smette mai di rigenerare la violenza.

The Walking Dead: Daryl Dixon – Stagione 3, Episode 7, Trailer: Daryl e Carol salveranno tutti?

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The Walking Dead: Daryl Dixon – stagione 3, episodio 7: il trailer ha rivelato le audaci missioni di salvataggio di Daryl e Carol mentre i conflitti in Spagna raggiungono il culmine. Daryl Dixon – stagione 3, episodio 6 ha gettato le basi per l’ultimo disperato tentativo di Daryl di salvare Justina da El Alcázar, dopo aver fallito nel salvare lei e le altre ragazze nelle mani del gruppo.

Per quanto riguarda Carol, lei si è avvicinata sempre più ad Antonio, e i due si sono scambiati un bacio verso la fine dell’episodio 6. Tuttavia, il conflitto tra Antonio e Fede si è intensificato, con il leader di Solaz del Mar che ha cercato di avvelenare suo figlio Roberto dopo aver scoperto che aveva tentato di salvare Justina. Carol sembra voler lasciare la città, ma i guai in cui sta per cacciarsi Antonio fanno capire che non starà via a lungo.

Ciò è confermato dal trailer della stagione 3, episodio 7 di Daryl Dixon, pubblicato da AMC. Si vede Daryl infiltrarsi in un evento organizzato da El Alcázar, combattendo sia gli umani che i Walker nel suo disperato tentativo di salvataggio. Nel frattempo, Carol e Roberto cercano di salvare Antonio da Fede, ma si ritrovano incatenati insieme nel centro della città:

I personaggi principali di Daryl Dixon sono ormai profondamente coinvolti nel conflitto di El Alcázar, con i loro tentativi di salvare sia Justina che Antonio destinati ad avere un impatto importante sulla trama generale. La svolta malvagia di Fede comporta anche delle complicazioni: senza un territorio su cui regnare, Solaz del Mar non avrà modi garantiti per difendersi.

Tuttavia, la situazione è complicata a causa di quanto lui fosse disposto a fare per impedire che la verità su La Ofrenda venisse rivelata, arrivando persino a sacrificare sua nipote per salvare la faccia. Anche se Daryl potrebbe riuscire a salvarla, le conseguenze dell’attacco a El Alcázar potrebbero ricadere su Fede, dato che il loro leader, Guillermo, non sa che lui sta agendo da solo.

Per quanto riguarda Carol, il suo tentativo di salvare Antonio li metterà sotto il fuoco di Solaz del Mar. Anche se non è chiaro se tutti e tre sopravviveranno, questo segnala che il duo padre-figlio non può rimanere. A seconda di ciò che accadrà e di come si svolgerà la stagione 4 di Daryl Dixon, potrebbero unirsi alla coppia principale nel prossimo capitolo del loro viaggio.

Con il finale di stagione che promette azione impressionante sia dalle missioni di salvataggio che dai grandi momenti, la terza stagione di Daryl Dixon è pronta a concludersi in modo emozionante. Il finale dello show getterà le basi per la direzione che prenderà la sua stagione finale e per quanto emozionante sarà la seconda metà dell’avventura di Daryl e Carol in Spagna.

 

Die Alone, spiegazione del finale: Ethan è vivo o morto?

Per gran parte della sua durata, Die Alone mantiene nascosto il suo grande colpo di scena. Diretto da Lowell Dean, il film mescola elementi di horror zombie e dramma psicologico, costruendo una narrazione volutamente confusa, così che lo spettatore si trovi nella stessa situazione del protagonista, incapace di distinguere realtà e allucinazione. Tuttavia, tutto diventa chiaro nel finale, quando i vari elementi vengono finalmente messi insieme.

La pellicola segue un approccio non lineare, ma per comprendere appieno la storia è necessario ricostruirla in ordine cronologico. Die Alone non è solo un film di sopravvivenza in un mondo invaso dai non morti, ma anche una tragica riflessione sull’amore, la perdita e l’ossessione di mantenere in vita ciò che è già morto — letteralmente e metaforicamente.

Cosa succede nel film

La storia si apre con Ethan, un giovane uomo disperato che punta una pistola alla propria testa. È in preda all’angoscia, e dopo pochi istanti preme il grilletto. Da qui il film torna indietro nel tempo per raccontare come si sia arrivati a quel momento.

Ethan e la sua fidanzata Emma stanno cercando rifugio nella loro baita isolata, mentre il mondo è devastato da un virus di origine vegetale che trasforma gli esseri umani in zombie. La coppia spera che, lontani dalla civiltà, possa sopravvivere al caos. Tuttavia, un incidente d’auto cambia tutto: Ethan perde la memoria e, al risveglio, Emma è scomparsa. Sul polso sinistro ha un cerotto con disegnato un cuore e il nome di Emma.

Smarrito e confuso, Ethan viene accolto da Mae, una donna anziana che vive in una fattoria isolata. Lei gli offre cibo, un letto e promette di aiutarlo a ritrovare la fidanzata. Tuttavia, ogni volta che Ethan nomina Emma, Mae cambia argomento o lo distrae. Quando il ragazzo prova a lasciare la casa, lei lo ferma con la forza o con l’inganno.

Una notte, Ethan riesce a scappare, ruba il camion di Mae e raggiunge la baita. Qui trova una donna e suo figlio, che sembrano conoscere Emma ma non sanno dove sia. Improvvisamente, un attacco di zombie sconvolge la scena. Ethan combatte per difendere i due, ma cade in una nuova crisi di amnesia. Al risveglio, scopre i loro corpi mutilati: sono stati divorati dai non morti. Poco dopo, Mae lo ritrova e lo riporta alla sua fattoria, come se tutto dovesse ricominciare da capo.

L’arrivo di Tom e la verità nascosta

La tranquillità apparente viene interrotta dall’arrivo di Tom, un uomo che si presenta come un sopravvissuto in cerca di rifugio. Tuttavia, ben presto si scopre che non è solo: con lui arrivano altri uomini armati e ostili. Il gruppo lega Mae a una sedia e inizia a interrogarla, accusandola di aver ucciso la moglie di Tom e altre persone.

Nel frattempo, Ethan è in preda a un’altra crisi di memoria. Quando si riprende, trova la situazione degenerata. Tom sostiene che Mae sia una psicopatica omicida e che abbia ucciso anche Emma. Ethan, confuso, non sa a chi credere. Mentre perquisisce la casa, trova un ciondolo con la foto sua e di Emma, mentre Tom rinviene un oggetto appartenente alla moglie scomparsa. Le prove sembrano condannare Mae.

A questo punto, la donna fa una rivelazione inquietante: Ethan è morto da tempo. Poco dopo, Ethan perde il controllo e si scaglia contro Tom, divorandolo come un vero zombie. È il momento in cui la verità viene finalmente svelata.

Cosa è realmente accaduto a Ethan

Da questo punto in avanti, il film svela il retroscena e il colpo di scena centrale. In passato, Ethan era stato morso da uno zombie e non era sopravvissuto. Invece di abbandonarlo, Emma aveva deciso di prendersi cura di lui anche dopo la trasformazione. In questo universo narrativo, gli zombie non possono essere distrutti: un colpo alla testa può solo renderli temporaneamente incoscienti. Tuttavia, se vengono nutriti regolarmente con carne umana, mantengono un aspetto quasi normale, pur soffrendo di amnesia cronica — la condizione che affligge Ethan per tutto il film.

La coppia si era stabilita proprio nella fattoria dove ora vive Mae. All’epoca, lì abitava una famiglia: padre, madre e figlia. Dopo averli accolti con prudenza, il padre non sospetta che Ethan sia già morto e infetto. Quando la verità emerge, è troppo tardi: Emma è costretta a uccidere il padre, mentre Ethan, ormai privo di coscienza, divora la madre e la bambina. È una sequenza brutale, che mostra come la linea tra amore e mostruosità si sia completamente dissolta.

Con il tempo, Emma assume una nuova identità: diventa Mae, una versione più anziana di se stessa, che continua a vivere isolata, nutrendo e proteggendo Ethan come un bambino smarrito. Il suo amore è diventato ossessione: pur di non perderlo, accetta di vivere tra la morte e la follia, alimentando il suo compagno con carne umana per mantenerlo “vivo”.

Ethan vive o muore davvero?

Il climax arriva quando Ethan scopre che Mae ed Emma sono la stessa persona. Di fronte alla verità, il suo mondo crolla. Capisce di essere un mostro che si è nutrito di innocenti per anni, sopravvivendo solo grazie all’amore — o alla follia — della donna che amava. Emma, interpretata da un’attrice più giovane nei flashback e da una più matura nel presente, rivela di non poter più continuare.

Sconvolto, Ethan tenta di suicidarsi sparandosi alla testa — la stessa scena con cui il film si apre — ma non può morire, perché è già morto. È intrappolato in un limbo eterno, condannato a esistere senza pace. Emma, ormai esausta e disperata, gli chiede di ucciderla, sapendo che lui presto dimenticherà tutto e tornerà allo stato di zombie inconsapevole.

Il film si chiude con un atto di pietà e orrore insieme: Ethan uccide Emma, ponendo fine alla sua sofferenza. Poi resta solo, destinato a vagare senza memoria e senza scopo, finché qualcuno — o qualcosa — non porrà fine alla sua esistenza.

È un finale estremamente tragico, che chiude il cerchio narrativo: l’uomo che cercava di ritrovare la donna amata scopre di averla già perduta da tempo. E il titolo Die Alone (“Morire da soli”) acquista il suo pieno significato. Nonostante Emma abbia passato anni a vivere per lui, Ethan finisce inevitabilmente solo, condannato a un’eternità di vuoto e colpa.

Un horror sulla perdita, l’amore e la condanna dell’immortalità

Pur presentandosi come un film di zombie apocalittico, Die Alone è in realtà una meditazione sulla perdita e sull’amore ossessivo. Il virus e i mostri fungono da metafora della negazione del lutto e dell’incapacità di lasciar andare chi si ama. Emma rifiuta la morte di Ethan e lo mantiene in vita, ma in questo modo distrugge sé stessa e la propria umanità.

Lowell Dean costruisce una storia cupa, fatta di ricordi confusi, violenza e redenzione impossibile. La fotografia grigia e i paesaggi desolati accentuano la sensazione di isolamento e follia. La rivelazione finale non è solo un colpo di scena, ma una riflessione sulla natura dell’amore: fino a che punto può spingersi una persona pur di non restare sola?

In definitiva, Die Alone è un film horror che unisce brutalità e poesia, in cui l’orrore non risiede nei mostri, ma nella disperata umanità dei protagonisti. Emma e Ethan non sono vittime del virus, ma dell’amore stesso, che li trasforma in prigionieri di un eterno inferno sentimentale.

F1 – Il film: dal 12 dicembre sarà disponibile in streaming!

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Apple Original Films ha annunciato oggi che F1 – Il film (qui la recensione), il film a tema sportivo con il maggior incasso di tutti i tempi, interpretato da Brad Pitt e diretto da Joseph Kosinski, farà il suo debutto in streaming su Apple TV il 12 dicembre.

Dalla sua uscita nelle sale lo scorso 27 giugno, F1 – Il film ha battuto ogni record, debuttando al primo posto e superando i 629 milioni di dollari di incasso nei botteghini di tutto il mondo. Oltre ad essere il film sportivo con il maggior incasso nella storia, è stato anche la più grande apertura per un film live action originale negli Stati Uniti negli ultimi cinque anni, nonché il titolo di maggior successo nella carriera di Brad Pitt. Il film ha ottenuto un punteggio A su CinemaScore, un impressionante 97% di gradimento da parte del pubblico su Rotten Tomatoes e continua a ricevere elogi come il film di corse automobilistiche più autentico mai realizzato.

«È stato emozionante vedere il pubblico di tutto il mondo accogliere con entusiasmo F1 – Il film nelle sale», ha dichiarato il produttore Jerry Bruckheimer. «Ora siamo entusiasti di portare questa emozionante avventura cinematografica ai fan di tutto il mondo attraverso l’ineguagliabile portata globale di Apple TV. La collaborazione con Apple e la Formula 1 è stata un’esperienza incredibile e siamo orgogliosi che un numero ancora maggiore di spettatori, provenienti da ogni angolo del mondo, potrà vivere l’azione mozzafiato e la passione che caratterizzano F1 – Il film».

Conosciuto come “la più grande promessa mai realizzata”, Sonny Hayes (Brad Pitt) è stato il talento più cristallino della FORMULA 1 negli anni ’90, fino a quando un incidente in pista non ha rischiato di porre fine alla sua carriera. Trent’anni dopo, Sonny si mantiene come pilota mercenario quando viene avvicinato dal suo ex compagno di squadra Ruben Cervantes (Javier Bardem), proprietario di una squadra di FORMULA 1 in difficoltà e sul punto di fallire. Ruben riesce a convincere Sonny a tornare in FORMULA 1 come ultima speranza per salvare la squadra e affermarsi come miglior pilota al mondo. Sonny correrà al fianco di Joshua Pearce (Damson Idris), giovane talento esordiente determinato a dettare le sue regole all’interno del team. Ma mentre i motori ruggiscono, il passato riaffiora e Sonny si rende conto che in FORMULA 1 il tuo compagno di squadra rappresenta la tua concorrenza più spietata – e la strada verso la redenzione è qualcosa che non puoi percorrere da solo.

Fanno parte del cast di F1 – Il film anche Damson Idris, Kerry Condon, Tobias Menzies, Kim Bodnia e Javier Bardem. Il film è stato girato durante i reali weekend dei Grand Prix e la squadra di Pitt e Idris si trova a fronteggiare i veri titani dello sport.

Il film è prodotto da Jerry Bruckheimer, Kosinski, il sette volte campione del mondo di FORMULA 1® Lewis Hamilton, Brad Pitt, Dede Gardner, Jeremy Kleiner e Chad Oman.

Kosinski dirige da una sceneggiatura di Ehren Kruger, su un soggetto di Kosinski & Kruger. Daniel Lupi è il produttore esecutivo. Nel team di filmmaker dietro la macchina da presa troviamo, il direttore della fotografia Claudio Miranda, gli scenografi Mark Tildesley e Ben Munro, il montatore Stephen Mirrione. I costumi sono di Julian Day, la direttrice del casting è Lucy Bevan e le musiche di Hans Zimmer.

Oltre al successo al botteghino, “F1: Il film” ha dato vita a un fenomeno musicale con F1 The Album, la colonna sonora ad alto tasso di adrenalina che ha superato le 650.000 copie vendute nel mondo ed è vicina a raggiungere il miliardo di stream. Attualmente domina la classifica Top Movie Songs di Billboard con sette delle prime dieci tracce, trainata dall’hit di Tate McRae, candidata a due premi VMA, “Just Keep Watching”. Con oltre quattro miliardi di visualizzazioni sulle piattaforme di video brevi, F1 The Album si è distinto come uno dei momenti musicali più significativi del 2025 ed è stato una componente essenziale dell’impatto culturale del film.

Apple Original Films e Warner Bros. Pictures presentano una produzione Monolith Pictures / Jerry Bruckheimer / Plan B Entertainment / Dawn Apollo Films, un film di Joseph Kosinski, “F1: Il film”. Distribuito da Warner Bros. Pictures. In attesa del suo debutto in streaming, il film continua ad essere disponibile per l’acquisto in formato digitale sulle piattaforme digitali partecipanti, tra cui l’app Apple TV, Amazon Prime Video, Fandango At Home e altre ancora.

Caramelo di Netflix è basato su una storia vera?

Il film drammatico brasiliano Caramelo, prodotto da Netflix e diretto da Diego Freitas, è una toccante storia di amicizia tra Pedro, un giovane chef ambizioso di San Paolo, e Caramelo, un cane randagio sempre affamato che entra per caso nella sua vita. Quando Pedro scopre di essere affetto da una grave malattia, il suo incontro con Caramelo diventa un punto di svolta inaspettato. Il film affronta con grande sensibilità temi come amicizia, lealtà, coraggio e sopravvivenza, intrecciando il percorso di un uomo che lotta contro la propria fragilità e quello di un cane che gli restituisce speranza e forza.

La regia di Freitas esplora il legame emotivo tra uomo e animale, mostrando come due esseri apparentemente diversi riescano a condividere un destino comune. Mentre Pedro si confronta con il dolore, la paura e la perdita del controllo sulla propria vita, Caramelo rappresenta la vitalità, la gioia e la semplicità dell’esistenza. Questa relazione, all’inizio fragile e disordinata, si trasforma in una connessione profonda e salvifica, capace di dare senso a tutto ciò che Pedro sta vivendo.

Pedro e Caramelo: due anime alla ricerca di redenzione

All’inizio della storia, Pedro è uno chef di talento determinato a emergere nella competitiva scena gastronomica di San Paolo. Tuttavia, la scoperta della sua malattia lo costringe a fermarsi e a guardare dentro di sé. Caramelo, un cane dal carattere vivace e ribelle, entra nella sua vita nel momento più buio e, con la sua presenza costante, lo aiuta a ritrovare il sorriso e la voglia di lottare.

Mentre Pedro affronta la paura di morire, Caramelo rimane un concentrato di energia e allegria. Con la sua ingenuità e il suo affetto incondizionato, riesce a portare luce nella vita del protagonista, restituendogli il senso delle piccole cose. Attraverso i loro momenti insieme — le passeggiate, le risate, i silenzi condivisi — il film racconta come la compagnia di un animale possa trasformarsi in una vera forma di terapia emotiva.

Freitas costruisce un racconto poetico e realistico al tempo stesso, dove il rapporto tra i due protagonisti diventa simbolo di resilienza e speranza. Pedro, pur trovandosi di fronte al fallimento e alla malattia, ritrova la redenzione proprio nel legame con Caramelo, che rappresenta la vita stessa nella sua forma più pura e spontanea.

Caramelo è una storia di finzione ispirata a emozioni reali

Anche se Caramelo è una storia di finzione scritta da Diego Freitas, Rod Azevedo e Carolina Castro, il film si basa su emozioni autentiche e universali. Il messaggio principale è che ogni persona ha bisogno di un compagno nella propria vita — qualcuno che la capisca senza bisogno di parole. Per Pedro, questo ruolo appartiene a Caramelo.

Il cane, così chiamato per il colore del suo manto, entra immediatamente in sintonia con Pedro e sembra percepire che qualcosa non va. In effetti, nella realtà, i cani sono in grado di cogliere gli stati emotivi umani e perfino di riconoscere i segnali fisici dello stress. Secondo un rapporto NPR del 2024, i cani riescono a “annusare” lo stress umano attraverso i cambiamenti chimici del corpo. Nel film, questo istinto si manifesta quando Caramelo si accorge che Pedro sta male, molto prima che l’uomo scopra di avere un tumore cerebrale.

Senza l’intervento del cane, probabilmente Pedro non avrebbe trovato la forza di affrontare la malattia. Gli animali domestici, in particolare i cani, vengono spesso descritti come compagni delle anime sole, capaci di donare conforto e affetto anche nei momenti più difficili. Caramelo incarna perfettamente questa funzione: combina la confusione e l’irruenza tipiche di un cucciolo con un profondo istinto protettivo, che diventa il motore emotivo della storia.

Un rapporto dell’Independent del 2025 conferma questa visione, sottolineando che in oltre quarant’anni di studi si è dimostrato che la presenza dei cani riduce lo stress e aumenta il benessere psicologico delle persone. Le loro interazioni con gli esseri umani influenzano positivamente il comportamento, il ritmo cardiaco e la produzione di ormoni legati alla felicità. Il film utilizza quindi la licenza cinematografica per rendere il legame tra Pedro e Caramelo più intenso e quasi “magico”, ma resta fedele alla realtà scientifica e psicologica del rapporto uomo-animale.

In sintesi, Freitas trasforma un legame comune — quello tra un uomo e il suo cane — in una metafora della capacità di superare il dolore e di trovare la forza attraverso l’amore e la compagnia.

Il film e la rappresentazione della lotta contro il glioma

Uno degli aspetti più forti ed emotivi del film è la scoperta del glioma, la malattia che cambia completamente la vita di Pedro. Proprio quando sta per realizzare i suoi sogni professionali, il protagonista si ritrova a dover affrontare una diagnosi devastante: un tumore che colpisce il cervello e può essere potenzialmente letale.

Il film affronta questo tema con grande delicatezza, mostrando non solo la sofferenza fisica, ma anche quella psicologica dei pazienti che combattono contro il cancro. Il glioma è una patologia complessa che causa forti emicranie, nausea, perdita di equilibrio e disturbi visivi — sintomi che Pedro inizialmente scambia per banali mal di testa. Quando la verità viene a galla, il suo mondo crolla.

Tuttavia, Caramelo diventa la sua ancora di salvezza. Durante il percorso di cure e chemioterapia, il cane gli resta accanto, offrendogli la forza emotiva necessaria per non arrendersi. Le scene in cui Pedro, stremato, si rifugia nell’affetto del suo amico a quattro zampe mostrano in modo realistico come un animale possa aiutare un malato a preservare la lucidità e la speranza.

Il film non utilizza la malattia come semplice espediente narrativo, ma come mezzo per parlare della dignità della sofferenza e dell’importanza della solidarietà umana (e animale). Attraverso Pedro, Freitas dà voce a tutti coloro che vivono la quotidianità di una diagnosi difficile, e che trovano conforto nei legami più semplici e sinceri.

L’opera diventa così una riflessione profonda sulla fragilità della vita e sul valore della compagnia come medicina dell’anima. Pur essendo una storia inventata, Caramelo si radica in una verità universale: quella che vede l’amore, la speranza e la presenza di un amico — umano o animale — come strumenti essenziali per affrontare la malattia e ritrovare il senso dell’esistenza.

Una lezione di umanità e speranza

In conclusione, Caramelo non è solo un film su un cane e il suo padrone, ma un manifesto di resilienza e amore incondizionato. Racconta come un animale possa diventare il simbolo della speranza quando tutto sembra perduto, e come l’amicizia possa curare ferite invisibili.

Pedro impara a guardare la vita con nuovi occhi, a non dare per scontato ciò che ha e a trovare significato nella semplicità del quotidiano. Caramelo, invece, dimostra che l’affetto sincero può cambiare il destino di chiunque. Insieme, incarnano il messaggio più profondo del film: anche quando la vita sembra spegnersi, c’è sempre qualcosa — o qualcuno — che può ridarci luce.

Caramelo, spiegazione del finale: il cane muore?

Il nuovo e commovente film brasiliano di Netflix, Caramelo, racconta la storia di un cuoco affetto da una malattia terminale e del cane che entra nella sua vita diventandone il migliore amico. Il protagonista, Caramelo, è un cucciolo abbandonato in una scatola di cartone sul ciglio della strada. Probabilmente rifiutato dalla famiglia che lo aveva adottato o considerato troppo problematico, il cane cresce dovendo lottare ogni giorno per sopravvivere e procurarsi il cibo. Vivace e dispettoso, seguiva sempre il proprio istinto, mangiando tutto ciò che trovava. A tre anni, Caramelo incontra Pedro, un giovane chef ambizioso. Dopo aver tentato di rubare delle salsicce, Pedro lo salva dal macellaio, e da quel momento nasce un legame speciale tra i due.

Perché Pedro portò Caramelo a casa

Dopo essersi conosciuti al mercato, Caramelo si infila di nascosto nel furgone di Pedro e lo segue fino al ristorante. Pedro sta preparando un piatto importante per la visita della critica gastronomica Laura, ma durante la giornata ha forti dolori alla testa. In un momento di confusione, Caramelo entra in cucina e si lancia sul piatto destinato alla critica, mangiandolo. Ne segue una lite tra Pedro e lo chef principale, Ivan, che decide di lasciare il ristorante. Pedro prende in mano la situazione e serve a Laura la sua coxinha, uno snack popolare reinterpretato in chiave gourmet. Il piatto conquista la critica, e Pedro ottiene la promozione a capo chef. Uscendo dal locale, trova Caramelo che lo aspetta sotto la pioggia: lo porta a casa, anche se il giorno dopo il cane gli distrugge l’appartamento. Pedro pensa così di portarlo a un rifugio.

La scoperta della malattia di Pedro

Al rifugio, Pedro incontra Camila, la co-proprietaria del centro. Mentre parlano, Caramelo continua a leccargli la testa, e Camila gli consiglia di fare dei controlli: i cani spesso percepiscono le malattie prima degli umani. Dopo una risonanza, Pedro scopre di avere un tumore cerebrale (glioma). Anche se non completamente curabile, può essere trattato con la chemioterapia. Scosso dalla diagnosi, Pedro prende due settimane di pausa per lavorare a un nuovo menù e decide di adottare definitivamente Caramelo, riconoscendo che senza di lui non avrebbe scoperto la malattia. Gli dà il nome “Caramelo” per via del suo manto color caramello e lo iscrive alla scuola di Camila per addestrarlo.

Pedro e Camila si innamorano

Con il tempo, Pedro e Camila si avvicinano. L’addestramento di Caramelo non è facile, ma Pedro non si arrende. Tra i due nasce un’attrazione crescente che culmina in un invito a cena al ristorante. Tuttavia, durante una serata di servizio, Pedro perde il senso del gusto a causa della malattia e sviene. In ospedale scopre che la chemioterapia non ha funzionato e che dovrà sottoporsi a un intervento. Camila si finge sua moglie per poter stargli vicino. Pedro, temendo di non avere futuro, si allontana da lei, ma un amico conosciuto in terapia, Leo, lo convince a vivere pienamente i sei giorni che gli restano prima dell’operazione.

L’idea imprenditoriale di Pedro

Pedro si riconcilia con Camila e le promette di occuparsi di Caramelo se non sopravviverà. Scopre però che Camila rischia di perdere il rifugio per debiti. Per aiutarla, chiede alla madre il vecchio food truck con cui lei vendeva coxinha e, con l’aiuto di Leo e Paula, lo rimette in sesto. La sua idea è innovativa: vendere street food per persone e per cani, con versioni adattate agli amici a quattro zampe. Il progetto ha successo, e anche la critica Laura si mostra interessata a investire. Tuttavia, la morte improvvisa di Leo colpisce profondamente Pedro, che comprende l’importanza di “lasciare un segno nelle persone, non nel mondo”.

Pedro sopravvive

Durante una notte di lavoro nel food truck, Pedro ha una nuova crisi e sviene mentre una fiamma rischia di incendiare il mezzo. Caramelo, ferito ma determinato, corre a chiamare Camila, che riesce a salvarlo in tempo. Prima dell’intervento, Pedro chiede di vedere il cane per ringraziarlo, e Camila escogita un piano per far entrare Caramelo di nascosto in ospedale. L’operazione riesce. Pedro sopravvive, pur convivendo con il rischio che il tumore possa tornare. Decide di godersi la vita, sposa Camila e diventa padre di un bambino. Insieme, aprono un café per cani e umani, trasformando la loro passione in un progetto di vita.

Il destino di Caramelo

Gli anni passano. Caramelo, ormai quindicenne, ha il muso imbiancato. Pedro sa che il suo amico non vivrà ancora a lungo e lo porta alla spiaggia, il suo posto preferito. Passano insieme una giornata serena, l’ultima della loro avventura. Caramelo muore in pace, dopo aver accompagnato Pedro nei momenti più difficili e avergli insegnato il valore della fedeltà e della speranza. È ricordato come il salvatore, il compagno leale e il “più dolce squalo sulla terraferma”.

Zootropolis 2: ecco Zoo, il nuovo bravo di Shakira!

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Disponibile il nuovo brano originale “Zoo”, presente nel prossimo film d’animazione Walt Disney Animation Studios Zootropolis 2, in arrivo nelle sale italiane il 26 novembre. Il singolo è interpretato da Shakira, che torna a dare la voce alla più grande pop star di Zootropolis, Gazelle. Ascolta il singolo di seguito:

La musica e il testo di “Zoo” sono stati scritti da Ed Sheeran, Blake Slatkin e Shakira. Il brano è stato prodotto da Blake Slatkin, Alex (A.C.) Castillo, Shakira ed Ed Sheeran.

La colonna sonora strumentale di Zootropolis 2 è composta dal vincitore dell’Academy Award® Michael Giacchino e sarà lanciata come parte della colonna sonora completa venerdì 21 novembre, in anticipo rispetto all’uscita del film nelle sale italiane, prevista per mercoledì 26 novembre.

“Zoo” sarà amata dai fan del brano di successo “Try Everything”, presente nel film originale vincitore dell’Oscar® Zootropolis, uscito nel 2016. “Try Everything” è stato riprodotto in streaming 2,7 miliardi di volte in tutto il mondo fino ad oggi.

La trama di Zootropolis 2

Nel nuovo film d’animazione Zootropolis 2, i poliziotti alle prime armi Judy Hopps (nella versione originale doppiata da Ginnifer Goodwin) e Nick Wilde (nella versione originale doppiato da Jason Bateman) si trovano sulle tracce di un grande mistero quando Gary De’Snake (nella versione originale doppiato da Ke Huy Quan) arriva a Zootropolis e mette sottosopra la città animale. Per risolvere il caso, i due, sotto copertura, sono costretti ad avventurarsi in nuove e inaspettate aree della città, dove la loro continua collaborazione viene messa alla prova come mai prima d’ora. Il cast vocale originale include anche le voci di Fortune Feimster, Andy Samberg, Idris Elba, Patrick Warburton, Quinta Brunson, Nate Torrence e Shakira, che torna a prestare la sua voce a Gazelle. Dal team vincitore dell’Oscar® composto dal Disney Animation chief creative officer Jared Bush e Byron Howard (registi) e Yvett Merino (produttrice), Zootropolis 2 arriverà nelle sale italiane il 26 novembre.

Noir in festival 2025: a Mick Herron il Raymond Chandler Award

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È l’inglese Mick Herron lo scrittore scelto quest’anno per il Raymond Chandler Award, il prestigioso riconoscimento per i più grandi autori di mystery creato nel 1988 in accordo con il Raymond Chandler Estate. Amatissimo creatore di spy story, diretto erede del Fattore umano di Graham Greene e John le Carré, autore della fortunata serie Slow Horses che lo ha reso scrittore di culto in Inghilterra, in Italia edita da Feltrinelli, e star delle serie tv sulla piattaforma Apple, Herron succede a una lunga e prestigiosa sequenza di scrittori nell’albo d’oro dei maestri del genere noir celebrati ogni anno dal Noir in festival nella Milano di Giorgio Scerbanenco.

Mick Herron, di cui è da poco uscito in Italia Le regole di Londra, edito da Feltrinelli come tutte le opere della serie di cui è protagonista l’agente Jackson Lamb, è oggi tra gli autori più popolari e stimati nel mondo dello spionaggio, ma deve il suo successo anche alle serie tv Slow Horses e Down Cemetery Road, con protagonisti d’eccezione come Sir Gary Oldman e Emma Thompson, e di cui lo scrittore è anche sceneggiatore e showrunner.

“Lo stile di cui Chandler è stato pioniere – scrive Mick Herron – si è diffuso rapidamente andando ben oltre i confini del romanzo poliziesco, raggiungendo ogni angolo del mondo e della scrittura di thriller, compresi quelli in cui appaiono le spie… I miei romanzi esibiscono, almeno spero, un po’ di quell’amore che Chandler nutriva per il linguaggio.”

Credits by M. Buck

Mick Herron riceverà il Premio Chandler il 4 dicembre alla Casa del Manzoni, che il Noir in festival ha eletto come l’autentico luogo dei suoi appuntamenti più significativi, dove sarà protagonista di un dialogo con il saggista ed esperto di noir Adrian Wootton. Nella mattinata dello stesso giorno, Mick Herron racconterà a docenti e studenti dell’Università IULM (partner storico del festival) come ha costruito il successo mondiale di Slow Horses dal libro alla serie tv.

La 35a edizione di Noir in festival si svolgerà a Milano dall’1 al 6 dicembre confermando la sua vocazione interdisciplinare tra cinema, letteratura, fumetto e new media con il concorso internazionale per il cinema, gli incontri con gli scrittori, le master-class all’università IULM, i focus su podcast e fumetto, il Premio Giorgio Scerbanenco per il miglior romanzo italiano e il Premio Claudio Caligari per il miglior film italiano, entrambi riservati alla produzione di genere dell’anno 2024-2025.

Noir in festival è realizzato dalla Studio Coop., è diretto da Marina Fabbri e Giorgio Gosetti, è promosso dalla Direzione Cinema (DGCA) del Ministero della Cultura, con il contributo dell’Università IULM, di Cinecittà News, della Regione Lombardia, e la collaborazione di numerosi partner privati e pubblici, tra cui il Sistema Bibliotecario di Milano e il Circolo dei Lettori di Milano per il Premio Scerbanenco, e con il patrocinio della Città di Milano.

Raymond Chandler Award 2025

Mick Herron, nato a Newcastle nel 1963, ha esordito nel 2003 con il romanzo Down Cemetery Road (da cui la serie tv omonima del 2025); ha pubblicato più di 15 romanzi, inclusi due cicli a personaggio fisso, è autore anche di racconti regolarmente ospitati nell’ “Ellery Queen’s Mystery Magazine”. I suoi libri sono stati insigniti di diversi premi tra i quali spiccano il Gold Dagger nel 2013 per In bocca al lupo e il Cartier Diamond Dagger alla carriera nel 2025, entrambi attribuiti dalla Crime Writers Association. L’apparizione di Jackson Lamb nel 2010 con Un covo di bastardi/ Slow Horsesè stata salutata come una delle 20 migliori opere di spy story di tutti i tempi. La serie televisiva ispirata al personaggio per Apple tv ha raggiunto in tutti i paesi i vertici del box office.